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Día del Beso. Diez obras de arte para volver a enamorarse

14 abril, 202114 abril, 2021 infoarte

Fuente: La Nación ~Escribe Gabriela Mistral en su poema más famoso que hay besos de amor, besos que se dan con la mirada o con la memoria, besos silenciosos, nobles, enigmáticos, sinceros, prohibidos, verdaderos, que arrebatan los sentidos, misteriosos, problemáticos, trágicos, perfumados, tibios, sublimes, ingenuos, puros, traicioneros y cobardes, salvajes… Hay besos que producen desvaríos / de amorosa pasión ardiente y loca, /tú los conoces bien son besos míos / inventados por mí, para tu boca. Besos de toda esta infinita taxonomía se encuentran en la historia del arte, pintados, esculpidos, fotografiados o dibujados como epítomes del amor.

El almanaque indica que hoy la efeméride es el Día del Beso y la ocasión amerita sumergirse en imágenes que llevan a revivir memorias, concretar deseos o añorar los que nunca se dieron, que son los que más duelen, dice una canción.

En el Museo Nacional de Bellas Artes hay una copia de un mármol que no puede estar frío: es El Beso de Auguste Rodin, una escultura tamaño natural donde un hombre besa a una mujer, y se pierde en su boca. Los amantes son Paolo y Francesca, dos personajes de La Divina Comedia, de Dante. La verdad de esta obra está en los detalles, como en los dedos de él que se hunden en la carne de los muslos de ella y nos dejan pensando que no pueden ser de yeso. La pieza fue regalo al país del propio artista francés, en 1908.

Le baiser (El beso)
Autor: Rodin, René François Auguste
(Francia, París, 1840 - Francia, Meudon (Hauts-de-Seine), 1917)
Origen: Donación René Francois Auguste Rodin, 1908 — Le baiser (El beso) Autor: Rodin, René François Auguste (Francia, París, 1840 – Francia, Meudon (Hauts-de-Seine), 1917) Origen: Donación René Francois Auguste Rodin, 1908Museo Nacional de Bellas Artes – https://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/3659/

Una de las fotos más perfectas de un beso es también de un francés, Robert Doisneau. Parte de un reportaje que le había encargado la revista Life, pasó a la historia como Le baiser de l’hôtel de ville (El beso). Treinta años más tarde, el autor confesó que este emblema de esperanza de la posguerra fue en realidad una toma armada. Sigue siendo un ícono, de todas formas.

"El Beso", de Robert Doisneau, en la portada del libro sobre el fotógrafo editado por Taschen — «El Beso», de Robert Doisneau, en la portada del libro sobre el fotógrafo editado por Taschen

De la misma época es la famosa fotografía de Alfred Eisenstaedt que retrata a un marinero estadounidense besando a una enfermera durante las celebraciones del Día de la Victoria sobre Japón en Times Square, el 14 de agosto de 1945. Los protagonistas quedaron en el anonimato hasta que a fines de 1970 Edith Shain se reconoció en la ya devenida postal de una época. Recién en 2007 supo que el hombre que la sorprendió a la salida del subte y la besó por única vez en su vida aquel día fue el marino Glenn Edward McDuffie. Nunca se volvieron a ver.

El beso de Times Square fue tomado por Alfred Eisenstaedt para un reportaje sobre el fin de la guerraArchivo

Uno de los reyes del pop art, Roy Lichtenstein, realizó una serie a besos inspirados en el cómics. Con colores primarios y composición hecha a mano mediante de puntos –como si hubiese sido impresa de manera industrial–, el artista se apropiaba de la estética de la historieta. Hoy es material de pósters, remeras, tazas y señaladores, como esta que cuelga de la pared de un living porteño: reproducción de Kiss V, de 1964.

Pop: besos, lágrimas y colores primarios en una reproducción de "The Kiss V", de Roy Lichtenstein — Pop: besos, lágrimas y colores primarios en una reproducción de «The Kiss V», de Roy Lichtenstein

En el siglo XIX, Henri de Tolousse-Lautrec retrata la vida en los prostíbulos. Esta pintura es En la cama: el beso,y lleva al óleo el reposo a la vez erótico y amoroso de dos trabajadoras sexuales del 6 rue des Moulins. Esta obra es una de las 16 pinturas que le encargó en 1892 el propietario del prostíbulo de la rue d’Ambroise para decorar el salón principal.

Una de las pinturas de Toulouse Lautrec sobre la vida en los prostíbulos, 1892http://www.henritoulouselautrec.org/in-bed-the-kiss/

En el Belvedere de Viena está El Beso de Gustave Klimt, un óleo con laminillas de oro y estaño sobre lienzo de 180 x 180 centímetros, realizado entre 1907 y 1908. El museo lo compró ese mismo año, la primera vez que el artista lo mostró. Es tan emblemática que en Austria se acuñó con esta imagen una moneda de cien euros. Es considerada un tesoro nacional. Se cree que los amantes son el pintor y su pareja, la diseñadora de moda Emilie Flöge. También podría ser Adele Bloch-Bauer: hay una muy buena película que cuenta la historia de su retrato.

El Beso de Gustave Klimt, un óleo con laminillas de oro y estaño, es un clásico de la historia del arte y emblema de Austria: fue acuñado en una moneda conmemorativa de cien euroshttps://sammlung.belvedere.at/objects/6678/der-kuss-liebespaar?

Este beso es perturbador: René Magritte, genio del surrealismo, pintó la serie Los amantes con cuatro variaciones, en 1928: un hombre y una mujer con la identidad oculta. Son recurrentes en su obra las cabezas tapadas y tiene que ver con un trauma muy tremendo: cuando era adolescente vio cómo sacaban el cadáver de su madre del río Sambre con la camisa mojada, enrollada en la cabeza y ocultándole la cara. Se había suicidado.

"The Lovers II", de 1928, de Magritte, se puede reinterpretar hoy en días de pandemia — «The Lovers II», de 1928, de Magritte, se puede reinterpretar hoy en días de pandemiahttps://www.moma.org/collection/works/79933

Pablo Picasso ha pintado muchos besos, pero nunca tantos como los que dio: en su vida estuvo enamorado de ocho mujeres y besó a muchísimas más. No siempre las hizo feliz. “El amor es el mejor tónico de la vida”, dijo el artista. El beso es una de las obras maestras de Picasso que atesora el museo del artista en París. Fue pintado en 1969, apenas cuatro años antes de su muerte, cuando el artista ya tenía 88 años. Estaba entonces enamorado de Jacqueline Roque, en Vallauris.

Un Picasso de 1969, pintado apenas cuatro años antes de su muerte, cuando ya tenía 88 años

Dos obras argentinas y poco conocidas podrían sumarse a esta selección universal e icónica. Una se vio en el Museo Sívori durante la retrospectiva de exposición Mariette Lydis, Transicionar lo surreal. Se trata de uno de sus dibujos eróticos de esta dibujante, grabadora, litógrafa y pintora autodidacta, nacida en Viena y radicada en Buenos Aires, que adquirió notoriedad en Europa en el período de entreguerras. Un beso apasionado, en un dibujo casi secreto.

Reproducción de una obra de Mariette Lydis que se expuso en el Museo Sívori en una muestra de 2019

La última es una fotografía de Pablo Pintor, que rinde homenaje al beso de Doisneau, pero en una obra en construcción en la ciudad de Buenos Aires. Hasta hace poco estuvo exhibida en su muestra Transeúnte, en FOLA. Personajes que retrata sin permiso, en su constante búsqueda de personajes.

"Secreto en la Obra", de Pablo Pintor, que hasta hace pocas semanas se exhibía en la Fototeca Latinoamericana Fola — «Secreto en la Obra», de Pablo Pintor, que hasta hace pocas semanas se exhibía en la Fototeca Latinoamericana FolaPablo Pintor

El color negro articula una notable exposición

13 abril, 202113 abril, 2021 infoarte

Fuente: Ámbito ~ Laura San Martín, directora de ODA Oficina de Arte, señala en el texto que acompaña “Oda al negro” que la muestra busca suprimir el detalle, realzar la armonía, descubrir la sensibilidad pura en la forma pese a que el color negro la libera de todo dramatismo.

La semana pasada, en esta página, se habló de una muestra en la que el blanco y el negro son protagonistas. En una rara coincidencia, la elección de este cromatismo se deba quizás al intenso ruido exterior al que estamos sometidos, la sobrecarga de información en tiempos tan conflictivos, por lo que la elección responde a un repliegue interior, una búsqueda de lo esencial, sin alardes ni piruetas de colores. La arquitectura de la luminosa galería se presta para entablar un diálogo con las obras de los artistas convocados, rodeados por el silencio.

Osvaldo Decastelli es un artista conocido por haberle dado status artístico al cartón corrugado. Lo ha dotado de dignidad desde sus primeras esculturas y objetos hasta llegar al hueso, de origen orgánico, de este material. Con placas radiográficas que revelan su interior, logra un sutil juego geométrico. María Torcello es una escultora autodidacta que cultivó lazos con escultores como Jorge Michel y Jorge Gamarra. Tallado y pulido, la forma y el espacio vacío están en la esencia de su búsqueda de la pureza de la forma. Utiliza el Shou Sugi Ban, técnica japonesa del quemado de la madera, dotando a sus obras de un color negro intenso.

Rocío Copolla (1965-2020). Una semilla, un fruto, crines de caballo, telas de araña, materiales maleables con las que construye en el aire una escultura blanda, transparente. Su método era entretejer ideas y así van surgiendo estos “dibujos” en el espacio, impredecibles, formas orgánicas que se expanden y van creciendo casi de manera salvaje, etéreas. Adriana Kogoi deja huellas sobre un entramado en el que se descubre el intenso trabajo de raspar, pintar, volver a raspar. Son gestos que intentan ocultar recuerdos, vivencias o, por el contrario, dejar constancia de todo lo vivido a la manera de un palimpsesto donde puede seguir escribiendo su historia.

Es probable que una frase del trompetista Miles Davis, “Para mí, en la música y en la vida, todo es estilo”, esté en la base del extraordinario retrato suyo que presenta Felix San Martín. También captó el aire reconcentrado, la mirada penetrante y aguda del irlandés Samuel Beckett, que era capaz de pasar una hora frente a una sola pintura, observarla hasta en sus más mínimos detalles. Otro retrato para destacar es el de Patti Smith, a la que instaló en ese mundo dual de oscuridad y luz en el que vivimos los seres humanos.

El gran fotógrafo argentino Diego Ortiz Mugica, reconocido internacionalmente por retratar la belleza de áreas protegidas, paisajes neblinosos, ríos, glaciares, situaciones con personajes, en místicos blancos, negros y grises, presenta su serie “Básicos”, en la que hace alarde de un extraordinario contraste de luz y sombras en objetos que parecen encerrados en envases de vidrio. Rosana Schoijett, artista de vasta trayectoria cuyas fotografías dan lugar a múltiples interpretaciones, presenta perfiles, siluetas, como si fueran retratos en negativo que remiten a esas imágenes enigmáticas, que se conservaban celosamente en camafeos.

El asombroso caso de “Salvator Mundi”: nuevas revelaciones sobre el cuadro más caro del mundo

13 abril, 202113 abril, 2021 infoarte

Fuente: La Nación ~ Desde 2018, el Estado francés sabe que Salvator Mundi, el cuadro más caro de la historia, comprado por el príncipe heredero de Arabia Saudita, no fue pintado por Leonardo da Vinci. Tras dos años de investigación, un documental que será difundido mañana en la televisión francesa revela los detalles de una increíble aventura.

Mohamed Ben Salmane, príncipe heredero de Arabia Saudita, es conocido por no tener límites para muchas cosas. Pero, sobre todo, por no mirar cuánto gasta. En 2015 compró en Francia la propiedad más cara del mundo, el castillo high tech de Louveciennes, en las afueras de París, por 275 millones de euros. También compró un gigantesco yate, el “Serene”, que no es el más caro del mundo, pero cuesta 458 millones de dólares.

Uno de sus allegados califica esa obsesión de “compras de prestigio”. Por eso, en 2017, pocos meses después de haber llegado al poder, MBS -como lo llaman todos- adquirió anónimamente el Salvator Mundi, una pintura de Jesús presentada en Nueva York por Christie’s como una obra de Leonardo da Vinci.

La venta quedó en la memoria porque el príncipe, oculto detrás de una serie de intermediarios, aumentaba la apuesta de a 20 millones, hasta llegar a la escandalosa suma de 450 millones de dólares y convirtiendo así a ese cuadro en la obra más cara de la historia vendida en una subasta.

Poco se sabe del Salvator Mundi. Se cree que figuró en la colección de arte del rey Carlos I de Inglaterra, antes de ser subastado en Londres a fines del siglo XVIII. La pintura resurgió a comienzos del siglo XX en la colección de un lord amateur de arte, sir Francis Cook. En 1958, un estadounidense visitó Londres y lo compró por 45 dólares.

Siempre fue presentado como la copia tardía de una pintura de Boltraffio, discípulo de Da Vinci. Treinta años más tarde lo heredó un cierto Basil Hendry Sr., industrial de Baton Rouge, Luisiana, donde quedó colgado en una escalera hasta su muerte, incluso cuando una empleada de Christie’s, enviada a evaluar los objetos de arte, le pasó al lado comentando con indiferencia “It’s not for me” (no es para mí).

Tras el remate crecieron las dudas de los especialistas por la autenticidad de la obra atribuida a Leonardo

Salvator Mundi será mañana el tema de un documental del realizador Antoine Vitkine, El asombroso caso del último Da Vinci. Fruto de una investigación de dos años, revela los detalles de una historia increíble.

En 2005, un modesto marchand d’art, Robert Simon, descubrió el cuadro en Luisiana y lo compró por 1.175 dólares. Amante del arte italiano, reconoció de inmediato la composición y el tema de la obra. El Salvator Mundi, que con su mano derecha bendice y en su mano izquierda sosteniendo un globo, era una representación muy común en el Renacimiento. Tiziano, El Greco, Dürer lo pintaron, al igual que varios asistentes de Da Vinci. El atelier del inimitable maestro italiano produjo numerosos estudios preparatorios, tantos, que muchos especialistas han especulado sobre la existencia de un modelo, realizado por el propio Da Vinci.

Sin atreverse a pensar en Da Vinci, Simon estaba seguro de su antigüedad. Por eso lo confió a su amiga Dianne Modestini, conocida restauradora norteamericana que retiró el barniz y los agregados para acceder a la imagen original o, al menos, a lo que quedaba. Tras dos años de trabajo, Modestini tuvo la certeza de que se trataba de un auténtico Da Vinci y convenció a Simon de que era el propietario de una obra invalorable. Desde entonces, a pesar de las constantes dudas sobre su autenticidad, esa imagen, dos veces sagrada -por su tema y por su autor- haría perder la razón a quienes la miraban, llevando a un príncipe saudita, víctima de vaya uno a saber qué fiebre, a comprarla diez años después convencido de estar comprando la historia.

¿Gesto diplomático agresivo de un soberano apenas llegado al poder que quiere impresionar al mundo con su magnificencia? En todo caso, pocos días después, el deseado anonimato estalló en pedazos cuando dos periódicos norteamericanos revelaron la identidad del comprador. Presionado por su entorno por numerosas razones de política interna, negando siempre ser el propietario, MBS lo confió rápidamente al Louvre de Abu Dhabi, que programó una exposición para 2018. Pero a las críticas se sumaron las crecientes dudas de especialistas de arte sobre su autenticidad. Para muchos, el príncipe había pagado 450 millones de dólares por algo que no valía gran cosa.

“Para ellos, no era el monarca dominador capaz de comprarse los tesoros del Viejo Continente. Era un inculto, un vulgar, que se había hecho engañar como un simple nuevo rico”, explica Vitkine.

Pero el cuadro tenía un certificado importante: en 2010, la National Gallery de Londres había decidido exponer la obra presentándola como The lost Leonardo (el Leonardo perdido) y describiéndola como autógrafa, reconocida así por la comunidad de expertos. La verdad estaba lejos de ser esa: de los cinco expertos internacionales que la habían estudiado en la capital británica, solo uno, Martin Kemp, profesor emérito de Oxford y célebre “leonardista” había dado su aprobación.

En 2013, el Salvator Mundi fue comprado por 127,5 millones de dólares por el oligarca ruso Dimitri Rybolovlev, instalado en Mónaco. En 2017, furioso al descubrir por la prensa que el cuadro no valía más de unos 80 millones, decidió ponerlo en venta. Christie’s se hizo cargo en Nueva York y para ello lo presentó como “enteramente pintado por Leonardo” con el nombre The last Leonardo (El último Leonardo).

Un año más tarde, MBS fue recibido en París por el presidente Emmanuel Macron para firmar acuerdos comerciales por un valor de entre 15.000 y 18.000 millones de euros. Según fuentes francesas, el Salvator Mundi figuraba en las discusiones. Los sauditas pidieron a Francia hacer un peritaje en el más absoluto secreto. Fue así como el cuadro llegó en junio al C2RMF, el mejor laboratorio del mundo destinado al análisis de obras de arte, situado en el subsuelo del Museo del Louvre.

“La pintura permaneció tres meses en el Louvre, pasando por todas las máquinas, radiografías y análisis imaginables”, afirma uno de los expertos de la institución a Vitkine. En septiembre cayó el veredicto: “Leonardo solo contribuyó en la realización de la obra. No hay duda posible. Solo los sauditas fueron informados”, asegura Chris Dercon, presidente de la Reunión de Museos Nacionales de Francia.

Pocos días después, Salvator Mundi desaparecía de la circulación. Para MBS, la única forma de evitar la humillación mundial sería exponerlo en la gigantesca muestra por los 500 años de Leonardo que el Louvre preparaba para 2019. Pero las exigencias del príncipe tomarían a todos por sorpresa: “Su pedido era claro: exponer el cuadro junto a La Gioconda y presentarlo como un Da Vinci 100% . Una solicitud desmesurada, acompañada de todo tipo de promesas, que hubiera significado blanquear 450 millones de dólares”, relata una fuente en el documental.

Poco antes de la inauguración de la exposición, mientras el mundo entero se preguntaba si el Salvator Mundi vendría a París o no, el expediente aterrizó en el despacho de Emmanuel Macron quien decidió no aceptar las exigencias sauditas y dejar que el Louvre y el ministerio de Cultura fijaran sus condiciones.

MBS terminó negándose a prestar la obra, que nunca más apareció. Hay quienes dicen que se encuentra a bordo del “Serene”, otros que duerme en la caja fuerte de un banco o de un puerto franco. Como sea, la pintura no vale hoy más de una veintena de millones de dólares y pocos son los que se atreven a afirmar la autoría de Leonardo.

Hasta el mismo Martin Kemp reconoce que tal vez fue “demasiado afirmativo”. “Aunque, si me equivoqué, no provoqué la muerte de nadie. Alguien perdió mucho dinero, es verdad. Pero, en fin…”, sonríe en el filme, demasiado enamorado de Leonardo como para tener pena de ese príncipe árabe incapaz de comprender las sutilezas del mercado del arte.

Celebrarán en el mundo el día del arte

13 abril, 202113 abril, 2021 infoarte

Fuente: AIM ~ El Día Mundial del Arte es una celebración internacional de las artes, la cual fue declarada por la Asociación Internacional del Arte (IAA, por sus siglas en inglés) con el fin de promover conciencia de la actividad creativa en todo el mundo, registró AIM. La fecha se eligió en honor al día del nacimiento de Leonardo da Vinci.

Una propuesta fue presentada en la décimo séptima Asamblea General de la Asociación Internacional de Arte en Guadalajara para declarar el 15 de Abril como el Día Mundial del Arte, con su primera celebración la cual tuvo lugar en el 2012.

Esta propuesta fue patrocinada por Bedri Baykam de Turquía y co-firmado por Rosa Maria Burillo Velasco de México, Anne Pourny deFrancia, Liu Dawei de China, Christos Symeonides de Chipre, Anders Liden de Suecia, Kan Irie de Japón, Pavel Kral de Eslovaquia, Dev Chooramun de Mauricio, y Hilde Rognskog de Noruega. Dicha propuesta fue aceptada por unanimidad por la Asamblea General.

La fecha se eligió en honor al día del nacimiento de Leonardo da Vinci. Da Vinci fue seleccionado como un símbolo mundial de paz, libertad de expresión, tolerancia, fraternidad y multiculturalismo, así como el arte también es importante en otros campos.

Celebraciones pasadas
El primer Día Mundial del Arte el 15 de abril de 2012, se vio apoyado por todos los comités nacionales de la IAA y 150 artistas, incluyendo entre ellos a los de Francia, Suecia, Eslovaquia, Sudáfrica, Chipre y Venezuela, pero la intención del evento es universal. Los eventos variaron en cuanto a los horarios especiales de los museos, conferencias y más. Por ejemplo, Venezuela celebra exposiciones de arte al aire libre con pinturas, esculturas, grabados, video y más, así como también con una demostración de cocina Florentina en honor a Da Vinci.

Más eventos fueron celebrados en el 2013 en todo el mundo incluyendo el Mbombela museo municipal de arte en Sudáfrica. Sin embargo, hubo polémica en las celebraciones de Suecia cuando el ministro sueco de Cultura Lena Adelsohn Liljeroth, cortó en los genitales de un pastel que representaba a una mujer negra africana. El acto estaba destinado como una declaración en contra de la mutilación genital pero muchos asistentes percibieron la representación como racista.

El Día Mundial del Arte también ha contado con el apoyo en línea, especialmente por el Proyecto de Arte de Google.

Más sobre la elección de la fecha
La fecha se eligió en honor al día del nacimiento de Leonardo da Vinci. Da Vinci fue seleccionado como un símbolo mundial de paz, libertad de expresión, tolerancia, fraternidad y multiculturalismo, así como el arte también es importante en otros campos.

No había un acuerdo del planeta para definir esta fecha como una celebración universal, pero en el año 2012 más de 150 artistas de diferentes países promovieron reconocerla por ser el nacimiento de Leonardo Da Vinci.

Cada 15 de abril celebramos el día mundial del arte, su celebración si se quiere es reciente, y apenas se comenzó a realizar en el año 2012.

Aunque la Organización de las Naciones Unidas no ha estipulado la fecha como una celebración universal, una propuesta presentada en la décimo séptima Asamblea General de la Asociación Internacional de Artistas Plásticos, celebrada en Guadalajara México, fue apoyada por más de 150 artistas del planeta.

Esta asociación trabaja con la Unesco. Artistas plásticos criollos representan al país en conjunto con otros de 13 países de la región, quienes formaron parte fundamental de la primera celebración, y desde entonces contribuyen con la misma.

Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci fue un pintor florentino. Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta yurbanista) nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.

Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio.
Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza.
Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.
La Gioconda (La Joconde en francés), también conocida como La Mona Lisa, es una obra pictórica del italiano Leonardo da Vinci.
Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.
Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable), puesto que la mayoría no eran realizables durante esa época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.
Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados.
No obstante, únicamente se conocen unas veinte de sus obras, debido principalmente a sus constantes (y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica.
Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas, llegando a ser igualado únicamente por Miguel Ángel.
El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones.

Qué es el arte
La historia indica que, con la aparición del Homo Sapiens, el arte tuvo una función ritual y mágico-religiosa, que fue cambiando con el correr del tiempo. De todas formas, la definición de arte varía de acuerdo a la época y a la cultura.
Con el Renacimiento italiano, a fines del siglo XV, comienza a distinguirse entre la artesanía y las bellas artes. El artesano es aquel que se dedica a producir obras múltiples, mientras que el artista es creador de obras únicas.
Precisamente es en el Renacimiento Italiano donde encontramos una de las etapas más importantes de la Historia del Arte tanto por los magníficos artistas que en ella trabajaron como por las sorprendentes obras que los mismos acometieron y que hoy son alabadas en todo el mundo.
Así, por ejemplo, tendríamos que destacar a figuras de la talla de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Donatello, Tiziano o Rafael. Y en cuanto a trabajos destacaríamos, por ejemplo, “La Gioconda”, “La Capilla Sixtina”, “Gattamelata”, “Venus de Urbino” y “Los desposorios de la Virgen” respectivamente.
La clasificación utilizada en la Grecia antigua incluía seis disciplinas dentro del arte: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura y la poesía (literatura). Más adelante, comenzó a incluirse al cine como el séptimo arte. También hay quienes nombran a la fotografía como el octavo arte (aunque suele alegarse que se trata de una extensión de la pintura) y a la historieta como el noveno (sus detractores indican que es, en realidad, un puente entre la pintura y el cine). La televisión, la moda, la publicidad y los videojuegos son otras disciplinas que, en ocasiones, son consideradas como artísticas.
En este sentido, hay que destacar que la Unesco se dedica a catalogar a aquellas obras y monumentos artísticos que tienen un valor incalculable y una belleza inigualable. En este caso podríamos hablar, por ejemplo, de la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada, la Catedral de Sevilla o el Yacimiento Arqueológico de Atapuerca.
Sin embargo, en todo el mundo existen monumentos que reciben esta misma catalogación. Entre los mismos se encuentran el Templo Tiwanaku en Bolivia, las Iglesias de Chiloé en Chile, el centro histórico de Lima o el Castillo de San Pedro de la Roca en Santiago de Cuba.
Y todo ello sin olvidarnos tampoco de los Palacios Reales de Abomey en Benín, el Chichén Itza en México, la Estatua de la Libertad de Estados Unidos, las necrópolis de Egipto, la Iglesia de la Natividad en Palestina o el Castillo de Durham en Reino Unido.
Con el paso del tiempo, las creaciones artísticas suelen sufrir importantes deterioros. Por eso, el conjunto de procesos dedicados a la preservación de estos bienes culturales para el futuro es conocido como conservación y restauración de obras de arte.
Además de todo lo expuesto tenemos que subrayar que el término arte también se utiliza para hacer referencia a la maña o a la astucia que tiene una persona para realizar una tarea concreta.

Importancia del arte
El arte es una de las formas más evolucionadas de la expresión humana. A través de ella el hombre puede expresar su visión personal sobre aquello que le aqueja, le interesa o simplemente le parece bello, por medio de recursos plásticos, sonoros o lingüísticos.
Entre las muchas ventajas que ha detectado la ciencia sobre la práctica del arte desde edad temprana, las más importantes son:
Desarrolla una sensibilidad que le permite a la persona desarrollar un código de ética muy sólido.
Ayuda al aumento de la concentración.
Permite el desarrollo de estructuras de pensamiento mucho más complejas.
Fomenta el desarrollo de la creatividad tanto individual como grupal.
Promueve la tolerancia.
Aumenta la confianza y el auto concepto del individuo.

La creación grupal, el nuevo paradigma en el mundo del arte

12 abril, 202112 abril, 2021 infoarte

Fuente: La Nación ~ Este es el lugar donde se reúne el consejo. No hay cabecera: todos iguales, incluso el rey. Ese es el corazón de Camelot”, explica Arturo, el monarca de la leyenda interpretado por Sean Connery, al joven Lancelot que encarna Richard Gere en El primer caballero. Mientras escucha a su mentor, este último se detiene en la frase tallada sobre la célebre mesa redonda: “Sirviéndonos los unos a los otros, nos liberamos”.

Disponible en Netflix, a un cuarto de siglo de su estreno y a días de la muerte del actor inglés, la película dejaba así un mensaje póstumo del hombre que le dio a James Bond su rostro más conocido. Una síntesis de lo que se estaba gestando a puertas cerradas, en plena pandemia, mientras las reuniones cotidianas por Zoom hacían del damero de rostros un ícono del nuevo paradigma: el que reemplaza la competencia por la colaboración, puesto en práctica desde hace décadas en el mundo del arte.

“Los artistas anticipamos cosas que todavía no son cuantificables”, advertía hace cinco años a LA NACION Tomás Saraceno, tucumano radicado en Berlín, mientras impulsaba con un equipo interdisciplinario su proyecto de convertir a la Argentina en un país pionero en vuelos libres de combustibles fósiles.

La búsqueda de soluciones a problemas ambientales inspira a muchos “artivistas” que aportan su talento para lograr una transformación política y social. Como el danés Olafur Eliasson, también radicado en la capital alemana. En esa ciudad pionera en generar conciencia sobre formas de vida más sustentables, trabaja en crear “espacios sensibles a lo individual y a lo colectivo” con artesanos, técnicos, arquitectos, historiadores de arte, cineastas, ingenieros.

Eliasson en su estudio, bajo la lluvia de una nube virtualGentileza Olafur Eliasson

Comprometidos y cosmopolitas, Saraceno y Eliasson se cuentan entre los convocados para participar de Back to Earth (“Volver a la Tierra”), ciclo destinado a celebrar los cincuenta años de las británicas Serpentine Galleries con la mirada puesta en el futuro: a través de campañas ecológicas promovidas por decenas de expertos en distintas disciplinas. “¿Qué tipo de investigaciones y recursos compartidos, y prácticas de trabajo colaborativas se necesitan para dar respuestas complejas a problemas complejos?”, se pregunta una de las instituciones artísticas más prestigiosas del mundo, que impulsa desde 2014 iniciativas relacionadas con la preservación del medioambiente.

“¿Para qué sirve el arte? ¿Frente al dolor, hay algo que el arte pueda hacer?” Esas preguntas procura responder con acciones concretas Vergel, una ONG que pone la creatividad al servicio de la salud y la educación. Todo comenzó en 2006, cuando la artista Catalina León se presentó como voluntaria en el Hospice San Camilo para acompañar adultos en el final de su vida. Luego se incorporó al equipo de cuidados paliativos del Hospital Gutiérrez, sumó a varios colegas y así nació el programa Pintando en el Hospital, para niños y adolescentes internados.

En el otro extremo del ciclo vital se concentra Ana Gallardo: la instancia próxima a la muerte es uno de los ejes centrales de su trabajo, casi siempre colectivo. Desde hace más de una década está abocada al proyecto Un lugar para vivir cuando seamos viejos, que consiste en aprender hobbies y oficios; sueña además con la creación de una “escuela de envejecer”, en la cual puedan compartir esas actividades.

El interés por los vínculos que se tejen al aprender conocimientos que atraviesan generaciones de boca en boca inspira también la obra de Gabriel Baggio, artista que creció observando cómo su abuelo fabricaba utensilios de madera para que su abuela amasara las pastas.

“Belleza y felicidad” se leía en letras doradas sobre la vidriera de un local de Almagro, que funcionó como abrigo poético de artistas durante los primeros años del nuevo milenio. Aquel mítico espacio creado por Cecilia Pavón y Fernanda Laguna fue transformado en Belleza y Felicidad Fiorito, un proyecto social y educativo que funciona desde 2003 en Villa Fiorito. La pandemia profundizó ese rol: se crearon alianzas con otras organizaciones para ampliar el comedor y la información sobre higiene y violencia de género.

El trabajo de Laguna fue citado entre los proyectos artísticos difundidos el año pasado desde las plataformas virtuales del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, cuando la pandemia obligó a cerrar sus puertas. Las reabrió con sus espacios comunes intervenidos por otro emprendimiento grupal liderado por Diana Aisenberg, artista confiada en que “todo lo que está suspendido por obra del trabajo colectivo, es refugio”.

“Estos acercamientos a distintos modos de observar y actuar junto a las comunidades -señaló el Moderno- parecen confirmar que, en el camino hacia la vida colectiva que planeamos, el arte es una de las mejores formas de forjar lazos duraderos sobre la base de nuevas sensibilidades, diálogos profundos y fantasías de nuevos mundos posibles”.

Destruyen obra de arte de medio millón de dólares creyendo que era arte participativo

9 abril, 20219 abril, 2021 infoarte

Fuente: Crónica ~ Una obra sin nombre del artista estadounidense JonOne, expuesta en el museo Lotte World Mall de Seúl, Corea del Sur, y valorada en medio millón de dólares, fue destrozada por una pareja que creyó que se trataba de arte participativo.

La obra, sin título, supera los 425.000 euros. Se trata de un graffiti que mide 7 metros por 2,4 y JonOne la pintó en 2016 en una actuación en vivo en el Lotte World Mall de Seúl.

La obra de arte está valuada en 500 mil dólares.

Lo que pareció una colaboración para los involucrados, terminó siendo un acto de vandalismo y su paseo y diversión terminó y finalizaron la noche tras las rejas.

Según medios asiáticos el malentendido se debe a que la obra se expone en el museo de Séul con los botes de pintura y las brochas que el artista utilizó, justo debajo y eso los pudo hacer creer que ameritaba su participación.

Las cámaras de seguridad del museo muestran el momento en el que la pareja empieza a darle brochazos verdes al cuadro, tan campantes, sin mostrar preocupación alguna por estar cometiendo un delito, sin que nadie se diera cuenta, a pesar de que el museo estaba abierto.

A la hora del cierre, los galeristas se encontraron el cuadro, valorado en más de 425.000 euros, «retocado» con los brochazos.

«Llamamos inmediatamente a la policía y se llevaron el bote de pintura y la brocha como pruebas», detalló Kang Wok, director de la exposición «Street Noise».

«Confesaron que pensaban que estaba permitido pintar sobre la obra, y que fue un error. Estamos viendo con el artista qué hacer al respecto», comentó el director de la exposición.

Como resultado, el museo decidió instalar unos carteles en los que pone «prohibido tocar» para disuadir al resto de visitantes que dar rienda suelta a su creatividad.

Los elementos que provocaron la confusión de la pareja.

Homenajean al artista Fernando Fader con muestras y charlas en el aniversario de su nacimiento

9 abril, 20219 abril, 2021 infoarte

Fuente: Télam ~ El Museo Provincial de Bellas Artes Emiliano Guiñazú – Casa de Fader, ubicado en la localidad mendocina de Luján de Cuyo, preparó una serie de actividades que se desarrollarán durante abril.

Con motivo del aniversario 139 del natalicio del pintor Fernando Fader, el Museo Provincial de Bellas Artes Emiliano Guiñazú – Casa de Fader, ubicado en la localidad mendocina de Luján de Cuyo, preparó una serie de actividades que se desarrollarán durante abril y que comenzaron con «Muros con destino», una muestra realizada por artistas visuales de esa provincia.

Se trata de una exposición compuesta por murales sobre bloques de fibrocemento, inspirados en la obra de Fader que podrá visitarse durante todo el mes y que cuenta con la participación de Carlos Escoriza, Germán Álvarez, Lucía Coria, Guillermo d’Anna y Leo Pedra, informaron fuentes de la cartera cultural de la provincia.

Los homenajes continuarán el próximo domingo 11 de abril, a las 18, con un espectáculo musical de Alma de Soul, y la participación de artistas como Eugenia Ferrer, Quique Nomberto y Charly Núñez y el miércoles 14 con una charla sobre la historia de la colección de arte del Museo Fader, a cargo del licenciado en historia del arte Pablo Chiavazza, que realizará un recorrido histórico sobre la colección de arte de más de 1.500 obras con la que cuenta la institución.

El domingo 18, entre las 16 y las 18, la charla guiada sobre la restauración en el museo estará a cargo de Cristina Sonego, quien fue la responsable de restauración de los murales y la casona familiar Guiñazú. Mientras que el miércoles 21 a las 18, se cerrará el ciclo con Chiavazza exponiendo sobre la vida de Fernando Fader en una actividad virtual.

Las inscripciones para estas tres ultimas actividades se realizan a través de museofadermendoza@gmail.com.

El Museo Provincial de Bellas Artes Emiliano Guiñazú-Casa Fader, concebido para una función activa como cátedra de arte, cuenta con colecciones originales de importantes artistas provinciales, nacionales y con reproducciones de cuadros y esculturas del arte universal. Lleva el nombre del artista plástico Fernando Fader,- nacido el 11 de abril de 1882 en Burdeos, Francia- quien pintó los murales del hall y de la piscina interna.

La casona donde funciona fue donada por Narcisa Araujo de Guiñazú en 1945 y transformada con una original concepción de museo-parque, trazado geométrico de cipreses que forman salas al aire libre para la exposición de esculturas.

Abrió finalmente sus puertas al público en 1951 y como señal del reconocimiento oficial por su valor, en 1998 se declararon bienes del patrimonio de la Provincia de Mendoza el edificio del museo, su parque y la obra de Fader.

En 2019, luego de estar cerrado siete años, y tras una exhaustiva restauración y puesta en valor, el emblemático espacio de arte reabrió sus puertas al público.

El arte mendocino de luto: falleció el reconocido pintor, grabador, escultor y gestor Orlando Siliotti

9 abril, 20219 abril, 2021 infoarte

Fuente: Los Andes ~ El talentoso y querido artista mendocino Orlando Siliotti falleció durante las primeras horas de este jueves gris, por lo que el arte mendocino está de luto. Luego de pelearla hasta con su último esfuerzo, finalmente el cáncer que padecía ganó la batalla; y fue esta la causa del fallecimiento del entrañable Siliotti, cuya obra perdurará por siempre (actualmente está expuesta en la galería de arte Casa Palmera).

Orlando Siliotti falleció durante los primeros minutos de este jueves. Y aunque el arte mendocino está de luto, su obra perdurará por siempre. Foto: Orlando Pelichotti / Los Andes.

A fines de marzo se conoció públicamente que su estado de salud era por demás delicado a raíz de la mencionada enfermedad; por lo que se anunció el sorteo de una de sus brillantes obras. La intención, con lo recaudado, era costear los medicamentos y el tratamiento al que debía ser sometido Siliotti. El mencionado sorteo iba a tener lugar el 17 de abril, pero la vida del reconocido artista se apagó antes.

Talentoso y reconocido

Orlando Siliotti era pintor, grabador y escultor. Estudió, entre 1980 y 1986, Artes Plásticas en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Cuyo; aunque después realizó cursos en España y Cuba. También se desempeñó como gestor, escenógrafo y puestista. Antes de regresar a Mendoza, vivió en países como España y México; fuente de inspiración que se reflejó en su numerosa y variada obra hasta el último instante.

Una postal 360° de Siliotti y su estudio, que era su hábitat natural y una extensión de su vida. Foto: Orlando Pelichotti / Los Andes.

Desde su primera muestra individual, en 1985, superó las 35, y ese número se duplicaba en aquellas grupales. En el 2008 vio la luz la primera Muestra de Arte Erótico, que ideó junto al escritor Alejandro Crimi; y que continúa realizándose año tras año. La muestra nació ligada a la Vendimia, con la intención de rescatar lo pagano y lo sensual de la fiesta. Pero, con el pasar de los años, fue creciendo y tomando formas nuevas, internacionalizándose e -incluso- desplazándose por diferentes espacios.

A Siliotti le gustaba incursionar en nuevas técnicas todo el tiempo, y no decantaba en ninguna en especial; aunque siempre reconoció que era conocido principalmente por la pintura. Su propio taller da cuenta de esas búsquedas (sobresalen pinceles de todos los tamaños, pinturas de todos los tipos, herramientas y hasta una morsa).Uno de los tesoros de los que Siliotti prácticamente no se separaba, el portafolio con sus pomos de pintura. Foto: Orlando Pelichotti / Los Andes.

Exposición de su obra

El fallecimiento de Orlando Siliotti sorprendió al artista en un momento por demás particular: su obra está siendo expuesta actualmente en la galería de arte Casa Palmera, junto con la de otros artistas locales. “Fue un soldado que murió en la trinchera, pintó hasta el último instante y la peleó hasta el último momento”, destacaron algunos artistas cercanos a Siliotti y que también están exponiendo en esa muestra.

De hecho, uno de los últimos homenajes en vida al artista tuvo lugar en este escenario, al momento de inaugurar la muestra.

Se exhiben las 64 obras galardonadas con el Premios Itaú de Artes Visuales

8 abril, 20218 abril, 2021 infoarte

Fuente: Grupo La Provincia ~ Con 64 obras de artistas de todo el país y curaduría de Adriana Lauria se presenta online, por las restricciones sanitarias, la muestra de las galardonadas en la 11va. edición del Premio Itaú de Artes Visuales 2019-2020.

Se presentaron para el premio 2.784 obras de las que fueron seleccionadas un total de 64, entre trabajos en dos dimensiones, escultóricos, instalaciones y performance.

La muestra virtual de arte contemporáneo, alojada en la plataforma de Google Arts, representó un desafío curatorial para diseñar una muestra de obras pensadas para la presencialidad, según destaca la curadora.

El conjunto de obras se estructura según los núcleos temáticos como incidencias socioeconómicas, naturaleza, género, transculturaciones, teatralidad, materialidades, ejercicios de memoria e identidades culturales, con agrupamientos de obras y textos que suplen la carencia del recorrido en sala «por uno conceptual», según Lauria.

La exhibición pensada para ser realizada como en las dos ediciones previas en el primer piso de la Casa Nacional del Bicentenario, se concretó de modo virtual.

Los jurados fueron Virgina Agote, Jorge La Ferla y Cristian Segura, quienes destacaron la calidad y variedad de las obras enviadas «por el amplio conjunto de artistas que representan diferentes búsquedas, estilos y tendencias.

Entre las obras seleccionadas hay «piezas realizadas con técnicas tradicionales a aquellas que extreman el uso de las tecnologías, con diversidad de soportes y dispositivos de exhibición, que ofrecen un significativo panorama de las artes visuales en el país», indicaron.

El primer premio adquisición fue para la videoinstalación «Instancias de lucha» de Gabriela Golder, que parte de registros de obreros bonaerenses pertenecientes a fábricas recuperadas.

El segundo para el tucumano Adrián Enrique Sosa por la video «Casa, el abrasar del cerco», en el que propone una lectura del paisaje de la provincia de Tucumán a partir del registro de la zafra, que remite a una acción performática.

El tercero para Nestor Barbitta por su obra fotográfica «Partido», en que da cuenta de una zona de frontera, entre la ciudad y la provincia de Buenos Aires.

En la categoría específica de arte y robótica los premios fueron para «Displaced» de Ana Laura Cantera y Demián Ferrari, y las menciones para «Reperfilando» de Leandro Núñez; «Resonancia de Partículas» de Gabriela Munguía; y los jurados fueron Emiliano Causa, Malena Souto Arena y Mariela Yeregui.

La muestra y el catálogo se puede ver en https://artsandculture.google.com/partner/fundacion-itau-argentina

Por otra parte, se encuentra abierta la convocatoria para el Premio Itaú de Artes Visuales en su 12ª edición hasta el 15 de abril de 2021 inclusive, cuya inscripción se realiza en www.premio itaú.org.

Marta Minujín presenta una impactante obra virtual y un «Tinder de arte»

8 abril, 20218 abril, 2021 infoarte

Fuente: Télam ~ “El 50 por ciento de nuestra vida la pasamos en un colchón: nacemos en un colchón, morimos en un colchón, hacemos el amor, nos puede matar, pasamos gran parte de nuestra existencia”, dijo la artista durante la inauguración para la prensa realizada en el espacio artístico que abrirá gratis a todo público, con reserva previa.

Los colchones son una marca indeleble asociada a la carrera de esta camaleónica artista argentina, quien los utilizó en el pasado para obras como la Galería Blanda (1973), una instalación con 180 colchones de colores estridentes, la pieza «Revuélquese y viva» (1964), un objeto penetrable realizado con colchones de colores con alusiones eróticas, o “La destrucción”, una performance en la que prendió fuego a todas sus obras, incluidos esos colchones, en una acción realizada en París.

“El 50 por ciento de nuestra vida la pasamos en un colchón: nacemos en un colchón, morimos en un colchón, hacemos el amor, nos puede matar, pasamos gran parte de nuestra existencia”, dijo la artista durante la inauguración para la prensa realizada en el espacio artístico que abrirá gratis a todo público, con reserva previa.

La blonda artista, con sus infaltables anteojos espejados y enfundada en un overall multicolor, recordó que en sus inicios no tenía dinero para comprar colchones por los que los conseguía en hospitales, en la basura y en los lugares más insospechados, en su época de estar afincada en París, que tan bien reflejó en sus diarios personales publicados bajo el título “Tres invierno en París”.

“Al principio, los colchones eran objetos que le permitían incorporar un elemento de la sociedad de consumo en sus obras, pero de a poco se transformaron en una representación de la vida misma. La encarnación de una filosofía de vida”, escribió Rodrigo Alonso en el texto que se puede leer en la sala.

La nueva muestra “Implosión” recibe al visitante con una impactante obra inmersiva, una pequeña sala, cuyas paredes y piso proyectan sobre las superficies diferentes tramas de colchones de colores, y en movimiento, generando una particular sensación -por momentos similar al mareo– mientras suena música clásica que acompaña ese discurrir colorido. Una gran escultura de colchones, acompañada de fotos históricas, ampliadas en gran tamaño, muestran a una jovencita Marta posando en su taller de la rue Delambre en París, junto a sus primeras obras con colchones.

Este recinto electrónico, con sus franjas multicolores que se proyectan en el espacio, conforman una suerte de galería blanda virtual, una experiencia audiovisual y lúdica.

En la terraza del espacio de arte, al aire libre, rodeado de flores y verde, se encuentra una impactante escultura que simula ser la cabeza de Minujín, hecha en hierro y neón con activación digital, e invita al visitante a subir una escalerita para “ingresar” así a la cabeza de la artista, titulada “Autorretrato mediático” (2021).

Una vez dentro se podrá escanear un código QR con el celular que invita a “navegar por el mapa de almas” creado por Minujin, una suerte de tinder artístico que te permitirá «matchear» con los otros espectadores que hayan visitado la muestra, una vez que hayas respondido el cuestionario propuesto.

“Tus respuestas te asignan un color y en mi paleta virtual los mezclaré para obtener el color de tu alma. Al final de todo el cuestionario vas a encontrar tu alma de colores en el mapa, rodeada de otras semejantes a la tuya”, promete el epígrafe de la escultura.

Como parte de las actividades educativas, habrá también un recorrido virtual al espacio de arte, dirigido por la propia Minujín, que podrá verse en YouTube, el miércoles 14 de abril a las 17.

La exposición «Implosión» coincide con la actual exhibición, en el Museo Nacional de Bellas Artes, de la obra «Pandemia», la última creación de Minujín, realizada durante el período del aislamiento.

Ubicada en el hall del museo (Avenida del Libertador 1473), «Pandemia» es una producción que la artista emprendió en mayo de 2020 y para realizarla, aplicó miles de tiras con pequeños cuadrados en blanco, negro y siete tonos de gris sobre una tela que supera los dos metros de alto y de ancho. La obra se completa con la proyección sobre el bastidor de una imagen de la misma trama.

Nacida en Buenos Aires en 1943, Minujín es pionera de los happenings, el arte de performance, la escultura blanda y el video.

Sus obras incluyeron la quema de todos sus trabajos («La destrucción», 1963), intervenciones temporales con animales vivos («El Batacazo», 1964) y un recorrido por un laberinto de situaciones («La Menesunda», 1965).

Influenciada por el entorno intelectual que rodeaba al Instituto Torcuato Di Tella en los 60, creó obras como «Simultaneidad en Simultaneidad» (1966).

Tras ganar la Beca Guggenheim, se adhirió al movimiento contracultural en Nueva York de los 70, donde se volcó al arte pop y el arte psicodélico. Luego de crear el «Obelisco de pan dulce» (1979), se volcó a esculturas públicas colosales como la «Torre de pan de Joyce» (1980), «La Venus de queso (1983), la «Torre de Babel» (2011) o el arte de «Rayuela» (2014).

Dentro de sus próximos proyectos se encuentra llevar «La Menesunda» a la Tate Liverpool, y hacer La Estatua de la Libertad recubierta de hamburguesas en la ciudad de New York.

La muestra Implosión -hecha especialmente para ese espacio- ocupará durante seis meses la planta baja y la terraza del edificio ubicado en avenida Juan de Garay y Paseo Colón, en el denominado Distrito de las Artes, con reserva previa en la web de la Fundación (www.santander.com.ar).