Fuente: Cronista ~ Firma como Cabaio Spirito. Dejó su sello en el frente del restaurante de Martín Martitegui y también en estaciones del subte de la ciudad de Buenos Aires.
El Centro Cultural Recoleta, la Bombonera, el restaurante Tegui y estaciones de subte de CABA. Esos son algunos de los espacios intervenidos por Cabaio Spirito, el artista urbano argentino que vuelca su creatividad en espacios públicos y privados desde hace 20 años, de Buenos Aires a Barcelona, de San Pablo a Ciudad de México. Y ahora, Nueva York.
El artista argentino, especialista en la técnica del stencil (combina mensajes, imágenes y formas geométricas) fue elegido por The Bushwick Collective para pintar las paredes del barrio The Bushwick, en Brooklyn.
The Bushwick Collective es un colectivo de artistas urbanos, ubicado en uno de los distritos más trendy de Nueva York, donde todos los años se lleva a cabo un evento artístico que combina graffiti, arte callejero, música y lo más vanguardistas de la comunidad artística y cultural.
«Estoy feliz de representar el arte urbano argentino en una ciudad cosmopolita como Nueva York y compartir el espacio junto a otros artistas internacionales. En The Bushwick, busqué representar lo que ciertas ciudades quieren esconder: inmigrantes, desplazados, refugiados. Por eso combiné diferentes rostros que reflejan las comunidades excluidas, con texturas de la ciudad», explicó Cabaio sobre la obra que ya disfrutan los vecinos de la Gran Manzana.
Fuente: Télam ~ Se trata de una una obra con elementos de ensamblaje, papel maché, tela y papel de pared en una caja de madera pintada, de casi un metro y medio por dos pieza del famoso personaje que se ofrece en una subasta privada de la emblemática casa Christie’s.Hace unos días «Juanito dormido» marcó un récord de 441.000 dólares.»La apoteosis de Ramona», firmada y fechada por el autor en 1966, se ofrece en Nueva York como parte de una venta privada de Christie
«Este trabajo de Berni es parte de nuestras ofertas de ventas privadas en la categoría de Arte Latinoamericano, y no forma parte de nuestra venta en vivo de Arte Latinoamericano que tuvo lugar ayer 19 de mayo», explicaron a Télam desde la subastadora Christie’s.
Esta pieza del famoso personaje Ramona Montiel -una muchachita de provincia que es corrompida por la gran ciudad, en palabras de su autor rosarino- es un assemblage, es decir, una obra con elementos de ensamblaje, papel maché, tela y papel de pared en una caja de madera pintada, de casi un metro y medio por dos, donde se ve a Ramona recostada en una suerte de chaise longue.
La obra procede originalmente de los coleccionistas Robert B. Mayer y su mujer -señaló Christie’s-, quienes la adquirieron directamente de manos del artista, en Buenos Aires el 2 de junio de 1967. Luego, en el año 1976, la vendieron a la casa neoyorquina Parke-Bernet, adquirida más tarde por Sothebys.
«Agradecemos a José Antonio Berni la confirmación de la autenticidad de esta obra», señaló la fuente de la subastadora neoyorquina sobre «La apoteosis de Ramona», exhibido por estos días en el Rockefeller Center de Nueva York.
Si bien esta obra nunca antes había sido exhibida, el rosarino del Realismo Social creó una pieza similar en 1971, con el mismo nombre, que forma parte de una colección belga, que se vio primero en el Museo de Bellas Artes de Houston, en 2013, y luego en el Malba de Buenos Aires, en 2014, como parte de un acuerdo de colaboración de ambas instituciones.
Hijo de inmigrantes italianos, Berni fue pintor, muralista, grabador y tapicero, y se volvió famoso por sus inmensos óleos sobre inmigrantes y desamparados, lo que evidenció su profundo compromiso con los problemas sociales y políticos, una toma de posición que caracterizó toda su obra.
Juanito y Ramona, las dos criaturas más célebres nacidas de la imaginería del rosarino, son arquetipos ineludibles de su universo narrativo: el chico del Bajo Flores que siempre bordea la marginalidad, y la muchacha que llega del interior dispuesta a insertarse en una sociedad hostil y se prostituye.
Fuente: Ser Argentino ~ Sin dudas esculpir figura de mujeres no es algo nuevo, lleva siglos. Diosas mitológicas griegas y romanas, señoras ilustres, maestras de rostros europeos, etnias americanas, fueron esculpidas a lo largo de los años.
En nuestro país existen significativos monumentos y esculturas con figuras de mujer. En esta nota hacemos un recorrido por algunas de ellas.
Las esculturas de Lola Mora
Lola Mora fue una artista con tres datos de color que se discutieron por mucho tiempo y no hacen a su actividad. Uno es el año de su nacimiento (1866 ó 1867), el otro el mes (abril o noviembre) y el tercero en dónde (Salta o Tucumán). La verdad fe revelada por su biógrafo y sobrino nieto, Pablo Sola, en la que aportando datos fehacientes asegura que Dolores Candelaria Mora Vega, llegó a este mundo en abril de 1867, en la provincia de Tucumán y fue bautizada en Salta.
Lola Mora, tal cual su nombre artístico, en su prolífica obra realizó bustos de varias personalidades de la política y la aristocracia argentina, como Juan Bautista Alberdi, Facundo Zuviría, Aristóbulo del Valle, Carlos María de Alvear y Nicolás Avellaneda. También trabajó con alegorías como las estatuas de La Justicia, El Progreso, La Paz y La Libertad, en las cercanías a la Casa de Gobierno de la Ciudad de Jujuy. En esta nota nos referiremos a las que involucran a mujeres.
Estatua de la Libertad Tucumán y en Rosario, Santa Fe
Es una alegoría a la independencia encargada por el entonces presidente Julio Argentino Roca. Ubicada la Plaza Independencia de la capital tucuamana es una figura femenina que representa «La Independencia» o «La Libertad», realizada en mármol blanco de Carrara.
También, en el Pasaje Juramento-Monumento a la Bandera Nacional en Rosario, se encuentra un conjunto de esculturas de Lola Mora, entre las que se destaca la Estatua de la Libertad o la República de la Gloria
Dos obras que movilizaron rechazos
Una es la Fuente Monumental de las Nereidas, representa a estos seres mitológicos que concurren al nacimiento de la diosa Venus. Originalmente iba a colocarse en la Plaza de Mayo de la Ciudad de Buenos Aires, justo frente a la Catedral Metropolitana. El problema es que este conjunto de divinidades de la mitología romana mostraba la desnudez de los personajes femeninos. Los moralistas de ciertos sectores porteños sostuvieron su descontento. Es por eso que, para evitar el escándalo, se la emplazó en la Costanera Sur. https://514cbe0447b8ee64a0e7b105ec3cfae5.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-38/html/container.html
La otra se puede apreciar en el acceso a la capilla de la bóveda de la familia López Lecube, en el Cementerio de la Recoleta. Son dos figuras realizadas en mármol: una en actitud meditabunda y otra mirando al infinito. Una de las esculturas muestra el hombro descubierto producto de que uno de los sostenes del vestido está caído. Las señoras de la época, otra vez, exteriorizaron sus reclamos al Director del Cementerio para pedir el retiro de esa obra por considerarla “obscena», ya que estaba un lugar santo.
Tres obras de Pedro Zonza Briano
Este artista galardonado internacionalmente es una clara representación de como un argentino evoca figuras de la mitología europea. Como el pensamiento helénico está presente en estas cuatro esculturas de mujeres que se encuentran en Buenos Aires.
Venus Criolla
Se evoca a una mujer de la mitología. Otra característica que se destaca en la escultura son los pliegues en la tela o drapeado que sostiene la mujer con el brazo izquierdo. El trabajo se exhibe el en Museo Benito Quinquela Martin del barrio de La Boca, donde nació el artista
Flor de Juventud
Se halla sobre un pedestal de en mármol negro de Suecia pulido y representa a una adolescente en actitud reclinada. Realizada en bronce patinado, expresa juventud, belleza y placidez de ensueño. Lo sensual es anulado por la expresión espiritual de la obra. Carlos Tahys la adquirió en 1928 para colocarla en el Rosedal de Palermo donde se la puede ver.
Dos en el Palacio de Hacienda
En la entrada protocolar al Palacio de Hacienda (Av. Yrigoyen 250-CABA) están emplazadas las esculturas Tierra Fecunda y Frutos de la Tierra. Son de 1939, realizadas en bronce y de tamaño natural
Flor Indígena, Ciudad de Buenos Aires y Ciudad de Corrientes
Esta obra pertenece a Gonzalo Leguizamón Pondal representa a una mujer nativa desnuda, con las palmas abiertas en actitud de devoción. El artista realizó dos versiones en diferentes materiales. Una, ejecutada en arenisca, que se encuentra el Jardín Botánico de la Ciudad de Buenos Aires. Esta obra fue adquirida por la entonces Municipalidad de la Ciudad en 1945 para colocarla en el llamado Parque de la Raza, en Sarmiento y Rafael Obligado. En 1961 se la trasladó a la Plaza España, lugar que sufrió un atentado, entonces en 1979 se la ubicó donde está en la actualidad en el Jardín Botánico. La otra es de bronce fundido y se exhibe en el Museo de Bellas Artes de la provincia de Corrientes.
Juana Azurduy, San Nicolas, Ciudad de Buenos Aires
El autodidacta Andrés Zerneri es el autor de la monumental estatua dedicada a Juana Azurduy, heroína de las luchas independistas en Sudamérica, actualmente ubicada frente al Centro Cultural Kirchner, en la ciudad de Buenos Aires. Encargada al artista por el presidente de Bolivia, Evo Morales, éste a su vez la donó al estado argentino en tiempos de la presidencia de Cristina Kirchner. Inaugurada en 2015, pesa 21 toneladas.
Mujer con libro, Recoleta, Ciudad de Buenos Aires
Jose Fioravanti hizo piezas que son identitarias de los lugares donde se encuentran como el Monumento a los Lobos Marinos de Mar del Plata. También asistió, entre otras, con el Monumento a La Bandera de Rosario. Esta escultura realizada en mármol obtuvo el Gran Premio del Salón Nacional. Es un retrato de su esposa, la pintora rusa Ludmilla Feodorovna. A partir de entonces, se le encargaron los más importantes monumentos de su época: de Nicolás Avellaneda, Simón Bolívar, Roque Sáenz Peña, Franklin D. Roosevelt, Rubén Darío, entre otros. La obra se exhibe en las instalaciones del Museo Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de Buenos Aires
La cautiva, Recoleta, Ciudad de Buenos Aires
La escultura pertenece a Lucio Correa Morales y se halla frente a la Facultad de Derecho de la Universidad de Buenos Aires. La obra la realizó en 1905, y su inspiración está dada en una mujer tehuelche víctima del genocidio llamado Campaña del Desierto, en el que había perdido a sus hijos. Es un conjunto escultórico tallado en mármol donde, además de la mujer, se observan a sus dos hijos y un perro. Morales hace un giro sobre el libro de Esteban Echeverria, cambiándole el origen al personaje una forma de mostrar los daños colaterales en ambos bandos.
Paula Albarracín, ciudad de San Juan
Esta estatua es obra de Luis Perotti y se la puede ver en el Museo Casa Natal de Sarmiento en la capital sanjuanina. Allí se ve a una Paula Albarracín, madre de Domingo Faustino Sarmiento, en actitud contemplativa junto al telar donde trabajaba y a la sombra de la higuera. Está realizada en bronce sobre base de travertino sin pulir. Esta escultura se colocó allí en 1939, en el lugar que ocupara una obra de composición pétrea, en ocasión de cumplirse el cincuentenario de la muerte de Sarmiento, a pedido de la Asociación de Maestros de Escuelas Lainezen.
La Taragüí, frente al río Paraná, ciudad de Corrientes
Ubicada en la avenida costanera General San Martín, de la ciudad capital de Corrientes, se encuentra una réplica estatua que fue realizada por el escultor correntino Amado Higinio Puyau y simboliza a la mujer guaraní. La original está en el Museo de Bellas Artes de la misma ciudad. Fue hecha en yeso patinada en bronce y ganó el primer premio en el Salón Nacional de Escultura del año 1936. Dos años después hace la réplica en bronce fundido y se la dona al gobierno provincial. Se ignora el nombre de la mujer que modeló para el artista y las versiones van desde una joven correntina a una tarotista de 18 años.
Despertar, Resistencia, Chaco
La obra pertenece al escultor Lucio Fontana y se la puede ver en las esquinas de 9 de Julio y Güemes en la capital chaqueña. Es una de las más destacadas obras que integran el Museo de Esculturas a cielo abierto de esa ciudad. La obra, de dos metros de altura, es de bronce, y representa a una mujer desnuda. El emplazamiento de esta escultura, en 1969 provocó, el rechazo de los pudorosos vecinos quienes empezaron a vestir a la estatua con corpiños, corsé, delantales.
Dolores Díaz- La Tigra, ciudad de La Rioja
Es una obra del escultor Juan García Guzmán emplazada en el Paseo de la Mujer Federal en la capital riojana. La Tigra fue una riojana que luchó junto a los caudillos, en la batalla del Pozo de Vargas en 1867 contra las tropas del Ejército Nacional enviadas por el gobierno de Bartolomé Mitre, para defender los valores del federalismo riojano. La obra reivindica la lucha de la mujer contra las fuerzas unitarias.
Fuente: Ámbito ~ Invita a las galerías de arte y artistas representados por ellas y a personas interesadas a sumarse como «aliades» a la conformación diaria de un fondo económico común destinado a artistas visuales en emergencia y con proyección nacional.
El sector cultural, es uno de los más afectados por la pandemia del Covid-19. En este contexto de complejidad e incertidumbre, se presentó Fondo Fluido, una iniciativa económica y solidaria para los artistas visuales en emergencia.
Esta invita a las galerías de arte y artistas representados por ellas y a personas interesadas a sumarse como «aliades» a la conformación diaria de un fondo económico común destinado a artistas visuales en emergencia y con proyección nacional. Las artistas Marina De Caro, Mariela Scafati y Adriana Bustos junto a la gestora cultural Cecilia Garavaglia llevan adelante la iniciativa «Coleccionables de emergencia» desde el año pasado para ayudar a ocho organizaciones sociales y también participan de Fondo Fluido, un nuevo modelo que busca ayudar a artistas visuales de todo el país con un aporte único y solidario desde el propio sistema del mercado de arte.
En el caso de «Coleccionables de emergencia», a partir del trabajo de mediación entre artistas que donan obras de un formato chico y coleccionistas que las adquieren, durante el 2020 se consiguieron más de $1 millón repartidos entre las ocho organizaciones sociales que ayudan cubrir las necesidades básicas alimentarias y de cuidado de sus comunidades.
Garavaglia comentó que se vendieron 153 de las obras y detalló que cada una lleva un certificado de acto de solidaridad y que no pueden revenderse. Por su parte, Scafati señala que «durante el 2020 ninguna de las organizaciones debió suspender las meriendas o la entrega de productos, como sí sucede en este momento», al tiempo que remarcaba que la normalidad está lejos de regresar a la vida cotidiana.
Las organizaciones con las que colaboran son Artistas Solidarios, No Tan Distintas (organización transfeminista de personas en riesgo o en situación de calle), Cocina Móvil Solidaria (Balsa Las Perlas, Río Negro), Varones trans no binaries y familias (La Rioja), Colectivo Yo no fui (colectivo transfeminista), Villeros disidentes (Ciudad Oculta, Ciudad de Buenos Aires), Merendero Juvenil (Barrio 31 Carlos Mujica) y Changuito Solidario del Cera, Escuela de Cerámica Nº 1 (Almagro, Ciudad de Buenos Aires).
Fuente: La Nación ~ Una investigación reveló la razón por la cual la primera pintura de la humanidad se está degenerando a un ritmo alarmante
Un equipo de investigadores analizó las primeras obras de arte rupestre del mundo y concluyó que las mismas se están desgastando a una velocidad preocupante. Los expertos publicaron los resultados del estudio que realizaron sobre las creaciones más antiguas de la humanidad y alarmaron a toda la comunidad científica internacional.
Según la investigación, publicada el pasado 13 de mayo en la revista Scientific Reports, gran parte del arte rupestre más antiguo del mundo, que se encuentra en Indonesia y que incluye el dibujo a mano con plantilla más primitivo que se conoce, se está degenerando a un ritmo alarmante debido al cambio climático.https://36f9d658cd9b1aab198e37f52adc3df2.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-38/html/container.html
Los expertos analizaron la escena narrativa más antigua conocida en el arte prehistóricoScientific Reports
La islas indonesias de Célebes y Borneo, albergan arte rupestre que se remonta a más de 45.000 años de antigüedad. Estas pinturas incluyen representaciones de animales, figuras mixtas de humanos y animales, plantillas a mano dibujadas en pigmentos rojos y violetas, y la escena narrativa más antigua conocida en el arte prehistórico.
Los autores del estudio aseguraron que, desde la década de 1950, los arqueólogos han estado informando que las antiguas pinturas, que lograron sobrevivir durante decenas de miles de años, comenzaron a “ampollarse y desprenderse de las paredes de las cuevas”.
El deterioro se puede observar en la cueva de Leang Tedongnge, ubicada al sur de la isla de Célebes en la región de Maros-Pangkep. Allí, los investigadores descubrieron la pintura más antigua conocida de arte rupestre que muestra a un cerdo verrugoso y que tiene al menos 45.500 años de antigüedad.
La región de Maros-Pangkep alberga alrededor de 300 yacimientos distintos de arte rupestre realizado sobre la piedra caliza. “Las pinturas rupestres de Indonesia son algunas de las primeras pruebas que tenemos de que hubo gente viviendo en estas islas. Trágicamente, en casi todos los nuevos yacimientos que encontramos en esta región, este arte primitivo se encuentra en un avanzado estado de deterioro”, advirtieron los científicos.
La entrada de la cueva de Leang TedongngeScientific Reports
Pero como las razones de la degradación del arte rupestre todavía no estaban claras, el equipo de investigadores decidió continuar con el análisis de otros 11 sitios arqueológicos de la región que datan de entre 20.000 y 40.000 años.
Para realizar el estudio, los científicos utilizaron distintas técnicas que incluyeron potentes microscopios, análisis químicos e identificación de cristales. Como resultado, encontraron sulfato de calcio y cloruro de sodio en las rocas de tres sitios arqueológicos, además de altos niveles de azufre en los 11 lugares. Los expertos concluyeron que los diversos depósitos de sales en las cuevas son los responsables del deterioro de las pinturas.
Los investigadores explicaron que la humedad y las altas temperaturas son las que favorecen la formación de los cristales de sal. El proceso comienza cuando la sal es transportada por el agua en el aire, y una vez que el agua se evapora, la sal queda como un depósito sobre o debajo de la superficie de la roca. Los depósitos de sal se expanden y contraen a medida que el entorno circundante se calienta y enfría, lo que provoca una tensión repetitiva en la piedra.
Algunos depósitos de sal pueden expandirse hasta tres o más veces su tamaño original cuando se calientan. Esta tensión repetida hace que la roca se agriete y se desprenda.
El cambio climático es el responsable
Los hallazgos sugieren que durante al menos los últimos cuatro siglos, el arte rupestre de Maros-Pangkep se fue deteriorando cada vez más, y durante los últimos 40 años, esa erosión se aceleró rápidamente debido al cambio climático causado por los humanos.
“Australasia tiene una atmósfera increíblemente activa, alimentada por intensas corrientes marinas, vientos alisios estacionales y una reserva de agua cálida del océano. Sin embargo, parte de su arte rupestre logró sobrevivir hasta ahora decenas de miles de años a través de grandes episodios de variación climática, desde el frío de la última edad de hielo hasta el inicio del monzón actual”, manifestaron los autores del estudio.
Los científicos demostraron que la sal afecta la pinturaScientific Reports
“Pero el cambio climático está magnificando los extremos climáticos. Las temperaturas ambientales más altas y los eventos climáticos extremos más severos y frecuentes están acelerando los cambios de temperatura y humedad que inducen las formaciones de sal”, indicaron los expertos.
Los autores de la investigación revelaron que la frecuencia creciente y la gravedad de las sequías causadas por el ciclo climático de El Niño, sumado a la acumulación de la humedad de las lluvias monzónicas en las zonas cercanas, proporcionan las condiciones ideales para la evaporación, la formación de sal y la erosión de las superficies de las cuevas que albergan el arte antiguo.
Los científicos exigieron a las autoridades que realicen más trabajos de conservación, seguimiento e investigación en estos sitios arqueológicos. “El arte rupestre antiguo de Indonesia se encuentra dentro de un entorno tropical dinámico que lo hace vulnerable a los impactos destructivos del cambio climático, lo que añade una urgencia única a esta petición de más investigación”, concluyeron.
Fuente: Página 12 ~ Ciudadanos crean conciencia sobre patrimonio arquitectónico en Rosario, donde un paseo puede ser una cita con el modernismo, con obras construidas a mediados del siglo veinte.
La segunda oleada de la pandemia nos deja a los rosarinos sin teatros ni museos, sin conciertos ni danza, sin goce estético en copresencia en una sociedad de productores de cultura que hace más de un año ven peligrar su subsistencia y resisten en la ciudad de pobres corazones. ¿Qué se puede hacer salvo salir a caminar? Recuperar la práctica del paseo, si sabemos mirar los detalles, permite disfrutar de la valiosa arquitectura local y de los murales urbanos. Hay un espacio online que sirve de guía.
Ana María Ferrini no es arquitecta ni fotógrafa, sino profesora de Letras por la Universidad Nacional de Rosario. Hace unos años, empezó a salir con una cámara a fotografiar tesoros arquitectónicos de la ciudad que estaban por ser demolidos. «Fue correr contra la piqueta», contó. La impulsaba «la desesperación de fijar en foto lo que va a desaparecer». Habituada a investigar, se dedicó a consultar bibliotecas tras las historias de aquellas hermosas fachadas, y el hobby personal terminó convertido en causa colectiva. Administrado por Ana María, Basta de demoliciones (https://www.facebook.com/groups/bastadedemoliciones) es un espacio en la red social Facebook que nuclea a defensores de este patrimonio. El grupo es privado y hay que solicitar unirse. Tiene 6.300 miembros.
Casa racionalista en Pasaje Amelong. Foto: Tere Furia
Esa suma de voluntades, potenciada por el espacio de diálogo, produjo acciones cívicas como un documento colectivo publicado online, donde se expresa un clamor ciudadano que interpela al gobierno municipal (https://barullo.com.ar/patrimonio-rosarino-documento-del-grupo-basta-de-demoliciones/). Reunió 180 firmas y fue entregado a las autoridades municipales en febrero. En una entrada, o posteo, del 1º de mayo, Ana María transcribe una respuesta recibida el 19 de abril, firmada por María Elena Santos, directora del Programa de Preservación y Rehabilitación del Patrimonio, y por el subsecretario de Planeamiento, Gervasio Solari. La respuesta fue comentada en el grupo en un tono general de decepción. Cabe preguntarse qué pasaría si el grupo deviniera en ONG o asociación civil, con recursos económicos y la consiguiente capacidad de acción.
Ana María y otros integrantes suben al grupo álbumes de fotos situadas, producidas por ellos mismos, que documentan la belleza efímera de las calles. Uno reciente reúne los murales urbanos que llevan la firma de Lacast, con sus stenciles de rostros humanos o de monos y perros humanizados. Un álbum entero es dedicado al motivo decorativo del león, en un «safari» fotográfico por Miguel Ángel Germán. Hay que detenerse y levantar la vista para descubrirlos en la jungla urbana.
La casa barco, en bajada Puccio. Foto: Marcelo Fabbrini
Varias de esas series registran la elegancia modernista, basada en formas puras, de las obras arquitectónicas en lenguaje racionalista que fueron construidas a mediados del siglo veinte en Rosario. La más misteriosa y mejor situada es «la casa barco», que desde su alta terraza mirador domina una amplia vista de la ribera del Paraná; está en la esquina de Avenida Puccio y Álvarez Thomas y es obra de Horacio Méndez, quien diseño casas de similar estilo en Viamonte y Sarmiento, Viamonte y Pasaje Amelong, Mitre y Cochabamba, Santiago y 9 de Julio…
Pablo Mercado, arquitecto, activo integrante del grupo, cuenta que «el lenguaje racionalista es un apelativo a la modernidad y al progreso, a la máquina como complemento para el hombre… el progreso como idea de salud, asoleamiento, confort. Los cambios en los sistemas constructivos llegan a la ciudad con un nuevo edificio que ya no establece la esquina para una cúpula sino para un juego de volúmenes que la prestigia por su composición: en 1938 se construyó el edificio de la Comercial de Rosario, durante décadas el más alto de la ciudad, proyecto del estudio de los arquitectos De Lorenzi, Otaola y Rocca, que tal vez sean los más puristas; fue construido por Biasutto y Fuentes sobre el eje de calle Córdoba y la intersección con el Boulevard Oroño. El estudio tiene además la Comercial de Rosario en Córdoba y Oroño y el ‘Gilardoni’ en Rioja y Oroño. Y también las oficinas de Grimaldi Grassi en Santa Fe entre Paraguay y Corrientes, el primer curtain wall de Rosario», recuerda.
En 1943 se edificó la torre en calles San Juan y Maipú de los arquitectos Picasso, Funes y Fernández Díaz para la Sociedad Unione e Benevolenza. Ese estudio proyectó también el célebre edificio de la Cooperativa de Vivienda, «el Palomar» (calles Colón y Mendoza), que según Mercado es representativo de una vertiente tardía: «Es un escándalo de curvas, parapetos corridos y bloques verticales, sobre un basamiento que absorbe la pendiente de la cuadra. Dentro del lenguaje racionalista se crea el estilo ‘naval’ en algunas obras de Rosario, como la casa que hace Méndez sobre la subida Puccio para su vivienda, la casa barco. El estilo naval tenía ojos de buey como ventanas y salas de máquinas».
Mercado fecha el lenguaje racionalista entre la segunda mitad de la década de 1930 y los años ’50, y evoca otros representantes del lenguaje: «Camilo y Quaglia, con muchas obras de escala doméstica; Daumas y Maisonnave en edificios audaces, como el de calle Santa Fe entre Entre Ríos y Corrientes; también Echesortu, Casas y Armentano con planteos como el del cine Echesortu, que luego fue la discoteca Space». Una obra racionalista estatal importante fue el Museo Castagnino (1937), en estilo ‘littorio’, por los arquitectos Hernández Larguía y Newton. Antes del racionalismo fue el Art Déco; después vinieron «el lenguaje internacional y el pintoresquismo, conviviendo mezclados hasta los ’60. Se daban cuando se dieron en otras partes del mundo, eso es lo mágico», opina. «Ahora estamos un poquito atrasados».
Fuente: Grupo La Provincia ~ Como parte de la muestra «El canon accidental. Mujeres artistas en Argentina (1890-1950)», el Museo Nacional de Bellas Artes organiza el seminario virtual «Mujeres al borde de un canon desafiado: historias de artistas en Argentina», dictado por la curadora Georgina G. Gluzman, y de acceso libre y gratuito a través del canal de YouTube de la institución.
Gluzman, cuyo trabajo de investigación dio origen a esta muestra temporaria, dictará este seminario en dos encuentros que será los días jueves 20 y 27 de mayo a las 18 y se podrán seguir en youtube.com/MNBAdigital.
Para conocer más sobre la exposición, inaugurada el 25 de marzo, el Museo desarrolló un micrositio dedicado a ella, donde se pueden explorar las 88 obras que la integran, leer los textos curatoriales y las reseñas biográficas de las artistas presentes y ver imágenes de las salas de exhibición: canonaccidental.bellasartes.gob.ar/
Las clases virtuales buscarán brindar un panorama de las autoras que forman parte de la exposición «El canon accidental», y de los lineamientos teóricos en los que Gluzman sustentó su investigación histórica y artística. Además, se discutirán conceptos de la teoría feminista en el campo del arte y se abordarán las trayectorias de algunas de las artistas activas en el país entre 1890 y 1950.
La muestra se compone de pinturas, dibujos, grabados, fotos y esculturas, a veces inéditas, otras exhibidas en mecas artísticas locales de la época pero luego invisibilizadas: no aparecen en los libros, no se enseñan en las universidades, no guían las muestras de los museos.
María Obligado, Leonor Terry, Carlota Stein son algunas de las más de 80 obras de 44 autoras, unas ignotas y otras reconocidas y premiadas por el circuito del arte nacional, pero excluidas de su historia que Gluzman retomó en esta muestra que se puede ver en el Bellas Artes.
«Todo lo que materialmente ya no existe también está presente en esta exposición», dijo la curadora a Télam al inaugurarse «El canon accidental. Mujeres artistas en Argentina (1890-1950)».
Gluzman (Buenos Aires, 1984) es especialista en enfoques feministas de la historia del arte, con foco en el siglo XIX y la primera mitad del siglo XX, es doctora en Historia del Arte, y licenciada y profesora en Artes por la Universidad de Buenos Aires. Se desempeña como profesora de la Universidad de San Andrés, donde dicta seminarios de arte argentino y estudios de género y es autora del libro «Trazos invisibles. Mujeres artistas en Buenos Aires (1890-1923)» (Biblos, 2016).
Fuente: Infobae ~ En la celebración del Día Internacional de los Museos, una recorrida por los las colecciones más insólitas que podrías visitar
Este 18 de mayo se celebra el Día Internacional de los Museos, una iniciativa promovida por el Consejo Internacional de Museos en 1977 y que busca generar conciencia en la ciudadanía de la impotancia de estos espacios para la memoria, la protección del patrimonio y el intercambio cultural.
Este año, el lema elegido para conmemorarlo ha sido “El futuro de los museos: recuperar y reimaginar”, lo que nos invita a pensar sobre cómo proyectar en las nuevas generaciones la necesidad de conservar y promover a los museos como uno de los pilares de las sociedades del mañana, pues guardan la memoria de lo que hemos avanzado como humanidad.
En el marco de esta celebración, aquí va una recopilación de algunos de los museos más curiosos del mundo, que tal vez no sean los más grandes o famosos, pero que seguro te dejarán perplejo por sus temáticas, extraños objetos, ubicaciones inverosímiles y experiencias atragantes.
1. Museo subacuático del Arte: La primera parada de esta lista no está precisamente en tierra firme, sino en aguas latinoamericanas. Así es, en las costas de Cancún, en México, puedes vivir una experiencia única sumergiéndote en las aguas para nadar en medio de una serie impresionante de esculturas que ya han sido invadidas por la fauna marina, ofreciendo una imagen de ensueño que quedará grabada para siempre en la memoria de sus visitantes. El MUSA fue creado para atraer el turismo submarino que estaba afectando negativamente la biodiversidad y sostenibilidad del fondo marino de México y llevarlo a un área protegida y segura en donde los corales y arrecifes no sean dañados. Como esta área no tenía un atractivo tan grande como los ecosistemas en peligro, se colocaron allí las esculturas que hoy forman parte del museo submarino más grande del mundo.
2. Museo de lo extraño: Su nombre real es Museo del Descubrimiento Boonshoft y queda en Ohio (Estados Unidos) pero es más conocido por su apodo gracias a la cantidad sorprendente de objetos raros que guarda en su interior. Aquí puedes encontrar un zapato de mujer destrozado por un rayo, los pantalones de un hombre que tenía una cintura de dos metros de circunferencia, fotos instantáneas de supuestos fantasmas, una que otra momia, una bombilla llena con agua de una gran inundación en el estado que data de 1913 o restos de tornados que han pasado por la ciudad.Museo de lo Extraño en Ohio (Estados Unidos)
3. Museo del Arte Malo: El MOBA (por sus siglas en inglés) queda en Boston (Estados Unidos) y tiene como objetivo “celebrar la labor de los artistas cuyo trabajo no sería mostrado ni apreciado en ningún foro más que este”. Su amplia colección se nutre por tres vías: hallazgos de obras en tachos de basura (como Lucy in the Sky with Diamonds, la obra que inició la colección), donaciones de artistas y coleccionistas de arte malo, y compras en mercados de pulgas. Sus particulares colecciones y creciente popularidad han creado un género en sí mismo “el arte malo”. Aquí podrás encontrar lo mejor de lo peor del mundo del arte.Una de las obras exhibidas en el Museo del Arte Malo.
4. Museo de la Basura: Este es uno de esos lugares increíbles e inusuales que se esconden en las bastas calles de Nueva York. El Trash Museum, fue fundado hace más de 30 años por Nelson Molina, un basurero jubilado que comenzó la tarea de recopilar las cosas más insólitas que encontraba en los desechos. Aquí podrás observar unas muy curiosas decoraciones de navidad, antiguos uniformes militares, máquinas de escribir, figuras de bodas y todo tipo de cachivaches que botamos a la basura. Un recorrido que nos pone cara a cara con lo que somos mostrando lo que desechamos.
5. Museo de las Relaciones Rotas: Cambiando de continente nos vamos a Europa, más específicamente en Zagreb (Croacia) donde construyeron un museo dedicado al fracaso amoroso. Los objetos que se exhiben en sus pasillos fueron en el pasado parte de hermosas relaciones, y otras no tanto, que llegaron a su final. Cartas, regalos, anécdotas, fotos, memorabilia, la colección siempre está abierta a nuevas colaboraciones y quienes visitan el lugar pueden dejar en él algún objeto que quieran inmortalizar.Tesoros encontrados en el Museo de la Basura
6. Museo del demonio: Si el anterior era un destino para románticos este lo es para los amantes de lo oscuro. Ubicado en Kaunas (Lituania), en este lugar se pueden ver hasta 1.700 imágenes del diablo, así como una interminable muestra de objetos relacionados con Satanás y los cultos en su nombre. Si eres fácilmente impresionable o tienes un gran temor por las maldiciones demoniacas, este no es el lugar para ti.
7. Museo del Crimen: Siguiendo en Europa, pero más al occidente, vamos a Londres (Inglaterra) y si podemos pasamos por este lugar donde se encuentra una impresionante colección de armas homicidas, objetos de espionaje, un compendio de pruebas forenses y todo un espacio dedicado a Jack el Destripador, uno de los asesinos más famosos del mundo. La desventaja es que este no es un lugar abierto al público y para poder entrar se necesita una autorización de Scotland Yard que usualmente se le otorga solo a profesionales de la criminalistica.Imágenes alusivas a Satanás en el Museo del Diablo.
8. Museo de la Tortura Medieval: Si quedaste con ganas de ver objetos aterrorizantes, entonces uno de los lugares más visitados de Praga es para ti. Situado junto al punte Carlos IV, otro importante atractivo turístico de la ciudad, en este museo están los instrumentos más usados en la Edad Media para infligir castigo físico recopilados en todas partes del mundo, recordándonos que la tortura, fue más comunes de “impartir justicia” y lograr confesiones de crímenes en el mundo antiguo.
9. Museo de la lepra: Este museo en realidad son dos, uno en Bergen (Noruega) y otro en Münster (Alemania), y en ellos se conmemora una de las más grandes enfermedades que golpeó la humanidad y que diezmo la población en diferentes periodos de la historia. Visitar estos lugares, en medio de estos tiempos de pandemia, nos puede servir para recordar lo que hemos vivido antes, y cómo hemos prevalecido.Museo de la Tortura Medieval.
10. Museo del Calcetín: Para cerrar esta lista nos vamos a Tokio (Japón) a un lugar construido para exaltar este imprescindible pero ignorado artículo de ropa, el calcetín. Aquí podrás encontrar más de 20 mil de estas prendas en todos los tamaños, colores y formas, una verdadera oda a la creatividad y el ingenio humano, y claramente, a las medias.
Fuente: La Capital ~ Las pinturas se muestran en formato gigantografía en cuatro puntos de la ciudad, y está previsto sumar dos más. La muestra se extenderá mientras dure el proceso de edificación de las nuevas torres. La inédita galería a cielo abierto surge en una época de museos cerrados y actividad cultural reducida.
En tiempos de museos cerrados y actividad cultural reducida, once artistas rosarinos participan de una “Galería de arte en la vereda”, que consiste en la exposición de sus trabajos en formato gigantografía sobre los cercos que protegen obras en construcción y durante el lapso que demande completar las edificaciones. La iniciativa es coordinada por el arquitecto y docente santafesino de la galería de arte AG, Guillermo Aleu.
“Es algo inédito en el país y habiendo investigado antecedentes, por la magnitud y alcance de la propuesta de difusión, es único en el mundo”, se entusiasmó Aleu, y contó que el montaje arrancó a principios de este año. Ya se colocaron cuatro de los seis cercos proyectados, que en total ocuparán 700 metros cuadrados de imágenes artísticas emplazados en distintos puntos de la ciudad. En Santa Fe, en tanto, el proyecto involucra a 17 creadores que vuelcan sus obras en tres lugares representativos y suman otros 600 metros cuadrados.
Las cuatro “galerías” locales a cielo abierto se pueden recorrer en 27 de Febrero y Maipú, Cerrito y Corrientes, Córdoba esquina Cafferata y Maipú al 2000, sobre chapones de la empresa Pilay. Del otro lado conviven en horario diurno decenas de trabajadores que manipulan máquinas y materiales en pos de alzar nuevas torres.
“Mientras dure el proceso constructivo queremos regalar a los vecinos y transeúntes una vista diferente, bella, a la vez que buscamos tender puentes y generar espacios de encuentro entre el arte, las personas y los artistas”, dijeron desde la desarrolladora, con 45 años de trayectoria en el rubro.
Para el coordinador del proyecto, estas exposiciones implican una irrupción en lo urbano y también un compromiso con artistas de la región que desarrollan un lenguaje propio (Javier Carricajo, Fernando Rossia, Jorgelina Toya, Roberta Piedrabuena, Mario Godoy, Esteban Uribe, Pedro Iacomuzzi, Ezequiel Trevisi, Lázaro Diacovich, Enzo Ivkovich y Sebastián Bona en Rosario). Aquí predomina la pintura, aunque hay dos creadores que se expresan en dibujo. Por otra parte, fueron incorporados tres artistas fallecidos a los que se les rinde homenaje en Santa Fe, los destacados Julio César Botta, Domingo Sahda y Raúl Ishikawa.
“La escena urbana luce imágenes de alto contenido simbólico y cultural, lo que desplaza el carácter publicitario que por lo general tienen estos cerramientos perimetrales en las obras edilicias”, apuntó Guillermo Aleu. “Se hacen presentes valores artísticos y educativos, se muestran a la ciudadanía creadores santafesinos en plena vigencia productiva”, analizó. Para los vecinos es una posibilidad de acceder a ellos a través de sus obras, de conocerlos, mientras que los artistas encuentran un circuito no convencional para difundir y promocionar el fruto de su trabajo. Una materialidad que si bien resulta efímera no es sólo virtual sino también tangible para todos, aun en un contexto de pandemia, distanciamiento y restricciones.
Desde la capital provincial, Aleu contó que a la hora de elegir qué exponer “celebramos todo aspecto que pudiera seducir al espectador con el puro oficio del artista representando a la figura humana en plenitud realista o en su versión ingenua como retrato o caricatura; la captación de la luz y el contraste”. También la curaduría valoró “cuando el motivo fuera del reino animal o vegetal, es decir, el paisaje como motivo recurrente de la pintura; el color cuando las expresiones fueran más abstractas en sus vertientes geométricas o expresionistas”.
Los artistas invitados a participar del proyecto, que comenzó a gestarse el año pasado a instancias de la empresa Pilay, elevaron en principio sus propuestas y para el armado de los paneles se alternaron imágenes de lenguaje figurativo -que se consideran más próximas al variado público transeúnte, de modo de captar su mirada- con otras expresiones abstractas “donde ponderamos la fuerza del color, un elemento que siempre define composiciones plásticas e impacta”, indicó Aleu.
El acceso a la galería a cielo abierto es libre para todos aquellos que pasen y posen su mirada desde la calle o la vereda, hasta el término de la construcción que dejará plantadas nuevas torres.
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Museo de la Tortura Medieval.
