Categoría: Galerías de Arte

Fuente: La Nación – La galería está vacía como casi siempre pasa en las galerías de arte de Buenos Aires cuando no se inaugura nada. Son lugares todavía más silentes que los museos que al menos cumplen con una función determinada en el mapa del ocio.

¿Pero las galerías? ¿Quién está en una galería de arte a las seis de la tarde en Buenos Aires? Llegué atravesando Florida, alguna vez vía del arte porteño, ahora cualquier cosa menos eso. Aunque sí hay expresiones artísticas independientes, a la intemperie. Un tipo desparramado en la gélida peatonal, estampando escenas del animé japonés con tizas (la pareja brasileña que evita pisar arte); el fantasma de una milonguera en la solitaria bailarina callejera a la pesca del dólar (del) turista; el coro de arbolitos que crean un canon descendente sobre una única palabra que no cambia: “cambio”.

Hay que pasarse de Florida, de Plaza San Martín, para llegar a la vitrina sobre Suipacha donde se lee “Eternos Vol. 2″. Hay algo de recopilación despareja en ese nombre. Vienen a la mente tapas de discos donde se podían mezclar grupos de rock-pop con cantantes de boleros y hasta algún hit de la RAI, el ye-ye francés o algún tango perdido. Tapas de discos con chicas atractivas que insinuaban que en el disco había algo más. Pero no. Solo había música y hormonas entonces.

Eternos Vol. 2 en la galería Cecilia Caballero es, en efecto, una recopilación pero no de hits (en algunos de aquellos LP ni siquiera eran los intérpretes originales) sino de pintura en un arco de época que va de los años 60 a los 90, y apenas un poco más. La asociación se vuelve todavía más adecuada cuando se está frente a la joya de la corona. Una explosión de pintura amarilla de Kuitca en el que, velada, una gota que salpica parece estar a punto de regenerarse y volver del cuadro al material bruto en apenas un instante. Pero, ahí, sobre tanto amor amarillo, el más conceptual de los pintores argentinos ha escrito la letra de “Estréchame fuertemente”, tal como Emi-Odeón había editado “Hold Me Tight” (Lennon-Mc Cartney) en el segundo LP de los Beatles (más “eternos” imposible). Dice, en el cuadro, en inglés, eso de “Hold me tight/ let me go on loving you/ tonight tonight/ making love to only you/ so hold me tight…”. De cuando los Beatles hacían música ligera. La obra podría llamarse “De aquel amor (amarillo) de música ligera” entonces, pero Kuitca prefirió el sobrio “Sin título”. Para leer la ficha (dice que perteneció a la colección del chileno Ed Shaw) casi hay que abismarse a la escalera que conduce al subsuelo y no queda otra que bajar entonces.

Entonces en Eternos Vol.2, como en aquellos compilados, los Beatles (Kuitca) se pueden mezclar con un artista rarísimo, muy poco visto, llamado Miguel Kulianos. Lo conocí en París cuando desandaba la vida de Antonio Berni en el taller del (hoy inexistente) de pasaje Cité-Prost. Kulianos había estado por detrás de muchos de los assemblages y xilocollages de la serie Ramona Montiel estrenada en esa ciudad en mayo de 1963 y en esta, Buenos Aires, en agosto en el Museo de Arte Moderno. Había nacido en Río Gallegos y decía ser “el primer artista de Santa Cruz”. Tenía un aspecto acaso antiguo, como de eremita y describía sus pinturas de manera muy poco precisa. “Abstracciones”, decía, como si fueran garabatos. Pero aquí están y son algo bastante único, objetos-pintura en los que, como en el arte madí pero distinto, el marco y la superficie pintada son inescindibles. Hechas en acrílico sobre madera, en las dimensiones que su minúscula habitación al borde de la Banlieu le permitía, parecen flechas captadas en una fotografía o escudos de un reino africano extinguido o futuro. Es curioso que una de sus obras haya sido colocada espalda contra espalda con un notorio Antonio Seguí de principios de los 60. Visité también a Seguí en aquel viaje y era la antítesis de Kulianos: consagrado, dandy, con una enorme casa-taller en la que un auxiliar completaba esas series de cuadros con hombrecitos que vendía por kilo.

Qué raro este reencuentro con Kulianos. Desconocido, pero “eterno” y, como Kuitca, con un apellido raro y obras sin título. Abstracciones nomás.

Fuente: iProfesional – El Banco Ciudad realizará una subasta con obras de Soldi, Molina Campos, Imperiale y Berni. Cómo inscribirse y participar de manera online

El Banco Ciudad presenta una nueva subasta de arte conformada por 19 obras de reconocidos artistas, entre las que se destacan el trabajo de Raúl Soldi titulado «Damas» (**), que sale a remate con una base de $4.5 millones; y la escultura tallada en madera de Sesostris Vitullo, titulada «Malambo», que formó parte del catálogo de la exposición «Et dans les grandes collections» en el museo Bourdelle (París), y que se ofrece con un precio base de $3.5 millones.

Además, el catálogo contempla una diversidad de obras en cuanto a estilos y épocas, con bases a partir de los $200 mil, de manera que la propuesta representa una excelente oportunidad para adquirir e invertir en arte, tanto por su calidad como por las bases de tasación. Todas las obras que conforman el catálogo salen a remate en pesos.

En la subasta también se destacan un trabajo original de Osvaldo Imperiale, titulado «Day of Work», que sale con una base de $1 millón, «Azogue», obra original de Carlos Gorriarena, cuya base es de $3 millones, y «El niño de la campera celeste» de Antonio Berni que comenzará la puja con una base de $2 millones. El catálogo se completa con obras de Florencio Molina Campos, Carlos Alonso, Vicente Forte, Stephen Koek Koek, Pio Collivadino, Leopoldo Presas, César Paternosto y Luis Cordiviola.

La subasta se llevará a cabo de manera online el 2 de agosto a partir de las 12 en el sitio https://subastas.bancociudad.com.ar. Para participar, los interesados deberán inscribirse, hasta 48 hs hábiles antes de la realización del remate en dicha plataforma. Asimismo, al momento de inscribirse, los interesados deberán haber constituido una garantía de $20 mil por cada lote de su interés.

La modalidad de subastas online del Banco Ciudad permite elegir los objetos de interés entre los catálogos de los distintos rubros (arte, alhajas, inmuebles, automotores y objetos varios) y participar a distancia en los remates de manera ágil y sencilla desde una pc, teléfono celular o tablet. Todos los lotes que integran las subastas se encuentran en exhibición de manera online en el sitio de subastas del Banco Ciudad: 

Exhibición y retiro de las obras

Se realizará en Av. Cabildo 3061 de lunes a viernes de 10 a 15hs.

Consultas: subastasonline@bancociudad.com.ar

Cómo participar:

1. Se debe contar con un dispositivo electrónico del tipo tablet, notebook, PC, smartphone o similar con conexión WIFI.   

2. Registro como usuario a través de Autogestión en https://www.bancociudad.com.ar/autogestion/   

3. Ingreso a la Subasta de interés en https://subastas.bancociudad.com.ar/

4. Leer las Condiciones de Venta.

5. Realizar la transferencia del monto de caución que habilita a participar, según lo requerido en las condiciones de venta de cada lote.  

6. Por último, el participante recibe un email de habilitación para poder ofertar.  

Inscripción:

La inscripción para participar de la subasta deberá realizarse antes del 31 de julio a las 10hs, a través de la web de subastas del Banco Ciudad.

Tasaciones de Arte en el Banco Ciudad

Por año, el Banco Ciudad recibe para su análisis y tasación un promedio de 1000 a 1200 obras de arte, entre pinturas, grabados, dibujos y esculturas Esto incluye tanto las obras que se toman para la venta a precio fijo como obras para subastas. Las tasaciones de arte realizadas por los especialistas del Ciudad consideran la verificación de originalidad, mediante un análisis profundo y metódico de las obras, así como también el estudio de mercado histórico-temporal. Además, influyen la firma, la técnica, las medidas, la época de realización, el estado de conservación de las obras y la trayectoria del artista. Se cotejan galerías, ferias y muestras donde participó la obra y si constatan los premios y/o la participación en concursos.

Fuente: Clarín.com by Matías Serra Bradford – Del Bellas Artes y dos viejas visitas relámpago a los museos de Picasso y Miró en Barcelona, a la actual muestra de Eduardo Stupía en Buenos Aires.

Para alguien que lidia gran parte del día con palabras y su modo travieso o perverso de inducir torpezas, una visita a una muestra o colección de arte surte el efecto de un baño de inmersión o sauna idóneo para quemar toxinas, retóricas y de cualquier otro tipo. Un ejercicio que invitan a practicar el Museo Nacional de Bellas Artes y variadas galerías de Buenos Aires. En las salas del primero se puede volver a la caja de lápices escolares de Xul Solar, o comprobar que también en interiores Giorgio Morandi traza la línea de un horizonte y que sus tres vasijas y cuenco, ni cerca ni lejos del blanco, son una “natura morta” que reluce nueva y es todo lo que necesita el museo para tenerse en pie.

Giorgio Morandi en el MNBA.

En ese mismo ambiente, un Jackson Pollock pretende provocar un sismo, mientras alardea de no ser arte sino pintura –si puede dirimirse así–, un desembarco en una Normandía psíquica. Ahí nomás, las plataformas de petróleo negro de Franz Kline simulan un paréntesis de inactividad que deben renunciar de noche. En otra pared, Antonio Machado según Picasso se convierte en un prolijo Baudelaire, y un autorretrato de Pettoruti de 1918 es un Francis Bacon precoz. Se detectan planos de Kitaj en el uruguayo Rafael Barradas y al revés. Dos pinturas de Demirjián (“Eduque su perro” y “De la nuca al esternón”) proyectan el Kuitca de las cintas transportadoras de aeropuerto. Ver cuadros de unos es volver a ver mentalmente cuadros de otros. De lejos, el único Rothko –“Rojo claro sobre rojo oscuro”– parece una silla de fuego, pero si uno se acerca en línea recta camina hacia una puerta que podría atravesar y asomarse a un crepúsculo vampírico de Turner.

En 2023 todavía no sabemos lo que es un Rothko y ya tuvimos que lidiar –posando de interesados y aun de entendidos– con la republiqueta bananera, rentable, risible, y las ocurrencias biodegradables de Maurizio Cattelan, Damien Hirst y siguen las firmas. El crítico condescendiente del arte contemporáneo –mientras los artistas mismos lo empujan cada día más cerca del alud– no se arriesga a contradecir el prestigio automático del presente, como alguien que tolera mil humillaciones con tal de no perder su puesto de trabajo. (Para los mal distraídos que endiosan en el arte actual la broma, la intimidad o la espectacularidad bobas es más sencillo jugar a relegar a la pintura al lugar de la novela naturalista del siglo XIX).

Otra clase de incomprensión –lejos del Bellas Artes, arriba del Montjuic de las afueras de Barcelona– se da con Joan Miró. Con él no se puede adivinar qué es lo que un artista así estuvo tratando de hacer. Tenía al menos eso, la ventaja de lo inasible. Miró desplaza al espectador, lo saca literalmente de cuadro, y el pensamiento de este queda en off. Muchas de sus pinturas son como borradores de borradores (y el cuadro final no nos espera en ningún futuro). Por algo hablaría de “anti-pintura”, como lo hacía de “anti-retratos”. Se ven algunos aciertos deslumbrantes, por ende, en un mar de errores (por llamarlos así). Miró era un conductor eléctrico de lo inconcluso, que adoptó con astucia un estilo propenso a perderse. Hay en un artista distintas formas de naufragar, pero no cabe duda de que Miró alcanzó un estilo inconfundible, los días de suerte y los desafortunados.

En el centro de esa misma ciudad sobreviene la sacudida de ver obras tempranas de Picasso en su museo: frente a cada cuadro no puede adivinarse –como le sucedería a él– cómo seguiría. (Algo análogo pasa con los dibujos de Pierre Bonnard que, como en la mayoría de los pintores, no prometen ni explican sus cuadros posteriores, y no sólo porque hubiera algo vaporoso en su obra, en el color, o porque trabajara con un rango riesgoso, una paleta rebajada).

Lo notable de ver las pinturas iniciales de Picasso –de los 14 a los 20 años– es registrar con asombro por dónde pasó antes de llegar a su abismo intempestivo, fructífero y longevo. Para realizar “ciencia y caridad” a los 16 años Pablo Picasso tenía que poseer una visión telescópica del tiempo completamente anormal para un chico de esa edad, para poder ver que una figura semejante (un moribundo visitado, por caso) debía ser capturado. Picasso era una mano que quería conocerlo todo, empezando por tocar lo esencial (una cara) antes de lanzarse a los precipicios del trazo. No falta ironía en su título “Retrato de un desconocido”, frente a un rostro perfectamente conquistado.

Pintura de Eduardo Stupía en su muestra Simulacros (Galería Jorge Mara). Foto: Lucía Mara.

El que se desmarca de sí mismo

A la luz del facilismo material que aqueja a buena parte del arte contemporáneo, la apuesta por la pintura revierte lo que se da por cierto y se ve cada día menos anacrónica y más radical. Es vagando otra vez por el MNBA que uno puede cruzarse con un “simulacro” de Alfredo Hlito: vainas vegetales vaciadas y un clima como de ángeles fugados. Este cuadro huérfano, aislado, pertenece a una serie amplia, pariente de sus “estructuras abiertas”. Calificativos elocuentes que casualmente son aplicables a una muestra actual de Eduardo Stupía.

Hay pintores que vienen de otros estudiadamente, como Francis Bacon con Velázquez o los “ecos” de Walter Sickert con los ilustradores victorianos, que retomaba y transformaba. Stupía viene de sí mismo y su problema es cómo enriquecer un estilo parejo, obstinado, cómo salir de él sin volverse inidentificable. O mejor al revés: cómo volverlo irreconocible en el proceso para volverlo reconocible en el resultado.

En la muestra bautizada “Simulacros” (Galería Jorge Mara), las pinturas de Stupía son medios, no fines, acertijos con su respuesta a la vista (del derecho o invertida): cómo la combinación de grafismos desvariados puede dar un cuadro. Unitario, enterizo, imposible de descomponer. Una prolífica tensión entre composición y construcción. Formas de atención versus formas de atenuación. En todo caso, la audacia de exhibir totalidades frágiles. Como si Stupía pensara: “No caigas en el lujo de facilitarle al testigo la crueldad de contemplar tu caída con indiferencia”. O más simple, como si sus cuadros desearan ilustrar aquel artículo de Truffaut: “Abel Gance, desorden y genio”.

La sabida articulación verbal de Stupía se ve reflejada, calcada, traducida, sobre tela o papel. Tejidos, suturas, panales. Guerras pacíficas. El grafito sigue defendiéndose. No busca hacer avanzar la pintura sino expandirla (hacia los laterales). Los cuadros riman unos con otros, así como buscan rimas en su interior. Stupía dibuja con adversativas. Su detallismo no es técnico sino obsesivo, aunque se vean más blancos, es decir más elegancia. El vacío se planta y marca su autoridad. Rastrea una virgen administración del espacio, simuladores de vuelo. Y en general los colores son invitados a pasar de a uno. Pequeños incendios cautos en una foresta reacomodada. Tormentas en gris, vórtices en cobre. 

Se desentienden las incisiones y tachaduras de su dirección; están ocupadas pensando en el encastre. Rotando inercias, Stupía pasa de una inercia de la muñeca a otra, cada una en su cuadrante; entre todas arman el mecanismo gráfico que satelita ante nuestros ojos. Persigue múltiples mudanzas del trazo para reinventarse. No desconoce que cambiar de tema ha sido la llave maestra desde que la sugirió la intrépida Alicia en su madriguera subterránea.

“Simulacros”, de Eduardo Stupía. En Galería Jorge Mara, Paraná 1133, Buenos Aires. Hasta el 31 de mayo.