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Fuente: Clarín – Un museo dentro de otro museo, en esa propuesta y de carácter enciclopédico, se enfocó el curador Leandro Martínez Depietri para Vivir sus vidas, en la Colección Amalita, en Puerto Madero. La muestra que celebra las dos décadas de trabajo de Chiachio & Giannone contó con más de mil visitantes solamente en la tarde de la inauguración y se podrá ver hasta febrero del 2025.

Esta vez, el dúo conformado por la pareja de Leo Chiachio y Daniel Giannone se vuelve a mirar, asimismo, en la labor habitual de los tapices bordados y otras piezas textiles donde cuentan diversas historias que los tienen como protagonistas. Aunque en contraste con el imperativo de la época, acá la autorreferencialidad es un elemento central para aportar contenido a cada obra. Su presencia se vuelve clave en los retratos continuos, donde los artistas toman distintos roles en lejanas latitudes.

Ese afán ficcional es el mismo que le proponen al público, tal cual lo anticipan en el título de la muestra, parafraseado de Vivir su vida, el film de Jean-Luc Godard de la década del 60. Referencia cinematográfica que se suma a la del afiche de la exhibición, de indudable estética almodovariana.Ekeko 6. Tríptico, 2009/10. Objeto de porcelana con gorro de hilo al crochet. 27 x 34 cm.

Folletín amoroso del arte

Es mediante el bordado, el patchwork y el quilting, entre otras técnicas, que aparece desplegada la amplia gama de personajes en tonos estridentes, por caso, sus propias mascotas, con un homenaje sostenido en el tiempo a Piolín. El perro Dachshund (o “salchicha”) fallecido este año, que incluso, en diciembre próximo, tendrá su propio museo con un revival.

Por un lado, la exposición puede ser pensada como una novela por entregas, como si se tratara de un folletín, más por cumplir con el requisito de ser contada en partes, que por el melodrama que evoca y la popularidad que revisten las piezas. A su vez, y transversalmente, está organizada de acuerdo con diferentes regiones. Y si bien la decisión taxonómica tiene un anclaje geográfico e histórico, también responde a cuestiones temáticas, técnicas y al antojo, tanto del curador como de los autores, ante el voluminoso caudal de trabajos desarrollados durante estos 20 años de labor. A eso se agrega el monumental montaje diseñado por el arquitecto Leo San Juan que invita a retornar a algunas obras ya vistas, como cuando se vuelve hacia atrás al leer un libro o al mirar una película. “Volvemos a pensarnos de otra manera”, expresan los artistas. “La muestra tiene mucho de ese ida y vuelta”, cuentan.

Lo cierto es que, al andar y desandar la extensa sala de la Colección Amalita, sobresalen “La Conquista”, la obra que representa a Chiachio personificado como un cacique y a Giannone haciendo lo suyo en la piel de un conquistador. Lo mismo, “Sebastianos”, aquella pieza que según los artistas nunca será vendida y que ahora fue reversionada en un retablo hecho con mosaicos textiles inspirados en los de origen pompeyano. También, entre las más emblemáticas, está “Próceres”, que nació cuando se toparon con las fotos del film El Santo de la espada en las marquesinas de una estación de subte, y ahí, in situ, emularon a San Martín y Bolívar.“La famille dans la joyeuse verdure”, 2019. Bordado a mano con hilos de algodón, rayón y lana s/tela.

Tampoco hay que perder de vista las nuevas creaciones, realizadas especialmente para esta exhibición, como el número cinco de la serie Comechiffones (presentada en la galería Ruth Benzacar), donde los artistas ensamblan la tradición comechingona advertida en el rastreo ancestral que llevaron a cabo hace unos años y el oficio del chiffonnier francés enfocado en encontrar descartes de tela para trabajar. Se trata de un inmenso tapiz de cinco metros por cinco, desplegado por primera vez en ocasión de esta muestra.

Y las conexiones surgen entre las obras propias, pero también están las que se asocian a las piezas ajenas. En este grupo se hallan las prendas confeccionadas con manteles y cortinas blancas, transformadas en vestidos danzantes, estampados por sublimación, y que dialogan con “Pericón en la estancia de Pedro Figari”, parte de la Colección Amalita. También el manto bordado expuesto en la sección Belleza y orientalismo, que se vincula con “Los mantones de Manila de Fernando Fader”, obra prestada por el Museo Nacional de Bellas Artes.

“El mundo según Chiachio & Giannone”, así con esa expresión, desde el vamos, los autores manifiestan su punto de vista, tributario claro de lo antes dicho, a través de sus obras, tanto por el uruguayo Joaquín Torres García como por el argentino Nicolás García Uriburu.“La conquista”, 2005/6. Bordado a mano con hilos de algodón s/tela panamá.

Y lo suyo no solo consiste en invertir el planisferio y plasmar simbología textil en el territorio, sino que además insisten en que esa sea la forma naturalizada, la del sur global arriba y el norte abajo. Esa impronta, la de subvertir, consiste en traer hacia acá lo foráneo para hacerlo propio, tal como queda demostrado en las obras más recientes de la serie Catedrales.

Al mismo tiempo que reafirman su compromiso inicial, al poner en valor el ámbito doméstico, sobre todo mediante el saber hacer del bordado, antes vilipendiado en favor de las artes canónicas, peor aún, circunscripto como habilidad femenina. Y es además la puntada al unísono, de gesto analógico, la que se superpone con la proliferación de pantallas que ya se ocuparán de capturar y viralizar esas manifestaciones.“Paisaje Pompeyano. Los 4 elementos”, 2018 Mosaico textil. Jarrones de cerámica y pie de metal.

Algo de eso, aunque no tanto por el oficio sino por la austeridad como respuesta al devenir ostentoso, se hace evidente en la disposición de sus primeras obras. Las cortinas de baño blancas, con los retratos en marcador indeleble, ahora expuestas por delante de los ventanales de la Colección, desde donde se divisa Puerto Madero, por ende, la parafernalia urbana que trajo el nuevo milenio.

Esto concatenado a la permanencia de la imagen disidente, de dos papás y un hijo perro, tal como se anunciaron desde el comienzo, cuando se presentaron como dupla de artistas, y como se sostuvieron a través de estos años. Desde un lugar irónico, sin dejar de ser afectivo, en contraposición al más marketinero que en la actualidad abunda en torno a las mascotas. Es que magnificaron esa familia en la genealogía diversa respecto del pasado, con énfasis en el presente y el futuro. Y fue en ese derrotero que, con alusiones más o menos explícitas, procuraron honrar a los protagonistas de la escena porteña de los 90 con referencias a Jorge Gumier Maier, Marcelo Pombo y Omar Schiliro, entre otros. “Siempre nos interesó la historia, para saber qué pasó y dónde estamos parados”, reconocen.

Alcanza con detenerse y contemplar el tramo donde se expone la gran bandera multicolor, “Familia a seis colores”, en sintonía con la que desplegaron en la Marcha del Orgullo en la primavera del 2018 o la que un año antes realizaron en colaboración con el colectivo de Hombres Tejedores de Argentina en el marco de una muestra de la que fueron parte en el CCK. “Hay que seguir diciéndolo, cada uno desde su lugar, nosotros lo hacemos desde el arte”, sintetizan.“Bomberos”, 2011. Bordado a mano con hilos de algodón y efecto joya s/tela Alexander Henry.

MUPI, el regreso

“Si están el Malba, el Met y el MoMA ¿por qué no el MUPI, el Museo Piolín?”, se preguntaron los autores. Esto pasó hace veinte años cuando estaban por montar una exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO). Aunque esa pregunta surgió a partir del perro tejido por Juanjo Rodríguez Velandia, fotógrafo colombiano y amigo del dueto. Luego, otros artistas se sumaron al homenaje al desarrollar objetos y fotografías inspiradas en el ya célebre can de los Chiachio & Giannone. Así, a los doce iniciales, se agregaron nuevos y llegaron a ser más de cien. Participaron Laura Glusman y Alberto Passolini, madrina y padrino, respectivamente, además de Flavia Da Rin, Fernanda Laguna, y Cristina Schiavi, entre otros. Esa iniciativa que tuvo una primera edición en 2005 y una segunda, dos años después, en el Centro Cultural Recoleta, ahora retornará, para ser presentada en diciembre en una sala de la Colección Amalita.

• Vivir sus vidas – Chiachio & Giannone
• Lugar: Colección Amalita, Olga Cossentini 141
• Horario: jue a dom de 12 a 20
• Fecha: hasta febrero 2025
• Entrada: general $4000.

Fuente: La Voz – Es una de las más reconocidas y polémicas artistas argentinas. Le disparó con escopeta al Cucú de Carlos Paz. Sembró soja frente a la plaza España. Puso a discutir al país con su muestra de tres salas vacías en el museo Caraffa.

– Por qué te gusta tanto hacer lío, Dolores?

–No hago lío. Yo lo que hago es arte. Mi obra es siempre una reflexión. Parece que en la mesa de negociación de época no estoy en los planes de nadie: cuestiono, provoco, salgo de lo dado. Es mi resistencia.

–¿Cómo nació tu vocación callejera, de elegir siempre espacios públicos para tu obra?

–Se llama arte público. Empecé con los túneles de los subterráneos de Buenos Aires. Fue una metáfora del pasaje del final de siglo hacia el siglo 21. Experimenté con la velocidad y el movimiento. Más tarde, se convirtió en una manera de ampliar el público del arte hacia la ciudad entera. Además, el arte público tiene esa gran exposición en los medios que potencian la obra, la desnudan, la vuelven polémica, en algunos casos.

–La leyenda urbana dice que al gobernador Schiaretti casi le da un ACV cuando se enteró de que te dejaron plantar soja en el jardín del museo Caraffa, en 2008. Era como una crítica al campo, que él defendía.

–Mi obra no es un panfleto. Toma posición, no partido. El arte no está para tranquilizar, sino para renovar la inquietud y el asombro del mundo, para impedir que las significaciones sociales se estanquen y se apague la magia del sobresalto, la sorpresa, y aun de la alarma y de la maravilla de lo que no tiene una sola respuesta ni una sola lectura. Lo que se afirma más allá de cualquier dogma. Eso escribió Ticio Escobar cuando sembré soja en Brasil.

–¿Cómo sigue hoy tu vocación agrícola? ¿Dónde seguirás arando?

–Soy artista y no tengo otra vocación. El proyecto Que Soy tiene compromiso social y medioambiental. Sembré y coseché soja en los jardines del Caraffa y en los jardines del museo Oscar Niemeyer, en Curitiba, Brasil. Trasladé las semillas desde el Puerto de Rosario hacia el Gran Canal en Venecia para la tercera Bienal de Performance de Buenos Aires en el marco de la Bienal de Venecia. Ahora voy a seguir el camino de la seda. Dejo Occidente para ingresar a Oriente. El país que sigue es Turquía, y por el mar Rojo iré a Arabia Saudita, India, Singapur hasta llegar a Hong Kong y, finalmente, Shanghái, en China.

–Fuiste la artista “más odiada” de Argentina en 2015. En una exhibición dejaste vacías tres salas del Museo Caraffa.

–Decir que fui la artista más odiada reafirma la intolerancia con la que fui tratada. Soy disidente y Las Salas Vacías fue una obra inmaterial que reflexionó sobre el entorno y sus significados. Fue una obra desafiante, abierta, contextual y transitiva que utilizó el vacío como herramienta y se conectó con el espacio virtual a través del hashtag que permitió que la discusión continuara en las redes, convirtiéndose en un fenómeno de comunicación. Me pregunto si poner de relieve cortocircuitos entre las expectativas de un público anestesiado, enunciar los usos de lo estatal y los espacios de exhibición no son acciones que merecen respeto. Fue una máquina de guerra conceptual, es verdad, pero también generó un enorme debate y fue tapa de todos los medios de comunicación del país. Fue elegida como una de las 10 exposiciones más importantes de 2015, un año electoral y complejo, con campañas políticas muy agresivas. Yo trabajo con la realidad y sus temas. Durante semanas, todos los medios locales y nacionales tomaron la exposición de manera obsesiva. Las actitudes reaccionarias y de tanta hostilidad manifestaron que no terminamos de entender cuándo una acción es arte y cuándo no lo es. Ahí es donde quiero comportarme como un experimentador, un analista o un activista.

–¡Y, además, hubo que pagarte por eso!

–¿Les pagan a los artistas por exponer en Córdoba? ¡Qué novedad me estás dando!

–¿No tenías formas más honestas de ganarte la vida, Dolores?

–Las Salas Vacías como proyecto tuvo impacto nacional e internacional. Nunca una exposición de un museo de provincia llegó tan lejos. Aun hoy, años más tarde, la obra puede ser pensada una y otra vez. Al eliminar certezas, hubo quienes se sintieron incómodos o interpelados. Para hablar sobre la muestra, La Voz utilizó la palabra “escatológico” en un texto de crítica de arte. #SinLimite567 fue un gesto de honestidad y las reacciones tuvieron la misma intensidad e incomprensión que la idea de grado cero.

–A casi 10 años de aquella obra en blanco, te pido un breve mensaje para los miles que te putearon a granel en redes sociales y en los medios.

–Me queda una pregunta. ¿Qué nervio toqué para semejante reacción? Con esa obra, fui capaz de contradecir los aparatos del Estado. El museo y la institución, que son aparatos del Estado, no pueden prescindir de conceptos como colección u obra maestra, y asumen un rol legitimador. Una exposición puede ser un dispositivo que rompe ese poder desde su potencia, y lo hice. Renuncié a todas las expectativas y me atreví a caminar por el borde de un abismo. Fue difícil en lo personal porque hasta llegaron a hackear mis cuentas en las redes. Hoy es obra de investigación. Me escriben desde Chile, España, EE. UU. El catálogo, también vacío, ingresó a los archivos del Moma de Nueva York.

–Ya has puesto neones en el cementerio de Recoleta, hiciste fogatas frente al canal de Beagle, marchaste por La Habana enfundada en un vestido de luto, has desaparecido monumentos en ciudades argentinas, participaste en muestras por todo el mundo… ¿para dónde van tus futuros proyectos?

–Quiero hacer una muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes. Quiero escribir y publicar un libro con mis trabajos. Quiero pensar, mirar la sociedad desde una distancia crítica, seguir haciendo obras en el espacio público. Apelar siempre a la participación del que mira. También quiero construir un jardín.

–Me gustó cuando le disparaste con una escopeta al Cucú de Carlos Paz, creo que ese artefacto se lo merece. ¿Tenés planeados más atentados de ese tipo?

–Lo mejor de esa performance fue la participación de la Brigada de Explosivos de la Provincia. Ellos llevaron bombas para que los disparos parecieran verdaderos. Tuve que avisar a la Policía de Carlos Paz que mi acción era un simulacro. Si no, seguramente, terminaba presa.

–Seguís en rebelión. ¿No querés madurar, Dolores?

–Mi trabajo no tiene que ver con caprichos ni ocurrencias. No es pueril. Quien lo ve así tiene un problema grave de comprensión del arte contemporáneo. Y yo te pregunto a vos, ¿rebelión es antónimo de madurez?

–Te autodenominás “Dolores de Argentina”. ¿Sos como la Marianne francesa en versión local?

–Dolores de Argentina es un cuerpo de obra con el que comencé a elaborar la tragedia de terrorismo de Estado que sufrió mi familia durante la dictadura. Ese fue el punto de partida. Yo crecí en uno de los momentos más trágicos del país y, como muchas otras familias, la mía vivió la tragedia de aquellos años. Recién en el 2000, usando mi nombre y mi cuerpo como soporte de obra, pude elaborar mi dolor. Borges sentencia que “sólo una cosa no hay, es el olvido”. En ese desenterrar y recordar, utilicé el lenguaje de la memoria no como instrumento para inspeccionar el pasado, sino como el medio por el que esa inspección acontece. Actualmente estoy tramitando la legalidad del cambio de nombre, utilizando la denominación como un derecho y una acción de arte.

–Leí críticas de arte en la que te llaman “narcisista”.

–Las únicas críticas que me enriquecen son aquellas que refieren a la obra. Las críticas personales ni me interesan.

–¿Por qué un artista cordobés se quedaría en Córdoba, existiendo Turismo City? 🙂

–¿Por qué un artista cordobés tiene que sentir que es expulsado de Córdoba?

–¿Cómo se rompe la lógica de satélite con respecto a Buenos Aires?

–Empieza a gustarme ser periférica y trabajar desde la periferia.

–¿Uno se puede enamorar también de las periferias y los rincones?

–Siempre existe el remordimiento de estar en el error, de ser señalado por no haber hecho lo suficiente.

–Tres palabras que definan quién sos como artista.

–DOLORES DE ARGENTINA.

–Tu biografía dice que naciste en una “familia tradicional de Córdoba”. ¡Qué horror!

–Mi familia está formada por intelectuales: sociólogos, abogados, periodistas, publicistas, fotógrafos. Esa estructura me mostró el lugar desde donde salir y volverme libre hasta donde pude serlo. (Toda mi adolescencia y primera juventud transcurrieron durante la dictadura). Conocí a grandes personalidades del mundo del arte, de la moda, directores de cine, artistas de todo el mundo. Ahora, a la distancia, pienso que no estuvo mal y siento muchísimo orgullo de mi familia.

–No sabía que eras abogada. O sea que ya antes buscabas formas non sanctas de vivir. 🙂

–Fue tan rápido mi paso por la Facultad de Derecho que casi no le di importancia porque simultáneamente estudiaba literatura en la Facultad de Filosofía de la UNC. Todo el día entre una universidad y otra. Nunca me interesó ejercer, solo me demoró en mi verdadera vocación, que es el arte en cualquiera de sus formas. Fue imposible romper el mandato familiar.

–Destruiste toda la obra que hiciste mientras estudiaste Artes en la UNC. ¿Qué pasó?

–Era un fracaso. No encontraba mi verdadera imagen y no me alcanzaba la pintura como lenguaje. No me gustó la Academia ni la forma de pensar para impartir nociones de arte.

–Tus obras en las que cubrís monumentos para invisibilizarlos y después volver a mostrarlos. ¿Qué sentido último guardan?

–Todo comenzó con la pregunta: ¿qué hacer con el pasado en un presente como este?, y cubrí las musas de la plaza Colón. Dos meses después, propuse invisibilizar el monumento de la plaza San Martin de Buenos Aires. Bajo la denominación La Estrategia del Eclipse y la curaduría de Guillermo Alonso, volví extraño el monumento que se había naturalizado y quedó cubierto por una tela negra durante tres días. Al descubrirse, recuperó su presencia, y traigo con este gesto la acción de visibilizar los valores simbólicos de heroicidad, libertad, gloria, valor y padre de la patria que buscamos en quienes nos dirigen desde los espacios de poder. La intervención se realizó en homenaje a los 40 años ininterrumpidos de la democracia y funcionó como un señalamiento y una protección al héroe enfrentado a este tiempo. Fue un mapa poético y conceptual de la decadencia, como un grito de malestar de época del año 2023.

–¿A cuáles figuras públicas argentinas cubrirías para que no tengamos que verlas?

–Si Hitler fuera argentino, lo taparía para siempre. Con el resto, puedo sobrevivir civilizadamente. De eso se trata.

–Al ser tu obra principalmente conceptual, no dejás “mercancía artística”,

–Algunos gestos son efímeros, pero los archivos y la documentación son de gran valor para los museos y el coleccionismo internacional. El Malba, por ejemplo, compró las fotografías de la acción en Venecia, de Nicolás García Uriburu. Pero aclaro, no todo el arte conceptual y posconceptual es efímero.

–No habrá obras de Dolores de Argentina para poner en el living y mostrar a las visitas.

–Mi obra forma parte de grandes colecciones y estoy trabajando en este momento en reforzar ese aspecto que nunca me preocupó demasiado. Puse mucha energía en la producción. Ahora estoy buscando ese rumbo.

–Cuando murió tu amigo Antonio Seguí, les agregaste lágrimas a las esculturas de la Familia Urbana. ¿Qué habría que hacer cuando mueras?

–Esa acción fue un homenaje a un querido amigo que provocó que la ciudad se movilizara frente a la muerte de uno de sus mejores artistas. Yo tampoco.

–¿Te interesa “dejar un mensaje”?

–El Arte es un mensaje que se transmite como un secreto entre conspiradores, dijo Marcel Duchamp. El mensaje es mi obra. El arte es hacer, y yo quiero dejar obras.

–Artísticamente hablando, ¿qué es lo mejor y lo peor que tiene Córdoba?

–Los cordobeses y las peleas de todos contra todos. Su aislamiento.

–Te llama el papa Francisco y te pide una obra para el Vaticano. ¿Qué le hacés?

–Le pediría que me regale un Fra Angélico, que es uno de mis pintores preferidos.

–¿Qué gesto hacés cuando te dicen que sos la Marta Minujín cordobesa?

–Nadie me llama así, ¿o si? Si lo hicieran, no haría ningún gesto. La conozco bien a Marta. Viajamos juntas a NYC hace años y me mostró la rama del árbol en la que vivió junto a una comunidad hippie en el Central Park. Ella es de una genialidad irrepetible.

–¿Alguna vez pasaste hambre?

–Seguramente sí. Y sed también.

–¿El arte que no molesta es arte?

–El buen arte nunca molesta.

–¿Qué descubriste en la pandemia?

–Descubrí con certeza que pueden parar el mundo.

–¿Cuál es el sentido de la vida?

–La libertad de vivirla.

–¿Estamos solos en el universo?

–Es difícil pensar que estamos solos.

–¿Qué es lo último que va a sobrevivir en el mundo?

–Una idea.

Custodiada por un perro de raza y 39 cipreses

La artista plástica Dolores Cáceres vive en la ciudad de Villa Allende en compañía de “39 cipreses y un perro de raza” que la cuida. Además, tiene dos hijos “maravillosos” y cinco nietos también “maravillosos”. Dice que su mamá, con alzhéimer, vive “entre lo finito y lo infinito”. Ella y toda su familia son nacidos en Córdoba capital. Actualmente, está leyendo al filósofo surcoreano Byung–Chul Han y cuenta que su director de cine favorito es Sorrentino, pero “después de Godard”.

Fuente: Clarín – Una muestra sumerge al visitante en el mundo Marcia Schvartz 360°. Más de 40 años de trayectoria de la artista multipremiada, que representó al país en bienales y exposiciones de todo el mundo.Desde retratos melancólicos, instalaciones rockeras hasta cerámicas y paisajes místicos y archivos de distintas épocas.

Exasperada, en su autorretrato «Déjenme pintar» Marcia Schvartz le grita al mundo que se detenga. Pilas y pilas de facturas de AySA, Edesur o Metrogas, la sofocan a ella y su paleta de colores. La obra, que actualmente cuelga del techo en el piso más alto de W-galería, fue hecha por la artista el año pasado y se exhibe al público por primera vez en contexto de la muestra Soy otras, que abarca más de 40 años de su trayectoria y casi –sino todas– sus facetas artísticas. Hasta el 14 de septiembre, ocupará la totalidad del enorme espacio ubicado en San Telmo.

“Trabajamos con Roberto Amigo y organizamos la exposición por temáticas. Soy otras busca mostrar a todas las Marcia, de distintas épocas y disciplinas”, sugiere el actual co-director de la galería, Federico Curutchet, quien recibe junto a Schvartz a Viva para una recorrida alrededor de la muestra. Piezas de los 80 que la artista hizo al regresar al país, después del exilio en Barcelona durante la dictadura, se intercalan con otras más recientes en las distintas salas.

Un poco más atrás en la misma sala que el mencionado autorretrato está «Boquita, el origen del mal». Fiel al estilo anti establishment de la artista, esta instalación de 2019 parodia al mundo del fútbol, especialmente a los barrabravas como vehículos –o herramientas– de la política en los años 90.Marcia Schvartz, La reina del Bambo, 1982. Carta pesta, guata, tela, lentejuelas, bijuterie y zapatos, 157 x 73 x 90 cm. Foto: gentileza W—galería.

El protagonista de la escena es un barrabrava grotesco que se masturba desnudo dentro de la cama mientras mira revistas con mujeres en tetas y escucha el mismo partido de fútbol una y otra vez desde una televisión rayada que manipula con un palo de escoba. Mauricio Macri, cuyo primer acercamiento al poder político fue la dirección del Club Atlético Boca Juniors, aparece en fotos que este tiene colgadas cual vírgenes en la pared del cuarto. Acumulados alrededor hay rollos de papel higiénico, preservativos usados, cajas con fármacos, una piedra de porro prensado, un cenicero a punto de rebalsar y un gran número de botellas.

Pinceladas desfachatadas

A solo unos pasos está «Preparándose para arteva», donde pintó sobre un cartón a una mujer que se mira en el espejo como gritando, con la cara irritada, quizás por el exceso de productos de desconocida procedencia que unas pinceladas desfachatadas delatan, lleva puestos. Los afiches de modelos de publicidades se intercalan en este baño con billetes.Marcia Schvartz, Soy otras. Foto: Santiago Ortí, gentileza W—galería.

A tono con esta sátira del mundo del arte, está «Beauty & Arts», donde otra mujer se hace los pies y las manos en una peluquería mientras lee chismes de figuras de la alta sociedad argentina en revistas que Schvartz tomó del consultorio de su oculista. Así, el personaje espera que un bodoque caótico de decolorantes y pelos se convierta en la anhelada cabellera rubia de tigresa despampanante.

“Esta obra refleja el panorama de la crítica malvada o cierto sector del periodismo cultural convertido en mundo de business y relaciones públicas, que no tiene nada que ver con el mío”, sentencia.Marcia Schvartz. Preparándose para Arteva, 2011, ensamblaje. Caja de madera, impresiones a color de dólares, tarjeta black VIP, artículos de tocador y espejo, 110 x 165 x 60 cm. Foto: gentileza W—galería.

Pese a que ser honesta y arriesgada le haya costado “muchos quilombos”, según cuenta, y que varios espacios artísticos –sobre todo de fines comerciales– en distintos momentos de su carrera hayan rechazado exhibir sus obras, nada alteró, afortunadamente, sus principios. O su forma de convertir a estos en ese arte fresco, descarado y rockero, que se mantiene eternamente joven. Ese que se ríe a carcajadas de los caprichos del poder y que dio, así, la vuelta al mundo, pasando por muchísimas bienales y exposiciones internacionales.

“En mis retratos siempre están melancólicos los personajes, pero no lo manejo yo”, asegura, mientras recorre la planta baja de la exposición que reúne sus retratos de distintas épocas. En los que hizo en el último tiempo, que se muestran acá por primera vez, los pintados son familiares, jóvenes alumnos de sus clases y otros de la Escuela de Arte Manuel Belgrano que hizo al visitar la institución cuando estuvo tomada por los estudiantes.Marcia Schvartz, Soy otras. Foto: Santiago Ortí, gentileza W—galería.

La relación afectiva con cada uno de ellos, dice, es lo que la hace pintarlos. “No me gusta trabajar con modelos profesionales, no me pasa nada con eso”, cuenta, “me gusta cuando se crea algo con la persona, cuando hablan de la pintura, cebas un mate o lo ceban ellos y no están indiferentes, sino presentes y súper comprometidos con lo que están haciendo”.

Es una tarde de semana y en lo que va del recorrido ya la frenaron más de tres veces visitantes emocionados para saludarla y preguntarle sobre las piezas. “La gente es tan amorosa”, exclama. En el subsuelo de la sede hay obras que tienen más que ver con la naturaleza. Cerámicas con esmaltados brillantes, que hizo en su época viviendo en Tigre, y otras más opacas y terrosas inspiradas en el paisaje del norte.Marcia Schvartz, Soy otras. Foto: Santiago Ortí, gentileza W—galería.

El norte se refleja también en una serie de cactus sedosos que hizo con algodón, por donde unas arañas aterciopeladas caminan y en los cuales mariposas seducidas se introducen y estancan. Los cactus experimentan, incluso en este piso, sus propias historias de amor apasionadas: se besan con lengua bajo la luz de la luna sobre escenarios místicos y abismales donde el tiempo parece detenido.

Los materiales que utilizó desafían la canonicidad: un norte más nocturno es evocado en cuadros hechos con lanas, que tiñó y pegó con poxiran, barro, tierra y troncos que trajo en cajas de estos territorios.

Hay obras en cada rincón de la galería, incluso en los entrepisos y camufladas con las plantas que hay en el patio. Atravesando este, una sala más pequeña con archivo exhibe, entre otros registros, un video donde ella y su hermana juegan con una de sus esculturas en la unidad básica del Abasto en el 83.

Allí se ve cómo se metían dentro de la muñeca llamada «La reina del Bambo» para bailar y cantar con la gente a la hora de la merienda, como hicieron también con la recordada «Doña Concha»; que pertenece ahora a la colección del Museo Reina Sofía de Madrid.