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Marcos Acosta: “Entendí que el arte es una herramienta espiritual”

16 agosto, 202116 agosto, 2021 infoarte

Fuente: La Voz ~ Estar en el lugar apropiado, y en el momento justo, son las coordenadas que Marcos Acosta (Córdoba, 1980) utiliza para explicar un momento artístico excepcional que viene enlazado a un recorrido vital intenso.

El pintor cordobés participa desde fines de julio en la muestra colectiva “Gravity’s Pull”, junto a algunos popes del arte contemporáneo como John Baldessari y Eric Fishl, y el próximo 18 de agosto concretará su primera exposición individual en Estados Unidos. En ambos casos, de la mano de la galería Hexton Contemporary de la ciudad de Aspen (Colorado).

El salto hacia esos escenarios es bastante inusual para los artistas argentinos, mucho más para un pintor cordobés y más aún para un artista de su generación.

Acosta celebra el momento y cuenta una parte del camino que lo llevó hasta ahí: “Hace cuatro años recibí la invitación para ser parte de un proyecto muy interesante, dirigido por Agustina Mistretta, que se llama Ether Arts Project. A grandes rasgos, busca tender redes de colaboración y difusión entre artistas de todo el mundo, especialmente aquellos que trabajamos de un modo u otro relacionados a la naturaleza. Realizamos algunas acciones en conjunto, hasta que hace un año, Ether me invitó a participar en una Feria Internacional en Aspen”.

Fue en esa feria que el galerista Bob Chase, dueño de Hexton, vio el trabajo de Acosta y se movió para contactarlo y conocer más sobre su obra.

“Al principio yo no sabía demasiado sobre la forma de trabajo de la galería, pero poco a poco fui entendiendo la dinámica, y me parece alucinante –cuenta el pintor–. Noté desde el primer momento un gran respeto hacia el trabajo que uno realiza, un gran compromiso por generar lazos fuertes y fructíferos, y un profesionalismo que no es fácil de ver. Sé que lo que les interesó de mi trabajo es la búsqueda plástica y conceptual que yo vengo desarrollando hace ya varios años, fundamentalmente en torno al paisaje”.

Añade Acosta: “También fue decisivo el hecho de que tengo una producción constante y sostenida a través del tiempo, lo que les dio la pauta de que podían confiar en mi capacidad de trabajo. Creo que ha sido la feliz coincidencia de varios factores, y haber estado en el lugar apropiado en el momento justo”.

Su trabajo se verá asimismo en la Feria de Arte Córdoba, que tendrá lugar entre el 16 y el 21 de septiembre, invitado por la galería cordobesa Marchiaro. “Voy a presentar un par de pinturas recientes y un conjunto de dibujos, tintas sobre papel, que son de hace varios años, pero que dialogan increíblemente con estas nuevas pinturas –anticipa–. Un pequeño viaje de ida y vuelta entre dos lenguajes y dos momentos que se conectan y que me hacen pensar: acaso existe realmente el tiempo?”.

ID:6458277 Obra de marcos acosta artista plástico Gentileza Majo Arrigoni

Paisaje y espíritu

–¿Cómo estás viviendo este momento de salto a la escena de Estados Unidos?

–Para mí es una situación muy emocionante, en especial sentir que somos un equipo trabajando en pos de lograr lo mejor. Es fuerte para uno como artista ver que en otras latitudes los paisajes que son tan nuestros, y que habitan en mi obra, conmueven y emocionan.

–¿Qué vas a exponer en la muestra individual?

–Voy a mostrar un conjunto de obras enteramente nuevas, realizadas entre 2020 y 2021. He pintado sin descanso durante muchos meses, con un entusiasmo muy grande. Son todos paisajes, algunos a partir de lugares en las Altas Cumbres, aquí en Córdoba, y otros teniendo como base algunos viajes que realicé hace un tiempo a Catamarca y Salta. En ellos he buscado profundizar en la mirada que tenemos sobre la naturaleza, pero esta vez no tanto como una agresión del ser humano hacia ella, sino como un paso más allá: entendiéndonos como parte unificada, una misma naturaleza tanto dentro nuestro como por fuera. Arriesgando la idea de que todo aquello que es dual, separado, no es más que una ilusión, y que en verdad todo está conectado y unido.

–En la muestra colectiva, donde se entablan diálogos con algunos artistas muy reconocidos en el panorama internacional, tu obra está conectada con la de Sean Scully. ¿Qué vínculos ves con ese artista?

–”Gravity’s Pull” tiene un listado de nombres realmente increíble. Me parece parte de una especie de sueño estar ahí colgado con artistas como Agnes Martin, John Baldessari, Philip Guston o Ellsworth Kelly, con quien hacen dialogar mi obra. En este caso, hay aspectos que conectan mi trabajo con el de Kelly, como la geometría que está presente casi siempre en mis pinturas. Aunque las conexiones entre mi manera de entender el arte y la manera de entenderlo de Kelly es lo que verdaderamente nos puede unir en un diálogo que va más allá de la forma, el tiempo y el espacio. Muchas veces imagino a los artistas como un gran organismo que está todo interconectado, como si una comunicación sutil, de otro plano de existencia, nos conectara más allá de las circunstancias y de los egos. Me parece algo maravilloso poder tener esta oportunidad, impensable hasta hace poco tiempo.

–¿Qué implican estas muestras en tu carrera? ¿Lo ves como una oportunidad, un logro, un desafío?

–Sin dudas, el impacto de estas acciones en mi carrera es muy profundo. Y decir que lo tiene en mi carrera es lo mismo que decir que lo tiene en mi vida. Poder compartir con personas de lugares tan lejanos, a través del canal de comunicación que abre el arte, y en particular la pintura, es muy emocionante y me llena de fuerza y entusiasmo para continuar. No creo demasiado en la idea de los logros como la concreción de algo, mucho menos en la idea de “llegar”, o en las oportunidades únicas. Todo es parte de algo que en verdad empezó cuando a los 8 ó 9 años decidí tomar un pincel y empezar este camino. Lo que me resulta apasionante es el camino en sí, el misterio de lo que va a suceder mañana. Para mí es tan importante poder hacer estas exposiciones como poder todos los días agarrar mis pinceles y empezar un nuevo lienzo. Sí siento que me gusta la idea de desafío, porque todo lo que es nuevo y puede imprimir nuevas experiencias me resulta atractivo.

–En tu obra vienen apareciendo rocas, pastizales, cielos, nubes, también ciudades. Una visión del paisaje que se expande, abarcando no sólo eso que llamamos naturaleza sino también visiones de las grandes estructuras urbanas. ¿Cómo concebís esas imágenes? ¿Hay algo que las une?

–La serie que llamé “Todas las ciudades” fue el puntapié inicial de todo lo que actualmente estoy realizando. En aquellas obras, que pinté entre 2012 y 2016, conviven ciudades vistas desde arriba, paisajes y otras obras que llamé “pixeladas”, en las que las imágenes, principalmente de recuerdos familiares, estaban descompuestas en píxeles. De esa trilogía de vertientes, la que cobró especial fuerza desde 2016 hasta la actualidad son los paisajes que diversas geometrías invaden, intersectan, anulan. Estas imágenes son concebidas a partir de un proceso incesante que no encuentra fin. Una tras otra, de algún modo, brotan de asociaciones intuitivas que busco desarrollar, partiendo de lugares en los que estuve alguna vez, y más recientemente, de lugares en los que aún no he estado. A su vez, esas obras, en su mayoría pintadas con sumo realismo, dan paso a otra vertiente de paisajes, pintados de manera más “suelta”, aunque también desde cierta distancia son muy realistas. Todas estas obras se originan en gran medida en mi propia experiencia del paisaje, de internarse en él, sentir su fuerza incomprensible, de transitar sus olores, texturas, incandescencias.

–¿Trabajás en base a fotografías? ¿Después ese registro se convierte en otra cosa, en la “huella”, digamos, que eso te dejó?

–En los últimos años la fotografía como modo de registro de lo vivido, del tiempo, ha tomado un protagonismo muy fuerte en mi trabajo. Todas las obras están basadas en fotos, aunque luego sirvan sólo de guía para la construcción de la imagen. En verdad, sólo son eso, porque al pintar inevitablemente el proceso es de síntesis y reordenamiento. Por más real que parezca una pintura, nunca deja de ser eso, una pintura, y en cierto modo esa es la maravilla que encierra. Poder, a pesar de respetar hasta el paroxismo una fotografía al pintarla, generar un mundo enteramente nuevo a través del pincel, es una oportunidad de encontrarse a uno mismo. Por la simple razón de que ese mundo que uno crea, lo crea a partir de uno, y encierra en esa paradoja todo el mundo. Algo de eso hay en el título que estoy pensando para todas estas obras nuevas, “Afuera el viento, adentro el mundo”.

–¿Qué rol juega la escala en la intención de captar eso que es, en algún sentido, sublime, esa vastedad que aprieta a lo humano?

–La escala de la obra es determinante. No es lo mismo una nube de 30 x 30 cm. que la misma nube pintada en 3 x 3 metros. Eso es así porque la pintura es una experiencia, tanto para quien la hace, como para quien la observa. Muchas veces pienso en la pintura como un ser vivo. No es lo mismo en absoluto observar un león en una revista o en una pantalla, que verlo cara a cara en la sabana africana. La pintura debe ser como ese león, cara a cara. No puede generar indiferencia, entonces la magnitud de la escala determina en gran medida el efecto que causa en el que la contempla y puede, ciertamente, arrojar al espectador a una dinámica nueva que no tiene nada que ver con la contemplación, pero si con la acción. Y esa acción sucede en su propio espíritu, en una zona que no aparenta ser, sino que es, y que no acepta máscaras ni intelectos. La vastedad del paisaje aprieta el corazón del ser humano cuando no es capaz de asumir que esa vastedad está dentro de cada célula que compone su cuerpo y de cada rincón de su mente, porque esa vastedad infinita es su propia alma, donde se encuentra sumido eso que llama cuerpo y mente. Pienso que para intentar activar algunos de estos mecanismos es útil la escala de una obra.

ID:6458275 Obra de marcos acosta artista plástico Gentileza Majo Arrigoni

–En un video contás que te fuiste moviendo desde una posición intelectual hacia una intuición que busca captar desde el corazón…

–Hubo un momento de inflexión, en el que de algún modo comprendí que el intelecto no tenía mucho que hacer frente a lo que yo sentía profundamente. Entendí que el arte es una herramienta espiritual, un medio de canalizar información no intelectual, que proviene de otro plano. Tal vez suene místico, pero creo que es mucho más simple que eso, es una herramienta que puede dar la oportunidad de quebrar la dualidad en la que creemos estar. El arte, así como muchos otros mecanismos, nos permite darle el sentido al misterio, no desde la razón, tan corta y egocéntrica, sino desde la intuición, desde lo que algunas culturas llaman corazón. Ese corazón es útil tanto para pintar como para ver el mundo, porque a través de él todo lo que existe es una maravilla y una oportunidad de descubrir la vastedad que nunca estuvo en otro lugar más que ahí, en el corazón.

–¿Cómo has vivido la pandemia? ¿Algo de lo que ha venido sucediendo se mete de alguna forma en tus pinturas?

–Tendría que decir que no, pero también que sí. Es inevitable que la vibración de todo lo que vivimos se refleje de algún modo en lo que hacemos, sin embargo no lo ha hecho de manera directa. Creo que esta experiencia colectiva, si algo nos confirma, es lo mismo que vengo diciendo: todo es uno y está conectado. Nos muestra de manera despiadada que nadie es una individualidad ajena al resto, cada cosa que hago impacta en el todo. Tal vez no haya metáfora más perfecta para mostrarnos lo insensatos que hemos sido como especie, pensando que los ideales de progreso y riqueza pueden ser algo independiente de la sustentabilidad del planeta, por ejemplo. Yo siempre he percibido al ser humano como extrañamente confiado en que puede disponer de la naturaleza a su antojo, sin reparar que la naturaleza es él mismo. Que destruir un árbol es escupir para arriba. Aún no hemos comprendido nada en ese sentido, y seguimos enfrascados en luchas y guerras. En creer que progreso es una ruta que atraviesa las montañas, miles de hectáreas sembradas o una billetera abultada. Progreso sería volver a respetar lo sagrado de la vida, en cualquiera de sus formas. Sería poder observar una roca y respetarla por el simple hecho de que ser lo que es le llevó cientos de miles de años y que, en esencia, está compuesta de lo mismo que nosotros.

Frida Kahlo: dan a conocer las obras nunca vistas de la famosa artista mexicana

16 agosto, 202116 agosto, 2021 infoarte

Fuente: La Nación ~ Es la más famosa artista mujer de todos los tiempos, su imagen es instantáneamente reconocible e inevitable. Frida Kahlo se puede encontrar por todas partes, plasmada en remeras y cuadernos y tazas. Cuando estaba escribiendo este artículo, me topé con una selección de textos con graciosas caricaturas de ella en una vitrina, tal vez a unos tres minutos a pie de mi casa.

Apuesto a que muchos lectores también se encuentran a poca distancia de alguna representación de ella, con sus cejas unidas y vestimenta mexicana tradicional, sus peinados floridos y su lápiz labial rojo.

Esto se debe en parte a que su propia imagen fue uno de los temas principales de Kahlo: casi un tercio de sus obras fueron autorretratos.

Aunque murió en 1954, su obra todavía se percibe como llamativamente fresca: sus autorretratos dicen mucho sobre la identidad, la necesidad de trabajar su propia imagen y contar su propia historia. Se pinta a sí misma mirando al espectador: directa, feroz, desafiante.

Eso significa que Kahlo puede caber perfectamente dentro de ciertas narrativas feministas contemporáneas, la fuerte mujer independiente, que se convierte a sí misma en tema central, explorando sin tapujos los aspectos complicados, desordenados y dolorosos de ser mujer.

Sus pinturas representan intensamente los elementos dramáticos de una vida dramática: un aborto y la imposibilidad de tener hijos; dolor corporal (fue víctima de un horroroso accidente a los 18 años y sufrió físicamente toda su vida); un gran amor (tuvo una tempestuosa relación con el artista mexicano Diego Rivera, así como muchos amantes más, hombres y mujeres, incluyendo a León Trotsky), y grandes celos (Rivera le fue infiel repetidamente, inclusive con su propia hermana).

Hasta ahora, muchos analizan el arte y personalidad de Kahlo en términos de su tempestuosa relación con Diego RiveraArchivo

Pero eso no es todo lo que muestran, su arte no es siempre sobre su vida, aunque se puede excusar que así lo creas. Se escribieron libros sobre su trauma, su vida amorosa; fue objeto de una película de Hollywood protagonizada por Salma Hayek.

Kahlo se convirtió en un tema rentable de taquilla, que garantiza atraer un público a las galerías, a pesar de que lo que suelen ver está más relacionado con su vida que con su arte.

Pero, ¿qué ocurre con su obra? Para algunos historiadores, la implacable atención en la persona en lugar de en su creación artística se volvió algo negativo.

Pero ahora, un nuevo y monumental libro, Frida Kahlo: sus pinturas completas, que acaba de ser publicado por Taschen, ofrece por primera vez una visión de toda su obra.

Kahlo como artista

El historiador mexicano Luis Martín Lozano, en colaboración con Andrea Kettenmann y Marina Vázquez Ramos, aporta notas de cada una de las obras de Kahlo de la cual existe una imagen: un total de 152, incluyendo muchas piezas perdidas que apenas conocemos de fotografías.

Es la primera vez que un libro de Kahlo ofrece sus obras completasBBC Mundo

En conversación por videoconferencia desde Ciudad de México, le pregunté a Lozano por qué era hora de un estudio completo de su obra, a pesar de que hay tantas exposiciones sobre ella por todo el mundo.

“Como historiador de arte, mi interés principal en Kahlo fue en su trabajo como artista. Si ese hubiese sido el principal foco de la mayoría de los proyectos en décadas recientes, tal vez hubiese dicho que este libro no tendría razón de ser. Pero la verdad es que no fue así”, dice.

“La mayoría de la gente en las exposiciones está interesada en su personalidad -quién era, cómo se vestía, con quién se acostaba, sus amantes, su historia”.

Por eso, las exposiciones y sus catálogos frecuentemente se concentraron en esa historia, y tienden a “repetir las mismas pinturas y las mismas ideas sobre las mismas pinturas. Dejan de lado una cantidad de obras”, comenta Lozano.

La imagen de Frida Kahlo se ha reproducido en múltiples objetos, volviéndola una mercancía, comenta el historiador mexicano Luis Martín LozanoArchivo

Los libros también pisan el mismo terreno: “Repiten las mismas cosas, y vende, porque todo lo de Kahlo vende. Es triste decirlo, pero ella se convirtió en mercancía. Pero eso explica por qué [las exposiciones y los libros] no van más allá, porque no tienen que hacerlo”.

El resultado es que se cometen ciertos errores, pinturas con títulos o fechas equivocadas, o la reproducción de fotos con mala calidad y color. También significa que las ideas sobre el significado de sus obras son repetidas ad infinitum. “El nivel de interpretación se contamina”, señala Lozano.

“Lo único que dicen de las pinturas, una y otra vez, es ‘ah, es porque amaba a Rivera’, ‘porque no podía tener un hijo’, ‘porque está en el hospital’. En algunos casos, es cierto, pero hay mucho más que eso”.

Si Adelita (Los cachuchas), una de las obras perdidas de Frida Kahlo, realizada con fuertes líneas modernistas.BBC Mundo

El número de pinturas -152- no es una obra enorme para una artista importante. Sin embargo, sorprende que nunca antes se hubiese escrito nada sobre algunas de estas: “¡nunca, ni una frase!”, dice riendo Lozano.

“Es casi un desastre, en términos de historia del arte”.

El ofrecer un estudio completo de su obra significa reunir piezas perdidas o pocas veces vistas, incluyendo aquellas que surgieron durante subastas en la última década o algo parecido, y otras que raras veces son prestadas por los coleccionistas privados y por eso se mantuvieron en las sombras. Lozano espera ampliar nuestro entendimiento de Kahlo.

“En primer lugar, ¿quién era como artista? ¿Qué pensaba de su propio trabajo? ¿Qué quería lograr como artista? Y ¿qué significan estas pinturas por sí solas?”

Esto quiere decir echarle otra mirada a sus primeras obras, que pueden no ser lo que asociamos con Kahlo, pero revelan cuánto se inspiró en su padre, Guillermo, un fotógrafo profesional y pintor aficionado de naturalezas muertas (bodegones) florales. Piezas como la poco conocida Naturaleza muerta (rosas) de 1925, que no se expone desde 1952, son notablemente similares al estilo del padre.

"Naturaleza muerta (rosas)" no ha sido expuesta desde 1954, y muestra la influencia que Guillermo Kahlo, el padre de Frida, tuvo en la artista — «Naturaleza muerta (rosas)» no ha sido expuesta desde 1954, y muestra la influencia que Guillermo Kahlo, el padre de Frida, tuvo en la artistaBBC Mundo

Kahlo continuó pintando increíbles y vibrantes naturalezas muertas durante toda su carrera, aunque son menos conocidas entre el público en general que sus autorretratos, menos coleccionables y menos estudiadas.

La perspectiva de la importancia que tenían para ella se vio fortalecida desde que Lozano y sus colaboradores descubrieron documentos que revelan el interés permanente que tuvo Kahlo sobre el significado simbólico de las plantas.

Eso lo aprendió de su padre, y lo discutió en cartas con su media hermana Margarita (hija de su padre de un matrimonio anterior), que se volvió monja.

Los eslabones perdidos

Las cartas de Kahlo y Margarita “hablan del significado simbólico de las plantas y las frutas y del jardín del Edén, que nuestro cuerpo es como una flor que tenemos que cuidar porque fue arrancada del paraíso”, explica Lozano.

“Esto es increíble, y prueba por qué este tema de naturaleza muerta y flores tenía tanto significado para ella”.

Él ofrece una nueva interpretación de una pintura de 1938, llamada Tunas, en la que representa tres de estas frutas en diferentes estados de madurez -desde verdes y parcialmente maduras hasta vibrantes de jugo y rojo ensangrentado-, como si estuvieran ilustrando la propia noción de Kahlo sobre su maduración como artista y persona, pero también con un potencial simbolismo religioso (la carne sangrienta que evoca el sacrificio).

Kahlo estaba interesada en el simbolismo de las plantas, como se puede apreciar en esta pintura "Tunas" — Kahlo estaba interesada en el simbolismo de las plantas, como se puede apreciar en esta pintura «Tunas»BBC Mundo

El libro de Las pinturas completas… también se esfuerza por revelar las profundidades del compromiso intelectual de Kahlo con los desarrollos en el mundo del arte, contradiciendo la noción de que simplemente estaba influenciada por su encuentro con Rivera en 1928, o que su obra es un tipo de desgarrada expresión autodidacta, instintiva de dolor femenino.

Sus pinturas revelan la investigación y los experimentos de Kahlo en los movimientos artísticos, desde la juvenil interpretación mexicana del modernismo, del estridentismo, pasando por el cubismo y luego el surrealismo.

“Las pinturas de Frida Kahlo no solo fueron el resultado de sus asuntos personales, sino que miró a su alrededor a quién estaba pintando, cuáles eran las tendencias, las discusiones”, dice Lozano.

Destacan sus primeros intentos en pintura de vanguardia -”Pancho Villa y Adelita” de 1927, y la obra perdida “Si Adelita”, las dos hechas con líneas y ángulos modernistas marcados, como prueba de que “se estaba fijando en las tendencias del arte mexicano antes de conocer a Rivera”.

También se puede ver su interés en los antiguos maestros del Renacimiento, que descubrió en copias en la biblioteca de su padre, en sus primeras obras: se sugiere que su pintura de 1928, Dos mujeres (Retrato de Salvadora y Herminia), que ilustra a dos muchachas contra un fondo frondoso, fue inspirada en la tradición del retrato renacentista, como se puede apreciar en la obra de Leonardo da Vinci.

El paradero de este retrato, vendido el año en que se pintó, se mantuvo desconocido hasta que fue adquirido por el Museo de Bellas Artes de Boston, en 2015.

El cuadro "Dos mujeres", inspirado en la tradición renacentista, estuvo desconocido hasta que fue adquirido y expuesto en el Museo de Bellas Artes de Boston en 2015 — El cuadro «Dos mujeres», inspirado en la tradición renacentista, estuvo desconocido hasta que fue adquirido y expuesto en el Museo de Bellas Artes de Boston en 2015Google Arts & Culture

Teniendo en cuenta que tan solo hizo unas 152 pinturas, sorprende la cantidad que se perdieron. Al mismo tiempo, Kahlo no tuvo mucho éxito en vida, no tuvo muchas exposiciones, ni vendió muchas obras a través de galerías y comerciantes.

En vez de eso, muchas de sus pinturas fueron vendidas o regaladas directamente a artistas, amigos y familia, así como a estrellas de cine y otros brillantes admiradores, muchos de los cuales vivían en el exterior. Eso significa menos pruebas documentales, lo que hace más difícil rastrear sus obras.

Eventos traumáticos

La verdad es que mirar fotos en blanco y negro de pinturas perdidas probablemente no va ofrecer nada revelador a nadie excepto a los más acérrimos académicos, aunque hay unas increíbles pinturas que todavía están desaparecidas.

Una imagen perdida de 1938, Niña con máscara de la muerte II, ilustra a una pequeña con una máscara de calavera en un paisaje vacío; es espeluznante, y sabemos que Kahlo trató esta pintura en relación a su tristeza por no poder concebir.

También hay que rebuscar entre los áticos la horrorosa pintura El accidente de avión -de la que solo existe una foto-, que se sabe que elaboró durante un período de gran agitación personal, después de descubrir la relación de su hermana con Rivera en 1935.

Lo mismo que otra de sus muy conocidas pinturas, “Apasionadamente enamorado” o “Unos cuantos piquetitos”, que muestra a una mujer asesinada por su esposo, “El accidente de avión” estuvo basada muy de cerca en una noticia de la vida real.

Mientras Kahlo pudo haber estado atraída a estos eventos traumáticos porque sufría en su vida personal, no se debería ignorar el grado de precisión casi documental de noticias externas.

"El accidente de avión" es otro de los cuadros perdidos de Frida Khalo, elaborado durante un período de gran agitación personal que queda reflejado en la obra — «El accidente de avión» es otro de los cuadros perdidos de Frida Khalo, elaborado durante un período de gran agitación personal que queda reflejado en la obraBBC Mundo

Compromiso político

Kahlo era una comunista declarada, y comprometida políticamente de por vida, pero es en las obras menos conocidas de sus últimos años en las que esto emerge más explícitamente.

Para entonces, padecía mucho dolor, y se sometió a varias operaciones, incluyendo finalmente la amputación de una pierna debajo de la rodilla.

Sin embargo, Kahlo continuó pintando hasta 1953, con dificultad pero también con un renovado propósito. Su biógrafa Raquel Tibol la documentó diciendo: “Estoy muy preocupada por mi pintura”.

“Más que cualquier cosa, con cambiarla, para convertirla en algo útil, porque hasta ahora lo único que pinté son autorretratos fidedignos, pero eso está tan lejos de lo que mi pintura podría hacer para servir al Partido [Comunista]. Debo luchar con toda mi fuerza para que el poco de bien que pueda lograr hacer con mi salud en el estado en que está sea dirigido hacia ayudar a la Revolución. Esa es la única razón de vivir”.

Esto resultó en obras como Congreso de los pueblos por la paz de 1952 (que no se expone desde 1953), que ilustra una paloma en un ancho árbol de frutas y dos hongos nucleares, representando la pesadilla de Kahlo de una guerra atómica.

La artista fue miembro activista de varios grupos pacifistas, recolectando firmas de artistas mexicanos en apoyo del Consejo Mundial de la Paz, ayudando a conformar el Comité Mexicano de los Partidarios de la Paz, y creando esta pintura para que Rivera la llevara al Congreso de los Pueblos por la Paz en Viena en 1952.

"Congreso de los pueblos por la paz", que no se había visto desde 1953, fue expuesto en Sotheby´s de Nueva York en junio de 2020 — «Congreso de los pueblos por la paz», que no se había visto desde 1953, fue expuesto en Sotheby´s de Nueva York en junio de 2020Sotheby’s

La paloma figuró en muchas de sus naturalezas muertas posteriores, igual que un creciente número de banderas mexicanas o diseños con los colores nacionales (usando sandías para reflejar el verde, blanco y rojo de la bandera), sugiriendo que la intención de Kahlo fue que su obra debería representar su nacionalismo y comunismo.

Un poco más incómodas, sus pinturas finales incluyen representaciones amorosas de Stalin, a medida que su política se tornó más militante.

No obstante, tal vez la más conmovedora de sus últimas pinturas es un autorretrato: “Frida en llamas” (autorretrato dentro de un girasol). Es desgarradora, pintada con un colorido y grueso empaste; poco antes de su muerte, Kahlo las rasgó con un cuchillo, raspando la pintura, frustrada por su incapacidad de poder trabajar o tal vez en reconocimiento de que el fin se acercaba.

Tibol, que fue testigo de ese acto decisivo y destructivo, lo llamó un “autosacrificio ritual”.

“Es muy interesante en términos estéticos -cuando tu cuerpo ya no funciona, cuando tu cerebro no es capaz de plasmar lo que querés pintar, el único recurso que le queda es la deconstrucción de la imagen. Esta es una postura muy contemporánea, conceptual del arte: que la pintura no solo existe en términos de su arte, sino también en lo que yo pienso que representa”, dice Lozano.

Hay algo tremendamente conmovedor que una artista tan reconocida por moldear su imagen use su último acto creativo en la deliberada destrucción de esa imagen. Hasta en su propia erradicación, Kahlo logró que su obra nos hablara a gritos.

En Nueva York se puede hacer yoga dentro de una pintura de Van Gogh

14 agosto, 202114 agosto, 2021 infoarte

Fuente: MDZ ~ Una muestra inmersiva del reconocido pintor holandés permite “meterse” dentro de sus obras. Una experiencia única para combinar arte y yoga y disfrutar con todos los sentidos.

“Haz el saludo al sol rodeado de los girasoles de Van Gogh”. Así de novedosa y atractiva resulta la propuesta que invita a practicar yoga y mindfulness dentro de la muestra inmersiva del reconocido pintor holandés que es furor en New York.

Los creadores de “Immersive Van Gogh” obtuvieron permisos de 400 imágenes del pintor de los mejores museos del mundo, para formar una nueva obra de arte. Así, con proyecciones 360, las pinturas de Van Gogh flotan, giran y se transforman.

La muestra utiliza tecnología para combinar arte y música en una experiencia inmersiva. Gracias a proyecciones digitales de última tecnología los famosos girasoles, autorretratos y paisajes del pintor holandés aparecen en las paredes, pisos y techos.

Dentro de este espectacular ambiente es que se propone tomar una clase, liderada por un instructor de yoga, que dura 35 minutos e incluye unos 25 minutos extra para recorrer la muestra después de la práctica.

“Cada rutina está diseñada para desafiar al cuerpo e inspirar la mente, coreografiada en armonía con la música, los sonidos, las luces y las imágenes en movimiento de las obras maestras de Van Gogh”, explican sus creadores. En el siguiente video se puede ver algo de la impresionante experiencia:

Todas las clases tienen lugar dentro del espacio multisensorial y abarcativo de la experiencia Van Gogh. El ticket de la clase cuesta 55 dólares.

La experiencia busca combinar arte y bienestar.

“No podrás encontrar un mejor lugar para hacer una pose de árbol que entre los cipreses de Van Gogh, o una media luna bajo las estrellas titilantes de la noche estrellada”, anuncian desde el sitio de la muestra @goghnyc. Esta experiencia única de bienestar estará disponible hasta el 28 de agosto.

La clase de yoga dura 35 minutos y cuesta 55 dólares.

La muestra está ubicada en Pier 36, un sitio de 6.500 metros cuadrados en el Lower East Side de Manhattan. Fue creada por el coreógrafo Massimiliano Siccardi, dirigida por David Korins y con música de Luca Longobardi. Además, cuenta con experiencias de realidad virtual para los visitantes interesados en conocer los antecedentes de las pinturas más emblemáticas de Van Gogh.

Ya fue presentada con éxito total en San Francisco, Chicago, Toronto y París. Estará abierta en New York hasta el 6 de septiembre.

Bélgica devolverá a Congo las obras de arte que se llevó durante la época colonial

13 agosto, 202113 agosto, 2021 infoarte

Fuente: Perfil ~ En un hecho sin precedentes que seguramente dará que hablar, Bélgica anunció que devolverá a Congo, su ex colonia en África, varios de los objetos culturales que los colonizadores llevaron a su país y que actualmente se exhiben en el Africa Museum, antes denominado Museo real de África Central.

Así lo anunció Thomas Dermine, el secretario de estado belga en política científica y aunque la iniciativa sólo sea un paño frío en la complicada relación que ambos países sostienen desde hace sesenta años, sin duda es una “propuesta copernicana” como lo definió el mismo funcionario del gobierno de Alexander De Croo.

Africa Museum 20210811 — El museo conserva 125.000 obras de arte de Africa.

El Africa Museum (ex-Musée Royal d’Afrique centrale) en Tervuren, en las afueras de Bruselas, atesora 125 000 piezas de colección, varios miles de las cuales han sido adquiridas por el pillaje y la violencia; el origen de gran cantidad de otras aún permanece incierto” apunta el periódico Le Monde. “Alrededor del 90% de los bienes culturales belgas que eventualmente podrían ser devueltos se encuentran en Tervuren”, agrega la publicación.

Al sostener “la necesaria restitución de los objetos” y abogar por la realización de estudios e investigaciones concertadas con Kinshasa, la capital congolesa, el ministro Dermine está aceptando que esas adquisiciones fueron ilegítimas durante el reinado de Leopoldo II de Bélgica.

Además de apostar por “una aproximación concertada y un diálogo” con la República Democrática del Congo, varios colaboradores del funcionario adelantaron que la propiedad jurídica de las obras sería transferida del estado belga a las autoridades congolesas, si éstas la reclaman. Lo más llamativo es que, hasta ahora, una demanda similar no llegó al Africa Museum.

Trascendió que el secretario de Estado brindaría apoyo técnico a las autoridades congolesas si Kinshasa reclama los objetos. Los ayudará a crear espacios apropiados de almacenamiento, conservación e incluso valorización de las mismas.

Justo es decir que entre los años 1970 y 1980, cuando Congo se llamaba Zaire bajo la dictadura de Mbutu Sese Seko, unas 200 obras fueron enviadas a ese país. Sin embargo, se supo que varias de ellas se vendían en el mercado clandestino de arte belga, que otras fueron robadas en 1997 cuando cayó el régimen de Mobutu.

Cambio belga

El 30 de junio de 2020, para la celebración de los 60 años de independencia de Congo, el Rey Philippe Léopold Louis Marie expresó públicamente “su más profundo arrepentimiento por el sufrimiento y las humillaciones” infligidas a los africanos durante el período colonial.

En verdad, el gesto no conformó mucho a la nación que había perdido a millones de ciudadanos por la invasión belga, pero era algo. Y sobre todo, era diametralmente opuesto a las palabras que el tío del rey actual pronunciaba en junio de 1960 al referirse a “la obra civilizadora” que había llevado a cabo su antecesor, Leopoldo II, en 1885.

La voluntad del actual ministro sigue la línea del arrepentimiento del Rey Philippe. Nobleza obliga.

Arranca la sorprendente Bienalsur 2021

10 agosto, 202110 agosto, 2021 infoarte

Fuente: Ámbito ~ Sin la ayuda de la tecnología, ¿cómo sería posible ver hoy todo lo que la Tercera Edición de Bienalsur propone para 2021 en la que intervienen 23 países, el Vaticano, 50 ciudades, 124 sedes y 400 artistas? Un proyecto ambicioso y abarcativo que incluye, en agosto, exposiciones en Suiza, Brasil, Colombia, España y Argentina.

Se desarrollarán las propuestas de varios ejes curatoriales: Conciencia Ecológica, Constelaciones Fluidas, Modos de Habitar, Mundos Digitales, Políticas del Arte, Tránsitos y Migraciones, temas que el arte muestra actualmente como si fuera un laboratorio de investigación que no tiene respuestas definitivas en este mundo incierto. Otros problemas como la diversidad de género, el feminismo, las luchas antirracistas, el indigenismo, la reivindicación de figuras excluidas también han sido encarados.

Bienalsur se inauguró en la Argentina el 8 de julio en el Museo de Bellas Artes Lola Mora de Salta con obras creadas por artesanas de las comunidades wichi junto a destacados artistas locales. “La escucha y los vientos” incluye instalaciones, paisajes sonoros, obras históricas, cerámica y tejido. El 20 de agosto, en el Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson (San Juan) “Dar y Dar”, propuesta de curadores belgas, exposición colectiva en la que se incluyen artistas como Leandro Katz (Argentina), Aneta Bartos (Polonia-EE.UU.), Michael Dean (Gran Bretaña), On Kawara y Yutaka Sone (Japón), Nástio Mosquito (Angola), Oscar Murillo (Colombia), Otobong Ntanga (Nigeria), Gert Robijns (Bélgica), Rirkrit Tiravanija (Argentina/ Tailandia).

El 21 de agosto, en el Museo y Biblioteca Casa Natal Sarmiento (San Juan), se inaugura “Víctor Grippo (1936-2002), un horno para dos mesas”. Tres obras de este inolvidable artista de culto que reflexionan sobre la alimentación en época de crisis, el papel de la humanidad frente a la naturaleza, el de los ciudadanos frente a la comunidad y el de los productores de sentido frente a un público abrumado por la urgencia. La obra, de 1977, presenta el alimento como materia en transformación; la de 1991, “La comida del artista”, remite a la compleja relación entre el arte y el dinero, el arte y la productividad, el arte y el tiempo.

Rirkrit Tiravanija colabora en la reproducción performática de 1972 “Construcción de un horno popular para hacer pan” que se llevó a cabo en la Plaza Arlt con Jorge Gamarra y un obrero rural de nombre Rossi, y que fuera clausurada por la policía. En esta ocasión habrá 5 hornos de barro en diferentes espacios públicos y el pan se repartirá entre los transeúntes y vecinos. El 24 de agosto, el Museo Nacional de Arte Decorativo presentará “Fantasías plebeyas” con obras de Gabriel Baggio y Luciana Lamothe (Argentina), Emil Finnerud (Noruega), Mehryl Levisse (Francia), con la curaduría de Leandro Martínez Depietri, cuyo texto comienza con la pregunta ¿Por qué seguimos observando los palacios porteños con añoranza?

En cuanto a la agenda internacional se inauguraron “Parcours Culturel”, un colectivo de artistas, en Lenz y Crans-Montana (Suiza), “Aliento de vida/ Balambala”, un grupo de artistas australianos de Yirrkala cuyo objetivo es proteger el patrimonio cultural Yolrju con el liderazgo de los ancianos de la comunidad. “Tramas vitales” en el Museo Oscar Niemeyer (Curitiba) del artista brasileño Geraldo Zamproni, que lo atraviesa con una aguja gigante, alterando la relación entre objeto , entorno y observador convirtiéndolo en una nueva e inquietante arquitectura.

Desde el Sur del Sur y hacia los cinco continentes, Bienalsur, tercera edición, es reconocida como la bienal de la resistencia y la resiliencia del arte en pandemia, construye un territorio para el arte contemporáneo con una cartografía propia que finalizará el 31 de diciembre, idea y producción de la Universidad Tres de Febrero, que nos llevará por diferentes lugares de la aldea global donde los artistas actúan como sismógrafos de las crisis y problemáticas.

Creen que Bansky es el autor de varias obras aparecidas misteriosamente en tres localidades inglesas

10 agosto, 202110 agosto, 2021 infoarte

Fuente: Télam ~ Se trata de murales que surgieron clandestinamente en tres ciudades costeras del este de Inglaterra y sorprenden a los expoertos ya que tienen las características de las expresiones dle artista pero él aún no confirmó su autoría.

Distintas manifestaciones de arte callejero que han aparecido de manera repentina en tres ciudades costeras del este de Inglaterra podrían haber sido realizadas por el artista británico Banksy, que con este este tipo de acciones espontáneas y anónimas parece volver cada tanto al sentido original de sus obras, surgidas como expresiones clandestinas de protesta y en los últimos años valoradas en cifras millonarias que se dispararon aún más durante la pandemia.

Una de las nuevas obras, pintada sobre una pared del parque Nicholas Everitt -en la localidad inglesa de Suffolk– muestra a un niño mirando al frente como si estuviera en el mar, a otro detrás mirando por encima de su hombro y a un tercer niño en la parte trasera del barco que parece estar inclinado sobre la borda sosteniendo un cubo. El conjunto está acompañado de la leyenda «Todos estamos en el mismo barco».

Otro posible Banksy adorna una pared fuera de una antigua tienda de electrodomésticos en Lowestoft, una ciudad de unos 70.000 habitantes, que parece mostrar a un chico construyendo un castillo de arena junto a un trozo de carretera excavada. También ha aparecido en ese sitio una gran pintura de una gaviota que rebusca en un contenedor, junto con una imagen de una rata reclinada en una reposera, bebiendo un cóctel.

Por su parte, en Great Yarmouth, se puede ver a una pareja bailando en el techo de una parada de autobús. No solo eso: en el mismo pueblo apareció en una cabaña el dibujo de un ratón que está sobre una rueda de carreta real unto a una frase que dice: «Go Big or Go Home» («Hazlo a lo grande o vete a casa»).

«Estamos tan intrigados y curiosos como todo el mundo en cuanto a si estos podrían ser auténticos Banksys -aseguró a la BBC la directora ejecutiva del ayuntamiento de esa localidad, Sheila Oxtoby-. Sería estupendo pensar que lo son, pero realmente no lo sabemos».

También en declaraciones a la cadena británica, el académico Paul Gough, experto en el arte de Banksy, aseguró que está «bastante seguro» de que las muestras son auténticas o, de lo contrario, son «copias muy buenas».

Habitualmente el artista confirma su autoría a través de sus redes sociales, en su cuenta de Instagram o en su página web, pero hasta el momento no se ha expedido al respecto.

Un artista enigmático
Banksy (1974, Inglaterra) inició sus pasos en el movimiento grafitero siendo adolescente en su ciudad natal, Bristol, registrando su firma en trenes y calles en 1993, y ya hacia el 2001 sus obras de stencil estaban en todo el país. Entre sus creaciones más conocidas figuran “Niña con balón” («Girl With Balloon»), subastada en octubre de 2018 por 1,3 millones de dólares, que cambió su nombre a “Love is in the Bin” («El amor está en la papelera») cuando intentó destruirse durante la venta y pasó a ser la primera obra de arte de la historia creada en directo en una subasta.

Autor de grafitis, pinturas y serigrafías, entre sus temas, retratados de modo irónico y con sentido del humor, aparecen su mirada crítica sobre la tragedia de la migración a Europa y los muertos en el intento, el racismo -el año pasado se pronunció sobre el asesinato de George Floyd y el movimiento Black Live Matters-, la pobreza, la hipocresía, la codicia, el amor, la esperanza, los sueños cancelados, la vigilancia, la represión policial y las guerras.

En marzo, Banksy recaudó 16,7 millones de libras esterlinas -un récord mundial de subastas para el artista- para proyectos sanitarios con la subasta de «Niño jugando con enfermera», un cuadro que representaba a un chico jugando con una enfermera de juguete, en lugar de los juguetes de Batman o Spiderman asomando por una cesta.

Ese mismo mes, manifestantes expresaron su «enorme decepción» después de que un mural del artista pintado en el lateral de una antigua prisión fuera desfigurado con pintura roja y la frase «Team Robbo», probablemente una referencia al grafitero King Robbo, que mantuvo una larga rivalidad con Banksy antes de su muerte en 2014.

La obra, titulada «Create Escape», apareció en el muro de ladrillo rojo de la prisión de Reading el 1 de marzo y mostraba a un recluso escapando del encierro utilizando una bobina de papel anudada de una máquina de escribir.

Julio Le Parc conquista Tokio con sus obras de colores

4 agosto, 20214 agosto, 2021 infoarte

Fuente: La Nación ~ Aún faltan diez días para que abra al público la primera muestra individual deJulio Le Parcen Japón, pero gracias a Instagram ya cruzaron fronteras las imágenes del edificio Maison Hermès en Tokio, diseñado porRenzo Piano, inaugurado hace dos décadas e intervenido ahora desde la vereda hasta la terraza con sus inconfundibles líneas ondulantes de colores.

La gama de 14 tonos brillantes que comenzó a diseñar en 1959 el artista mendocino, y que fue un tema recurrente en su trabajo durante más de 70 años, protagonizará desde la semana próxima la exposición Colores en juegoGentileza Yamil Le Parc

Esa gama de 14 tonos brillantes que comenzó a diseñar en 1959 el artista mendocino, y que fue un tema recurrente en su trabajo durante más de 70 años, protagonizará desde la semana próxima la exposición Colores en juego. Con una amplia variedad de obras realizadas durante distintas épocas tomará por dentro y por fuera la sede del edificio ubicado en Ginza, uno de los distritos comerciales más importantes de la capital japonesa, sede de los Juegos Olímpicos.

La fachada de bloques de vidrio fue cubierta con plásticos de colores adhesivos para recrear una obra de Le Parc de la serie La larga marcha. También en las vidrieras y los ascensores habrá intervenciones de este artista de 92 años, maestro del cinetismo y del op-art, radicado en Francia desde 1958 y reconocido hace más de medio siglo con el Gran Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia.

Detalle de la obra sobre la fachada de bloques de vidrio, diseñada por Renzo PianoGentileza Yamil Le Parc

La muestra, que continuará hasta noviembre, incluirá además desde las primeras pinturas y dibujos monocromáticos que exploran el color hasta obras conocidas como las Láminas reflectoras -que pudieron verse en el Malba en su muestra de 2014– y nuevas piezas de la serie de obras móviles que creó desde que integraba el Grupo de Investigación de Arte Visual.

“En lugar de analizar los colores según la teoría cromática, Le Parc establece una serie de secuencias en las que aborda los colores como formas geométricas o metáforas de la variabilidad, y produce variaciones basadas en la rotación, la repetición y la división –dice el folleto que invita a la inauguración especial para invitados especiales, el próximo jueves-. Para Le Parc, estos mecanismos de cambio son una serie importante que ha seguido persiguiendo en paralelo con sus móviles, que se ocupan de la luz y el movimiento, como experimentos diseñados para encapsular el potencial de todos los colores”.

La obra de Le Parc en Colección Amalita, cuando Hermès presentó la colección de pañuelosArchivo/Ricardo Pristupluk

El vínculo de Le Parc con Hermès se inició en 2013 cuando su director artístico, Pierre-Alexis Dumas, quedó deslumbrado al recorrer su retrospectiva en el parisino Palais de Tokyo. Así fue como nació la idea de trasladar La larga marcha (1974-1975), diez telas cuadradas dispuestas de manera secuencial y atravesadas por líneas de colores, a 60 pañuelos de seda de 90 centímetros de lado, valuados en 7000 euros cada uno. En 2016 se exhibieron en Colección Amalita.

Julio Le Parc y su creación para HermèsArchivo/Gentileza Yamil Le Parc

“Esta obra puede estar asociada a muchas cosas, si se quiere encontrar una metáfora –dijo entonces en una entrevista con LA NACION-. Podría ser la larga marcha de mi abuelo, que vino del norte de Francia a París, atravesó el Atlántico, llegó aquí, tomó un tren y cuando las vías se terminaron se bajó en el pueblo de Rivadavia, en Mendoza. O la mía, hasta París; el devenir de la civilización, de las revoluciones…” Una larga marcha que, ahora, llega hasta Japón.

Cabaio, el artista argentino convocado para pintar las calles de Nueva York

26 junio, 202126 junio, 2021 infoarte

Fuente: Télam ~ El artista argentino Santiago «Cabaio» Spirito, que ha realizado murales desde la Bombonera en La Boca hasta el restaurante Tegui, en Palermo, fue invitado a pintar las calles del barrio The Bushwick, en Nueva York, donde inmortalizó con sus stencils retratos de «inmigrantes, desplazados, refugiados», aquellos grupos que «las ciudades quieren esconder».

No es la primera vez que Spirito (quien firma sus obras con el apodo Cabaio) es invitado al festival urbano de The Bushwick Collective, que se realiza cada junio en uno de los vecindarios más prolíficos de Nueva York en lo que respecta a street art y graffiti, organizado por este colectivo de artistas urbanos que desde 2011 toman las calles de la ciudad como una galería a cielo abierto.

Cabaio ya viajó en cuatro oportunidades a la zona de Bushwick, las dos últimas en 2018 y en 2021 como parte del festival, e incluso, una de sus obras previas forma parte del recorrido virtual «Street Art Project», que reúne 5.000 obras de arte urbano del mundo digitalizadas y compartidas en la plataforma Google Arts and Culture.

Desde la aparición del primer mural, en el año 2011, y la consecuente transformación de la imagen de este barrio de trabajadores, esta antigua zona industrial de Brooklyn no ha parado de atraer la atención de bares, cafeterías y restaurantes de moda, con su consecuente gentrificación.

«Los artistas callejeros somos actores esenciales de lo urbano. Un ‘muralito’ te hace cool un barrio. Lamentablemente, muchos de los festivales que se hacen en el mundo son para impulsar proyectos inmobiliarios en barrios que están medio medio. Ponen tres murales y eso empieza a cambiar la cara del barrio. Está bien que mejoren una zona pero a la identidad, a la gente del barrio, déjenla ahí», manifiesta Santiago Spirito en una entrevista con Télam.

«Los artistas callejeros somos parte de eso, no podemos escaparle -reflexiona el artista- pero de mi parte, la artística, al menos voy a tratar de denunciar. Eso no va a cambiar algo pero es lo que me pasa y lo digo. No siempre pero en general, cuando te invitan a pintar un mural, está pasando algo por el estilo; hay otro interés de fondo», dispara el artista que con sus stencils combina mensajes, imágenes y formas geométricas.

«En The Bushwick, busqué representar lo que ciertas ciudades quieren esconder: inmigrantes, desplazados, refugiados. Por eso combiné diferentes rostros que reflejan las comunidades excluidas, con texturas de la ciudad», explica Cabaio, que intervino también el Centro Cultural Recoleta, bares, cervecerías, estaciones de subte y espacios públicos de Buenos Aires, San Pablo, México, Valencia, Barcelona y Salvador de Bahía.

– Télam: ¿Cómo te enfrentas a la pared en blanco? ¿Cómo nace la imaginería que llevás al mural?

– Santiago Cabaio Spirito: Es bastante obvio lo que te voy a decir pero lo que me inspira es el contexto que me rodea, lo que me pasa, las cosas que veo y me afectan. Lo que traté de mostrar es lo que las ciudades en general tratan de esconder. Por ejemplo las minorías. Algo parecido, muy de lejos, es familiar a que «a los locos los encierran también, los esconden en loqueros». Hay ciertas ciudades que tienden a invisibilizar. Toda esa invisibilización conlleva movimientos, la gente se tiene que mover de los lugares donde viven. Y la especulación inmobiliaria hace que suban los precios. Hay miles de estrategias para ir corriéndolos del centro de la escena. Yo traté de mostrar la maquinaria de las ciudades que invisibiliza a las personas. No es la ciudad quien decide, la ciudad es el objeto, que manejan personas que deciden. Y bueno, esas personas obviamente son inmigrantes, minorías, marginados. La imagen central es de fragmentos de inmigrantes, con los que hice una cara nueva, la nariz de una persona, la boca de otra, etcétera.

– T: Los rostros que aparecen, ¿son personas reales?

– SCS: Una es una foto familiar, son amigas de mi madre que se instalaron en Concordia. Otras son de mi abuelo, que fue inmigrante en Colombia. Están mi abuelo y mi tío caminando. Hay una que hice con distintas imágenes y hay una de un japonés que saqué de una revista antigua por Internet. Los orientales y asiáticos también tienen un tema ahí con Estados Unidos, de odio y racismo.

– T: ¿Cuáles son las cualidades de pintar con stencil, una plantilla calada?

– SCS: Cuando empecé a pintar salía de noche a la calle con un amigo, con una sola plantilla y un aerosol. Hacíamos un recorrido e íbamos pintando. Era muy bueno porque lo hacías muy rápido y podías repetir la imagen, eso genera una fuerza muy grande, ver una imagen una vez no es lo mismo que verla 50 veces. Me gusta el stencil porque es simple de hacer, y sobre todo por la rapidez de ejecución y la síntesis que tiene la imagen. Pero la mirada de la gente cambió desde entonces. Antes llamaban a la policía, ahora te sacan una foto, te piden si les haces un muralito en sus casas. Ahora te ven como un artista, pero estas haciendo prácticamente la misma acción que antes, solo que ahora todo cambió alrededor, te vende de una manera positiva. Eso es bueno, ayuda.

«Antes llamaban a la policía, ahora te sacan una foto, te piden si les haces un muralito en sus casas».
Santiago «Cabaio» Spirito

– T: Previo a este trabajo, estuviste en el restaurant de Tegui y en la Bombonera pintando stencils.

– SCS: Lo de Tegui fue en 2008, yo era otra persona y él nos pidió algo en especial. German Martitegui quería que pareciera que en esa paredes habían sido pintadas durante varios años por mucha gente, podríamos pintar cualquier cosa sin pensar prácticamente. Teníamos stencils cortados. En esa época yo trabajaba de mozo, entonces lo hice de hobbie y ganamos plata, estuvo buenísimo. En la Bombonera fue otra cosa porque yo soy hincha de Boca. Me encantó hacer ese mural. Propuse algunos personajes, ídolos de Boca, jugadores, algunos símbolos como el estadio, la hinchada o alguna bandera, alguna frase. Depende del lugar veo qué me surge.

– T: Si bien el mural es propiamente del espacio público, de alguna manera el muralismo se está equiparando con otras disciplinas artísticas, entrando a los museos ¿Estás de acuerdo?

– SCS: No está equiparado al resto de ramas del arte o las más corrientes, pero sí que en muy poco tiempo encontró su lugar en galerías, exposiciones, las marcas. Todo eso ayudó a que la gente lo acepte, lo estandarizó o lo mostró como algo «cool», positivo. No es «estandarizó» la palabra, pero le dio una entidad positiva, y ahora «claro, si está en galerías…». Si lo usa Coca Cola o Puma, por ejemplo, es cool, está bueno. Creo que si tienen lugar pero me parece que se va a valorar mucho más en unos años, 20 o 30 años quizás. Cuando ya haya otras nuevas corrientes, esta ya esté más afianzada y por ahí la gente vaya a buscar a los de años anteriores. Si vos seguís teniendo una carrera, lo que hiciste años atrás cobra mayor valor. Ponele Basquiat cuando lo hacía en los 80, sus cuadros tenían un valor y hoy día se venden a millones de dólares. Todo el arte urbano se va a valorar más en unos años.

A la caza de obras de arte en miniatura por las calles de Nueva York

31 mayo, 202131 mayo, 2021 infoarte

Fuente: Infobae ~ El cineasta Zack Obid tiembla literalmente de emoción: acaba de encontrar una obra de arte en miniatura en una de las inusuales búsquedas del tesoro que un artista estadounidense organiza cada semana en su querido barrio de Greenpoint, en el distrito neoyorquino de Brooklyn.

Steve Wasterval estima que en los últimos tres años ha pintado y escondido unos 80 paisajes diminutos de Greenpoint, un barrio con una gran comunidad polaca que en los últimos años se ha tornado crecientemente ‘hipster’, atrayendo a artistas y personas con trabajos creativos.

«Realmente quería regalar mi arte, colgarlo en las paredes, en las calles», dijo a la AFP Wasterval, de 40 años, en su estudio de Greenpoint, en una antigua fábrica de lápices Faber Castell que ocupa toda la manzana.

«¿Pero cómo clavarlos a las paredes? Y la gente los sacaría enseguida (…) Recuerdo que pensé que deberían ser pinturas diminutas, para poder esconderlas y que la gente las halle», contó.

– «Un pequeño trofeo» –

En general cada fin de semana, sin hora determinada, Wasterval publica en su cuenta Instagram una foto de un minúsculo paisaje frente al sitio que inspiró la obra, siempre en Greenpoint.

En apenas un par de minutos, aparecen una docena de personas que comienzan a buscar la obra por todos lados: atrás de un muro, en una escalera de incendios…

A veces el artista está cerca, a veces no. Si se lo piden, ayuda a los «cazadores» con pistas que envía por mensajes directos en la red social.

No vende sus pequeños paisajes impresionistas de unos 5×3,8cm que finaliza en aproximadamente una hora, y asegura que nunca lo hará.

«Cada semana hay gente que me envía mensajes diciendo que quiere encargar uno, o comprar uno. No, nunca, nunca. No puedes comprarlos y no puedes encargarlos, tienes que encontrarlos. Son como un pequeño trofeo que la gente se jacta de tener», explica.

Wasterval quiere retratar su barrio en plena transformación, relacionarse con sus vecinos y divertirse. Y por supuesto, divulgar su arte, el pequeño y el grande, que solo se diferencia del primero en su tamaño, y en su valor.

Sus obras «grandes» más populares, en general de unos 60×90 cm o 75×100 cm, están a la venta por 2.000 y 3.000 dólares respectivamente.

«La idea es hacer esto para siempre. Quiero que siga siendo lo que es (…) Es algo de marketing, pero es divertido porque no se siente así».

– Divertido y comunitario –

Esta vez, Wasterval ha escogido pintar la esquina de la popular pizzería del barrio Paulie Gee. En el parque con juegos infantiles que está enfrente, entre niños que corren jugando a la escondida, ha ocultado su pequeña pintura bajo un macetero.

En un par de minutos llega Zack Obid, un cineasta especializado en documentales de 27 años que vive a una cuadra de allí. Busca como loco por todos lados, mientras comienzan a llegar otras personas, algunas en bicicleta. Cada pocos segundos varios se detienen a chequear en sus teléfonos si hay nuevas pistas del artista.

Cuando halla la pintura, Obid grita y ríe y tiembla de emoción. Es la quinta que encuentra en los últimos tres años, y está extasiado.

«¡Esto es fantástico!», exclama el cineasta, que recientemente compró una obra grande del artista.

«Esto es algo divertido, comunitario, una manera divertida de recorrer el barrio (…) Para mucha gente es una manera de poseer una verdadera obra de arte original, y además, que retrate nuestro hogar», Greenpoint, explica.

Lisa Llanes, una diseñadora gráfica de 38 años, llegó tarde esta vez. Es la ganadora reciente de dos cacerías.

«He vivido en Greenpoint casi ocho años ya, y esto es algo emocionante para el barrio. También está bueno que Steve sea un artista local y que estas pinturitas sean tan adorables», dice.

Wasterval espera algún día hacer una exposición con todos los «minis», como él los llama, prestados por los ganadores de las cacerías.

Y planifica ampliar el proyecto al resto de la ciudad.

«La gente me pide que vaya a diferentes barrios», contó. «Voy a extender el radio lentamente», anticipó.

El Museo del Louvre será dirigido por una mujer, por primera vez en su historia

26 mayo, 202126 mayo, 2021 infoarte

Fuente: Infobae ~ Laurence des Cars, especialista en arte moderno que preside el también parisino Museo de Orsay, asumirá la dirección del museo más importante de Europa en septiembre

La historiadora de arte Laurence des Cars remplazará a partir del 1 de septiembre próximo a Jean-Luc Martinez al frente del Museo Louvre, lo que la convertirá en la primera mujer en dirigir el museo más importante de Europa, informó el Ministerio de Cultura de Francia.

Especialista en historia de arte del siglo XIX y principios del XX y conservadora de patrimonio, como directora del Louvre des Cars tendrá la misión de “reafirmar la vocación universal del primer museo del mundo a partir del “diálogo” entre el arte antiguo y el mundo contemporáneo, adelanta el Ministerio de Cultura de Francia en un comunicado de prensa.

De acuerdo con lo informado por medios internacionales, con este desembarco, una mujer asumirá por primera vez la dirección del museo parisino creado en 1793, considerado el más emblemático y valioso de Europa. Actualmente, Des Cars dirige el Museo de Orsay y lo hará hasta asumir su nuevo cargo con la intención de apoyar el proceso de reapertura.Laurence des Cars, hasta ahora responsable del Museo de Orsay en París (Francia), será la primera presidenta del Louvre, el museo más grande del mundo.(EFE/ Orsay/Jeremy Garamond)

“Laurence des Cars deberá escribir una nueva página de la historia del mayor museo del mundo. El Louvre debe reinventarse en este mundo poscrisis, convertirse más que nunca en un lugar de contemplación y de reflexión abierto a todos”, dijo la ministra de Cultura, Roselyne Bachelot, según consignó la agencia de noticias francesa AFP.

Según destacaron desde la cartera de Cultura de Francia, en esa institución generó una profunda renovación a partir de “un programa de exposiciones, espectáculos en vivo y un nuevo enfoque de las obras, abierto a todos los públicos y a los artistas”.

De este modo, el mayor museo de Europa cambiará el perfil de su director, dado que la nueva directora proviene del mundo de las artes visuales y el patrimonio, mientras que el actual director, Jean-Luc Martinez, es historiador y arqueólogo especialista en antigüedades griegas. Luc Martinez dirige el Louvre desde 2013 y su mandato destacó por su esfuerzo en incorporar nuevos públicos. De hecho, en 2019, antes de la pandemia, el museo superó los 10 millones de visitas, alcanzando así su récord mundial.

Si bien la información del anuncio circuló en medios internacionales, la confirmación del nombramiento fue finalmente comunicada hoy por el Ministerio de Cultura de Francia, ya que la decisión final sobre la designación de los directores de los grandes museos públicos corresponde al presidente del país galo, Emmanuel Macron.