Tecnología y arte, generan una experiencia inmersiva de la que somos parte.

Fuente: Buenos Aires ~ Alguna vez imaginaste entrar a la obra de tu artista favorito? Mirar de cerca a las bailarinas de Degas o pasar el tiempo dentro de los relojes de Salvador Dalí?

Para poder vivir una experiencia así vamos a tener que hablar de experiencias inmersivas, tal y cómo indica su nombre, permite la inmersión del espectador en la obra de arte. De este modo, el espectador no solo mira la obra, sino que pasa a formar parte de esta y a usar otros sentidos que no solo la vista, se convierten en un elemento más dentro de la obra.

La primera exposición inmersiva de arte fue inventada en 1977 por Albert Plécy, un fotógrafo francés, en Les Baux-de-Provence, al sur de Francia. Transformó una antigua cantera subterránea en un lugar inmerso llamado Cathédrale d’Images. Los visitantes se podían sumergir de lleno en las proyecciones de las pinturas a través de su nueva técnica de Image Totale.

Hoy contamos con la tecnología inmersiva que intenta imitar una experiencia real a través de una réplica digital o simulada. Esta busca ser cada vez más realista, y que al espectador le sea más difícil diferenciar lo virtual de lo real.

La muestra inmersiva «Imagine Van Gogh», te invita a entrar de forma completa a las Obras de Vicent Van Gogh: vas a poder deambular entre proyecciones gigantes de las pinturas del artista, que te van a arrastrar con cada pincelada, detalle y color de obra en obra, pasando por todas las emociones y diferentes etapas del genio neerlandés, quien fue uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Una experiencia extraordinaria donde todos los sentidos se te van a despertar por completo. Vas a poder descubrir más de 200 pinturas de Van Gogh, incluidas sus obras más famosas, pintadas entre 1888 y 1890 en Provenza, Arles y Auvers-sur-Oise.

Imagine Van Gogh será la primera muestra inmersiva que se verá en la Argentina, a partir de febrero en el Pabellón Frers de La Rural. La exposición, ya pasó por las principales capitales del mundo y vendió más de un millón de entradas.

Para conseguir tu entrada ingrese al sitio oficial. En el mes de febrero se agotaron, la muestra va a estar en nuestro país hasta el 15 de abril del 2022.

Guerra ganada: Art Basel conquista París, una capital clave del mundo del arte

Fuente: La Nación ~ La feria suiza obtuvo un contrato de siete años para impulsar otra nueva en el Grand Palais que desplazará a la Fiac, la más importante de Francia.

Con la conquista de París, Suiza ganó otra capital clave para el mundo del arte: Art Basel, la feria más importante del planeta -nacida hace más de medio siglo en Basilea y expandida hacia Miami y Hong Kong– anunció hoy que su empresa matriz, MCH Group, obtuvo un contrato de siete años para impulsar una nueva feria de arte moderno y contemporáneo en el Grand Palais. Desplazará nada menos que a la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (Fiac), la más importante de Francia.

Aún sin nombre propio, este proyecto internacional que se inaugurará en octubre buscará tender “puentes con las industrias culturales de Francia, desde la moda y el diseño hasta el cine y la música”. Hasta que se complete la restauración del Grand Palais, en 2024, se alojará en su sede temporaria, el Grand Palais Éphémère, ubicado en el corazón histórico de París.

Obra del artista argentino Tomás Saraceno en el interior del Grand Palais
Obra del artista argentino Tomás Saraceno en el interior del Grand PalaisGentileza Studio Saraceno

Algunos puentes, sin embargo, se quemaron en diciembre. Entonces la Réunion des Musées Nationaux-Grand Palais (RMN-GP), el organismo cultural francés que administra el Grand Palais, abrió un concurso público para cubrir las fechas de Fiac y Paris Photo. Ambos encuentros eran organizados hasta entonces por RX France, parte de un grupo anglo-holandés que continuará a cargo de Paris Photo en noviembre.

En un artículo titulado “Guerra de ferias: el propietario de Art Basel echa a Fiac del Grand Palais de París”, The Art Newspaper reveló que RMN había recibido a fines de noviembre “una muestra espontánea de interés para la organización de una feria de arte contemporáneo y arte fotográfico en las fechas que habitualmente realizan la Fiac y Paris Photo”.

La publicación especializada agregó que Michel Filzi, presidente ejecutivo de RX, escribió en enero una carta a los expositores de Fiac y Paris Photo. En ella aseguró que su empresa no había sido consultada, que la situación tenía “consecuencias muy preocupantes” para las ferias y que se habían iniciado “procedimientos [legales] sumarios”.

La nueva feria se alojará en en el Grand Palais Éphémère, un edificio de 10.000 m² ubicado en el corazón histórico de París, hasta que termine la renovación del Grand Palais
La nueva feria se alojará en en el Grand Palais Éphémère, un edificio de 10.000 m² ubicado en el corazón histórico de París, hasta que termine la renovación del Grand PalaisPilar Velazquez

Su autora, Anna Brady, citó también a Marc Spiegler, director global de Art Basel: la nueva feria “definitivamente no será Art Basel París”, aclaró este último. Según él, la fecha de octubre “era la única que nos funcionaría, ya que tenemos la feria Art Basel en Hong Kong en primavera, Basilea en verano y Miami Beach en invierno [boreales]”.

El sitio Artnet comparó esta movida con un golpe de Estado. “Toma del Palacio: Art Basel ha expulsado a la FIAC de su sede histórica en el Grand Palais en una apuesta audaz por una nueva feria de París”, se titula el artículo de Kate Brown, donde se asegura que RX France calificó la convocatoria abierta el 8 de diciembre como un “intento hostil de desalojo”.

“No hemos descartado a nadie, sino que hemos elegido la candidatura que mejor representaba la ambición de sacar partido de la singularidad de París”, señalaron fuentes del Grand Palais a la agencia AFP. Esta última informó además sobre la preocupación manifestada por las pequeñas galerías de Francia, que tenían asegurado un 30% del espacio de la Fiac.

En el extremo derecho Marc Spiegler, director general de Art Basel, durante la inauguración del programa Art Basel Cities: Buenos Aires
En el extremo derecho Marc Spiegler, director general de Art Basel, durante la inauguración del programa Art Basel Cities: Buenos Aires

Según el comunicado difundido por Art Basel, impulsora del programaArt Basel Cities: Buenos Aires que promovió el arte argentino entre 2017 y 2019, los suizos formarán un equipo local y trabajarán “en estrecha colaboración con la comunidad de galerías de Francia”, además de asegurar su “fuerte representación en el Comité de Selección de la feria”.

“Art Basel tiene la intención de desarrollar una identidad y una marca específica para la feria parisina” que se anunciará en las próximas semanas, agregó, luego de prometer una “estrecha colaboración con los museos de París, instituciones privadas, galerías y otros espacios culturales para crear un programa cultural activo desde de la mañana a la noche, toda la semana y en toda la ciudad”.

“Con su incomparable historia y dinamismo contemporáneo, París se encuentra en una posición única como un epicentro fundamental de la escena cultural internacional -declaró Spiegler-. Nuestro objetivo es aprovechar la posición sin igual de París como metrópolis global para ayudar a crear una semana vibrante, que amplifique aún más la resonancia internacional de la ciudad como capital cultural”.

Arte de verano: el Museo Marc y dos exposiciones para visitar en Rosario

Fuente: Impulso ~ Una de las propuestas es sobre fotografía y la otra forma parte de un programa de corte contemporáneo de la institución. ¿Qué días son las visitas?

El Museo Histórico Provincial de Rosario “Dr. Julio Marc” invita a visitar durante el verano dos exposiciones temporarias: una sobre fotografía y otra que forma parte del programa de arte contemporáneo de la institución. Las mismas se podrán recorrer de manera libre y gratuita.

CALÓGERO

Qué puede una exposición. Derivas en torno a Hiram Calógero”, curada por Francisco Medail. La exposición recupera algunas iniciativas vinculadas al trabajo del fotógrafo, que sucedieron a partir de una muestra que realizó el Museo Marc en 2018.

Una selección de obras –donadas recientemente por José Ramón García Menéndez–, documentos inéditos y nuevos proyectos artísticos que surgieron a partir de aquella muestra, son una excusa para preguntarse por todo lo que puede generar una exposición.

ALITA OLIVARI

“Naif brutal”, de la artista Alita Olivari (Buenos Aires, 1973), curada por Verónica Rossi. Esta exposición se inscribe en el programa de arte contemporáneo del Museo Marc.

La muestra parte de una propuesta en la que su autora, en palabras de Rossi, “es constructora de fábulas, con criaturas que habitan en un jardín de maravillas, princesas, patos, monos, reinas y ninfas, que deambulan entre los objetos del museo”.

HORARIOS DE VISITA

Las exposiciones pueden visitarse de jueves a domingo, de 10:00 a 13:00, en el museo, ubicado en el Parque de la Independencia, en Rosario.

La entrada es gratuita, sin cita previa. Es obligatorio el uso de barbijo durante el recorrido y la presentación del Pase Sanitario al ingreso.

El artista plástico Rubén Farias expone sus obras en el Centro Municipal de Distrito “Antonio Berni”

Fuente: El Ciudadano y la Región ~ “Colores que habitan” es el nombre de la muestra de pinturas del artista rosarino que quedará inaugurada este viernes 21 de enero a las 19 y que podrá verse hasta el próximo 8 de febrero.

A partir del viernes 21 hasta el martes 8 de febrero se podrá disfrutar de la muestra de pinturas de Rubén Farías en el Centro Municipal de Distrito (CMD) Centro “Antonio Berni”, de Wheelwright 1486. De esta manera “Colores que habitan” se inaugurará mañana a las 19. Las visitas se podrán realizar todos los días de 8.30 a 13.

“Entiendo la pintura como forma de expresión del alma, los colores me habitan, amo la tarea de manifestarlos, me es imposible no hacerlo”, dice Farias. De allí el nombre de la exposición que reúne más de una decena de trabajos expuestos en un espacio no convencional: uno de los centros municipales de distrito que abre sus puertas para que artistas emergentes puedan mostrar sus obras.

“El trayecto de la obra de Rubén Farias, no solo está permeado por el color que habita el espacio pictórico, sino que también en él habitan seres que bailan, se aglutinan y emergen, sin embargo, pareciera que ellos son solo una excusa para representar grandes abstracciones de color”, señala la artista plástica y curadora de la muestra Alicia Galeano.

En esta suerte de excusa o quizás un medio como lo son figuras, objetos o personajes que bordean lo imaginario, el artista enfatiza en la búsqueda del color, de los trazos que utiliza para crear, de la magia que combina lo urbano con lo místico; lo cotidiano con la imaginación.

“En la obra de Rubén Farias – escribe Galeano en su texto curatorial–, el color habita y se multiplica, todo lo que existe en el espacio es color y nace del color. Él dice: “Amo la tarea de manifestarlos” y pareciera que el color mora en su ser y surge vehemente y expresivo en cada pincelada para habitar el espacio, como si el color poseyera la voluntad del artista, como si migrara de su ser a la obra, los colores salen de su espacio cuerpo – alma y habitan el espacio pictórico mediante capas yuxtapuestas o superpuestas que cumplen también un proceso de experimentación de la forma a través del color”.

Farías nació en Rosario (1963). Sus inicios con la pintura se dieron de manera esporádica, en distintos momentos de su vida. No obstante, cuenta que desde hace aproximadamente seis años comenzó a tomar clases con Galeano quien lo guió hacia “un proceso de aprendizaje que no termina nunca” y que es, según sus palabras, “un desarrollo hacia el objetivo de la pintura”.

Programa de artistas 2022: Ciclo de Clínicas de obra

Fuente: Universidad Nacional de las Artes ~ Convocatoria abierta hasta el lunes 21 de febrero de 2022.

Proyecto PAC Artistas ​Como plataforma para la investigación, producción y contextualización del arte contemporáneo desde perspectivas diversas, Proyecto PAC lanza la 11ra. edición del Programa de Artistas, dedicado a artistas que buscan enriquecer su práctica a través de un programa anual de encuentros de análisis, crítica y producción de obra.

Esta edición articulará el trabajo introspectivo con prácticas específicas que funcionen como fuente.

La dinámica propone la alternancia entre 3 ciclos de clínica de obra grupal y 6 seminarios. Además deberán estar disponibles para cursar, esporádicamente y de manera virtual, los días martes en el mismo horario en el Ciclo de seminarios. Estas clases y talleres complementarán el programa a lo largo del año y tienen el fin de brindar entrenamiento teórico y práctico sobre sistema y mercado de arte, criptomonedas y NFTs; así como también herramientas de gestión para artistas.

Docentes
Rodrigo Alonso, Carmen Baliero, Rafael Cippolini, Tomás Espina, Daniel Fischer, Andrés Pasinovich, Gachi Prieto, Andrés Waissman, Juan Manuel Wolcoff, Carola Zech, entre otrxs.

Cronograma

  • Charla informativa: viernes 4 de febrero de 2022 a las 18 hs en Uriarte 1373, CABA
  • Primer encuentro de presentación: viernes 4 de marzo 2022
  • Desarrollo del programa: de marzo a diciembre 2022

Admisión
Las y los postulantes deberán enviar un único archivo en formato PDF siguiendo el instructivo que aparecerá en las bases y condiciones, junto al Formulario de Inscripción que se encuentra al final del archivo.

Convocatoria abierta hasta el lunes 21 de febrero de 2022

Descargá las bases y condiciones

Verano en el Bellas Artes

Fuente: Argentina ~ Con entrada gratuita, durante enero y febrero el Museo propone actividades para toda la familia, y visitas guiadas por la exposición permanente y las muestras temporarias en diversos formatos.

El Museo Nacional de Bellas Artes ofrece en enero y febrero una variada programación de actividades educativas gratuitas, ideadas para que toda la familia pueda conocer y disfrutar las obras de la colección permanente y las exhibiciones temporarias “Dante x Alonso” y “Premio Nacional a la Trayectoria Artística 2020/2021”.

La muestra “Dante x Alonso” ‒que hasta el 27 de febrero reúne más de 40 trabajos en papel del maestro argentino Carlos Alonso inspirados en la obra Dante Alighieri ‒ será el punto de partida para las propuestas participativas que se realizarán los viernes y sábados, entre las 15 y las 17h.

En el mismo espacio se realizará el taller de dibujo “Bocetos dantescos”, dedicado a jóvenes desde los 15 años y adultos, que propone un acercamiento activo a las obras de Alonso en exhibición. Esta actividad será los viernes 28 de enero, y 4, 11, 18 y 25 de febrero; los sábados 29 de enero, y 12, 19 y 26 de febrero; y los domingos 23 de enero y 6 de febrero, siempre de 17.30h a 18.45h.

Dante x Alonso en el MNBA
Dante x Alonso en el MNBA

La obra de Dante también será objeto de análisis durante la visita guiada para personas ciegas o con baja visión, que invitará a percibir las esculturas de Auguste Rodin inspiradas en la Divina Comedia a través del tacto y del relato (sábado 19 de febrero, a las 11h).

Otra de las actividades accesibles será la visita en Lengua de Señas Argentina (LSA), destinada a la comunidad sorda, que hará foco en las obras de arte argentino de las primeras décadas del siglo XX (domingo 20 de febrero, a las 17.30h).

Además, para acercar a los más chicos al Bellas Artes, se realizará el ciclo “Sueño de una tarde en el Museo”, con narraciones de cuentos a partir de las obras de la colección (miércoles 26 de enero, y 9 y 23 de febrero; y domingos 30 de enero, y 13 y 27 de febrero, a las 17h).

“Misión espacial”, otra de las propuestas para toda la familia, promete un recorrido con actividades participativas para descubrir estrellas, satélites y meteoritos en las salas de arte del siglo XX (miércoles 2 y 16 de febrero; sábados 22 y 29 de enero, y 5, 12, 19 y 26 de febrero, a las 17h).

También habrá visitas guiadas dedicadas a conocer la exhibición permanente del Museo, como la que ofrece, a partir del 27 de enero, un acercamiento a tres mujeres protagonistas: Juana Romani, Jeanne Copin y Rosa Bonheur (jueves a las 16h).

El Museo Nacional de Bellas Artes (Av. del Libertador 1473, CABA) puede visitarse de miércoles a domingo, de 11 a 19, con entrada gratuita. Para reservar turnos y conocer el protocolo sanitario vigente, hay que ingresar en www.bellasartes.gob.ar.
Premio Nacional a la trayectoria artística 2020/21 en el MNBA
Premio Nacional a la trayectoria artística 2020/21 en el MNBA

Programación de enero y febrero de 2022 en el Bellas Artes
Todas las actividades son de entrada libre y gratuita. Punto de encuentro: hall central.
Conocé toda la agenda completa del verano en bellasartes.gob.ar/agenda

Reserva: Para participar de las actividades es necesario reservar un turno de visita al Museo desde la web bellasartes.gob.ar/paginas/planea-tu-visita/, excepto en las propuestas que requieran inscripción previa. (Grupos reducidos, por orden de llegada hasta completar el aforo permitido).

¡Importante! Las visitas y talleres pueden sufrir cambios o cancelaciones conforme se desarrolle la situación sanitaria, que serán anunciados con la mayor anticipación posible.

Exhibiciones temporarias
Dante x Alonso
La muestra reúne 47 trabajos en papel del maestro argentino Carlos Alonso (Mendoza, 1929), inspirados en la obra de Dante Alighieri (1265-1321), conmemorando el 700.° aniversario del fallecimiento del gran poeta florentino.
Curador: Andrés Duprat.
Sala 33, primer piso.
Hasta el 27 de febrero.

Premio Nacional a la Trayectoria Artística 2020/2021
Se exhiben las obras de Anahí Cáceres, Alicia Herrero, Leandro Katz, Alina Neyman, Luis Pazos, Alfredo Prior, Norberto Puzzolo y Dalila Puzzovio, ganadores de la última edición de este certamen, que ingresarán a la colección del Museo.
Curadora: Mariana Marchesi.
Salas 37 a 40, primer piso.
Hasta el 27 de febrero.

Visitas guiadas por la colección permanente
Rodin y La puerta del Infierno
A cargo de Silvana Varela.
Jueves 27 de enero, a las 11h.

Arte argentino: relatos visuales del siglo XIX
Se destacarán durante la visita las temáticas y géneros artísticos del período: retratos, escenas de costumbres, escenas históricas y la Generación del 80.
A cargo de Silvana Varela.
Miércoles 26 de enero, a las 11h.

Desafíos del siglo XX: abstracción – no figuración
A comienzos del siglo XX, las vanguardias artísticas diluyen la relación entre la imagen pictórica y lo representado. “La realidad” deja de observarse para ser captada intelectualmente por ciertos artistas. Sobreviene un quiebre, y surge la autonomía de la forma y el color. De la mano de Pablo Picasso, Diego Rivera, Paul Klee, Emilio Pettoruti y Vassily Kandinsky, se pondrán en contexto los conceptos de abstracción y no figuración.
A cargo de Mabel Mayol.
Jueves 17 y 24 de febrero, a las 16h.

Detrás de la superficie. Historias de mujeres expuestas
¿Qué vemos cuando nos enfrentamos a ciertas obras? ¿Acaso algunas historias se visibilizan y otras se ocultan de la superficie?
Cada encuentro propone un acercamiento al detrás de escena de una artista en exhibición, poniendo de relieve los imaginarios sociales que la envuelven y los roles que le han sido asignados.
A cargo de Jeanette Gómez Jolis.
– Juana Romani: jueves 27 de enero, a las 16.00.
– Jeanne Copin en “Reposo”, de Eduardo Schiaffino: jueves 3 de febrero, a las 16.00.
– Rosa Bonheur: jueves 10 de febrero, a las 16.00.

Visitas guiadas por las muestras temporarias
Premio Nacional a la Trayectoria Artística 2020/2021
Recorrido dedicado a la exposición temporaria
A cargo de Silvana Varela, Inés Alvarado, Gisela Witten y Pablo Hofman.
Miércoles 26 de enero, a las 13.00.
Jueves 27 de enero, a las 13.00.
Sábados 29 de enero, y 5, 12, 19 y 26 de febrero, a las 16.00.

Dante x Alonso en el MNBA
Dante x Alonso en el MNBA

Dante x Alonso
Esta actividad educativa propone un acercamiento a la exposición “Dante x Alonso” mediante tarjetas didácticas, como punto de partida para reflexionar y conocer los distintos factores plásticos, históricos y políticos que hacen a las obras exhibidas.
A cargo de Cecilia Arthagnan, Jeanette Gómez Jolis y Ana Lobeto.
Viernes 28 de enero, y 4, 11, 18 y 25 de febrero, de 15.00 a 17.00.
Sábados 29 de enero, y 5, 12, 19 y 26 de febrero, de 15.00 a 17.00.
El público puede participar libremente dentro de la franja horaria prevista.

Visitas accesibles
Visita guiada para personas ciegas o con baja visión
“Las esculturas de Rodin inspiradas en Dante”
Una invitación a percibir las esculturas del artista francés inspiradas en la Divina Comedia, de Dante Alighieri, a través del tacto y del relato. (El Museo provee los guantes de látex). Luego se hará referencia a la obra de Carlos Alonso presentada en la muestra temporaria “Dante x Alonso”. En este caso, la audiodescripción de ciertas obras permitirá reflexionar sobre las interpretaciones del artista argentino, en este cruce entre la literatura y las artes visuales.
A cargo de Mabel Mayol.
Duración aproximada: 60 minutos. Acceso al Museo por rampa o escalinata con baranda, hacia la puerta de ingreso.
Sábado 19 de febrero, a las 11.00.
-Inscripción previa: mabel.mayol@mnba.gob.ar

Visita en Lengua de Señas Argentina
“Arte argentino, primeras décadas del siglo XX”
Paisaje, personas y costumbres a través de la identidad nacional. Recorrido en Lengua de Señas Argentina (LSA), destinado a la comunidad sorda.
A cargo de Carlos Vera Flores.
Domingo 20 de febrero, a las 17.30.
-Inscripción previa: carlos.vera@mnba.gob.ar

Talleres
Mirar para crear: Bocetos dantescos
Una aproximación activa a la muestra “Dante x Alonso”, que invita a dibujar en sala. Ejercitando la observación, la propuesta es pensar plásticamente las obras y el espacio en el que están inmersas. Los materiales serán provistos por el Museo. No es necesario saber dibujar, solo animarse.
A cargo de Germán Warszatska y Gabriela Canteros.
Actividad sugerida para adolescentes (a partir de los 15 años) y adultos.
Domingos 23 de enero y 6 de febrero, de 17.30 a 18.45.
Viernes 28 de enero, y 4, 11, 18 y 25 de febrero, de 17.30 a 18.45.
Sábados 29 de enero, y 12, 19 y 26 de febrero, de 17.30 a 18.45.

Actividades para las infancias
Actividades participativas, sugeridas para chicas y chicos de entre 5 y 10 años.
Ciclo: “Escuchando cuadros, mirando relatos”
Sueño de una tarde en el Museo
Un títere que sueña… cuentos que se entrelazan con las obras de arte. Una invitación a un viaje onírico de la mano de algunos artistas de la colección del Museo.
A cargo de Roxana Pruzan.
Miércoles 26 de enero, y 9 y 23 de febrero, a las 17.00.
Domingos 30 de enero, y 13 y 27 de febrero, a las 17.00.
-Para participar de la actividad, es necesario inscribirse previamente completando este formulario

Misión espacial
En el encuentro, chicas y chicos se convierten en “artenautas” para descubrir estrellas, satélites y meteoritos en las obras del Museo, con la misión de imaginar y desear para nuestro planeta un mejor futuro posible.
Recorrido con actividades participativas por las salas del siglo XX.
A cargo de Gisela Witten, Inés Alvarado, Pablo Hofman y Lucía Ivorra.
Sábados 22 y 29 de enero, y 5, 12, 19 y 26 de febrero, a las 17.00.
Miércoles 2 y 16 de febrero, a las 17.00.
-Para participar de la actividad, es necesario inscribirse previamente completando este formulario

La muestra en Proa que invita a descubrir el arte argentino a través del juego

Fuente: Infobae ~ Desde el Tablero I Ching de Xul Solar a los videojuegos actuales, la exhibición aprovecha el ocio veraniego para acercar al público la faceta más lúdica de los artistas locales.

Credito: Artista @sandroxido

Los juegos de mesa más populares de Argentina, como el ajedrez, el Ludo Matic, cartas de truco, de poker, del Uno, dardos para tiro al blanco, el backgammon, Scrabble, el dominó, Tatetí, El Estanciero y diversos rompecabezas empapelan las paredes de la primera sala de la Fundación Proa, a modo de recibimiento a la muestra Arte en juego, una mirada a la recurrente presencia de lo lúdico en el arte argentino, desde las rayuelas coloridas de Marta Minujín hasta Juanito jugando a la bolita de Antonio Berni.

“Todos los juegos, el juego” bien podría ser el título de esta muestra que alberga casi 80 obras de artistas argentinos de los últimos 80 años, un itinerario diverso y ecléctico que se propone una mirada inesperada: rescatar la presencia del juego en la historia del arte local, y que comienza de modo muy atinado y risueño con juegos de todos los tiempos, antiguos, artesanales, de madera -detrás de una vitrina-, y un poco más actuales, de mesa -ploteados en las paredes-.

El inicio de la exhibición es obra del artista marplatense Daniel Joglar, quien creó especialmente este collage como un wallpaper y que complementa con objetos de tres dimensiones colocados sobre la pared opuesta: encastres, cubo mágico, paletas, rastri, tambores, peluches, regaderas, un xilofón, batallas navales y otros juguetes que anticipan el clima que sobrevuela toda la exhibición.

Ya en la segunda sala, un clásico de Antonio Berni, el personaje de Juanito Laguna, juega a la canicas en su barrio de Flores, una narrativa creada por el pintor rosarino, ubicada muy cerca de la maqueta del Italpark y el famoso Super 8 Volante, obra de Dino Bruzzone. Los fragmentos urbanos de Silvio Fischbein, que conforman hileras de autitos y camioncitos de juguete -como esos que traen las bolsitas de cumpleaños- muy coloridos, sobre espejos enmarcados, o la escultura pop de Edgardo Giménez, Mona estrella azul.Los juegos de mesa más populares de Argentina empapelan las paredes de la primera sala de la Fundación Proa (Télam)Los juegos de mesa más populares de Argentina empapelan las paredes de la primera sala de la Fundación Proa (Télam)

Una sala dedicada exclusivamente al ajedrez demuestra la importancia que han dado los artistas argentinos a este ancestral juego de mesa: desde el Tablero I Ching, de Xul Solar; el ajedrez de León Ferrari de la serie Ideas para Infiernos, donde figuras de Cristos, vírgenes y santos enfrentan a una estatuilla de un diablo; o el Ajedrez proletario de Edgardo Antonio Vigo: solo peones se disponen a jugar la partida.

Hay una escultura de un caballo de fibra de vidrio -con reminiscencias a los de la calesita- de Amalia Amoedo; un “Tren fantasma” y a control remoto, que registra su recorrido con una cámara, del colectivo Oligatega Numeric; un sube y baja destruido, de Jorge Macchi y hasta un Topo Gigio pintado al óleo, de Andrés Compagnucci.

“La muestra se relaciona con la idea del verano, del ocio, y de ponerle un poco de juego a la realidad. Pasar el verano con creatividad y un arte extraordinario. Desde los grandes nombres a los contemporáneos, el recorrido se va desarrollando desde el juguete motriz al tecnológico”, detalla Adriana Rosenberg, directora de Fundación Proa, durante una recorrida por la muestra.

Si bien no es parte de esta misma exhibición, está fuertemente entrelazada la próxima inauguración que tendrá lugar el 15 de enero en Proa: diez obras en realidad aumentada en el espacio público del barrio de La Boca, y algunas escondidas dentro de las salas, de artistas como Olafur Eliasson, Tomás Saraceno y KAWS. Organizado por Acute Art -la plataforma que ofrece experiencias de realidad aumentada- la “muestra” estará durante el verano, al aire libre, en la vereda de Proa, el río y sus alrededores. Serán obras interactivas, algunas de carácter inmersivo, otras con movimiento e incluso con sonido. Con las que se podrá interactuar, claro, con el celular.“La muestra se relaciona con la idea del verano, del ocio, y de ponerle un poco de juego a la realidad", dice Adriana Rosenberg, directora de Proa (Télam)“La muestra se relaciona con la idea del verano, del ocio, y de ponerle un poco de juego a la realidad», dice Adriana Rosenberg, directora de Proa (Télam)

Continuando con el recorrido, la sala 3 del espacio cultural apuesta a los deportes en el marco de esta supuesta historia del juego: el boxeo desde la mirada de Pablo Suárez, artista pero también boxeador, las fotografías de Marcos López que dan cuenta del momento particular en el que el boxeo se constituye, a partir de la década del 50, en posibilidad de ascenso social. Incluso, la obra de Elsa Soilberman, dedicada al fútbol, muestra la formación de equipo dispuesta a tomarse la foto antes del partido, pero sus caras son las de los miembros de la Primera Junta de Gobierno de 1810.

Un emblema en este conjunto es la Rayuela de Marta Minujín, Rayuelarte según la bautizó la artista pop, una pieza lúdica y participativa que ha recorrido el mundo involucrando espectadores, saltando de la tierra al cielo y viceversa, en homenaje al escritor argentino Julio Cortázar.

La muestra traza un recorrido “desde los juegos inventados por Xul Solar a los videojuegos actuales, pasando por los juguetes de autor, los registros ‘retro’ y nostálgicos, las confrontaciones deportivas, el arte para experimentar, las apropiaciones de juegos comerciales, la robótica lúdica y la construcción de máscaras en las redes sociales. Las obras que se presentan en la exposición nos invitan a prestar atención a una línea consistente aunque poco advertida de la producción artística nacional”, resume el curador Rodrigo Alonso.

Finalmente, el último sector de la exposición se sumerge en las nuevas tecnologías, la electrónica y las redes sociales. Aquí se pone el foco en el arte interactivo, que promueve la participación y se vincula de manera especial con los dispositivos que conforman el ecosistema técnico en el cual vivimos.

En lo particular, dos de estas obras invitan a interactuar al espectador. La maravillosa instalación Lo recuerdo de Leo Núñez consta de una máquina de escribir disponible para usar y una línea de luces led sobre la pared, de casi doce metros de largo, que reproducen lo que el público escriba. El título rinde homenaje a las dos primeras palabras del cuento “Funes el memorioso” de Jorge Luis Borges. Por eso, la máquina tiene la particularidad de ‘recordar’ las acciones de los espectadores del día anterior. Los textos que salen de ella mezclan lo tecleado el día anterior y el actual. Desde un “hola” hasta el mismo título de la muestra Arte en juego.Casi un centenar de artistas componen la muestra que se puede visitar en Fundación Proa (Télam)Casi un centenar de artistas componen la muestra que se puede visitar en Fundación Proa (Télam)

Finalmente, la instalación Mirtha eres tú del dúo artístico Lolo y Lauti introduce al público a un estudio televisivo gracias a la incorporación de una pantalla verde o croma tan utilizada en los estudios de cine y TV. Solo una silla se puede ver allí. El espectador -lo verá luego en una tele- se sentará a la tradicional mesa de los domingos gracias a una cámara que lo ubica en el lugar de Mirtha Legrand y podrá interactuar con los invitados de ese día.

Para Alonso, hay una relación evidente entre arte y juego: “Jugar es el ingrediente principal de cualquier artista. Desarrollar la creatividad y la imaginación está también en el arte. Crear, inventar, resolver problemas, es algo que antes que nada te dan los juegos en la infancia”, reflexiona el curador.

Son casi una centena los nombres de artistas que integran la muestra y que en algún momento de sus carreras, o de manera prolongada, hicieron de los juegos y sus efectos los ejes de una aproximación a su tiempo o su contexto.

Los más variados soportes -pintura, escultura, instalación, fotografía, video, objetos, arte interactivo- conforman la muestra Arte en juego que inauguró en Fundación Proa, donde permanecerá hasta marzo del 2022, de jueves a domingos de 12 a 19, avenida Pedro de Mendoza 1929, esquina Caminito.

Se fusionan tres Bellas Artes: primera exposición de pinturas y esculturas montada en Fortnite

Fuente: DiB ~ El artista estadounidense Kaws instaló este martes sus pinturas pop y esculturas de colores en la Galería Serpentine de Londres pero también en la réplica virtual del museo, situada dentro de Fortnite, el videojuego con cientos de millones de seguidores.

Los espectadores pueden apuntar con sus celulares al techo de la galería en el medio del césped helado de Hyde Park, en el centro de Londres, pero no para tomar fotos del edificio de ladrillos rojos y columnas blancas sino porque, gracias a sus teléfonos móviles, aparece en realidad aumentada una gran escultura de un hombre azul sentado en el tejado, invisible a simple vista.

Se trata de una escultura del neoyorquino, en cuya exposición, “Kaws: New Fiction”, se entrelazan lo virtual y lo real a través de tres capas, señaló a la agencia de noticias AFP el director artístico Hans Ulrich Obrist: “la muestra física en la Serpentine Gallery con pinturas y esculturas, los elementos de realidad aumentada y la Serpentine Gallery en Fortnite”, uno de los videojuegos más populares del mundo, de esta manera tres de las consideradas Bellas Artes se unen: Pintura, escultura y videojuegos.

Durante una semana, los 400 millones de seguidores del juego creado por Epic Games tendrán acceso a una réplica exacta del museo dentro del videogame, que pueden recorrer con su avatar para ver las obras.

Si bien Epic Games ya colaboró de forma similar con cantantes de renombre internacional para que den conciertos dentro del juego, esta es “la primera vez que Fortnite colabora con las artes visuales y con una galería pública”, dijo Obrist.

Artistas de toda la provincia reunidos en La Plata para una mega muestra

Fuente: 0221 ~ De martes a domingo y con entrada gratuita, el Museo Pettoruti expondrá las obras ganadoras de los salones Arte Joven y Florencio Molina Campos 2021.

Durante todo el verano el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, ubicado en avenida 51 entre 5 y 6, exhibirá las obras ganadoras y seleccionadas del Salón Provincial de Artes Visuales Florencio Molina Campos y del Salón Provincial de Arte Joven, ediciones 2021.

Se trata de una exposición que reúne a 14 artistas de diferentes ciudades de la provincia de Buenos Aires, todos ellos premiados por el Ministerio de Producción, Ciencia e Innovación Tecnológica, la Honorable Cámara de Senadores de la Provincia de Buenos Aires y la Honorable Cámara de Diputados de la Provincia de Buenos Aires.

Las obras seleccionadas y ganadoras de la edición 2021 del Salón Provincial de Arte Joven y del Salón Provincial de Artes Visuales Florencio Molina Campos, incluye diferentes disciplinas. “Dibujos, pinturas, esculturas y grabados dialogan en la sala con instalaciones, video-arte, textiles, fotografías y artes del fuego en un ecléctico tapiz donde resuenan formas de imaginar y desafiar el presente”, señalaron desde el Museo que permanecerá abierto el mes de enero y febrero, de martes a domingo de 14 a 20 horas y la entrada será libre y gratuita.

Los salones provinciales son los mayores reconocimientos estatales a la producción artística bonaerense. Cómo formas de adquisición se tratan además de partes orgánicas del Museo, ya que a través de sus sistemas de premiación se han reunido la gran mayoría de las obras que lo conforman hoy.  Por primera vez, bajo una categoría singular en ambos certámenes, el salón avanza sobre el afianzamiento de políticas de apertura de las instituciones al amplio campo de las artes visuales; de representatividad territorial para fortalecer su condición de museo bonaerense y de igualdad de género.

Desde la institución explicaron que para esta edición se recibieron más de 500 postulaciones para los dos salones y se seleccionaron 28 obras para Molina Campos y 18 para Arte Joven.  El jurado del Molina Campos estuvo confirmado por importantes referentes del arte bonaerense: Kekena Corvalan, Silvia Dolinko y Pablo León. Mientras que el jurado de Arte Joven estuvo confirmado por Juan José Souto, Leticia Barbeito y Gabriel Maldonado.

 Las obras galardonadas y expuestas en el Salón Provincial de Arte Joven 2021 son:

  • “Cosa e’ mandinga”, de Fernando Nicolás Santana (La Plata).
  • “Que mi cuerpo sea siempre un amado espacio de revelaciones”, de Indira Bogado (La Plata).
  • “Mujer con vaso”, de Chiara Girimonti (La Plata).
  • “Infernal picnic», de Amanda Tejo Viviani (La Plata).
  • “Tacto”, de Luana Cabra (La Plata).
  • “Cuerpo, luego existo”, de Ignacio Martín Noguera (Mar del Plata).
  • “La araña de Llavallol”, de Florencia Ailén Navarro (Llavallol).
  • “Sin salpicar”, de Eliana Quilla Mayorga Juchani (Ensenada).

En el caso del Salón Provincial de Artes Visuales Florencio Molina Campos, de pueden apreciar las siguientes obras:

  • “Dibujo por omisión de texto manuscrito IV”, de Ernesto Camilo Guinot (Mercedes).
  • “Dibujo interespecies”, de Virginia Buitrón (Quilmes).
  • “Afectable”, de María Elena Torrallardona (La Plata).
  • «Las catedrales de la nostalgia», de Rodrigo Hernán Illescas.
  • “Construir nuevos paisajes”, de María Victoria Trípodi.
  • “Articulx para habitación”, de Juan Pablo Rosset.

Destreza inmersiva en colores

Fuente: Clarín ~ La sinestesia, habilidad de asociar colores y sonidos, es el punto de partida de una potente muestra de Andrea Fried y Nicolás Bernaudo.

Algunos biógrafos aseguran que, desde muy joven, Mozart podía tocar una sinfonía compleja con solo escucharla una sola vez. Era capaz de repetir exactamente hasta los coros y los detalles más mínimos y sofisticados. Esa capacidad fue atribuida o bien a una híper memoria musical o bien a una condición sinestésica que le permitía al genio de Salzburgo asociar las notas con colores para después reproducirlas.

La sinestesia, en concreto, es una condición neurológica que permite a algunas personas la posibilidad de evocar sensaciones en un órgano de los sentidos distinto del que fue originalmente estimulado o producido.

La muestra Sinestesia Aguda, que puede verse en el Museo Nacional de Arte Decorativo, explora las posibles vibraciones de esta condición, usando como base y punto de partida la pintura geometrizada de Andrea Fried a la que se suma el trabajo digital, inmersivo y de video de Nicolás Bernaudo.

El recorrido, que toma las cuatro salas dedicadas a exposiciones temporales del museo, tiene como punto de partida las obras de Fried y la propuesta visual integral propone un ejercicio que le agrega a la búsqueda sinestésica, un elemento al mismo tiempo deconstructivo y reconstructivo. La circularidad planteada por el recorrido facilita esta mirada y el buen guión curatorial trabaja con el diseño de la exposición para ejecutarlo a la perfección.

El diálogo que se establece entre la paleta de colores y las diferentes materialidades y la sucesión de salas iluminadas con otras en penumbras o intervenidas, sugieren y despiertan en el espectador una curiosidad y una necesidad de atención que justifica la presencia del adjetivo del título de la exposición y lo convierte en mucho más que en un recurso poético.

En la primera de las salas, del modo clásico, están expuestos los acrílicos de Fried de las series Umbral y Sinopsis. Se trata de telas de gran formato en los que la artista trabaja con el color y las formas un universo de sugerencias matemáticas de gran vibración visual. La abstracción geométrica de Fried funciona muy bien con una paleta de regulares estridencias, proyectando patrones que se pueden percibir en las distintas piezas alternando tamaños y lugares dentro de la composición. La expresión geométrica, tan recuperada en estos tiempos, tiene en la obra de Fried un componente particular de vitalismo y de matematización que altera el lenguaje pictórico sin sacarlo del todo de registro, lo que genera una dislocación interesante que necesita del espectador para completarse. En la misma sala, sobresale sobre una de las paredes laterales la obra “Pausa”, un acrílico muy interesante que contrasta con el resto de las obras y logra destacarse y destacar a las demás. En esta obra Fried trabaja con una paleta diferente, mucho más apastelada, con tonos más bajos y además, es la única pintura que, aún manteniendo su impronta geométrica presenta leves curvas dentro de la composición.

En las siguientes salas se encuentran las dos intervenciones de Nicolás Bernaudo. El experimentado diseñador escenográfico y visual usó como materia prima la pintura de Fried y la colocó en su registro particular. La primera de las obras, Fragmentos, se trata de una instalación realizada con 30 celulares, que van apareciendo alternativamente dentro de un plano totalmente negro y en cuyas pantallas aparecen alternativamente detalles de los acrílicos de Fried. Para completar el efecto, un sonido como el de los antiguos videojuegos enfatiza la huella tecnológica de la pieza. Un poco más allá, en una sala preparada especialmente, Bernaudo despliega una obra inmersiva cautivante, muy interesante en términos visuales pero que además, tiene una capacidad para estimular la participación realmente admirable. Es imposible no interactuar con la proyección, dado que la sombra de los visitantes se proyecta sobre la sucesión de imágenes, cambiando permanentemente. Imposible no caer en la tentación de la selfie y en hacer varias tomas con los diferentes fondos.

La creatividad de Bernaudo, probada ya en escenarios complejísimos, encuentra en los límites de la sala un continente de precisión y de belleza que se completa, una vez más, con un arte sonoro que acompaña la escena y le da un marco estético vigoroso.

El punto más alto de la exposición se encuentra en la sala lateral. Son cuatro obras de la serie Sinapsis, dispuestas simétricamente en un espacio totalmente oscurecido, con pisos y techos negros. Las piezas están iluminadas por una lámpara especial, utilizadas generalmente en la realización de videos y fotografía, que tiene como características principales una gran potencia de salida de luz y, además, una gran precisión en el recorte del alcance del efecto lumínico. Proyectadas individualmente en el ambiente oscuro, las obras adquieren una potencia inusual que incluso engañan al ojo del espectador, que no sabe si se trata de una caja de luz o de una proyección. Una música repetitiva, calma y mántrica completa la propuesta sinestésica generando una atmósfera atrapante y hospitalaria, de la que el espectador no querrá salir.

El recorrido circular de la muestra se completa con 28 colores, una descomposición de la paleta de Fried en pequeños lienzos de 30 centímetros de lado, dispuestos sobre la pared de la sala.

La curaduría de María Carolina Baulo es precisa y se expresa en su punto justo tanto en el texto de sala como en su intervención directa sobre la muestra. No cae en la sobre referencialidad y trabaja con las obras, los materiales y el espacio para cumplir con el propósito conceptual de un modo coherente con el planteo integral de Sinestesia Aguda, es decir, combinando sentidos para aumentar la experiencia visual y participativa del espectador.

La muestra de Fried y Bernaudo cierra el año para el Museo Nacional de Arte Decorativo con un saldo positivo en relación con su planteo de sumar contemporaneidad a su reconocida colección.

Sinestesia Aguda – Andrea Fried – Nicolás Bernaudo

Lugar: MNAD, Av. del Libertador 1902 Horario: martes a domingo e 13 a 19 Fecha: hasta el 27 de febrero Entrada: gratuita