Fuente: Télam ~ Guillermina Zabala -que nació en La Plata, pero reside en Estados Unidos desde 1990- recibió el premio mayor en su categoría, que incluye una beca de 10.000 dólares, gracias a un proyecto que explora la intersección entre el arte y el activismo.
La artista argentina Guillermina Zabala fue reconocida con el premio Rick Liberto a las Artes Visuales en Luminaria, el evento anual de artes multidiscilplinarias más importante de San Antonio, Texas, en Estados Unidos.
En un comunicado, se precisó que la cineasta -que nació en La Plata, pero reside en Estados Unidos desde 1990- recibió el premio mayor en su categoría, que incluye una beca de 10.000 dólares, gracias a un proyecto que explora la intersección entre el arte y el activismo.
“Gracias a este premio podré embarcarme en la producción del documental Artivists, sobre un grupo de artistas latinos en el sur de Texas, y sus conexiones estéticas y de convicciones sociales con el movimiento chicano y de arte político de América Latina”Guillermina Zabala
Graduada del Bachillerato de Bellas Artes de la Plata y licenciada en Cine del Columbia College Hollywood, Zabala es una docente y artista multidisciplinaria cuyo arte examina la intersección entre el individuo y su entorno sociopolítico y cultural.
Sus obras han sido expuestas en museos y galerías de arte en Los Ángeles, Nueva York, Texas, Miami y San Francisco, e internacionalmente en Alemania, América Latina y España.
La artista fue oradora invitada en el evento “Language Is a Virus” (Museo McNay, San Antonio), mientras su exhibición de video I, Me, Light se proyectaba en las instalaciones del museo.
Además, fue la primera ganadora del Bishwanath and Sandhya Sinha Memorial Fellowship in Media Studies otorgado por The New School (Nueva York), donde ella ha estado explorando los temas de medios, migración y creatividad.
Fuente: Automundo ~ En el marco del Gran Premio de Mónaco de Fórmula 1, que se disputa este fin de semana en el callejero de Montecarlo, Alpine y el artista plástico argentino Felipe Pantone presentaron el resultado de una nueva colaboración en la que el Alpine A110, fue utilizado como lienzo.
Antes de abordar este proyecto, Felipe pasó largas horas estudiando la marca, su historia y, por supuesto, conduciendo un A110 para sentir la personalidad única del coupé deportivo francés.
El resultado es una interpretación moderna, dinámica y elegante del deportivo. Las líneas gráficas siguen su forma y dan una impresión de velocidad incluso cuando el automóvil está parado. También cuenta con sus colores característicos, el blanco y el negro.
El trabajo de pintura en la carrocería, realizado íntegramente a mano por el artista, representa varias semanas de trabajo. Felipe Pantone le puso su impronta a tres A110 que serán puestos a la venta. Cada uno de ellos contará con sutiles variaciones gráficas para convertirlos en una pieza única.
“Mi idea con respecto al trabajo en el A110 es evocar una sensación de ultradinamismo. La velocidad visual es algo que he estado investigando durante años y que siento que realmente se combina en este automóvil, enfatizando su diseño brillante con un aspecto tecnológico rápido”, afirmó Pantone, que nació en Buenos Aires y se crió en el sur de España.
Los Alpine A110 intervenidos por Felipe Pantone se basan en un A110S, la versión más potente de la gama que desarrolla 292 caballos de fuerza.
Aprobadas para la circulación por carretera, estas obras de arte únicas están dirigidas más a los coleccionistas y amantes de los objetos bellos que a los aficionados a las pistas.
Cada uno de los tres A110 estará a la venta a un precio de 125.000 euros impuestos incluidos.
Fuente: Grupo La Provincia ~ El artista plástico y docente Lido Iacopetti, nacido en San Nicolás y radicado en La Plata, fue declarado Ciudadano Ilustre de la provincia de Buenos Aires, informaron hoy fuentes legislativas.
La iniciativa partió del diputado provincial por Cambio Federal, Guillermo Bardón, quien argumentó que “este reconocimiento para Lido Iacopetti no solo apunta a valorar la obra artística, sino que busca reivindicar a un autor revolucionario que logró que el arte y la cultura llegue al pueblo, única manera de que se transforme en herramienta liberadora”.
“Lido es uno de los abanderados de esta idea y esta distinción es un aporte más para que su obra trascienda y su arte continúe llegando al pueblo. Distinguir a Lido es potenciar la cultura y el lugar destacado que artistas como él deben tener en la sociedad”, indicó.
Nacido en 1936 en San Nicolás de los Arroyos, provincia de Buenos Aires, Iacopetti estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata con maestros como Héctor Cartier, Martínez Solimán y Ángel Osvaldo Nessi.
En 1966 se graduó en el profesorado de Historia de las Artes Plásticas, ejerciendo la docencia y la actividad plástica desde comienzos de la década del setenta.
A principios de los 70. Iacopetti exponía sus obras en comercios, escuelas, bares o cualquier espacio de la vía pública porque su objetivo era que su obra llegara al ciudadano común y que no quedase encerrada en un público selecto.
Además, tiene un fuerte compromiso social plasmado en la donación de cuadros y en la realización de almanaques con obras de su autoría que, desde hace más de 30 años, viene confeccionando con el fin de comercializarlos para recaudar fondos para la Casa Cuna de La Plata.
Su obra fue declarada de interés provincial por la Honorable Cámara de Diputados bonaerense en el año 2000, y en 2015 fue nombrado “Pintor Popular de la Ciudad de La Plata” por el Concejo Deliberante.
En 2018, el Colegio Nacional de La Plata inauguró el espacio de Arte que lleva su nombre, en homenaje a su trayectoria artística y a su desempeño como docente de esa institución.
Fue allí donde contribuyó a la enseñanza de más de 10.000 alumnos.
«Siempre impartí la cultura del trabajo, la creatividad, el amor, la solidaridad. Siempre fui un compañero de mis alumnos. Todas las clases intenté que se fueran con algún concepto, con alguna experiencia para la vida y yo aprendía con ellos”, dijo en aquella ocasión.
Fuente: La Nación ~ Ya no son meses sino semanas las que le restan a Sergio Kun Agüero en su relación contractual con el Manchester City. En breve, el delantero argentino y su novia, Sofía Calzetti, deberán buscar un nuevo hogar en otra ciudad, aunque eso dependerá del club con el que el futbolista decida empezar una nueva historia.
Con algunas versiones más fuertes que indican que el Kun sería transferido al Barcelona, todavía no hay certeza sobre su futuro futbolístico, aunque el jugador y su novia no se privan de acumular nuevos objetos para decorar su hogar.
El Kun Agüero y su novia Sofía Calzetti en su casa de ManchesterInstagram @soficalzetti
Así lo publicó en su Instagram Sofía, donde cuenta con 474 mil seguidores, al compartir una story en la que expuso las nuevas obras de arte que decorarán los ambientes de su residencia. De acuerdo con lo expuesto por la modelo, tanto ella como Agüero le encargaron una serie de retratos suyos a un artista contemporáneo argentino de renombre.
Los cuadros que el Kun y su novia le encargaron a Fabián PérezInstagram @soficalzetti
“Gracias por tu arte, ¡es una maravilla!”, elogió Calzetti a Fabián Pérez, el autor de tres cuadros basados en fotos de la pareja: una de ellas, del Kun con su mamá; y otras dos de Sofía y del deportista por separado.
Pérez tiene una destacada trayectoria y parece ser un artista que los deportistas suelen elegir. Así lo expone en su cuenta de Instagram, donde tiene fotos con personalidades y sus respectivos retratos, como Diego Armando Maradona, Rafael Nadal, Alessandro Del Piero y, ahora, el Kun.
Maradona junto al autor de su retrato, Fabián PérezInstagram @fabianperezartist.officialFabián Pérez también le hizo un retrato a Rafael NadalInstagram @fabianperezartist.official
El artista, que tiene su estudio en Los Angeles, también les dedicó obras a otras figuras del mundo del espectáculo, tales como el actor Arnold Schwarzenegger y el cantante Pitbull.
Si bien los cuadros para el Kun y Sofía los tenía listos en febrero, fue recientemente que llegaron a manos de la pareja, que los usará para decorar su casa pero en breve tendrá que embalarlos para trasladarlos a su futuro y desconocido nuevo hogar.
Fuente: La Nación ~ El artista argentino, que ya expone en Milán y próximamente lo hará en Suiza, se prepara para inaugurar una tercera muestra en Lille, Francia, que LA NACION recorrió en exclusiva
Se puede decir, sin temor a equivocarse, que este será el año de Guillermo Kuitca en Europa. Tres muestras lo tendrán como protagonista, una en París, otra en Milán y la tercera en Zurich, donde el público podrá descubrir los diferentes lenguajes de ese artista proteiforme a través de obras que, en su mayoría, nunca fueron exhibidas en el Viejo Continente. Y aunque, por el momento, Kuitca sigue en Buenos Aires, no parece demasiado preocupado: “La pandemia, es verdad, complicó las cosas. Pero no es muy grave. Los equipos responsables de las muestras fueron de una gran eficiencia y profesionalismo. Y, la verdad, puesto a elegir, yo prefiero que viajen mis obras y no yo”, le dijo con filosofía a LA NACION en una charla por FaceTime.
La primera de esas exposiciones debía inaugurarse el 15 de abril en el LaM, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de la ciudad francesa de Lille, ubicada 200 kilómetros al norte de París. Debido a los sucesivos confinamientos impuestos por el Covid, el público recién tendrá acceso a partir del 19 de mayo, fecha de apertura de todos los sitios culturales en Francia. Desde esa fecha hasta el 15 de agosto, el celebrado artista argentino desplegará más de 40 años de creación a través del conjunto de sus obras: dibujos, pinturas e instalaciones. La mayoría de ellas nunca vistas en Europa.6Ads by
Un óleo de la nueva serie de planos de casas realizados en 2020 Touzón Martín
Desde el 6 de mayo y hasta el 12 de septiembre, Kuitca estará presente en la Trienal de Milano, con un evento especial de su creación, Los Ciudadanos. A través de las obras de 28 artistas de la Fundación Cartier, el pintor argentino explora la idea de grupo, de comunidad y de trabajo colectivo.
Por fin, a partir de junio, Kuitca regresará a la galería Hauser & Wirth de Zurich con una muestra que incluirá tres series: la del El idiota de la familia, exhibida en Los Ángeles en 2019, nuevos trabajos sobre planos de casas realizados en 2020 durante el confinamiento en Buenos Aires y su obra en torno al teatro.https://43d55a913bf62f220f04f24bad13ecb4.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-38/html/container.html
Cerca de 30 años después de su presentación en Documenta IX (1992) y a 20 años de su última exposición en Francia, en la Fundación Cartier, el LaM decidió “mostrar el trabajo de una de las figuras centrales de la creación en América Latina, poco conocido por el público francés”, le dijo a LA NACION Sebastian Delot, director-conservador del museo. Decididamente didáctica, para un público que descubrirá la obra y el artista al mismo tiempo, clara, rigurosa y ordenada, Guillermo Kuitca, Dénouement, la exposición del LaM concentra la luz sobre los lazos que existen entre la obra de Kuitca y las distorsiones espaciales de Picasso, estableciendo un diálogo entre las obras calificadas de “cubistoides” del genio español a partir de 1912. “En un sentido más general, la muestra intenta dejar en evidencia la profunda relación que existe entre Kuitca y artistas que lo han marcado, como Pina Bausch o Lucio Fontana”, explica Delot.
La exposición del LaM, maravilloso escenario cultural instalado en medio de un vastísimo parque al este de Lille, consagra un importante espacio al dibujo, con unas 140 obras gráficas realizadas desde comienzos de los años 1980 a nuestros días. Todas salen directamente del atelier de Kuitca y nunca fueron presentadas al público. También presenta un libro del artista, inspirado en su experiencia en la creación de decorados de ópera.
La muestra se abre con esa selección de obras gráficas que confronta periodos diferentes, así como con varios cuadros realizados durante el confinamiento en Argentina. Desde ese primer contacto, el espectador percibe esa tendencia del artista a tratar el tiempo como si se moviera en forma circular: en muchas de ellas reaparecen perspectivas y temas que marcaban sus obras juveniles.
¿Tiene acaso algo que ver con la eterna situación argentina, que no consigue dejar de caer en la crisis? “Es verdad que hay temas que regresan sin que yo me de cuenta. Y tampoco se puede negar que, viviendo en este país, las situaciones deben obligatoriamente influenciarme. Pero no estoy seguro de que sea tan claro para mí”, analiza. En todo caso, Kuitca reconoce que la pintura es un campo de batalla. “Muchos piensan que es una actividad alejada de nuestro tiempo. Pero creo que el grado de compromiso de la mirada en una pintura es tan enorme, tan exigente, tan impactante, que me da la impresión de que la pintura es el mayor de los secretos”, precisa.
La segunda sección incluye Untitled, la instalación presentada en Documenta IX en 1992 y con la cual accedió al reconocimiento internacional. Se compone de 20 camas pequeñas en cuyos colchones Kuitca pintó mapas de carretera donde figuran, sin lógica geográfica, nombres de ciudades europeas. “Evité poner nombres de ciudades muy conocidas. Los escogí por su sonoridad y su resonancia. Y, ¿por qué camas? Porque la cama es el espacio privado por excelencia. Y la carta de carretera, el espacio público. Los dos extremos se juntaron cuando pinté esos mapas en el colchón.
-Comparando las fechas, otra interpretación es posible. ¿Acaso el hecho de dibujar planos de casas en la juventud, antes de salir al mundo, y mapas de carreteras en la madurez, para las primeras exposiciones internacionales, no es una forma límpida de expresar un cambio de percepción del mundo?
-Es posible. Soy incapaz de decirlo.
«El idiota de la familia», parte de la serie de Kuitca exhibida en Los Ángeles en 2019 Fredrik Nilsen – Courtesy the artist and Hauser & Wirth
Guillermo Kuitca no es muy explícito cuando se trata de explicar su obra. Prefiere “que la gente formule sus propias interpretaciones”. En todo caso, hay algo fascinante en esta exposición: la sensación de que se está ante una obra premonitoria. Como si desde que comenzó a pintar en los años 1970 hubiera intuido la pandemia. La ausencia absoluta de figuras humanas, las tonalidades de grises, sombrías, generalmente utilizadas por el artista, la sensación de soledad y de aislamiento que provocan muchas de sus obras son perfectas expresiones del año que acaba de vivir el planeta.
Incluso cuando utiliza el color, como en el caso de la reciente serie Maps and Theaters, estructurada en torno al diálogo entre teatro y pintura, y realizada en 2018, es difícil no pensar en la situación actual. Aplicando un poco de agua en la superficie del papel, donde están impresas representaciones de salas de ópera, Kuitca disloca las formas y desdibuja los contornos, rompiendo el rigor geométrico y el carácter impersonal de los planos. El observador, sin embargo, no puede dejar de sentir que se encuentra ante la representación de un mundo desdibujado por la pandemia, aun cuando esas obras hayan sido realizadas años antes.
De la serie «Maps and Theater», de 2018, la herradura de una planta teatral como las que Kuitca diseñó para el telón del Teatro Colón Touzón Martin
Definitivamente cautivado por la obra de Kuitca, Gregoire Prangé, el joven encargado de coordinación de la conservación del LaM, señala por el contrario el cambio experimentado por el artista en su trabajo en torno al teatro.
“A partir de 1995, Kuitca comenzó a incorporar en su trabajo planos de salas de teatro vacías. Según afirma, en los años 1980, su trabajo parecía asumir el punto de vista del espectador. En cierto modo, la obra se transformaba en la escena. Después hubo un lento giro y, años más tarde, su trabajo adoptó el punto de vista de un actor”, explica.
Esa teatralidad está muy presente en Doble Eclipse, una de las telas más espectaculares. Una escena crepuscular donde el negro está omnipresente. Decenas de mesas redondas, de colchones (otra vez…), de sillas (otra de sus obsesiones…), de micrófonos, podios y estantes componen un paisaje solo iluminado por dos círculos que evocan astros celestes.
Otra obra de Kuitca realizada durante la pandemiaTouz6n Martin
Esa obra podría ser considerada como una condensación del trabajo de Guillermo Kuitca. La exposición del LaM, por su parte, es una ambiciosa demostración de que, aun creando en una sociedad donde la política invade y divide, el artista puede tomar, como en su caso, otros caminos para la creación.
Fuente: La Nación ~ Eduardo Costantini, presidente y fundador del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) dijo que él no es el empresario más rico del país, contó que pagó el impuesto a la riqueza -pero lo hizo de acuerdo a su criterio- y contó que financia el déficit de 2 millones de dólares anuales que arroja el museo.
En Hablemos de otra cosa, por LN+, Costantini evaluó la realidad actual, atravesada por el coronavirus: “Lamentablemente, la pobreza, los subsidios y la falta de trabajo han ido en aumento. La pandemia ha aumentado la desigualdad mundial. Hay más de 100 millones de personas pobres. También se ve el privilegio de las naciones desarrolladas por la vacuna y la cantidad de recursos que el Estado tuvo para apoyar al sector privado, que entró en un coma inducido; mientras que a los países pobres nos faltan vacunas, no tenemos los recursos suficientes y ha aumentado la pobreza enormemente”.
Sobre este aspecto, consideró: “Nosotros recibimos la pandemia del exterior, pero la pobreza la creamos nosotros. Los dirigentes de la Argentina somos responsables de la situación argentina. No hay ningún otro motivo más que el desencuentro ideológico y político”. Para él, la clase dirigente se rige por una “agenda egoísta”. “Un país necesita diálogo y consenso, sino es una situación casi anárquica”.
Según él, el prejuicio en torno al empresariado es un problema endémico. “Como el país no ofrece la oportunidad de crecer y de que las distintas franjas de la población puedan desarrollarse y progresar, todos somos mal vistos: el empresariado, el sindicato y los políticos, todos tenemos mala imagen”.
Además, sostuvo que la Argentina no logra resolver el problema de la inflación porque es paternalista y populista. “Lo que más necesitamos es un presidente de transición, que en cuatro años construya alianzas y pactos”.Costantini: «La pobreza es el desencuentro ideológico y político de nuestros dirigentes»
Impuesto a la riqueza
Entonces, habló sobre su patrimonio y contó que lo tiene puesto en ladrillos, arte y dólares. Consultado sobre si pagó el impuesto a la riqueza o si presentó un amparo, contó: “Pagué el impuesto a la riqueza de acuerdo a mi criterio, que tal vez no sea el mismo criterio de la Afip, pero sí lo pagué”. Según dijo, el concepto detrás de ese gravamen le parece “adecuado”, pero consideró que debería estar acompañado con diálogo y consenso. Y añadió: “Este impuesto castiga a los depósitos en el exterior, que es injusto porque el sistema no permite tener los ahorros en el país”.
Las finanzas del Malba
En otro tramo de la entrevista, Costantini habló acerca de la financiación del Malba y el proyecto de ampliarlo unos 10 metros. “Buscamos que la mitad de ese proyecto, por lo menos, esté financiado por la sociedad pudiente”. En ese sentido, detalló que el total es de unos 10 millones de dólares, los cuales “amplían el déficit del museo porque, cuanto más grande, más pierden”.
Al analizar los números del museo, especificó: “El costo global (anual), en épocas normales, es de US$ 4.5 millones, y el déficit es la mitad, US$ 2 millones, 2 millones y pico…”. Entonces, el empresario contó que hay 2 millones que salen de las entradas y de los sponsors. “¿Y los otros 2 millones?”, preguntó el periodista y conductor Pablo Sirvén. “Eso lo vengo aportando yo, pero con alegría”, contestó entre risas.
Sin embargo, negó ser “el empresario más rico de la Argentina”. “La otra gente ayudará de otra manera, tal vez para otras causas, no se puede juzgar”, consideró Costantini. Y, al evaluar lo que sucede con los empresarios de otros países como Estados Unidos, señaló: ”Hay más tendencia a la responsabilidad social del empresario y de la sociedad en general. Para mí, es un tema cultural. Ellos le dan más peso relativo a la sociedad, a la comunidad frente a la familia. En general, nosotros pensamos que cumpliendo con la familia estamos cumpliendo con un mandato”. Es decir, apuntó Sirvén, la plata queda en casa. A lo que el empresario asintió.Eduardo Costantini: «El déficit del Museo es de 2 millones de USD, eso lo vengo aportando yo»
Costantini explicó que lo cultural no desgrava impuestos en la Argentina. Y subrayó: “Se está abriendo, pero hasta hace poco tenías la obligación de dejarle todo tu dinero a tus herederos forzosos, que es la familia”. Así, señaló que ahora uno puede elegir dónde deja el 33% de sus riquezas. “En cambio, en el exterior vos podés dejar el 100% de tu patrimonio de acuerdo a tu voluntad”.
El rol de los museos
Con la creencia de que “a los museos hay que pensarlos a 100 o 200 años”, el fundador del Malba destacó “la longevidad” de este museo, que ya lleva 20 años, lo cual es señal de su “consistencia y permanencia”.Además, el empresario recordó el contexto en el que nació este rincón de Arte Latinoamericano: 10 días después de la caída de las Torres Gemelas y cuatro meses antes del estallido de la crisis del corralito argentino. “Los museos son eso. Han atravesado guerras y grandes crisis. Están pensados para estar y quedarse”. Para montar el Malba se armó un concurso internacional y se presentaron más de 400 proyectos de 35 países, y finalmente ganaron tres arquitectos cordobeses, recordó.
Fuente: Clarín ~ «El temor y la incertidumbre dominan a una comunidad que pierde las esperanzas de vivir en paz. Las fuerzas de seguridad no pueden frenar la ola de robos y asesinatos, las marchas pidiendo seguridad se multiplican. Los gobernantes convocan a los superhéroes clásicos del comic, que tendrán la difícil tarea de patrullar las zonas calientes del conurbano y combatir a los marginales que dominan la calle». ¿Superhéroes? Esto escribía el artista Enrique Burone Risso en su presentación de una muestra. Pero lo suyo con Batman va mucho más allá,
Su mirada impone seguridad, admiración y respeto. Lo mismo ocurre con sus murales que derrochan alegrías. El Batman del Conurbano irradia carisma por todos lados. “¡Genio, ídolo!”, le gritan los vecinos al pasar desde los autos. Algunos lo saludan con bocinazos, otro levantan la mano mientras anda en bici. “¡Batman!”, exclaman los chicos cuando salen del colegio.
“Cuando me pongo el traje siento poder e impunidad. Te sentís con otra libertad, no te importa nada lo que hay alrededor”, confiesa Enrique Burone Risso mientras posa con total desparpajo con su capa azul y su máscara del mismo tono. Se trata del artista que pintó los murales de Batman. Su obra le está cambiando la cara a San Fernando y ya anda también por Acassuso y Tigre.
Cuando el arte ataca. Burone Risso, en las calles de Zona Norte, vestido de Batman. Foto Lucía Merle
Esta zona norte del Gran Buenos Aires se ha convertido en Ciudad Gótica: de repente, una veintena de murales de Batman aparecieron en las calles «para impartir justicia». La figura del popular superhéroe se impone en las paredes, portones, garages, estación de trenes, kioscos de revistas y persianas, entre otros espacios públicos. Imposible que pasen inadvertidos. Muchos dicen que el barrio recuperó la alegría.
Ningún Batman es igual al otro: hay de todos los tamaños, casi todos son en blanco y negro como los viejos comics, y le dan un toque de seguridad, mayor fuerza visual y dinamismo al casco central de San Fernando. Es más: ninguno ha sido dañado. Incluso, los vecinos se sienten orgullosos por contar con un personaje tan pintoresco, también conocido como el “Batman del Conurbano”.
“No soy muralista, soy pintor, así lo dice la crítica. En realidad soy un pintor figurativo porque pinto la ciudad: autos, edificios… cualquier espacio que veo en la calle pido permiso y luego pinto. Soy un pintor urbano”, dispara el artista.
Batman vigila. El personaje, por las paredes de San Fernando, Tigre y Acassuso. Foto Lucía Merle
Burone Risso (65 años) es artista plástico, también se define como un pintor de raza y artista urbano. Su pasión por el dibujo y la pintura viene desde chico. Trabaja sobre urbanismo, superhéroes y fútbol. Fanático del Club Atlético Tigre, vive desde siempre en San Fernando, su lugar en el mundo.
Su idea de instalar el arte en la calle para la comunidad y convertir a San Fernando en un barrio gótico comenzó en plena pandemia. “La gente lo recibe bien por una cuestión estética y también hay de fondo una ficción de protección”.
Batman es un ícono de la cultura pop. Su imagen se asocia a la justicia y a la vida urbana.
Ciudad Gótica de San Fernando
Hay diecisiete murales de Batman dispersados en cuatro cuadras a la redonda, en la zona céntrica del barrio y otros cuatro en otras localidades en la zona norte del Gran Buenos Aires. Son figuras planas realizadas en paredes, casas, garitas, portones, kioscos de diarios, poste de luz, garages y persianas. Donde encuentra un espacio, Burone Risso pide permiso y después pinta.
Las imágenes están relacionadas al comic e impactan. Batman siempre aparecen expectante, como si estuviera vigilando algo. Para ello, el artista trabaja con pintura sintética para las persianas y pintura acrílica para las paredes, la misma que se utiliza en los estadios de fútbol.
Como en Ciudad Gótica. La presencia del Batman de Burone Risso. Foto Lucía Merle
Hay una garita de seguridad intervenida en la esquina de avenida de Libertador y Maipú, donde pasan muchísimos autos. Su creador la define como la “Batigarita”. Algunos la ven y le mandan mensajes. Esa obra hizo estallar su Instagram (@enriqueburonerisso).
Otro Batman con la camiseta de Boca y River custodia una canchita de fútbol 5, sobre Constitución al 1500. Una cuadra más adelante se ve otro en colores con el escudo de Tigre, pegado a una verdulería. Y otro más aparece a la vuelta, sobre Necochea, pintado de blanco y negro, vigilando la cancha del Matador pintada por su creador. Enfrente, hay un kiosco de revistas intervenido con muchos Batman y una Gatubela gigante.
“Me ha pasado algo increíble: si bien estamos en pandemia hace un año,antes ya había empezado con estos murales y están intactos, nadie los ha tocado. Hay respeto hacia el superhéroe que imparte justicia desde la pared”, afirma Burone Risso, siguiendo el juego.
Cuidando la frutería. Una de las imágenes de Batman en Zona Norte. Foto Lucía Merle.
Es tanta la admiración que los vecinos sienten por los murales de Burone Risso que ahora le piden que incluya más personajes como Robin, Gatubela, Batichica y hasta el batimóvil.
En cambio, otros juegan a la “búsqueda del tesoro” y le envían las fotos de los Batman que van encontrando a su Instagram o por WhatsApp hasta “llenar” el álbum de los murales de Batman. También los que se fueron al exterior le mandan mensajes cuando descubren la imagen del superhéroe en la calle donde vivían.
Hay más murales en las Ciudad Gótica de San Fernando: en Perón al 1400, una de la calles más transitadas, hay dos “Batman en la noche” y otro gigante en una persiana junto a Superman volando.
Superhéroe y arte. Burone RIsso, con su personaje.
“La gente se engancha con los murales, algunos gritan ‘Batman’ y se sacan fotos. Cambió todo San Fernando”, relata Cintia, la florista que trabaja en la esquina de Perón y Chacabuco, pegado a la casa de Burone Risso. Obviamente, está custodiada por un gigantesco mural del aclamado superhéroe que vigila una pinturería.
Tal vez, su creación más impactante sea el Batman con su batimóvil que retrató en el frente del portón de una cochera, en Chacabuco entre Perón y Constitución. Es el primer batimural de todos: mide unos 6 metros de alto por 4 de largo.
Chicos y grandes paran, se sorprenden cuando observan la imagen. Algunos se bajan del auto y se sacan fotos. “Los dueños me dieron los materiales para hacer el portón. No tiene ningún rayón ni escritura a la vista. Este Batman intimida”, sentencia Burone Risso.
«La inseguridad es el reclamo constante acá, sobre todo en el Conurbano, una zona que es tierra de nadie»
Enrique Burone Risso
“Enrique vino a ofrecerse porque el portón estaba feo. Mis padres lo autorizaron”, cuenta Elena, la dueña de la casa, y agrega: “le había preguntado qué podía pasar,si lo iban a escribir. Me dijo que eso no iba a suceder y es así, nadie lo dañó. Ni siquiera se les ocurre marcarlo”.
Enfrente vive Analía, quien “custodia” el batimural y tiene el privilegio disfrutarlo todos los días. “Veo el mural y me siento en el otro lado. Es como si fuera mío. Es la primera vez que veo algo así y me satisface. Obviamente le cambia la cara al barrio. Enrique es un artista de San Fernando y ofrece su arte a todos. Es un orgullo para nosotros”.
De pronto, el “Batman del Conurbano” concentra su mirada en las cámaras y posa seriamente para las fotos. Su postura conmueve: parece que nadie lo detiene. Detrás, aparece un mural de Batman de unos seis metros de alto que ha pintado en el frente de una casa, en la calle 3 de Febrero al 1400, entre Maipú y Chacabuco.
Mano de artista. Enrique Burone Risso y sus imágenes de Batman. Foto Lucía Merle
“Me cansé que me pinten grafitis”, Agustina, la dueña de la “baticasa”. Un día, vio a su vecino haciendo murales y no dudó: le pidió que le pintara el frente de su casa y le acercó los materiales. “Lo llamé a Enrique, me pareció una gran solución y además me encanta cómo queda. Ahora veo mucha gente en bicicleta, otros miran o van caminando asombrados. También sacan fotos y selfies posando con Batman”.
Del arte a la seguridad
La idea de instalar a Batman en las calles nació en 2018, cuando Burone Risso fue invitado a hacer una exposición en el Honorable Consejo Deliberante de San Isidro (HCDSI). “Esa muestra la llamé ‘Súper Conurbano’. Ahí tomé los hechos de inseguridad. Evidentemente, es el reclamo constante acá, sobre todo en el Conurbano, una zona que es tierra de nadie”, explica.
Como la muestra había gustado, el artista decidió hacer otra exposición. Lo que había comenzado como un reclamo de seguridad en la zona fue tomando forma hasta llegar a límites insospechados.
“Entonces dije ‘bueno, voy a nombrar una tercera fuerza, una ficción con los superhéroes. Ahí aparecieron Batman, Robin, Superman, El increíble Hulk, Flash y la Mujer Maravilla. Se mezclaron los hechos reales con los de ficción: los chicos veían los superhéroes pero los grandes veían la parte fuerte de la muestra. No había filtro”, recuerda.
Burone Risso desplazó a los superhéroes en “Súper Conurbano 2” y así Batman pasó a tomar mayor protagonismo. En cambio, “Súper Conurbano 3” fue dedicada exclusivamente al popular superhéroe creado por los estadounidenses Bob Kane y Bill Finger.
Pero hubo un hecho que marcó la idea. “La obra que inicia todo es un tríptico: es el robo en el andén en la estación de trenes de Carupá. Ahí aparece Batman. Es una secuencia que está relacionada y tiene un final abierto: creo que Batman lo agarra al pibe que está robando”, explica el pintor urbano.
¿Por qué Batman?
El entrañable personaje surgido del comic en 1939 saltó a la fama en la televisión con las series protagonizadas por Adam West, en 1966. Más tarde fue interpretado por muchos actores en el cine como Michael Keaton, Val Kilmer, George Clooney, Christian Bale, Ben Affleck y Robert Pattinson en sus múltiples facetas.
“Batman representa a la seguridad, al bien. Superman y el Hombre Araña también son superhéroes urbanos pero por la oscuridad del personaje me quedé con Batman: es un ícono universal. Un coreano o un hindú ya lo entiende. Hasta los nenes de 3 años le dicen ‘Batman’ a la madre y ya lo entienden. Es impresionante”, explica el artista.
Desde su “batitaller” realizó unas 700 pinturas sobre Batman durante la pandemia, de las cuales 22 son murales. “Algunos los hice en momentos en que no se podía pintar pero en el momento del aislamiento duro no salí. La idea no era hacer guita, a mí me gusta pintar en la calle”, aclara.
Lo más asombroso es cómo se instala el mural Batman en la sociedad en reclamo de seguridad. Es decir, lo que representa una expresión artística se convierte en un pedido de seguridad o viceversa, ya que el reclamo de seguridad también se transforma en una expresión artística.
El Batman del Conurbano
Con la inseguridad en aumento, muchos creían que el Batman de las pinturas debería saltar a las calles convertido en murales y que además fuera retratado en fotos. “La gente me preguntaba por qué no aparece un Batman verdadero”.
Y así comenzó la historia para convertirse en el personaje ilustre de San Fernando: “Yani Bartoszek, quien me ayuda a pintar los murales y también es fotógrafo, me dijo ‘Vos sos Batman’. Me la dejó picando. Nunca me imaginé ser Batman, ahora Batman soy yo. Había que hacer las fotos y un look del Batman del Conurbano”.
Entonces, Burone Risso visitó a una costurera de la zona y le encargó que le hiciera la capa y la máscara. “Compré el género azul, le pedí que me hiciera las dos orejas y que se mantuvieran bien paradas. Con esos dos elementos acompañados por unos guantes rojos, un buzo celeste, un jean y zapatillas comencé a salir. ¡Es el Batman del Conurbano!”, se ríe.
Sombra justiciera. Burone Risso como Batman. Foto Lucía Merle
Así, “El Batman del Conurbano” sale a recorrer las calles pero lo hace en contadas ocasiones. “Estuve disfrazado de Batman con la camiseta de Tigre para ver las dos finales del Matador: la que le ganamos a Boca y la que perdimos contra Racing. También lo usé en algunas apariciones fugaces en la vía pública para hacer los videos”.
En la web del artista están los capítulos con Gatúbela (interpretada por la actriz Mona Melo, su otra ayudante), donde muestra sus aventuras a través del comic. Se lo puede ver en el exclusivo Palacio Sans Suci, en Victoria, charlando con los vecinos por las calles en San Fernando, adentro de un colectivo, en una pizzería, en un bar o en alguna verdulería del barrio.
Su obra más reciente es el mural de Batman de unos diez metros y en colores que acaba de pintar junto con la figura de Diego Maradona en Perú Beach, el balneario que está frente a la estación de trenes de Acassuso.
Pero hubo algunos inconvenientes: “la policía me paró 40 minutos en Acassuso por un problema jurisdiccional. Me decían que no podía pintar porque la pared pertenece al municipio pero es un territorio federal, pertenece al ferrocarril”, aclara.
Burone Risso afirma que seguirá pintando murales por todos lados. “Batman nace porque justamente los políticos no hicieron nada por la seguridad. Fue un reclamo que nunca se escuchó. Prefieren a Batman antes que un patrullero, por eso seguirá creciendo. Ya son más de tres años de trabajar en distintos lenguajes artísticos”.
Burone Risso Básico
Artista plástico.
Nació en 1956 en San Fernando, donde su abuelo fue intendente en 1917.
Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón.
Expuso en museos como el Bellas Artes y en el Malba.
También exhibió sus pinturas en Nueva York, entre otros lugares.
Desde hace 18 años trabaja para la galería Zurbarán, donde prepara una muestra en óleo en homenaje a Maradona.
Fuente: La Capital ~ Ataúlfo Pérez Aznar, destacado fotógrafo cuya obra se encuentra expuesta en el Museo MAR, ofreció una charla que se pudo seguir de manera online y en la que pidió repotenciar el rol de los museos provinciales que se encuentran radicados en el territorio bonaerense.
Desde las mismas instalaciones del Museo MAR, el artista visual apoyó las gestiones que buscan llevar adelante la producción artística y la generación de arte, más allá de la tarea de la exhibición.
“Algunos consideran que el museo es una pared para venir a colgar cosas ya hechas y no, se requiere de una producción”, defendió el veterano fotógrafo, cuyas fotos forman parte de la exposición “Tres miradas sobre Mar del Plata”, junto a las obras de Anne Marie Heinrich y Alberto Goldestein.
“Vi que durante mucho tiempo (el museo) fue una caja vacía, fue un lugar donde no se producía arte sino que se traía arte, como nos pasa a los bonaerenses, importado por curadores porteños y hay que reivindicar al museo provincial, mucha gente cree que este es un museo nacional y no, es provincial. La cultura tiene que ser un lugar de encuentro”, destacó.
Entrevistado por Andrea Germinario y con la presentación del director del Museo MAR, Daniel Besoytaourube, Pérez Aznar también se refirió en su charla a la necesidad de que el país cuente con un Instituto Nacional de la Fotografía, tal como tienen otras disciplinas como el cine, la música o el teatro.
Fuente: Clarín ~ Inquieta, femenina y pop, Fátima Pecci Carou (1984) combina rasgos de la it-girl. En apariencia. Dentro del panorama de artistas contemporáneos, adoptó la pintura para pensar el rol de las imágenes en la construcción del poder y transmisión de ideas, con herramientas académicas y un repertorio de recursos que incluye las noticias policiales, el animé japonés, la música y su propia biografía. Aunque pareciera inevitable leer su obra en clave feminista (es militante en Nosotras Proponemos y su serie más famosa retrata a las víctimas de feminicidios), dedicó su proyecto más reciente a Eva Perón, un personaje transitado, denso en contenido, lejos del feminismo histórico y agitador de grietas. Sin embargo, desde que la artista ganó el Premio en Obra en Barrio Joven (arteBA 2018), hay avidez en coleccionistas y no tan enterados por sus pinturas coloridas. A través de personajes femeninos de pose sexy, propone que la historia también es ficción. En una charla por zoom, después de visitar la muestra Banderas y banderines en el Museo Evita, hoy cerrado por las medidas sanitarias, revela cómo es que su pintura vibra.
-¿Por qué meterse con Eva Perón, un personaje con tanta carga y relecturas?
-Es verdad, vimos su imagen reproducida en cantidad de fotos y videos, pero a mí me interesó como aparecía en las banderas de las marchas, en la remera de muchas pibas y pibes, como símbolo. Y me imaginé cómo abordarlo desde la pintura, porque no hay tantos artistas que han tomado su figura. Están Daniel Santoro y aquella escultura de Sesóstris Vitullo en la universidad Di Tella, una Evita indígena. También para abrir un capítulo dentro de la pintura contemporánea que tome un icono político pero desde la pintura histórica. De eso se trató el proyecto de 2019 Las otras en los pliegues de historia, en colaboración con una politóloga, donde pinto en el espacio una especie de historieta desplegada en forma de biombo. Ahí representé a la líder aimará Bartolina Sisa, a Alfonsina Storni y otras líderes latinoamericanas. Incluí a esta Evita medio ninja. A partir del comentario informal de una trabajadora del museo, nació el proyecto pictórico.
-La serie nació en la calle y se expone en la sala como estandartes, ¿querías sacarla del museo?
-Ella misma dice “Llevarán mi nombre como bandera”. Hay un juego ahí entre la textualidad de los discursos de Evita y lo que después empieza a pasar con su imagen en las banderas de las manifestaciones, que se va sintetizando cada vez más. Como un esténcil, reproduce la información mínima (algo que pasa con Maradona también). Bueno, a mí me gustaba esa idea de abrir y expandir la imagen en lugar de sintetizarla, pensando en la historia como una ficción, un relato que aprendemos en la escuela, pero también en la universidad con otra parte de la historia. En esta ficcionalidad de la imagen de Evita entra perfecto la idea del manga, del cómic, de pensar la historia también como capítulos, con personajes, y cómo la pintura cuenta un hecho histórico que no sabemos si fue así…
Evita ninja. Ataviada con kimono y escudo peronista, Eva Perón retratada por Pecci Carou lucha contra los aviones bombarderos del 55.
-La referencia al Cosplay se puede leer como un cuestionamiento a la identidad, pero hay algo de machismo en el manga.
-Sí, el manga tiene personajes con cuerpos súper idealizados, muy exuberantes, que juegan con la idea de la sumisión de la mujer. Me interesa tomar el lenguaje pero resignificándolo o señalando ese machismo. Ahí se da la intersección con mi práctica de militante feminista. ¿Cuáles son las imágenes que consumimos desde chicas? No soy experta en sagas pero un montón de chiques se sienten interpelados y es un buen recurso para ampliar el público del mundo del arte, tan cerrado.
-Aunque Evita no es una figura identificada con el feminismo, hay un debate al respecto.
-Ella no se reconocía para nada como feminista. Tenía incluso cierto rechazo porque eran ideas extranjerizantes, algo muy de clase alta. No lo digo yo, sino las historiadoras de este campo sostienen que ella era una feminista de hecho. En sus acciones era feminista. Ella, siendo una actriz, se puso a hacer política y ahí hay algo de creatividad que sigue sumando a la idea de un personaje. Algo que me viene bárbaro para pensarlo desde la pintura y el manga.
-Y más allá del personaje, ¿qué lectura haces desde la historia?
-Estudié muchos años Historia el arte y aprendí no solo a a mirar la imagen sino a entender cómo se construyeron las imágenes, cómo han servido para la difusión de ciertas ideas. De esto el peronismo no escapa, sino al contrario, es una gran máquina productora de imágenes. Todo para mí es insumo. No pinto solo con una paleta, pinto con todo lo que miro…
-Quizás tu obra más conocida es la serie de retratos de víctimas de feminicidios; ¿cómo te resuena ahora que no han cambiado mucho sus condiciones de producción?
-Totalmente, no ha cambiado nada. Quizás sí cambió la concientización pero los números, los casos, están igual o peor. Esa obra empezó en 2014, cuando hacía clínica con Ana Gallardo, a partir de las fotos de allanamientos de prostíbulos en las noticias policiales. A través del problema de la trata llegué a los feminicidios, que en ese momento se les decía crímenes pasionales, cualquier cosa… Guardo noticias y las empiezo a pintar, al principio toda la escena, hasta que fui recortando hasta llegar al rostro. Hasta hoy sigo pintando, esta semana subí un retrato de Vicky Nievas, la chica trans que asesinaron hace poco en Tucumán. También mis pinturas van a las marchas, como cartel de protesta, para que esto se haga público y que la pintura salga del museo.
La artista junto a los retratos de víctimas de feminicidios. (Foto: Julio Juárez)
-Otra serie muy diferente, la de los interiores, muy atractiva, también nació de esas escenas de allanamientos…
-En esos prostíbulos me llama mucho la atención la decoración, en una atmósfera como los cuadros de naturalezas muertas densas con la sexualidad, cierta estética en los estampados de la ropa… Y después viene el engolosinamiento con la pintura, que los transforma en lugares aristocráticos. Después le inserto estos personajes y de pronto ya ves vibrar la pintura.
-También en la calle viviste una situación policial personal, pintando…
-En 2017 salimos seis militantes a hacer pintadas por el paro de mujeres y unos varones nos comenzaron a seguir, a insultar… Llamaron a la policía, pasamos la noche en la comisaría. Y se nos abrió una causa judicial. No fue fácil pero para mí fue como una performance de pintura, porque la causa decía “pintadas”. Es extraño cómo pintar puede ser usado para una muestra, para generar conciencia y, al mismo tiempo, estar en una causa. La pintura no es inocente.
Animé con trofeo. Obra de Fátima Pecci Carou, de Kosupure/Cosplay.
-Esa experiencia se transformó en una pieza de biodrama, con Lola Arias.
-Fue un delirio, pero a la vez una manera de procesar la angustia. Hicimos como si fuese el juicio en vivo. Fue muy extraño haberme visto en un expediente.
-¿Fue después de esta experiencia que decidiste publicar tu acta de divorcio en una exposición en la galería Selvanegra?
-Ese año fue una locura. Si bien cambié el nombre de mi exmarido por cuestiones legales, me interesaba exhibir ese documento como una pieza de mi propia vida privada, en un momento de ruptura: todo lo que el feminismo me transformó.
-¿Y que te cambió el premio de arteBA?
-Hasta el año anterior no tenía ni entradas para arteBA; no conocía a nadie. Mi galería, Piedras, me propone con las Femininjas y fue premiada. Para mí fue pasar de ser una pintora anónima a mucha exposición. Sí creo que tuvo que ver el impulso que tuvieron los feminismos ese año. Mirá, en ese momento tenía una hipoteca de divorciada y gracias a ese premio, la cancelé. La chica del banco me decía “¡pero qué rápido!” Bueno, gracias al arte pude acomodar mis cuentas y tiene que ver con la insistencia. Me paso que me trollearon también; decían que soy una acomodada, que era un varón… Cosas rarísimas. Hay mucha fantasía por lo que pasa con los artistas.
Fuente: Télam ~ Sobre el nuevo lugar que ocupará la cultura en la etapa de pospandemia, ya que a pesar de las heridas, surgen nuevas oportunidades y espacios de colaboración para repensar el futuro cultural, opinó para Télam María Frick, consultora responsable del Programa de Cultura de la UNESCO para Argentina, Uruguay y Paraguay.
Desde el inicio de la pandemia, las y los artistas fueron de los primeros en responder. En un momento en que miles de millones de personas en todo el mundo estaban físicamente separadas unas de otras, aisladas, en soledad, su arte nos hacía sentir contenidos, conectados, brindándonos consuelo, inspiración y esperanza ante la enorme ansiedad e incertidumbre.
Sin embargo, la cultura hoy está gravemente herida. La crisis sanitaria afectó a toda la cadena de valor: creación, producción, distribución y acceso; impactando severamente en la situación profesional, social y económica de los artistas y profesionales de la cultura, así como en las pequeñas y medianas empresas que carecen de los recursos necesarios para responder a una emergencia de esta magnitud.
Una herida que todavía duele: uno de cada dos trabajadores de las industrias culturales y creativas perdieron al menos el 80% de sus ingresos en América Latina, mientras que más de la mitad de las empresas vio caer sus ventas por encima del 80%, según los datos preliminares del proyecto «Evaluación del impacto del Covid 19 en las industrias culturales y creativas: una iniciativa conjunta del Mercosur, UNESCO, BID, SEGIB y OEI».
Afortunadamente, hoy existen algunas señales de resiliencia que apuntan a la recuperación del sector. Artistas, gestores, profesionales y empresarios de la cultura están imaginando soluciones innovadoras y creativas para continuar sus actividades y conectar con el público. Antes del Covid 19, en promedio, las empresas creativas ofrecían digitalmente sólo el 38% de sus productos, porcentaje que se reducía al 25% en el caso de aquellas que operan en actividades culturales y de entretenimiento, por citar un ejemplo. Hoy, sin embargo, vemos que más de la mitad de las empresas duplicó su oferta digital, mientras que el 44% introdujo nuevos servicios y el 42% desarrolló nuevos modelos de negocio.
En el marco de una nueva estrategia atravesada por la pandemia, la UNESCO y el BID fortalecen su compromiso para posicionar estos temas en el centro de los debates políticos y sociales orientados a planificar el mundo después de la crisis.
La cumbre «Cómo Sanar un Mundo Herido», que se desarrolló el 22 y 23 de abril, es un ejemplo de ello. Se reunieron líderes culturales de la región, artistas y expertos con el fin de abordar los temas más apremiantes de la era post-pandémica. Con la curaduría de Manuela Reyes y Steven Henry Madoff, este encuentro desarrolló debates, una «charla visionaria» a cargo de Gustavo Dudamel y obras de destacados artistas de la región comisionadas exclusivamente para el encuentro.
Con ese mismo espíritu presentamos también «Desafíos de la transformación digital en las Industrias Culturales y Creativas», el martes 27 de abril en el marco del FORO CILAC 2021, con sede en Buenos Aires. En esta ocasión, el Ministro de Cultura de Argentina, Tristán Bauer, junto con el Ministro de Cultura de Colombia, Felipe Buitrago, y altas autoridades de la UNESCO, el BID y la SEGIB analizarán las dificultades históricas del sector cultural y las prioridades fundamentales para la reactivación y la cooperación multilateral a nivel regional.
A pesar de las turbulencias que la pandemia ha generado en el universo cultural, existe un renovado dinamismo a nivel regional. La emergencia fortaleció el rol del multilateralismo en América Latina. Y, a medida que los países avanzan en la planificación de su futuro, la región se posiciona en la búsqueda de un enfoque multifacético, capaz de capturar el papel transversal de la cultura en el avance de los Objetivos de Desarrollo Sostenibles.
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