Fuente: Ámbito ~ Galerías Witcomb aseguró que «nuestra subasta online de agosto cuenta con 67 Lotes de Artistas como Spilimbergo, Marta Minujín, Joan Miró, Milo Lockett y Carlos Alonso, entre muchos otros».
Hasta el 28 de agosto se puede participar de la subasta online organizada por Galerías Witcomb en la que hay obras de artistas jóvenes como Florencia Cand, Nancy Mur y Honorio López Achával; y también consagrados como Benito Quinquela Martín, Juan Carlos Castagnino, Antonio Berni y Raúl Soldi.
Se trata de 100 lotes, que además incluyen obras de Jorge Barboza, Milo Lockett, Carlos Alonso, Guillermo Roux, Juan Manuel Sánchez, Juan Carlos Benítez, Lino Enea Spilimbergo y Julio Le Parc.
A su vez, esta edición cuenta con un par de destacados internacionales, como las litografías de las series Melodías y Países, de Joan Miró, o un afiche de Pablo Picasso, «Edition Ceramiques», informaron los responsables de la galería a través de un comunicado.
El cierre será el 28 de agosto a las 20 y se podrá acceder desde el sitio web oficial. Las obras ofrecidas -cuyos precios y características se encuentran publicadas allí- se pueden pagar en dólares o traducidos a pesos, con la cotización del dólar MEP.
En esta subasta, además de ver los cuadros por internet, se pueden apreciar de manera presencial en el nuevo local de Witcomb, en Avenida Santa Fe 1161, de lunes a viernes, de 11 a 19.
Fuente: Perfil ~ La Inspección General de Justicia (IGJ) solicitó al Ministerio de Justicia, mediante la Resolución Particular 700/2022, que intervenga la organización situada en Moreno. La postura de los familiares del artista.
A 131 años del nacimiento de Florencio Molina Campos, se dio a conocer una solicitud elevada por la Inspección General de Justicia (IGJ) al Ministerio de Justicia de la Nación, pidiendo que se intervenga la Fundación Florencio Molina Campos, ubicada en Moreno, por considerar que están riesgo 130 obras que se atesoran del pintor. Según se denunció, la designación del interventor sería inminente.
Las obras en cuestión, según la denuncia, se encontraban en un depósito sin las condiciones adecuadas para su cuidado.
Así luego de una denuncia que presentó la Municipalidad de Moreno a la IGJ solicitando la intervención, y de una exhaustiva investigación que se prolongó más de un año, se terminó solicitando la intervención al considerar que la Fundación que lleva el nombre del destacado pintor gauchesco ha tenido «un comportamiento errático en cuanto al cumplimiento de sus obligaciones legales y contables, así como también se ha mostrado vacilante en cuanto al cumplimiento del objeto que le dio vida a la entidad”.
La resolución de intervención establece que “se han verificado actos graves, violatorios del orden jurídico y existe un evidente interés público en el dictado de la medida que aquí se propicia, máxime si se tiene en cuenta que se trata de la preservación del patrimonio social que se encuentra integrado a las obras de arte del prestigioso artista nacional”.
También se menciona que “habría un faltante de 37 obras” y explican que desde la Fundación no brindaron «respuesta alguna sobre la información y documentación …en cuanto al acervo del artista, a la cantidad de cuadros que posee, la valuación económica de la obra …desconociendo esta autoridad pública el paradero de las obras del artista”.
Por otra parte, hizo referencia la IGJ a “…las singulares circunstancias en que se produjeron los extravíos de libros… en el año 2021, un día antes de presentarse ante la IGJ. Los sucesivos extravíos solo podrían interpretarse como un artilugio para ocultar información”, además de subrayar que “la actitud desplegada por las autoridades de la fundación obstaculizan seriamente la tarea de este Organismo de fiscalizar el control del cumplimiento de obligaciones”.
La respuesta de un familiar del pintor
“Como familia del pintor, esperamos que esta medida permita identificar a los responsables de los incumplimientos que llevaron a la toma de tan drástica decisión en la entidad que dio origen al museo, museo que la familia y amigos de mi abuelo augurábamos como un merecido homenaje a disposición de las futuras generaciones. Nuestro único objetivo es que las obras de mi abuelo que fueron donadas “con cargo” a la Fundación permanezcan exhibidas”, expresó Gonzalo Giménez Molina, único nieto de Florencio Molina Campos.
Florencio Molina Campos – FOTO: Wikipedia
“Nos ponemos a disposición de la intervención para acompañar en la tarea que entendemos PRIORITARIA Y FUNDAMENTAL que será -más allá de las cuestiones administrativas- establecer el paradero de las más de 130 obras que antes se exhibían en el museo de Moreno y que integran el acervo cultural de todos los argentinos, reunirlas y ponerlas todas juntas prontamente en exhibición para que el público que durante los últimos 20 años encontraba un museo con sus puertas cerradas, pueda en adelante acceder libremente a disfrutar de la producción del artista en un lugar neurálgico de la Ciudad de Buenos Aires”, sostuvo Giménez Molina.
A su vez, manifestó lo siguiente: “No acuerdo con la idea de que la colección de obras de la Fundación vaya a competir con otra tan importante como la de del Museo Las Lilas en San Antonio de Areco (lugar ajeno a la vida de Molina Campos), ciudad que ya tiene sobradas y muy lucidas propuestas culturales gauchescas. En cambio, queremos destacar que gracias a la amplia repercusión que tuvo la cobertura que dieron los medios a estos temas el año pasado, el Municipio de Moreno logró recuperar hace pocos días el Rancho Los Estribos, sitio que había construido mi abuelo en Cascallares, a orillas del río, en el lugar que eligió para distenderse los fines de semana, predio que ahora será puesto en valor. Alentamos, también, las ideas que sobrevuelan en torno al viejo edificio donde funcionaba el museo en Moreno (ya no es apto para conservar y exhibir obra original), que buscan reconvertirlo en un centro cultural como modo de mantener viva la idiosincrasia de Moreno en torno a la figura del artista”.
Molina Campos fue un artista popular por excelencia, se atrevió a sacar su pintura del lienzo y ponerla a disposición del público en soportes masivos y no tradicionales, como sus legendarios almanaques que fueron un clásico durante décadas y aparecían en cada lugar de la vida argentina. Con esas obras Mlina Campos difundía su arte y visibilizaba al gaucho y los trabajadores rurales, que hasta entonces carecían de representación y protagonismo protagonismo en la escena cultural. Por amor a su Patria y por el enorme respeto que sentía por los paisanos, Molina Campos le dijo “no” a Walt Disney, porque en sus proyectos de películas no se contemplaban o respetaban las costumbres y tradiciones autóctonas.
Fuente: El Editor Platense ~ Bajo el mando del Capitán de Navío, Carlos Pedro Schavinsky, la Fragata Libertad llegó a Francia, donde estuvo cuatro días abierta al público interesado en conocer las costumbres y gastronomía de Argentina. También, en su interior lleva las obras del pintor platense, Walter Di Santo, de quién una de sus pinturas fue recibida por el presidente, Emmanuel Macron.
Walter Di Santo es un licenciado y profesor de Artes Plásticas graduado en la Universidad Nacional de La Plata, y a sus 52 años se convirtió en el protagonista de un hecho que marcará un antes y un después en su carrera.
En diálogo con El Editor Platense, el artista habló de lo que significa todo lo que esta ocurriendo en torno a su trabajo, y remarcó la importancia de que sus pinturas recorran todo el mundo en el navío.
La pintura
“Es un orgullo todo esto. El recorrido de la fragata libertad de todo este año y el año pasado fue planeado con el fin de que en cada puerto quede una pintura mía para un museo”, contó el hombre.
A este hito se le agrega el valor de que “la fragata arribó al puerto de Saint-Malo con una vela pintada por mi, y esto también tiene un agregado extra porque de allí partió la primer colonización a Malvinas en el 1600″.
“Fue un antecedente muy importante para nosotros como argentinos”, expresó Walter.
En la llegada de la Fragata a Francia, una de sus obras fue recibida por el presidente Emmanuel Macron, ante lo que Di Santo manifestó: “Enorgullece verlo desde acá, y ver como nuestra Fragata Libertad es nuestra embajadora en los mares”.
Fuente: El Marplatense ~ Fernando Lerena, tiene 34 años y es marplatense aunque también se siente de muchos otros lados pero sigue eligiendo la ciudad por sus amistades y la familia.
El año pasado, en el marco de la Copa América 2021 que consagró a la Argentina en el Marcaná frente a Brasil, logró ganar mayor visibilidad el Grupo Sismo. Este grupo lo integra junto a Massi Ledesma, a quien conoció en la Escuela de Artes Visuales «Martín A. Malharro».
El artista, dialogó con Mitre Mar del Plata (FM 103.7) sobre el arte y la ciudad de Mar del Plata.
«El mural de Messi lo hicimos a pocas cuadras de la casa de Lío, nos llegaron fotos de él con el mural. Además, cuando recibió el último Balón de oro, salió en el video clip de presentación de La Pulga», dijo el artista.
«El mural al día de hoy sigue interactuando con la gente, llegó hasta Rusia, Inglaterra por nombrar algún país. Terminamos de pintar y el mural sigue dialogando por sí solo«, manifestó.
Más murales de esta dupla que «la rompe» pueden observarse en Alvarado y Viamonte, los «carpinchos Okupas» en la zona de Independencia y la costa. También sus primeros murales pueden observarse en el complejo universitario de Funes.
«Con mi compañero, Massi compartimos métodos de trabajo y aprendemos uno del otro, hemos crecido mucho en este tiempo», sentenció.
«Estudiamos juntos en el Polivalente de Arte pero no nos conocíamos y este es de los pocos espacios públicos que le permiten a la juventud aprender arte y nos conocimos en la Malharro. Los dos somos profesores de artes visuales», recordó.
«Hay una necesidad por parte de la sociedad, de la juventud que tiene que ver con la posibilidad de manifestarse en distintos espacios públicos. El arte callejero o el grafiti da mucha visibilidad. El arte urbano tomó protagonismo frente al arte de museo», sostuvo.
«Las pintadas son una expresión de identidad, una expresión de humanidad compartida. Creo que sobre todo hay una juventud invisibilizada que no tiene los medios para expresarse en espacio formales, por eso pinta las paredes, las calles, los monumentos. No hay espacios en la ciudad o programas municipales que cobijen esas voces que buscan ser oídas, al no tener ese contexto formal buscan en la calle», explicó.
Fuente: 100%Seguro ~ Hay seis diferentes categorías artísticas para participar. Además, en el marco del certamen se realizarán una serie de charlas introductorias sobre tecnología blockchain y NFTs.
ONG Bitcoin Argentina, Fundación Bitcoin Iberoamérica y LABITCONF presentaron el pasado 10 de agosto en el Salón Dorado de la Casa de la Cultura de Buenos Aires la segunda edición del Premio B·Arte, un concurso multidisciplinario que otorga Bitcoin a sus ganadores. Bajo el lema “Expresa con tu arte la revolución Blockchain”, el certamen tendrá seis categorías para participar: fotografía, video, cuento, poesía, arte físico y digital. Además, en conjunto con la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, se llevarán a cabo una serie de charlas abiertas sobre tecnología blockchain, su aplicación en el mundo artístico y NFTs.
Ya se encuentran abiertas las bases del concurso para participar. Los artistas tienen tiempo hasta el 10 de octubre inclusive para enviar sus obras. Los trabajos seleccionados y la entrega de premios se realizarán en la décima edición de LABITCONF, que tendrá lugar entre el 10 y 13 de noviembre de este año en Costa Salguero, donde también se brindarán charlas, workshops y se expondrán NFTs y obras de los criptoartistas más influyentes de la región.
“Con el Premio B·Arte queremos llevar más lejos el mensaje de lo que está revolución representa, transmitir el empoderamiento, el cambio social y de ideas que nace a partir de la comprensión y adopción de estas nuevas herramientas, como lo son Bitcoin y blockchain. Queremos promover nuevas formas de contar y expresar las emociones que estas tecnologías generan”, afirmó ayer durante el evento de lanzamiento el Co-fundador y Presidente de ONG Bitcoin Argentina y la Fundación Bitcoin Iberoamérica, Rodolfo Andragnes.
Por su parte, la Directora ejecutiva de ONG Bitcoin Argentina, Jimena Vallone, remarcó que uno de los objetivos de la organización sin fines de lucro es “educar y generar comunidad, democratizar el acceso a una tecnología que es transversal a cualquier disciplina”. “Esta nueva edición del Premio B·Arte, a través de la expresión y creación, va a contribuir a generar y afianzar lazos de confianza dentro de nuestra comunidad, que año a año es más grande”, agregó.
“El Premio B·Arte busca poner en evidencia el papel de los creadores dentro de la revolución blockchain. Queremos que todos los que tengan una manera de expresar está tecnología puedan acercar sus obras o participar de los cursos, charlas y workshops que vamos a estar organizando dentro del concurso. El Premio B·Arte es una apuesta a la creatividad, a nuevas formas culturales que se acercan a esta tecnología, que generan valor y fortalecen una comunidad horizontal”, exclamó Aida Pippo, integrante de ONG Bitcoin Argentina y coordinadora del certamen, al presentar las bases y condiciones.
A través de una gacetilla de prensa, los organizadores del Premio B·Arte remarcaron que el objetivo del concurso es “difundir el impacto positivo que genera el uso de la Blockchain y la adopción de Bitcoin”. La participación es “totalmente abierta y gratuita”, teniendo como única condición que los artistas sean “mayores de 18 años de la región Iberoamericana”. Al igual que el año anterior, los premios para los ganadores, un total de USD 3900 dólares, serán otorgados en Bitcoin.
El jurado del Premio B·Arte 2022 está conformado por: en Arte físico, Ignacio Gutierrez Zaldivar, Vic Tolomei y Aida Pippo; en Arte digital, Gus Grillasca, Clementina Giraldo y Soy Fira; en Video y fotografía, Javier Lourenço, Pablo De Sousa y Paula Woscoboinik; y en Cuento y poesía, Rodolfo Andragnes, Connie Ansaldi y Federico Andahazi.
A su vez, junto a la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, se realizarán una serie de charlas abiertas, gratuitas e introductorias sobre tecnología blockchain, su aplicación en el mundo artístico y NFTs. Las jornadas de capacitación tendrán lugar en la biblioteca Ricardo Güiraldes (Talcahuano 1261, CABA) los días 2, 16 y 30 de septiembre y el 14 de octubre. Todas las charlas serán desde las 17:30 horas hasta las 18:45.
Fuente: El Economista ~ Son 70 obras originales, cedidas en exclusiva por colecciones privadas internacionales.
Mientras que puertas adentro de La Rural ya se trabaja a toda marcha en la construcción y pintura de los paneles y paredes que albergarán las obras, se confirmó que el 30 de agosto abrirá la muestra «¿Genius or Vandal?» (¿genio o vándalo?), dedicada al escurridizo, provocador y misterioso artista británico Banksy, la primera de su tipo en la Argentina.
La exposición -que ya se vio en Moscú, San Petersburgo, Madrid, Barcelona, Milán, Lisboa, Las Vegas, Nueva York, Bruselas, Hong Kong, Osaka y Tokio- busca acercar al público al controvertido universo artístico de uno de los creadores más influyentes de los últimos años, a través de 70 obras originales, cedidas en exclusiva por colecciones privadas internacionales, con su certificado de autenticidad (COA).
A menos de dos semanas de que abra sus puertas, crece la expectativa y la muestra cuenta de antemano con todos los condimentos para deslumbrar al público: el street art suele estar en las calles y no dentro de un espacio cerrado, pero además, nada menos que Banksy que está en boca de todos cada vez que crea una nueva obra, de manera sorpresiva durante las noches, y revela al día siguiente en sus redes. No se había visto antes en la Argentina y además, obras originales.
Una instalación multimedia en 360, envolvente, especialmente creada para esta muestra dará la bienvenida al visitante, desvelando pistas sobre el misterioso artista, destacando sus piezas más importantes y enmarcando su insólita trayectoria, no exenta de polémica.
Habrá óleos y esténciles sobre hormigón pero también videos y una experiencia de realidad virtual en la exhibición que buscará acercar al público argentino al héroe anónimo creador de obras cuyo valor se disparó durante la pandemia, de exhibiciones no permitidas y de gran exposición pública, gracias a la difusión en las redes sociales, donde posee cuenta propia @banksy.
Una experiencia de realidad virtual en la exhibición en La Rural.
Con la producción de Daniel Grinbank, la muestra -inédita en nuestro país, y en el mismo sitio donde se vio la inmersiva de Vincent van Gogh-, contará con una experiencia de realidad virtual que sumado a la instalación 360, está en sintonía con las exposiciones que están cambiando la forma de percibir y disfrutar del arte.
Escurridizo, provocador, misterioso; Banksy, el artista británico cuya identidad aún se desconoce, está considerado como uno de los principales exponentes del street art contemporáneo y sus obras, a menudo satíricas, abordan temas universales como la política, la cultura o la ética.
El aura de misterio que, por elección y por necesidad, se perpetúa cada vez que se menciona a Banksy, lo ha convertido en una figura mítica de nuestro tiempo. La guerra, la riqueza y la pobreza, los animales, la globalización, el consumismo, la política, el poder y el medio ambiente son algunos de los tópicos que el artista explora en sus creaciones, desde las trincheras del asfalto.
El recorrido abarcará una selección de obras únicas ejecutadas con diferentes técnicas: óleo o acrílico sobre lienzo, spray sobre lienzo y madera, serigrafías de edición limitada, esténciles sobre metal u hormigón, esculturas, instalaciones, vídeos, fotografías y una experiencia de realidad virtual (VR).
Se verá en la Argentina, por ejemplo, la famosa «Girl with balloon» (Niña con globo), la imagen de una niña soltando un globo con forma de corazón, que el artista primero pintó en numerosas paredes, hasta que en 2004, comenzó a hacer grabados para su venta.
Al ser subastada en octubre de 2018 por 1,3 millones de dólares, cambió su nombre a «Love is in the Bin» («El amor está en la papelera») cuando intentó destruirse durante la venta. En aquel preciso momento, pasó a ser la primera obra de arte de la historia creada en directo en una subasta.
Otra, «Love is in the air», también conocida como «El lanzador de flores», es posiblemente una de las obras más conocidas de Banksy: un manifestante que está participando en una protesta callejera con la cara oculta por un pañuelo. A primera vista, parece que está lanzando un coctel Molotov, pero si miramos con mayor detenimiento, vemos que en realidad lo que tiene en sus manos es un ramo de flores.
«Parlamento involucionado» (2009), la pintura de grandes dimensiones donde representa la Cámara de los Comunes invadida por chimpancés, fue subastada en 2019 con un precio récord de 12,1 millones de dólares en Sotheby’s, en medio del debate sobre el Brexit.
Entre las piezas que se podrán ver se incluye también a «Cristo con bolsas de comprar», una obra que se lanzó en 2004 con una edición de 82 copias y que, a pesar de que se convirtió en una imagen de culto, nunca se ha vuelto a imprimir ni reproducir.
También estará «NOLA» , la abreviatura de Nueva Orleans. En 2005, el huracán Katrina llegó a la ciudad estadounidense y la arrasó. En 2008, cuando el huracán Gustav se acercaba a Nueva Orleans, Banksy pintó quince grafitis en las calles de la ciudad en medio de la evacuación, en los que se reflejaba la incapacidad de la gente para enfrentarse a los desastres naturales.
Banksy (1974, Inglaterra) inició sus pasos en el movimiento grafitero de adolescente en su ciudad natal, Bristol, con el registro de su firma en trenes y calles en 1993 y poco después sus obras de stencil, plasmadas con plantillas y aerosol, ya estaban en todo el Reino Unido.
La muestra «Banksy Genius or Vandal?» se presenta en el pabellón Frers del predio de La Rural, avenida Santa Fe 4.363, desde el 30 de agosto al 16 de octubre.
Las entradas, a la venta en la web www.laruralticket.com.ar/event/banksy, tienen un valor de $3.000 de martes a viernes. Los sábados, domingos y feriados: $3.500. Los menores de 12 años pagan $2.000 y los menores de 3 años no abonan entrada. Los lunes estará cerrado. Horarios: Martes a viernes de 14 a 21.30 y sábado, domingo y feriados de 10 a 21.30.
Fuente: Aptus ~ Con un nuevo sistema de estas tecnologías se pueden crear imágenes imitando obras.
Un nuevo sistema de inteligencia artificial, denominado Dall-e, permite crear a través de una computadora, imágenes realistas y hasta obras de arte, imitando estilos de artistas emblemáticos o reinterpretando obras existentes y dar lugar a imágenes diseñadas por la propia imaginación.
Dall-e viene de Wall-e
El nombre del programa surgió de la combinación entre Wall-e (el robot de la película de Pixar) y Dalí, en el marco de un proyecto de Open IA: una compañía sin fines de lucro cofundada por Elon Musk y Sam Altman en 2015 que desarrolla la inteligencia artificial.
Dall-e es la segunda versión de un programa creado el año pasado pero con una mejor calidad de imágenes, y permite imitar los estilos de artistas consagrados, juega con la reinterpretación de cuadros ya existentes, así como editar imágenes, al estilo de lo que permite hacer la técnica del photoshop.
¿Cómo acceder a esta tecnología?
Para poder acceder, los interesados deben unirse a una extensa lista de espera en la que al registrarse, obtienen 50 créditos que les permiten realizar sus creaciones o ediciones y, una vez dentro, la plataforma les ofrece 15 mensuales. En caso de desear más, pueden comprar 115 créditos extras por unos 15.41 dólares.
Para respetar los derechos de autor, el usuario «debe indicar claramente que las imágenes se generan a través de la Inteligencia Artificial, y que debe atribuir su creación a Open AI cuando las comparta, tanto en un contexto público como en el privado», según consigna el diario español El Mundo.
Debates sobre derecho de autor
Pero como el programa fue entrenado mediante la exposición a miles de imágenes existentes en la web, y el Dall-e recurre a ellas para crear algo nuevo, muchas veces el producto resultante es bastante parecido al original, lo que generó la queja de algunos artistas cuyas obras fueron tomadas como referencia.
De esta manera, la propuesta abre debates acerca de los derechos de autor y a la actividad de los artistas y diseñadores gráficos, quienes podrían verse afectados en sus condiciones laborales por un programa que suplanta su trabajo.
Luchar contra las fake news
Por otra parte, para evitar la difusión de fake news (noticias falsas), relacionada fundamentalmente con información referida a temas políticos, los creadores diseñaron el programa de tal forma que no genere contenido violento, sexual o que incite al odio. Además, emplearon técnicas para prevenir la creación realista de rostros concretos, especialmente de figuras públicas.
Este software puede generar no solo fotografías, sino también emojis, grafitis, óleos y cómics. Quienes quieran comenzar a probarlo, existe Dall-e mini: una versión menor que Dall-e 2, con un sistema mucho menos sofisticado que el de Open IA, por lo que la calidad y el realismo de las imágenes que crea no es de muy buena calidad.
La convocatoria estuvo a cargo de la Subsecretaría de Promoción del Comercio e Inversiones del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto, junto a la Subsecretaría de Productividad y Desarrollo Regional de la Pequeña y Mediana Empresa (Pyme), del Ministerio de Desarrollo Productivo de la Nación. Las firmas elegidas también fueron validadas por el Comité Curatorial del Festival.
El Festival de Diseño de Londres celebrará su 20a edición.
Los cordobeses
Casa Capital es una firma local especializada en interiorismo, diseño y producción de muebles. “Creamos equipamientos vanguardistas. Somos diseñadores industriales y emprendedores, creamos constantemente y estamos en contacto diario con materiales, tecnologías y métodos que mejoran la producción de nuestros muebles”, describe Gastón Luna, uno de sus titulares.
El equipo creativo de Casa Capital.
La firma presentará la mesa de living Timple, un producto reconocido por el Sello del Buen Diseño Argentino. La pieza toma su nombre y morfología del instrumento homónimo de cinco cuerdas, ya que puede reproducir música vía Bluetooth desde cualquier dispositivo móvil a partir de un sistema por vibración, oculto en su tapa, sin parlantes ni cables a la vista. Fabricada íntegramente con tecnologías digitales y puede montarse fácilmente por encastres sin utilizar herramientas de ningún tipo.
Por su lado, The White Lodge es una galería de arte dirigida por Georgina Valdez Cristofani. Se dedicaa la exhibición, comercialización y posicionamiento de artistas y proyectos vinculados a las artes visuales de origen latinoamericano.
Georgina Valdez Cristofani, directora de The White Lodge.
“En Londres presentaremos nuestra línea de origen artesanal, enfocados en el arte ambiental y desarrollada con biomateriales y materiales sustentables. Vamos con obras de Claudia Santanera que trabaja con artesanos del norte de Córdoba, desarrollando piezas en tejido de palma Caranday. También estaremos con obras de Casiopea, la dupla conformada por Sol Carranza y Luciano Giménez, que trabaja la cerámica a base de arcillas locales, y obras de Sheila, quien hace escultura experimental y objetos a partir de biomateriales de descarte doméstico como café, cáscara de huevo y yerba mate”,
afirma Valdez.
Sobre el Festival
En esta oportunidad, los representantes nacionales participarán con una intervención de la Residencia Argentina en Londres que realizarán las empresas seleccionadas. Nuestro país formará parte por primera vez del circuito oficial de los edificios emblemáticos en el marco del festival con la participación en la categoría “Championed Partner”, la que permitirá una destacada visibilidad ante actores claves del sector y medios de comunicación especializados.
Las publicaciones y eventos del Festival son de gran relevancia, alto perfil en el mundo del diseño y observados con atención por personalidades de mayor prestigio mundial. Según los seleccionados, tener presencia en este evento brindará la posibilidad de posicionar e insertar su empresa en un mercado muy competitivo, facilitando oportunidades de negocios y contactos comerciales estratégicos.
El Festival de Diseño de Londres se realizará desde el 17 al 25 de septiembre próximo. Es el evento anual que promueve la creatividad, atrae a grandes pensadores, profesionales y educadores para ofrecer una celebración del diseño.
En 2019 recibió más de 600.000 visitantes de más de 75 países, y en 2022 cumple 20 años. Como uno de los principales acontecimientos, el Festival también sirvió como modelo para otras semanas y eventos a nivel mundial y continúa como un referente clave en el calendario cultural.
Fuente: Arte-Online ~ Cristian Mac Entyre expone en la galería Zurbarán su nueva producción realizada entre el 2020 y 2022. La muestra de obras geométricas óptico-cinéticas se puede visitar hasta el 30 de Agosto.
Quienes bucean por primera vez describen sensaciones similares. En principio la incomodidad del traje apretado de neoprene, el tanque de oxígeno colgando de la mochila, la dificultad de moverse con las patas de rana y la piel tensada por una máscara que sopapea la cara. Una vez en el agua, todas parecen coincidir en experimentar una sensación de ingravidez y liviandad sorpresiva. Paralelismos que se podrían trazar con la muestra de Cristian Mac Entyre en la galería Zurbarán que inauguró el 4 de agosto y cierra el 30 del mismo mes. Uno ingresa con la incomodidad propia de transitar las calles porteñas para, una vez adentro, dejar la ansiedad atrás y sumergirse en un espacio de atención plena. La muestra expone obras geométricas, óptico-cinéticas de la última producción del artista argentino realizadas en su mayoría entre el 2020 y 2022.
Entre conversaciones sobre su proceso artístico y sobre cómo incidió en él la famosa producción de su padre Eduardo Mac Entyre, precursor junto con Miguel Ángel Vidal del Arte Generativo en Argentina (1959); Cristian reflexiona sobre la similitud entre trabajar en sus obras y la sensación de bucear. Similar a sumergirse en las profundidades del océano, la concentración devenida en calma lo lleva a explorar lienzos de gran tamaño donde el punto y la línea se ponen en movimiento a través de desplazamientos y vibraciones meditativas.
En la galería se exhiben obras nuevas de diferentes tamaños, acrílicos sobre lienzo y cajas cinéticas del 2012, las únicas de tiempos anteriores, en donde se exploran las distintas caras de un mismo objeto. Las cajas tienen la particularidad de contener una chapa espejo que, además de distorsionar los elementos compositivos de la obra, reflejan la imagen del espectador que las observa. Se vuelven participativas, de alguna manera, ampliando la percepción individual lúdicamente. Al igual que los títulos de sus obras pasadas, que se inspiraron en cuestiones autobiográficas o referentes al aparato psíquico, estas cajas retoman el mismo proceso inmersivo. El artista menciona: “…estas obras me hacen bucear dentro de mí, sumergirme y ahondar en mis preguntas y repreguntas…”
Con antecedentes en el padre del movimiento ilusorio Victor Vasarely, las obras de Cristian Mac Entyre adoptan el efecto muaré mezclando una aplicación de colores pulsantes que ponen a prueba y refrescan la sensación retiniana de movimiento. En entrevistas anteriores, el artista hace referencia a su cercanía con la música como fuente de inspiración. Lo podemos observar en series previas como Tango o Construcciones en donde descompone la morfología de una guitarra.
En esta ocasión la sonoridad visual se nos presenta de manera meditativa, como escuchar sonidos debajo del agua, encontrando en esa cápsula de tiempo inmersivo nuevas tensiones vibratorias.
