Categoría: Actualidad

Fuente: La Nación – “Las distracciones de Dagoberto”, la pintura surrealista comprada por precio récord por Eduardo Costantini en mayo, ya se puede ver en una sala especial del museo: una invitación a sumergirse en un mundo con personajes fantásticos

A través del cuadro de Leonora Carrington que acaba de llegar a la ciudad es posible sumergirse en mundos fantásticos, imaginar cuentos surrealistas, descubrir personajes de ensueño y dejar que la mente haga su viaje. Recién colgado en Malba, Las distracciones de Dagoberto (1945) estrena una sala propia dentro de la muestra de la colección permanente, Tercer ojo: son muchos cuadros adentro de uno.

La obra es una de las más significativas de la genia surrealista, que fue adquirida con precio récord en mayo pasado por Eduardo F. Costantini. Esperó treinta años desde la última vez que pujó por ella en una subasta y esta vez en Sotheby’s no pensaba irse con las manos vacías. Pagó por ella 28 millones de dólares, con lo que ubicó a la artista en el podio de las cinco mujeres más valiosas en subasta, junto a Georgia O’Keeffe, Frida Kahlo, Louise Bourgeois y Joan Mitchell. “Es una pintura icónica, una de las obras más admiradas en la historia del surrealismo y una obra maestra incomparable del arte latinoamericano”, dijo Costantini entonces.

Este óleo es una de las obras maestras de Carrington. Fue realizada en México en 1945, cuando tenía 28 años, y es una pintura fundamental del movimiento surrealista. Carrington había llegado dos años antes desde Europa y moriría ahí a los 94 años. A los 26, ya acarreaba una vida de novela, como bien ha narrado la escritora mexicanaElena Poniatowska, su amiga, en su biografía novelada Leonora(Premio Seix Barral 2011). Leonora era la menor de cuatro hermanos machistas y la hija de un magnate textil estricto. Creció en una mansión en Lancashire escuchando historias populares irlandesas de su niñera y su madre, a quien le dictó su primer cuento a los cinco años. Pasó por varios colegios, y estudió arte en Florencia. Contrario a lo que quería su padre, logró en 1936 instalarse en Londres para estudiar dibujo.

Conoció a Max Ernst cuando él rondaba los 50 años y ella apenas 22, y se enamoraron perdidamente. Él abandonó a su mujer, y se mudaron a la Provenza, a una antigua granja en el pueblo de St.-Martin-d’Ardèche a vivir su idilio. Que duró poco, porque Ernst fue detenido al comienzo de la guerra y Leonora vivió un rally de pesadillas que narra en su libro Memorias de abajo (1943, editado en la Argentina el año pasado por Alpha Decay), que incluyen violaciones y torturas en un hospital psiquiátrico.

Con todo eso a cuestas, pintó esta obra en 1945, en México, donde la rodeó una comunidad de surrealistas exiliados –entre los que se encontraban Remedios Varo, Wolfgang Paalen, Alice Rahon y otros–, y un grupo de pintores locales como Frida Kahlo y Diego Rivera (Ernst ya se había casado con la magnate Peggy Guggenheim y vivía en Nueva York). En la sala que Malba acondicionó para recibir su obra, la rodean tres obras cumbre de Varo: Armonía (1956), Simpatía(la rabia del gato) (1955), de la Colección de Eduardo F. Costantini, e Icono (1945), de la Colección Malba, pequeño retablo instalado en un nicho espejado. En las tres se combina lo humano, lo animal, lo vegetal y lo mecánico, algo propio del universo visual complejo y único de Varo.

Hay también fotografías de Kati Horna de la serie Oda a la Necrofilia (1962), quien fue su amiga y compañera en el estudio en las prácticas rituales de la magia y el ocultismo, marcas distintivas de su producción artística. “En una nueva puesta van a aparecer fotos también de Leonora Carrington”, adelanta Nancy Rojas, del equipo de curaduría de Malba. Este núcleo de mujeres surrealistas lleva el nombre de Transformar el rito. Las distracciones de Dagoberto es la culminación de este período.

Muchos cuadros en uno

Las fuentes en las que se inspira son múltiples: desde la historia europea medieval y la literatura científica contemporánea hasta los mitos irlandeses y mexicanos. “El título hace referencia a un rey merovingio del siglo VII gobernante de la Galia –se lee en la cédula extendida de la obra elaborada desde el área de curaduría del museo–. En la pintura confluyen distintas escenas fantásticas que evocan la dimensión mística de la naturaleza a través de intercambios entre lo divino y lo terrestre, la flora y la fauna. Con citas directas a la obra de El Bosco, en esta obra Carrington hace referencia a rituales herméticos que apuntan a las transformaciones alquímicas y a búsquedas ocultistas. Quizás hayan sido las leyendas celtas, contadas por su abuela irlandesa repletas de animales, hadas, dioses y druidas, las que despertaron la fascinación de la artista por los universos mágicos en sus derivas artísticas”.

“Esto que hacía El Bosco de dividir la obra en el plano de lo celestial y lo terrenal, ella lo traduce de manera más compleja, y va mezclando ambos universos. Así surgen las microescenas, que a nosotros nos falta estudiar desde lo iconográfico. Es un cuadro muy representativo de su apogeo“, señala Rojas. “La técnica es temple sobre masonite o chapadur, un soporte rígido. Es el mismo que las obras de Varo, aunque tienen diez años de diferencia. Pinceladas cortitas, superposiciones de color con pinceles muy finitos, de un pelo… se parecen bastante las obras. El nivel de detalle de Carrington y Varo es increíble. Las distracciones de Dragoberto está en excelente estado. Estaba en una colección privada de Estados Unidos, muy bien conservada. Llegó la semana pasada, y después de unos días estacionado para aclimatarse, se desembaló y se revisó en conservación. Sólo tuvimos que limpiar el marco”, cuenta Valeria Intrieri, curadora a cargo del registro y gestión de la Colección Malba.

El catálogo de Shoteby’s describe esta obra maestra como un collage de viñetas meticulosamente elaboradas, cada una con paisajes únicos e intrincados, que comprenden los cuatro elementos: Tierra, Aire, Fuego y Agua. Detalla: “Las escenas varían desde volcanes extintos fantasmales hasta un lago de fuego que envuelve a un ídolo invertido, pasando por un mundo acuático donde un gigante con doble cabeza de animal sostiene un pez globo con rostro humano. Como se convertiría en el sello distintivo de Carrington, las imágenes se basan en una red diversa de influencias, que van desde la mitología irlandesa que aprendió cuando era niña, hasta la alquimia, la Cabalá y la cosmología indígena mexicana. Cada sección está representada con exquisito detalle, desde la tonalidad radiante que logra a través de finos esmaltes hasta el excepcionalmente fino dibujo, un testimonio de la brillantez técnica de Carrington”.

Le decían “La diosa blanca” del surreralismo, la “novia del viento” o “la bruja de México”. Ella tenía entre sus libros favoritos a La diosa blanca de Robert Graves, Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll, y Los viajes de Gulliver, de Jonathan Swift. Como autora escribió, entre otras novelas, ensayos y cuentos, La trompetilla acústica (editado en el país por FNC), que cuenta las absurdas, cómicas, paradójicas y singulares situaciones que enfrenta Marion Leatherby, una mujer de 92 años encerrada en un asilo a causa del desprecio de su hijo. Se consiguen también la compilación de sus cuentos completos.

“Es una narrativa visual compleja que se basa en el conocimiento de Carrington sobre la mitología y la ilustración de libros para niños”, dice a LA NACION la académica escocesa y especialista en la artista Catriona McAra, autora de The Medium of Leonora Carrington: A Feminist Haunting of the Contemporary Arts, entre otros títulos. “El mosaico episódico de esta pintura podría compararse con sus cuentos surrealistas. Las criaturas híbridas y los vehículos mágicos son típicos de sus obras de arte en tiempos de guerra”, explica.

Entre sus libros para chicos está Leche del sueño (FCE, 2013), que abunda en niños sin cabeza o que comen paredes, cocodrilos que aparecen en las camas, carnitas podridas y todo tipo de monstruos. En su homenaje, Cecilia Alemani tituló así la 59º edición de la Bienal de Venecia de 2022, cuando fue la primera curadora mujer e incluyó los dos Varo que hoy secundan la obra en Malba. Carrington fue una ferviente defensora de los derechos de las mujeres. En sus palabras: “La mayoría de nosotras, espero, somos ahora conscientes de que una mujer no debería tener que pedir derechos. Los derechos estaban ahí desde el principio; hay que recuperarlos, incluidos los misterios que eran nuestros y fueron violados, robados o destruidos”. Carrington es leída hoy desde el feminismo, la fluidez de género y la ecología, y en sus pinturas hay hechiceras que simbolizan el empoderamiento femenino y criaturas místicas y andróginas que cuidan el planeta. En 1970, Carrington escribió el ensayo Animal humano femenino (también conocido como Qué es una mujer), en el que desarrolla sus ideas sobre el patriarcado y cómo éste amenaza al planeta.

“Las obras no se pueden explicar”, dijo Carlos Martín en varias ocasiones, uno de los curadores de la muestra Leonora Carrington. Revelación, una antológica de 188 obras que se realizó en la Fundación Mapfre de Madrid el año pasado. Señaló entonces a la prensa que Carrington desarrolló un lenguaje determinado por temas como la mitología celta, el mundo de la magia y lo oculto, la naturaleza y el mundo animal, la psicología o el budismo tibetano. Todos estos temas de corte onírico aparecen en unas pinturas a las que Carrington no quería dar ningún significado, decía el curador. Cada quien puede ver la obra y aportar los propios sueños y pesadillas.

Fuente: Ámbito – «El oro de lo sueños» es el título de la nueva y magnífica exposición del artista misionero, que puede visitarse hasta fines del mes próximo en la Torre Macro que diseñó César Pelli.

Sobre la Avenida Madero, en la imponente Torre Macro, el artista Andrés Paredes presenta la muestra antológica “El oro de los sueños”. Allí, en el luminoso edificio corporativo que lleva la firma de César Pelli, Paredes vuelve a desplegar el encanto de la naturaleza inspirado en el territorio donde nació, el pueblo de Apóstoles en la provincia de Misiones.

En su propio paraíso tropical surgieron sus árboles calados y los bosques en papeles recortados con las formas onduladas de la jungla. Ahora, en medio de la exposición, Paredes observa: “Decidí vivir en Buenos Aires y desde entonces cambió mi obra. Cuando me instalé en La Boca, por primera vez, pensé y trabajé en medio del rigor de la selva urbana, en un taller con la puerta abierta a la calle. El contexto que hoy me rodea determinó cambios en mi producción. Ya no trabajo mirando la naturaleza, no me despiertan los pájaros ni escucho el sonido de la selva. Ahora realizo mis obras a partir de recuerdos más bien lejanos que alimentan mi imaginación”.

El título de la muestra, “El oro de los sueños”, coincide con el de una obra de gran formato realizada en un papel profusamente recortado y pintado en dorado, que se asemeja al oro entretejido. “Nunca le había dedicado tanto tiempo a una obra”, reconoce Paredes, mientras mira las sombras onduladas y los colores del revés del papel que se proyectan sobre la pared.

El artista señala que si bien el quehacer manual, tanto el de los recortes como el modelado en cerámica, son tareas que definen el resultado de las obras, “El oro de los sueños” está ligada a la búsqueda de la felicidad a través de la belleza.

“Se mezclan en ella la capacidad de transformación de las mariposas, cuando llegan a la fase última llamada imago y pueden reproducirse, con la leyenda que dice que al final del arco iris hay un recipiente lleno de oro. Esta obra habla de encontrarse con uno mismo, del deseo de sentirse realmente realizado y la ambición de encontrar la felicidad al final del arco iris. Creo que la felicidad se alcanza a través de la belleza. Hay muchas líneas curvas y también geométricas en perfecta armonía, la técnica del papel calado a mano la aprendí en las clases de una profesora alemana en Oberá, allá en Misiones”, agrega Paredes.

La experiencia del artista suscita el recuerdo de Charles Baudelaire, que, en “El pintor de la vida moderna” asegura que Stendhal se acerca a la verdad más que muchos otros al decir que “lo bello no es sino la promesa de la felicidad”.

Se trata de un fenómeno que sencillamente “ocurre”, como señala Borges cuando se refiere a “la emoción singular llamada belleza, ese misterio hermoso que no descifran ni la psicología ni la retórica”.

Desde el siglo XIX el “síndrome de Stendhal” es el paradigma del síntoma -más o menos intenso- que puede deparar una determinada experiencia estética. El síndrome ganó fama cuando Stendhal contó que estaba en Florencia y abismado ante la belleza del arte, el éxtasis le provocó un vahído.

Hoy, mientras los ideales de belleza caen en el olvido o simplemente, ya no provocan admiración, artistas como Paredes afianzan la conciencia histórica del goce que desde los comienzos de la humanidad depara lo bello. Frente a una obra como “El oro de los sueños”, el ojo del espectador parece estar más atento, su mirada se vuelve más incisiva y la percepción más afinada. En suma, el hombre se ha vuelto más apto para adivinar y detectar las alteraciones sutiles o profundas que lo afectan a través de la belleza.

Por otra parte, en medio de la arquitectura de Pelli (acaso demasiado tabicada en algunas áreas), una mariposa gigantesca y oscura se recorta entre los haces de luz que ingresan por la cúpula vidriada. El crecimiento prodigioso de esta mariposa se percibe como algo extraño. La gracia de sus formas excesivas resulta finalmente inquietante. Acaso un impulso atávico determina el deseo de volver a ese territorio con la tierra colorada y una selva húmeda, dónde bulle la vida.

Consultado el artista sobre qué cambios formales determinó la vida en la ciudad, dado que en la muestra actual hay mariposas, insectos y una vegetación tan enmarañada como la de antaño, responde: “Para comenzar, el color pasó a ser un agente activo, contribuye a crear el clima de la muestra. Busqué voluntariamente la teatralidad, el efecto escenográfico de un jardín donde el tiempo se ha detenido, trato de provocar cierta emoción estética”. En efecto, la irrealidad se percibe en las mariposas gigantescas que vuelan en medio del espacio de una sala, la de bronce bruñido y también las de colores radiantes, rojas, amarillas, naranjas. “Es un jardín artificial, idealizado, imaginado, soñado, ajeno a la realidad”, confirma el artista.

“Toda mi producción gira en torno a la naturaleza y la transformación como eje central”, comentó finalmente Paredes. La muestra curada por Patricia Rizzo estará abierta hasta el 27 de septiembre, de lunes a viernes de 10 a 18.

Fuente: Clarín – Arthaus, en colaboración con el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), entregó los premios Arthaus de las Artes Visuales 2024. En esta segunda edición, los ganadores en la categoría “objeto” son: Carlota Beltrame (Tucumán), Juan Rey (Buenos Aires) y Santiago Viale (Córdoba).Premio Arthaus de Artes Visuales. Museo Nacional de Bellas Artes. Foto: gentileza. prensa MNBA

Las obras serán exhibidas en la sala 33 del primer piso del museo de Av. Del Libertador 1473 para que el público pueda disfrutarlas gratis hasta el 8 de septiembre.

Los artistas ganadores fueron distinguidos en marzo de este año por un jurado de notables integrado por María Teresa Constantin (directora artística de Arthaus); Rodrigo Alonso (curador especializado en arte contemporáneo y nuevos medios); Carola Zech (artista visual y docente) Andrés Duprat y Mariana Marchesi, director ejecutivo y directora artística del Bellas Artes, respectivamente.

Como resultado de la sinergia entre los sectores público–privado y su relación con las artes visuales, las obras no serán adquiridas por el MNBA sino que el museo más importante de la Argentina ofrece su espacio para su exhibición. En tanto, Fundación Arthaus financió los trabajos ganadores para que cada artista pudiera concretar su trabajo para luego poder visibilizarlos.

“Estamos muy contentos porque es la segunda edición con esta colaboración con el Bellas Artes. Me parece un ciclo virtuoso donde como espacio de producción lo que hacemos es favorecer la creación de obras que se exponen en el Bellas Artes y no son de adquisición. Quedan para los artistas”, dijo Andrés Buhar, director general de Arthaus, en diálogo con Viva.

“Es un premio a la producción: estimula el hacer, no es un premio a la obra terminada. Los artistas presentan proyectos, el jurado selecciona y Arthaus financia y hace un seguimiento para que las obras existan”, señaló Andrés Duprat, director del Bellas Artes, al momento de presentar las obras seleccionadas.

La primera edición de los premios Arthaus de las Artes Visuales se llevó a cabo en 2021, durante la pandemia, y consistió en un premio a las artes electrónicas. En 2022, las obras ganadoras también se exhibieron, también en el Bellas Artes.

En esta segunda edición, más 100 proyectos de artistas todo el país se postularon para participar de este concurso de carácter federal, con objeto como la gran excusa.

“Las obras dialogan entre sí. Hay cierta preocupación con la naturaleza y el medio ambiente. Cada una tiene su personalidad. Está muy bueno y al mismo tiempo tiene una coherencia: no fue pensado así pero, sin embargo, funciona muy bien”, reconoce Buhar.Ganadores del Premio Arthaus de Artes Visuales en el Museo Nacional de Bellas Artes. Foto: gentileza. prensa MNBA

Los tres ganadores y sus obras

Carlota Beltrame se quedó con el primer puesto por su trabajo «La resistencia», una obra en que la expresa la tensión de las materialidades y cosmovisiones: aquellas que moldearon la era del capital y aquellas que se sostienen desde las prácticas artesanales y comunitarias.

La obra ganadora consiste en una placa de hierro negro y mantas artesanales de lana de oveja hilada y teñida a mano sobre una estructura de fibrofácil y LED. Mide 150 centímetros de largo por 150 de ancho y 40 centímetros de alto.

“Mi trabajo es una metáfora acerca de los lugares de resistencia al sistema capitalista que hay en los pequeños pueblos donde se generan artesanías, tienen un gran valor histórico y manual pero en este caso el sistema no logra asfixiar”, remarcó Beltrame.

Y continuó: «Artesanos y artesanas producen una economía doméstica y de autosubsistencia en la que la fuerza del sistema capitalista no es que no llegue, sino que llega morigerado. Esas personas no tienen el deseo tallado por el capitalismo que los hace consumistas o consumidores por antonomasia. No conciben su propia producción como una mera mercancía porque tiene con un alto valor simbólico tanto personal como comunitario. Son lugares verdadera resistencia en estos momentos”.

Beltrame utilizó una plancha de metal de 225 kilos (uno de los símbolos del capitalismo a partir de la “Era Industrial”) por encima de unas telas artesanales. “Mi idea es que ese peso tan terrible no logre aplastar esa sensibilidad que se puede encontrar en reductos del lugares del mundo donde todavía hay producciones donde a quienes miramos desde afuera nos genera esperanza”.

Respecto al concurso, la artista ganadora reveló: “para mí, es muy importante participar. Como antes había expuesto otras obras en el Bellas Artes, para mí, Arthaus era un lugar donde quería tener acceso de algún modo. Es la primera vez que participó en este concurso. Fui muy afortunada”.

En cambio, Juan Rey y Santiago Viale fueron distinguidos con el segundo lugar del concurso por la serie «Un bosque en ruina» y por «Bandada ambulante», respectivamente.

La obra de Rey, un artista porteño radicado en Villa Venta (provincia de Buenos Aires), aborda los efectos del paso del tiempo en las construcciones humanas. Para ello, reproduce a escala elementos arquitectónicos utilizando árboles centenarios.

«Mi intención de participar tenía que ver con el Bellas Artes. Si bien entrar en relación con Arthaus es algo que me interesaba ya que es un espacio que está creciendo y le da lugar a los artistas.“Pero, para mí, se da una situación muy particular poder mostrar mi obra en este lugar. Es la primera vez que lo hago acá: soy nieto de un carpintero que solamente llegó hasta cuarto grado. Me siento ligado en esas historia”, explicó.

Su obra presenta una puerta, simboliza un portal hecho de madera, una transformación en la materialidad del objeto sumada a una puesta que deriva en un objeto devocional, religioso y su relación con espacios institucionales.Premio Arthaus de Artes Visuales. Museo Nacional de Bellas Artes. Foto: gentileza. prensa MNBA

En este caso, su trabajo consiste en un modelo a escala de una usina eléctrica que había quedado desguazada después de la década del ’90 en el puerto de Bahía Blanca. A pesar de su estado de destrucción y de abandono, se trata de un edificio de altísimo valor patrimonial. La obra de Rey reúne una multiplicidad de simbolismos por el hecho de atravesar una puerta:

“Me siento atravesando un portal, poder seguir entrando a este lugar y poder sentir un poquito más como propio. Estoy a metros de mis superhéroes: Mark Rothko, Jackson Pollock y Henry Moore”, reveló.

Por su parte, Viale, un joven artista nacido en la provincia de Córdoba, evoca recuerdos visuales y sonoros de su infancia. Para ello, utiliza el poder de su memoria como disparador creando un singular artefacto móvil que expresa la paradoja entre la máquina y la naturaleza.

«Bandada ambulante» es un carro de madera, aluminio, hierro, cuero, goma y alpaca que se mueve a través de una manivela y mediante unos fuelles genera sonidos que remiten al canto de una bandada de aves. “Está pensada para que circule por la vía pública, también por el museo. Hay un video en la pared que lo muestra”, explica el artista.

“Una obra contemporánea, sonora, en movimiento al lado de un Rodin o una pintura de Cándido López. Cuando la hice, pensé en esa convivencia de dos tipos de obras completamente distintas”, agrega Viale.

Premio Arthaus de Artes Visuales. Museo Nacional de Bellas Artes. Av. Del Libertador 1473 (CABA). Sala 33 (primer piso), de martes a viernes, de 11:00 a 19:30 (último ingreso) y sábados y domingos de 10:00 a 19.30. Entrada libre y gratuita hasta el 8 de septiembre.

Fuente: Clarín – A raíz de una nota publicada en la sección Cultura de este sábado, el Ministerio de Desregulación y Transformación del Estado, a cargo de Federico Sturzenegger, negó este domingo que la desregulación de la venta de bienes culturales pueda afectar al patrimonio nacional y sostuvo que este seguirá protegidos legalmente.

«Desde la sanción de la ley 24.633 ha persistido en nuestro país una confusión sobre el mercado del arte. El arte es una actividad más, donde nuestro país tiene extraordinarias ventajas competitivas. Sin embargo, nuestro mercado de arte ha estado aislado del resto del mundo por barreras reglamentarias que es necesario eliminar», sostiene la cartera en un comunicado.

Cabe recordar que el arte contemporáneo argentino ha experimentado en los últimos años un salto virtuoso en su internacionalización, tanto en Europa como en los Estados Unidos; lo atestiguan los premios conseguidos por sus artífices, la atención recibida en las ferias extranjeras y la compra de obras. Sin ir más lejos, el Museo Reina Sofía de Madrid tiene pautadas tres grandes muestras de artistas argentinas para los dos próximos año. Su director, Manuel Segade, está llegando en una semana a arteBA, junto con la directora del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y un destacado curador del Museo Guggenheim. En las tres colecciones hay obra de argentinos.

Esta marcada inserción reciente ha estado motivada por diversos factores, entre ellos, además del talento, su precio exiguo si se lo compara con el resto de la región, y gracias a la eficaz tracción de al menos una docena de respetados curadores e investigadores emigrados en la última década y hoy con puestos clave tanto en el sistema del arte como en instituciones extranjeras.

«La confusión ocurre cuando se confunde arte con patrimonio cultural –continúa la aclaración–. Todo país tiene un patrimonio cultural que incluye un importante abanico de producciones que se manifiestan en su arqueología, su arquitectura, su arte y hasta su diseño. Estos bienes están protegidos por la ley 25.197. Dichos bienes de interés patrimonial, religioso, histórico o por incunables tienen una protección especial y no pueden ser comerciados libremente. De hecho, existe la Convención sobre el comercio de bienes culturales de la Unesco de 1970 que brinda esta protección en el mundo entero. No se puede salir del país con una momia andina, de Egipto con una escultura de 4000 años, ni de Rusia con un icono medieval«, agrega el texto. Sin embargo, no precisa –y esta es una de las cuestiones que está en juego– si se refiere a bienes institucionales (por ejemplo, la colección de artefactos de la sala precolombina del MNBA) o a piezas propiedad de varias importantes colecciones particulares, que justamente entrarían en la ley que su Ministerio se propone eliminar. Hoy día estas pueden ser vendidas de un particular a otro pero deben permanecer en el país.

A diferencia de una momia egipcia

La alerta sonó el miércoles pasado, cuando Federico Sturzenegger indicó que la ley no sería enmendada sino eliminada, lo que pondría en riesgo bienes culturales menos obvios –y más transportables– que una momia andina, obras consideradas emblemáticas para el país y cuyo creador murió más de medio siglo atrás. Por otra parte, el problema de la conservación de acervos nacionales, sujetos al expolio sistemático en el siglo XIX, época en que se consolidan y amplían los museos europeos en base a patrimonios de las colonias y producto de las expediciones de hallazgo, es uno de renglones virulentos del debate público acerca de las instituciones del arte.

Dijo el Ministro Sturzenegger en el Consejo de las Américas: «El objetivo no es simplificar trámites, sino eliminarlos” y que él consideraba que esto evitará «compras compulsivas» de parte el Estado. El viernes Cultura supo que la Secretaría de Cultura trabaja en detalles del nuevo régimen de manera conjunta con el equipo de Sturzenegger. Asimismo, la circulación libre de obras de arte está garantizada en la nueva Constitución de 1994.

La aclaración del Gobierno fue enviada tras la publicación del artículo «Peligros y trampas detrás de la Desregulación de la venta de bienes culturales», en el que se anticipó que el Secretario de Cultura, Leonardo Cifelli, podría anunciar esta semana que en el país ya se podrá vender arte sin regulación estatal de ningún tipo, eliminando de plano la consulta al consejo especializado de la Secretaría de Cultura. Esto plantea el riesgo de que alcance también a obras que el Estado podría juzgar esenciales. También provocó estupor que la Secretaría cultural ya no tendría autoridad para ese dictamen especializado, y que el criterio quedaría en la esfera generalista y poco entendida de la Aduana.

El texto enviado por el ministerio que dirige Sturzenegger plantea que es «increíble» que la 24.633 incluyera toda la producción artística del país bajo el paraguas conceptual de la protección del patrimonio cultural. «Entonces la obra de arte de un pintor novel, que buscar hacerse un lugar en el mundo del arte, se somete a un esquema de certificación que la Unesco pensó para una momia egipcia», asegura.

El artículo publicado el sábado, sin embargo, señalaba que fue durante el último período de Cristina Fernández que se dio la distorsión delirante y aislacionista. Las trabas a la venta de arte contemporáneo fueron flexibilizadas por completo en el gobierno de Mauricio Macri y el siguiente período kirchnerista aprendió la lección. Desde 2015 el arte contemporáneo –de creadores activos o fallecidos hace menos de 50 años– ha salido del país con fluidez y con el simple trámite de un formulario online.

La cartera atribuye la unificación entre obra reciente y piezas históricas a un «Estado bobo que, como un elefante en un bazar, es indolente al daño que causa, en este caso al desarrollo de la actividad artística en el país. El Estado tiene que hacer sus funciones de protección patrimonial, plenamente preservadas y respetadas, sin obligar a los artistas a desfilar por delante de un escritorio ahorrándole el trabajo al funcionario de turno a identificar el patrimonio a proteger».

Finalmente, en cuanto al artículo publicado, asegura que «si queremos que nuestro arte y nuestros artistas salgan a conquistar el mundo, tenemos que distinguir que son dos universos distintos. Y no cargarlos con un peso que no merecen».

Fuente: LT10 – Se viene una nueva edición de la feria de arte contemporáneo de la ciudad de Santa Fe con alcance nacional.

Desde el 8 hasta el 22 de agosto estará abierta la inscripción para participar de la cuarta  edición de +Feria. Arte Contemporáneo Santa Fe, el espacio de encuentro de galeristas y colectivos de artistas de todo el país, que apunta a posicionar a la ciudad como un punto de encuentro entre artistas, curadores, galeristas y coleccionistas de la escena local y de diferentes puntos del país.

+Feria es el nombre de esta innovadora propuesta que se instaló desde la región litoral en el calendario de encuentros federales. Junto a Corrientes, Córdoba y Rosario comparte el objetivo de generar más trabajo para el sector de las artes visuales, ampliar su circulación entre diversos públicos y mejorar las condiciones existentes para la comercialización de obras y la formación de colecciones.

Destinatarios de la convocatoria

El llamado está dirigido a:

• Galerías o proyectos de arte de todo el país con antecedentes comprobables de actividad en gestión y comercialización de obras de arte durante el año 2023, pudiendo inscribirse en el formato “Solo Show” (propuesta curatorial con un solo artista) o “Group Show” (propuesta con un máximo de tres artistas).
• Los colectivos de artistas de la ciudad y Área Metropolitana de Santa Fe (Ordenanza N° 12.326) conformados con anterioridad o en ocasión de la Feria, entendiendo por colectivo a aquellas agrupaciones de tres o más artistas que vinculen conceptual o materialmente sus prácticas/producciones y que deseen comercializarlas.

No podrán participar de la presente convocatoria quienes tengan relación de parentesco hasta el 2°grado de consanguinidad con alguno de los integrantes del Jurado o personal de planta permanente o no permanente, y autoridades superiores de la Municipalidad de Santa Fe, sus organismos descentralizados o entes autárquicos.

Incentivo y selección

Aquellos proyectos que resulten seleccionados con domicilio fuera de la ciudad de Santa Fe o del Área Metropolitana recibirán un estímulo de $100.000 para financiar la participación en la feria.

El jurado de selección se encuentra integrado por: Arq. José Luís Lorenzo y el Curador de Arte Daniel Ricardo Fischer; la Directora Ejecutiva de Museos y Patrimonio Cultural, María Laura Martínez Spaggiari y Aimé Luna y Florencia Olmos, representantes de la Dirección de Museos de la Municipalidad de Santa Fe.

Reunión informativa

La Secretaría de Cultura informa que se realizará una reunión informativa presencial para galerías y colectivos de artistas de la ciudad de Santa Fe y Área metropolitana. La misma se llevará a cabo el martes 13 de agosto a las 18 hs en la planta alta de la Estación Belgrano (Bv. Gálvez 1150). En este encuentro se trabajará un instructivo de aplicación y se podrán realizar consultas sobre la convocatoria vigente.

Inscripciones

La información para conocer el marco regulatorio de la convocatoria y acceder a los formularios de inscripción acorde a cada modalidad estará alojada en la sección de convocatorias vigentes de la Secretaría de Cultura en el siguiente enlace:

Para consultas y otro tipo de información, pueden contactarse al al correo electrónico: feria.arte.sf@santafeciudad.gov.ar.