Categoría: Escultura

Fuente: ámbito – “La materia infinita” es el nombre de la exposición consagrada a la obra
del artista nacido en Suiza, y que se radicó en la Argentina durante la guerra.

“La materia infinita” se exhibe en el Museo de Arte Tigre (MAT), donde es imprescindible llegar para no perderse la muestra homenaje a Pablo Edelstein. Con la curaduría de Laura Casanovas y Gabriela Vicente Irrázabal se ha organizado una selección dividida en núcleos temáticos y técnicas en las que se puede apreciar el oficio de escultor y su calidad como ceramista.

Graciela Arbolave, directora general y artística del MAT recuerda en su texto introductorio las visitas a su taller de la mano de su padre, situada en una casona donde estaba también el atelier de Emilio Pettoruti, el de Juana Heras Velasco, donde además se congregaban maestros y alumnos de la Escuela Libre de Artes Plásticas “Altamira”. También recuerda la profunda amistad entre Edelstein y Lucio Fontana con quien mantuvo una extensa correspondencia a lo largo de su vida así como con Santiago Cogorno. Cuatro salas están dedicadas a esta muestra antológica que incluye más de 70 obras entre esculturas, dibujos, pinturas en tinta, lápiz, pastel y acuarela.

Nacido en Suiza en 1917 y fallecido en Buenos Aires en 2010, Edelstein cursó estudios secundarios en Viena y su madre lo llevaba a visitar los principales museos. Estudió agronomía y ya establecido en Buenos Aires a partir de 1944 se dedicó a tareas agropecuarias sin dejar de estudiar pintura y dibujo. Sus maestros fueron Jorge Larco, Raúl Soldi, Jorge Romero Brest, Laerte Baldini.

Fue también un gran deportista, hizo cumbre en el Fitz Roy, de allí su conocimiento de la musculatura cuando modelaba las figuras humanas en movimiento.

Pero no solamente la figura humana sino la tauromaquia, entre ellos, Toro engranaje”, “Toro misionero” con recursos muy variados, contundentes, ya sea en relieves, pintados, en chapas, formas fragmentadas con toda la fuerza emblemática que se le atribuye desde que era considerado como un símbolo del cielo y del padre, flores, paisajes, bustos, osados y eróticos desnudos, cabezas, bodegones, la geometría y la abstracción ya que Edelstein abarcaba todas las disciplinas.

Reacio a megaexposiciones, una de las razones de su amor por la cerámica era que “esta tiene la modestia de emocionar con sencillez, la cerámica cuenta al hombre lo sagrado, lo cotidiano, lo comercial. Las ánforas no sólo transportaron el aceite, los cereales, cuentan historias”.

Amaba modelar figuras en cerámica, su tipo preferido era el chamotte, arcilla calcinada, triturada o molde. Son notables sus cabezas o bustos de sus contemporáneos, escritores, escultores, críticos , pintores, generalmente sin esmaltar porque buscaba la cualidad táctil y visual de la terracota. En una de las salas están las cabezas de Romero Brest, Luis Seoane; una obra de 1987, Jorge Luis Borges dialogando con Baruch de Spinoza, el famoso filósofo judío nacido en Amsterdam en 1632 por quien Borges sentía admiración, Berni, Líbero Badii con su clásica boina.

Hay testimonios como el de Lydia Zubizarreta que fue su alumna durante más de 10 años “aprendí el sentido del arte con él”, contagiaba su entusiasmo y recuerda que solía decir “que el momento del disfrute era el hacer”, así como explicaba movimientos como Dada, el Pop porque “las reglas están para romperlas”.

Lo recordamos por su mirada diáfana, su cultura, su gran sensibilidad su caballerosidad y su interés por lo trascendente.

Como legado no buscó el éxito personal, ni la fama, ni los premios a pesar de haber logrado muchos en vida, entre ellos, el Konex en 1992. Fue uno de los impulsores para que la disciplina cerámica fuera incorporada a partir de 1976 en el Salón Nacional de Artes Visuales.

Recordamos otra faceta de Pablo Edelstein en ocasión de una muestra en el Centro Cultural Recoleta en 2007 , curaduría de Raúl Santana. Inspirado en la cinta de Moebius realizó en chapa, bronce y acero inoxidable formas ondulantes, ingrávidas y entre ellas, destacamos “La flor de la amistad” y “Tréboles de la suerte”, esta última emplazada en la explanada que da al río.

Sus obras pueden verse en el Museo Fader (Mendoza), en el patio de la Fundación Favaloro, hay un mural de microcerámicos en el edificio de José Hernández y Arribeños.

Con motivo de esta muestra se ha publicado un excelente libro bilingüe , castellano-inglés, textos de María Paula Zacharías, Laura Casanovas y Gabriela Vicente Irrázabal profusamente ilustrado con fotografías de Alberto Natán, Jesús Giraud y Alexis Edelstein, 328 páginas, India Ediciones.

(MAT. Paseo Victorica 972, Tigre. Miércoles a viernes de 13 a 18. Sábados, domingos y feriados de 12 a 18. Clausura el 17 de marzo de 2024).

Fuente: Para Tí – Es monumental, como su estadio vecino. Extraordinaria y encendida, con el sello de la artista Nicola Costantino. ¡Esto es Arbórea Magna! Un nuevo símbolo arquitectónico y de diseño de la Ciudad de Buenos Aires.

En el Parque de Innovación de la Ciudad de Buenos Aires acaba de inaugurarse -¡alzarse!- una nueva escultura de escala monumental llamada “Arbórea Magna”.

Nacida para ser nuevo símbolo de diseño y arquitectura de la capital argentina, la mega obra e instalación artística creada por la artista rosarina Nicola Costantino en el flamante Parque de la Innovación es una obra de arte público que se puede visitar de manera libre y gratuita.  

7 datos clave sobre Arbórea Magna de Nicola Constantino en el Parque de la Innovación

1.Arbórea Magna: todos los árboles, el árbol. Es un homenaje a todos los árboles, tiene un mensaje ambiental y promueve la conexión entre la naturaleza y la impronta tecnológica del entorno.

La escultura mide 34 metros de alto, tiene 754 focos lumínicos y más de 17.000 piezas de cerámica. Es una invitación a reflexionar sobre la naturaleza, los avances tecnológicos y el vínculo con el ambiente.

2.La creadora de Arbórea Magna: Nicola Constantino. Nicola Costantino creó el árbol-robot que hoy luce y brilla frente al estadio Monumental de River, una vez que su proyecto ganó un concurso para diseñar un monumento que identifique al recién inaugurado Parque de la Innovación, en Núñez.

Nicola Constantino representó al país en la Bienal de Venecia en 2013, y en este proyecto tuvo como misión generar un símbolo para el polo tecnológico de 16 hectáreas para que tuviera un efecto e impacto similar al de la Floralis Genérica, en la plaza Naciones Unidas.

3.Arbórea Magna: el árbol-robot de Nicola Constantino

La majestuosa Arbórea Magna no cambia de apariencia ni de color según la estación del año sino que modifica su apariencia a través de un sistema de 754 luces led de última generación y activadas por energía solar.

El tronco del árbol-robot está construido con 16 tubos de hierro galvanizado, desde el piso hasta los 34 metros de altura.

4.Así se construyó. El conjunto escultórico Arbórea Magna demandó más de un año de trabajo a Nicola Costantino que se propuso hacer “un monumento público atractivo, misterioso e interesante”, en sus propias palabras. Creó una obra de carácter tecnológico con espíritu milenario. Misión cumplida.

5.La corteza de Arbórea Magna. En la obra de Nicola Costantino se distingue un revestimiento muy singular creado por la propia artista realizado con la cerámica Nerikomi, una técnica ancestral japonesa.

A partir de barros coloreados y cortados en  láminas, se generan diseños en forma de patrones naturales que simulan las flores y la corteza del árbol, y que son posibles de repetir.

Creados en gres y cocidos a altas temperaturas, los mosaicos con diseños de la flora autóctona, hasta pueden ser transitables. Para confeccionar estas piezas de cerámica que recubren la base y parte del tronco del árbol, la artista trabajó en su taller junto a alumnos de Escuela de Cerámica N°1 de la Ciudad de Buenos Aires.

6.¿Dónde está Arbórea Magna?

La escultura Arbórea Magna de Nicola Costantino está en la intersección de las avenidas Figueroa Alcorta y Udaondo. Luce alta en el cielo del Parque de la Innovación, ubicado donde durante años funcionó la sede del Tiro Federal.

7.Arbórea Magna iluminada. Podés visitar y conocer Arbórea Magna tanto de día como de noche, y la visión nocturna cambia por completo. La obra de Nicola Constantino está iluminada desde las 19 hasta las 22 horas (y es una experiencia única).

También se realizan visitas guiadas todos los sábados a las 17, sin inscripción previa, solo con presentarse 15 minutos antes en la base del monumento.

Fuente: ámbito – El cuadro pertenecía a Emily Fisher Landau la extravagante coleccionista propietaria de obras que hoy valen millones.

El reconocido cuadro de Pablo Picasso que pintó en 1932, «La mujer con reloj«, fue subastado este miércoles por noche por Sotheby’s en Nueva York. El precio fue de 139,3 millones de dólares, el segundo más alto alcanzado por este artista, que falleció hace 50 años, y el más alto del año, superando los remates de arte de este 2023 en todo el mundo.

Esta obra que representa a una de las amantes y musas del artista nacido en Málaga, la pintora francesa Marie-Thérèse Walter, había sido estimada en más de 120 millones de dólares, según la casa de subastas.

El cuadro perteneció a la neoyorquina Emily Fisher Landau, que falleció a los 102 años, y cuya colección de obras de Jasper Johns, Willem de Kooning, Mark Rothko y Andy Warhol también se subastó el miércoles y continuará este jueves en la sede de Sotheby’s en Manhattan.

De esta manera, la casa propiedad del multimillonario franco-israelí Patrick Drahi, espera vender sólo la colección de Landau por más de 400 millones de dólares.

La obra más cara jamás vendida

El récord histórico de Picasso es «Las mujeres de Argel (Versión O)», con 179,4 millones de dólares. Este óleo sobre lienzo pintado en 1955 es la obra moderna más cara jamás vendida en una subasta.

Hasta ese momento también era la subasta más cara de la historia, pero fue superada en noviembre de 2017 por «Salvator Mundi«, de Leonardo da Vinci, vendido en 450 millones de dólares, el récord mundial actual en el mercado del arte.

La venta de «La mujer con reloj» en 139,3 millones de dólares entró al top ten de las obras más caras de la historia vendidas en subastas, y desplazó a la célebre pintura de Edvard Munch, El grito (1895), y a La montaña Sainte-Victoire (1888-1890), de Paul Cezanne, quedandose con el puesto nueve.

Fuente: La Nación – Ayer se presentó en el nuevo espacio urbano de Núñez la obra de la artista que ganó el concurso de ideas; es un enorme árbol de 34 metros de altura que se ilumina de noche

En el día de su cumpleaños, Nicola Costantino inauguró una escultura monumental en el nuevo Parque de la Innovación, ubicado en avenida Figueroa Alcorta y Udaondo. “Ahora, en frente de la cancha de River hay una obra de arte de su misma altura”, dijo en la presentación la artista. “Los argentinos somos fuertes en futbol, pero a nivel cultural también somos potencia”. La escultura, llamada Arbórea Magna, constituye un homenaje a todos los árboles del universo y posibilita una reflexión sobre la interacción entre la tecnología y la naturaleza.

Ubicado en el barrio de Nuñez, el Parque de la Innovación es un nuevo predio de 12 hectáreas que promueve la colaboración entre emprendedores, estudiantes e investigadores. Fue creado en 2016 pero terminó de construirse ayer. El Parque cuenta con 120.000 m2 destinados a Innovación (mitad de inversión pública y mitad privada). De ese espacio público, un 30% son espacios verdes y plazas, en las que ahora se erige el árbol robótico de Costantino a 34 metros de altura. Es una estructura portante de hierro galvanizado, realizado con la cerámica Nerikomi, una técnica ancestral japonesa. Las piezas de cerámica, trabajadas previamente en el taller de la artista, cobijan parte del suelo, en forma de flores, y el tronco en forma de patrones naturales que simulan la corteza del árbol.

“Un árbol artificial no pretende reemplazar la belleza natural porque el arte tiene una intención, un concepto, una búsqueda que la naturaleza no tiene. Hacer una obra de arte público es como obtener un master. Siempre soñé con esto, porque creo que la obra de arte público es para la gente. Muchos no cruzan la barrera del museo para enfrentarse a las obras de arte. Por eso estas piezas son quizás el único contacto que mucha gente tiene con el arte. Lo peor que puede pasar con un monumento es generar indiferencia. Siempre pensé que lo más importante de un monumento es que tuviera una conexión y creo que en este momento el árbol es el máximo exponente del universo vegetal. Merece un monumento. Es un árbol artefacto, tecnológico, robótico, sólido, metálico, preparado para espectáculos lumínicos. Quiero homenajear al barro, a la tierra y a los barros coloreados y al fuego que quema los barros. Este árbol está plantado en lo ancestral de la cerámica, que hacemos desde el neolítico”.

Arbórea Magna es el resultado de un concurso realizado en 2022, en el que la obra de la artista plástica obtuvo el primer premio. La convocatoria estaba dirigida a artistas visuales que quisieran postular ideas para la creación de una obra de arte público e inédita concebida especialmente para el Parque de Innovación.

“Hay que estar alineados con lo importante: generar consciencia con la naturaleza”, dijo Costantino en diálogo con LA NACION. “Hace un tiempo había mucho temor de la inteligencia artificial. Yo creo los avances tecnológicos son buenos si estás bien aplicados”.

La escultura devuelve la apariencia formal de un árbol, pero no pretende ser un registro documental de una especie en particular sino que busca venerar el amplio repertorio del universo vegetal. La segunda parte del título, Magna, refiere a la dimensión monumental de la escultura, que supera considerablemente la escala humana y permite que sea reconocida a distancia.

“Fue una locura”, reconoció la artista al recordar todas las actividades de su año. “En marzo inauguré PaRDeS: el jardín del tiempo suspendidoen la Fundación Santander, donde expuse 2000 flores. Fue muy intenso. También hice la obra Artista Ex Machina en el Centro de Experimentación del Colón”.

Arbórea Magna se destaca por un sistema de iluminación, desarrollado ad hoc por la arquitecta y especialista en diseño de iluminación Eli Sirlin. El tronco se expande en terminaciones de ramas con más de 700 hojas lumínicas, cambiantes y lúdicas, que potencian la presencia de la obra tanto de día como de noche.

Para agendar

El Parque de la Innovación queda en Núñez, en Figueroa Alcorta y Udaondo. La obra de arte público permite una circulación peatonal las 24h del día. Es posible ver Arbórea Magna iluminada todos los días al anochecer. Las luces permanecen encendidas durante toda la noche: en verano, alrededor de las 19.30 y en invierno, cerca de las 18.30.

Fuente: La Nación – La escultura de Miguel Ángel fue clonada con tecnología 3D y se emplazará en Resistencia, la ciudad de las esculturas; mientras tanto, el arte contemporáneo tuvo su feria

RESISTENCIA. – Cuando se visita la capital de Chaco hay que andar atento: sin perder de vista que en cada cuadra hay una escultura (Lucio Fontana en la esquina del banco, Líbero Badíi en la peatonal, más allá, Gyula Kosice o Pablo Curatela Manes), además de esquivar motos que trasladan familias enteras. Acá, una feria de arte como la que ocurrió este fin de semana tiene características únicas: un horario que respeta religiosamente la siesta, un calor todavía suave y un público entendido, que quiere saber cómo se hacen las obras, porque desde 1988 asiste, pregunta y vota en uno de los concursos de escultura más importante del mundo: la Bienal Internacional de Escultura.

El próximo encuentro en esta ciudad ocurrirá del 13 al 21 de julio de 2024, en la XIII Bienal de Escultura, y los sondeos indican que se multiplicó la intención de visitarla, gracias a un invitado especial: el David de Miguel Ángel, una copia fiel del que se conserva en el Museo de Calcos De la Cárcova que fue replicado con un gemelo digital logrado con un escaneo de alta precisión, la misma forma en que se copió el cuerpo de una activista trans para hacer la escultura de Remedios del Valle que fue prendida fuego en Buenos Aires. La diferencia con aquella obra es que la impresión con tecnología 3D de ese modelo fue aplicada para hacer los taseles de un molde. Luego, se dio forma a la escultura con el vaciado de un material de altísima resistencia, que permitirá emplazarlo al aire libre y soportar hasta mil grados sin entrar en combustión (claro que en Resistencia no se estila incinerar el arte público).

Ya está listo el coloso que será el gran atractivo de la ciudad, pero por ahora duerme el sueño de los justos en el galpón del Departamento de Mantenimiento, Restauración y Emplazamiento de Esculturas, que vela por las 650 esculturas que dejó la Bienal y que están instaladas en el espacio público. El gigante de cinco metros de alto está tumbado porque no entra erguido bajo techo y no llegaron los fondos del Estado para construir el basamento y el pedestal en la entrada del Domo del Centenario, el parque de diez hectáreas que es centro de la fiesta cultural y popular a la vez. El 8 de septiembre pasado, justo el día que debía estar de pie, se abrieron las puertas del taller para que el público pudiese verlo por primera vez. “Tenemos donación de todos los materiales por parte de privados, falta la ejecución de la obra por parte del Municipio”, dice Josese Eidman, presidente de la Fundación Urunday, que organiza la Bienal.

La feria A362 es otro esfuerzo macomunado. En el Club Social, reunió 34 galerías y proyectos de Resistencia y otras ciudades de Chaco, Corrientes, Formosa, Misiones, Santa Fe y Buenos Aires, con recorridas matinales por museos y almuerzos sin sobremesa eterna, porque en el medio todo el mundo duerme. También maravillan los lapachos en flor, la costumbre de saludar con dos besos y que ni una escultura sea vandalizada, ni siquiera los bronces en cajas de cristal. Las obras que se vieron nacer, son patrimonio de todos. La ciudad de las esculturas hace lugar con esta feria a los artistas de otras disciplinas.

“Queremos mostrar que el artista puede vivir del arte, aún en un escenario tan complejo como el que atravesamos. Lo que vivimos en la feria estos días nos da mucha fuerza”, dice Alejandra Meana, organizadora junto con Carlos Nicolini, Marilyn Cristofani, con la curaduría de Daniel Fischer. Gestores de la cultura que pensaron que era necesario que existiese una feria de arte y la organizaron en tres meses, pese a que tuvieron que cambiar el nombre (en su primera edición era 3500, como el código postal, pero alguien registró la marca; ahora es la característica telefónica).

La identidad se mantiene, en una feria que hace lugar para el arte contemporáneo más emergente y los grandes maestros locales: desde Lautaro González, un escultor prodigio de 15 años, a un maestro como Rodolfo Schenone, de 87 años. Se reconoce al arte aborigen en la misma categoría, con creaciones de escultoras como Élida Salteño. Fabiana Larrea tejió una intervención en el señorial edificio donde antes se hacían los bailes de presentación en sociedad. Y no faltaron los referentes regionales de distintas generaciones, como Milo Lockett, Sergio Falcón, Anísima, Gustavo Mendoza, Diego Gon, Germán Toloza, Marcelo Totis, Cinthia Chred, Richar De itatí, Andrés Bancalari, Juan Pablo Arias, Silvia Kumm, Horacio Silvestri, Alberto Ybarra, Yurú Chupita y muchos otros.

Hubo ventas, sobre todo obra pequeña para el Día de la Madre (Totis vendió más de veinte), y se repartieron los Premios In Situ, de los coleccionistas Abel Guaglianone y Joaquín Rodríguez, a la galería local Chorizo y al artista Leo Guardianelli, por sus dibujos con estilográfo sobre madera. También hubo premios adquisición: Premio QUBO para una obra textil de Gustavo Mendoza; Premio Bolsa de Comercio del Chaco para la Galería Tenerani por la obra del artista Rodolfo Schenone, y Premio Estímulo The White Lodge para el proyecto Entre Vidas, de las artistas paraguayas Ingrid Seall y Noelia Buttice y para Diego Gon del Chaco. “Esta feria tiene que existir”, dice Carmen Tenerani, la única galerista chaqueña con veinte años de trayectoria, que ya no está sola en esta lucha para instalar el arte contemporáneo.

En el auditorio hubo producción de pensamiento, con conversaciones entre artistas, académicos como Marta Penhos, líderes aborígenes como Juan Namuncurá y Griselda Morales, gestores como Gabriel Romero (Instituto de Cultura de Corrientes) y Silvia Tissenbaun (directora de Colón Fábrica): pensar, crear, regar una escena del arte… es una artesanía que se hace amorosamente.

Esta es para todos “la feria de Marilyn”. Nada de toda esta usina cultural existiría sin la decisión de quienes la hacen, con aportes más privados que públicos, y una figura central: Marilyn Cristófani, institución en sí misma, secretaria de cultura por doce años, fundadora de cantidad de museos y centros culturales, creadora de la primera ley de Mecenazgo, motor imparable y, ahora, doctora honoris causa de la UNNE. “Los artistas ya empiezan a tomar consciencia y prepararse para la feria, y van hacia la profesionalización en el arte. Abre un panorama a los chicos jóvenes. En todos los órdenes, apareció gente a darnos una mano, de todos los partidos políticos, porque ven que hacemos un trabajo sincero, para ser un poquito mejores todos juntos”, dice Cristófani.

David y Goliat

Para Fabriciano Gómez, el creador de la revolución cultural que significa la Bienal de Escultura, era un sueño tener una obra de Miguel Ángel en el concierto de los grandes escultores modernos y contemporáneos que están representados en la ciudad. “Hay un romance entre las esculturas y la gente del que nos sentimos muy orgullosos”, dice Eidman.

Es una epopeya colectiva, en la que colaboró muchísima gente. Sumar el David a este museo a cielo abierto es fruto de la unión de las voluntades entre Fundación Urunday, universidades, gobiernos, artistas, académicos, arquitectos, ingenieros y el aporte de los mecenas privados.

Por ahí nomás, bajo tierra, yace otro gigante: la estatua del indio de Crisanto, repudiada en su tiempo por el escándalo de sus grandes atributos. Pero esa es otra historia. La noticia es que el David pudo replicarse con una tecnología de avanzada, que pronto se usará para llevar a escala de la vía pública una de las figuras entrañables del escultor Juan De Dios Mena, una especie de Molina Campos tallador muy querido en Resistencia.

“Cuando el ciudadano esté de cara al David va a estar parado frente al tiempo”, escribió la especialista en arte público María del Carmen Magaz, que dice que ese es el arte más democrático de todos. El David pronto estará de pie, como un faro de lo que la cultura es en esta ciudad: el capricho de muchos davides, como Fabriciano y Marilyn, que deciden vencer a un Goliat de ignorancia en una de las provincias más pobres y más amantes del arte del país.

Fuente: El Litoral – Organizado por la Municipalidad, se realiza del 3 al 8 de octubre en la avenida costanera y Pellegrini. Se trata del IV Encuentro de Escultores y el primero con presencia internacional, cuyos artistas trabajan sus obras con madera, mármol y cemento. De 9 a 20, tanto vecinos como turistas pueden apreciar el proceso creativo de los participantes. 

Del 3 al 8 de octubre, en la ciudad de Corrientes se desarrolla el I Encuentro Internacional de Escultores, organizado por la Municipalidad, a través de la Secretaría de Cultura y Educación. Los artistas plasman en sus obras realizadas en mármol, cemento y madera un homenaje a los trabajadores públicos correntinos. Durante estos días, de 9 a 20, quienes transiten por la avenida costanera General San Martín y Pellegrini podrán apreciar el proceso de creación de los escultores, a la vista de todos. 

El secretario de Cultura y Educación municipal, José Sand, señaló que en esta edición “se busca reconocer a trabajadores municipales con obras escultóricas que los representarán por el compromiso y vocación de servicio con que cada día trabajan para dar una mejor atención a cada ciudadano correntino”.

De esta manera, los artistas comenzaron con el tallado de figuras que representan al barrendero, obrero, agentes de tránsito, entre otros. 

El encuentro pretende promover valores de solidaridad, generosidad, colaboración, intercambio, comportamiento ético, profesionalismo, creatividad, sensibilidad, empatía, intervención en el entorno con respecto al mismo, participación responsable, y compromiso con la escultura y la cultura. 

“Estamos viviendo el IV Encuentro de Escultores, pero el primero a nivel internacional, dado que nos están acompañando artistas de otros países”, señaló el funcionario. 

En el marco de esta propuesta, Sand adelantó que tanto el jueves como el viernes a partir de las 17 habrá un espectáculo de “speed carving”, que consiste en el tallado rápido de madera. “Es una intervención en menos de una hora con motosierra en pedazos de troncos donde los escultores van a realizar figuras”, detalló. 

Además, adelantó que “los artistas van a realizar estos shows no convencionales para que la gente también conozca un poco más de todo lo que se puede hacer con la motosierra, como por ejemplo destapar una botella, así que es un momento para venir a disfrutar en familia, para conocer esta técnica, conocer a los escultores y poder charlar con ellos”.  

LOS PROTAGONISTAS 

Los escultores que participan son: Gissella García (Uruguay); Juan Carlos Nausneriz (Santa Fe); Sebastián Luis Novak (Chaco); Claudio y Yasimel Kucharzuck (Santa Fe); Beto Svanoti (Córdoba), Francisco Aguirre (Buenos Aires) y Daniela Almeida (Corrientes), bajo la coordinación del reconocido escultor Roberto Daniel Sotelo. 

“El objetivo es proponer otro circuito turístico dentro de Corrientes, para que la gente empiece a recorrer más y no se queden solamente con la costanera, sino que empiecen a recorrer otros lugares y se encuentren con esculturas; cada una de ellas relata lo que significa Corrientes”, remarcó el coordinador Daniel Sotelo.  

“En esta edición la temática es sobre los trabajadores públicos, anteriormente trabajamos con leyendas y el carnaval. Queremos que cada vez se incorpore más el arte escultórico y que acompañe también a lo que son los murales”, acotó el artista. 

Por su parte, Daniela Almeida contó que en este homenaje al trabajador municipal, “pensaba hacer algo más desde el símbolo que ir a una figuración más descriptiva, más naturalista”, contó en una pausa por los primeros pasos de su obra realizada bajo la técnica de cemento directo. 

“Hice dos manos con mucha síntesis, que es una mano femenina y una masculina, las manos del trabajo, como la unión del trabajo. Y arriba de las manos va a salir un pájaro de metal, que también es un poco la inspiración creativa para el trabajo”, detalló. 

Por su parte, Gisella García llegó por segunda vez desde Uruguay para participar de este encuentro de escultores. Mientras trabaja sobre mármol, destacó que “es muy lindo reencontrarme con otros colegas, además de crear algo para la ciudad, la parte cultural es muy importante y estoy muy contenta con la temática elegida”, expresó. 

Fuente: El Diario de Pilar – «El hombre que camina», de 3,50 metros de altura, fue adquirida por Pilar Golf. Hoy se exhibe en los jardines del Hotel Hilton y está valuada en 4 millones de dólares.

“EL HOMBRE QUE CAMINA”. La obra puede verse en el Hotel Hilton.Pilar a Diario.

El célebre artista colombiano Fernando Botero, conocido por sus esculturas de voluminosas figuras humanas, murió este viernes a los 91 años en su residencia del principado de Mónaco. Lee además

LiteraturaSoy Mano: Los goles más gritados Pilar RockCómo ir a los shows de Las Pelotas y Catupecu en Pilar

Nacido el 19 de abril de 1932 en la ciudad de Medellín, Botero fue el creador de la corriente artística conocida como “boterismo” caracterizada por personajes voluminosos que lo hicieron reconocido en todo el mundo, en donde buscaba resaltar “la sensualidad de las formas”.

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Son muy pocas las obras del artista que en nuestro país se pueden apreciar en forma gratuita y una de ellas está en Pilar. El galerista argentino Daniel Mamam manejó durante 11 años la obra del artista colombiano, con quien además tenía una profunda amistad.

En 2017, Mamam vendió al country Pilar Golf en 1.300.00 dólares la obra “El hombre que camina”, una imponente escultura de 3,50 metros, que hoy se exhibe en el Hotel Hilton de nuestra ciudad, en el kilómetro 60 de la autovía Pilar Pergamino, entrada al Parque Industrial. Su precio, según el galerista, ascendió a más de 4 millones de la moneda estadounidense. La escultura se encuentra en el parque, a unos metros de la pileta principal del hotel, al costado del campo de golf y muestra una figura masculina, parada sobre una mujer que se encuentra tendida, en una típica crítica social que atravesó la obra del artista.

Existen otras dos obras de Botero que pueden verse de manera gratuita. Una de las primeras que se instaló en la Argentina fue “Torso masculino desnudo”, de estilo neorrenacentista contemporáneo, realizada en bronce y emplazada sobre una base de mampostería.

La escultura está ubicada en el Parque Thays, en el barrio porteño de Recoleta, y sus dimensiones son 3,90 metros de alto por 2,49 de ancho y 1,65 de profundidad.

Inaugurada el 24 de mayo de 1994, se trata de un gran torso masculino tomado desde la zona media de las piernas hasta el cuello.

En tanto, la otra obra del prestigioso y reconocido artista colombiano en el país está ubicada en la ciudad bonaerense de Mar del Plata: allí se encuentra montada “La dama reclinada”. La ubicación exacta es el Paseo Aldrey y fue donada por el multimedios local La Capital a la Municipalidad de General Pueyrredón.

La voluptuosa mujer representada por Botero está recostada en el predio de la ex Terminal de Ómnibus de Mar del Plata y se ha convertido en uno de los nuevos atractivos turísticos de la ciudad balnearia, además del afamado Monumento al Lobo Marino.

Las tres esculturas de Fernando Botero pueden ser visitadas por el público de manera gratuita, para seguir admirando y maravillándose con el estilo particular del colombiano, quien falleció este viernes como consecuencia de una neumonía.

Fuente: Clarín – Pertenecía al escultor Alberto Heredia, que la legó al Moderno tras su muerte.Se abrió así el primer espacio de este tipo para una institución pública en el país.

“Por acá rondará el fantasma de Alberto Heredia”, afirmó el ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, Enrique Avogadro. El funcionario acababa de inaugurar la Casa Alberto Heredia. Residencia de artistas, un espacio restaurado por el Museo de Arte Moderno con fondos privados, a ocho cuadras de su sede en la avenida San Juan, donde hasta el año 2000 vivió el artista y que a su muerte la legó al museo.

El departamento en la avenida Caseros, entre Tacuarí y Piedras, formó parte del acervo que Heredia le dejó al museo cuando falleció. El lote incluía también 517 obras, su archivo, su biblioteca y obras de su colección personal. La relación entre el artista y el museo había comenzado en 1960, cuando sus obras fueron adquiridas por el Moderno y comenzaron a formar parte de las exhibiciones.

Pero fue el estrecho vínculo con la ex directora del Moderno, entre 1997 y 2013, Laura Buccellato, la que terminó de darle forma a la donación. Buccellato era amiga de Heredia, impulsó su carrera, compró sus obras y empujó a otros a también hacerlo.

En 1998 fue curadora de la retrospectiva que exhibió el museo. “Esto es un sueño cumplido para Heredia. Fue su idea donar la casa para que sirva para otros artistas”, contó Buccellato durante la inauguración del restaurado departamento.

Buccellato reconoció que el diseño moderno y funcional al trabajo de los residentes dista de la lógica de acumulación que tenía Heredia en su casa. “Pero le hubiera encantado el espíritu porque él siempre iba a muestras de jóvenes”, sostuvo. “Él no tuvo hijos y decidió que su familia fuera la del arte y sus hermanos los artistas”, agregó.

Heredia es uno de los exponentes más importantes de la escultura en Argentina. Fue contemporáneo a las prácticas que proponían ampliar los límites del arte alejándose de la belleza armónica, apelando a materiales descartables y a los gestos del horror y la violencia con un toque de ironía y humor.El escultor Alberto Heredia (1924-2000). Foto: Museo Moderno

El espíritu del departamento se mantuvo con la conservación de las molduras de las paredes, las aberturas, los pisos, los azulejos y la pileta de la cocina, así como la herrería del pasillo que la casa tenía originalmente. El mobiliario moderno, en contraste con estos elementos de época, busca generar un diálogo entre el pasado y el presente.

“Estamos aquí por el enorme gesto de Alberto Heredia y su estrecha relación con Laura Buccellato”, sostuvo la directora del museo, Victoria Noorthoorn, durante la inauguración. La curadora precisó que el legado que les dejó el artista fue el más grande que se haya hecho en materia de arte moderno.Heredia falleció en el 2000, pero el pase de la vivienda a manos del museo tardó casi dos décadas. Foto: Luciano Thieberger

Heredia falleció en el 2000, pero el pase de la vivienda a manos del museo tardó casi dos décadas. Se requirió un trabajo minucioso de la Procuración General de la Ciudad de Buenos Aires para que el museo pueda tomar posesión de la vivienda en 2022.

Una vez dentro, el estudio Azcuy tardó un año en revivirla ante la precariedad de la infraestructura y las limitaciones para trabajar en un edificio de 100 años donde llevan su vida cotidiana vecinos muy alejados del mundo artístico.Los trabajos de recuperación incluyeron la renovación del sistema eléctrico y sanitario y la incorporación de ventilación para aire acondicionado. Foto: Luciano Thieberger

“Él creyó que la vida puede expresarse a través del arte y tuvo el valor para expresarse a través del horror”, destacó Noorthoorn, así como su “búsqueda para alejar al espectador de la superficialidad”.

Los trabajos de recuperación incluyeron la renovación del sistema eléctrico y sanitario y la incorporación de ventilación para aire acondicionado. Se crearon baños donde antes no existían: se tiraron paredes para lograr espacios amplios y compartidos, como el living y comedor que servirá también para que los residentes puedan hacer presentaciones de su trabajo allí.La Casa Alberto Heredia fue pensada para alojar a dos profesionales por vez. Foto: Luciano Thieberger

La Casa Alberto Heredia fue pensada para alojar a dos profesionales por vez. Cuenta con dos habitaciones con baño privado, amplio espacio social, cocina-comedor y taller de trabajo.

En las habitaciones y en el taller Cattarossi apeló a paletas neutras, en tanto que en la gran cocina-comedor se mantuvo el verde original de los azulejos y se potenció agregando azul en los muebles y rojo en las banquetas con el propósito de lograr un lugar alegre y convocante. En el centro, una mesa para invitar al encuentro y el intercambio.Todas las instalaciones fueron restauradas. Foto: Luciano Thieberger

La segunda premisa de la diseñadora fue incorporar diseño argentino con el objetivo de que los residentes, especialmente los que provengan del extranjero, conozcan las tendencias locales.

El Museo de Arte Moderno será la primera institución pública del país en ofrecer residencias a artistas, curadores y profesionales del mundo del arte gracias al financiamiento del centro de creación contemporánea ArtHaus.

Los beneficiarios recibirán tiempo y espacio para ejecutar sus proyectos. Aunque aún resta definir cómo se seleccionarán los participantes y cuando comenzará a funcionar, se estima que para 2024 ya este en plena actividad.Enrique Avogadro junto a Victoria Noorthoorn. Foto: Luciano Thieberger

El programa de la Casa Alberto Heredia ofrecerá residencias de producción e investigación para artistas de distintas regiones del país; residencias de formación e intercambio profesional para profesionales de las artes visuales de otras regiones del país que se integrarán al trabajo diario del Museo Moderno; residencias para artistas e investigadores invitados a desarrollar un proyecto de mediación comunitaria; residencias de investigación para curadores de otras regiones del país.

A su vez, la Casa Alberto Heredia alojará un programa de intercambio con organizaciones internacionales interesadas en impulsar el diálogo intercultural, que incluirá la visita de artistas, curadores y otros expertos del campo de las artes visuales y afines.