Categoría: Entrevistas y Protagonistas

Fuente: La Nación ~ El artista argentino, que ya expone en Milán y próximamente lo hará en Suiza, se prepara para inaugurar una tercera muestra en Lille, Francia, que LA NACION recorrió en exclusiva

Se puede decir, sin temor a equivocarse, que este será el año de Guillermo Kuitca en Europa. Tres muestras lo tendrán como protagonista, una en París, otra en Milán y la tercera en Zurich, donde el público podrá descubrir los diferentes lenguajes de ese artista proteiforme a través de obras que, en su mayoría, nunca fueron exhibidas en el Viejo Continente. Y aunque, por el momento, Kuitca sigue en Buenos Aires, no parece demasiado preocupado: “La pandemia, es verdad, complicó las cosas. Pero no es muy grave. Los equipos responsables de las muestras fueron de una gran eficiencia y profesionalismo. Y, la verdad, puesto a elegir, yo prefiero que viajen mis obras y no yo”, le dijo con filosofía a LA NACION en una charla por FaceTime.

La primera de esas exposiciones debía inaugurarse el 15 de abril en el LaM, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de la ciudad francesa de Lille, ubicada 200 kilómetros al norte de París. Debido a los sucesivos confinamientos impuestos por el Covid, el público recién tendrá acceso a partir del 19 de mayo, fecha de apertura de todos los sitios culturales en Francia. Desde esa fecha hasta el 15 de agosto, el celebrado artista argentino desplegará más de 40 años de creación a través del conjunto de sus obras: dibujos, pinturas e instalaciones. La mayoría de ellas nunca vistas en Europa.6Ads by

Desde el 6 de mayo y hasta el 12 de septiembre, Kuitca estará presente en la Trienal de Milano, con un evento especial de su creación, Los Ciudadanos. A través de las obras de 28 artistas de la Fundación Cartier, el pintor argentino explora la idea de grupo, de comunidad y de trabajo colectivo.

Por fin, a partir de junio, Kuitca regresará a la galería Hauser & Wirth de Zurich con una muestra que incluirá tres series: la del El idiota de la familia, exhibida en Los Ángeles en 2019, nuevos trabajos sobre planos de casas realizados en 2020 durante el confinamiento en Buenos Aires y su obra en torno al teatro.https://43d55a913bf62f220f04f24bad13ecb4.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-38/html/container.html

Cerca de 30 años después de su presentación en Documenta IX (1992) y a 20 años de su última exposición en Francia, en la Fundación Cartier, el LaM decidió “mostrar el trabajo de una de las figuras centrales de la creación en América Latina, poco conocido por el público francés”, le dijo a LA NACION Sebastian Delot, director-conservador del museo. Decididamente didáctica, para un público que descubrirá la obra y el artista al mismo tiempo, clara, rigurosa y ordenada, Guillermo Kuitca, Dénouement, la exposición del LaM concentra la luz sobre los lazos que existen entre la obra de Kuitca y las distorsiones espaciales de Picasso, estableciendo un diálogo entre las obras calificadas de “cubistoides” del genio español a partir de 1912. “En un sentido más general, la muestra intenta dejar en evidencia la profunda relación que existe entre Kuitca y artistas que lo han marcado, como Pina Bausch o Lucio Fontana”, explica Delot.

La exposición del LaM, maravilloso escenario cultural instalado en medio de un vastísimo parque al este de Lille, consagra un importante espacio al dibujo, con unas 140 obras gráficas realizadas desde comienzos de los años 1980 a nuestros días. Todas salen directamente del atelier de Kuitca y nunca fueron presentadas al público. También presenta un libro del artista, inspirado en su experiencia en la creación de decorados de ópera.

La muestra se abre con esa selección de obras gráficas que confronta periodos diferentes, así como con varios cuadros realizados durante el confinamiento en Argentina. Desde ese primer contacto, el espectador percibe esa tendencia del artista a tratar el tiempo como si se moviera en forma circular: en muchas de ellas reaparecen perspectivas y temas que marcaban sus obras juveniles.

¿Tiene acaso algo que ver con la eterna situación argentina, que no consigue dejar de caer en la crisis? “Es verdad que hay temas que regresan sin que yo me de cuenta. Y tampoco se puede negar que, viviendo en este país, las situaciones deben obligatoriamente influenciarme. Pero no estoy seguro de que sea tan claro para mí”, analiza. En todo caso, Kuitca reconoce que la pintura es un campo de batalla. “Muchos piensan que es una actividad alejada de nuestro tiempo. Pero creo que el grado de compromiso de la mirada en una pintura es tan enorme, tan exigente, tan impactante, que me da la impresión de que la pintura es el mayor de los secretos”, precisa.

La segunda sección incluye Untitled, la instalación presentada en Documenta IX en 1992 y con la cual accedió al reconocimiento internacional. Se compone de 20 camas pequeñas en cuyos colchones Kuitca pintó mapas de carretera donde figuran, sin lógica geográfica, nombres de ciudades europeas. “Evité poner nombres de ciudades muy conocidas. Los escogí por su sonoridad y su resonancia. Y, ¿por qué camas? Porque la cama es el espacio privado por excelencia. Y la carta de carretera, el espacio público. Los dos extremos se juntaron cuando pinté esos mapas en el colchón.

-Comparando las fechas, otra interpretación es posible. ¿Acaso el hecho de dibujar planos de casas en la juventud, antes de salir al mundo, y mapas de carreteras en la madurez, para las primeras exposiciones internacionales, no es una forma límpida de expresar un cambio de percepción del mundo?

-Es posible. Soy incapaz de decirlo.

Guillermo Kuitca no es muy explícito cuando se trata de explicar su obra. Prefiere “que la gente formule sus propias interpretaciones”. En todo caso, hay algo fascinante en esta exposición: la sensación de que se está ante una obra premonitoria. Como si desde que comenzó a pintar en los años 1970 hubiera intuido la pandemia. La ausencia absoluta de figuras humanas, las tonalidades de grises, sombrías, generalmente utilizadas por el artista, la sensación de soledad y de aislamiento que provocan muchas de sus obras son perfectas expresiones del año que acaba de vivir el planeta.

Incluso cuando utiliza el color, como en el caso de la reciente serie Maps and Theaters, estructurada en torno al diálogo entre teatro y pintura, y realizada en 2018, es difícil no pensar en la situación actual. Aplicando un poco de agua en la superficie del papel, donde están impresas representaciones de salas de ópera, Kuitca disloca las formas y desdibuja los contornos, rompiendo el rigor geométrico y el carácter impersonal de los planos. El observador, sin embargo, no puede dejar de sentir que se encuentra ante la representación de un mundo desdibujado por la pandemia, aun cuando esas obras hayan sido realizadas años antes.

Definitivamente cautivado por la obra de Kuitca, Gregoire Prangé, el joven encargado de coordinación de la conservación del LaM, señala por el contrario el cambio experimentado por el artista en su trabajo en torno al teatro.

“A partir de 1995, Kuitca comenzó a incorporar en su trabajo planos de salas de teatro vacías. Según afirma, en los años 1980, su trabajo parecía asumir el punto de vista del espectador. En cierto modo, la obra se transformaba en la escena. Después hubo un lento giro y, años más tarde, su trabajo adoptó el punto de vista de un actor”, explica.

Esa teatralidad está muy presente en Doble Eclipse, una de las telas más espectaculares. Una escena crepuscular donde el negro está omnipresente. Decenas de mesas redondas, de colchones (otra vez…), de sillas (otra de sus obsesiones…), de micrófonos, podios y estantes componen un paisaje solo iluminado por dos círculos que evocan astros celestes.

Esa obra podría ser considerada como una condensación del trabajo de Guillermo Kuitca. La exposición del LaM, por su parte, es una ambiciosa demostración de que, aun creando en una sociedad donde la política invade y divide, el artista puede tomar, como en su caso, otros caminos para la creación.

Fuente: Clarín ~ Inquieta, femenina y pop, Fátima Pecci Carou (1984) combina rasgos de la it-girl. En apariencia. Dentro del panorama de artistas contemporáneos, adoptó la pintura para pensar el rol de las imágenes en la construcción del poder y transmisión de ideas, con herramientas académicas y un repertorio de recursos que incluye las noticias policiales, el animé japonés, la música y su propia biografía. Aunque pareciera inevitable leer su obra en clave feminista (es militante en Nosotras Proponemos y su serie más famosa retrata a las víctimas de feminicidios), dedicó su proyecto más reciente a Eva Perón, un personaje transitado, denso en contenido, lejos del feminismo histórico y agitador de grietas. Sin embargo, desde que la artista ganó el Premio en Obra en Barrio Joven (arteBA 2018), hay avidez en coleccionistas y no tan enterados por sus pinturas coloridas. A través de personajes femeninos de pose sexy, propone que la historia también es ficción. En una charla por zoom, después de visitar la muestra Banderas y banderines en el Museo Evita, hoy cerrado por las medidas sanitarias, revela cómo es que su pintura vibra.

-¿Por qué meterse con Eva Perón, un personaje con tanta carga y relecturas?

-Es verdad, vimos su imagen reproducida en cantidad de fotos y videos, pero a mí me interesó como aparecía en las banderas de las marchas, en la remera de muchas pibas y pibes, como símbolo. Y me imaginé cómo abordarlo desde la pintura, porque no hay tantos artistas que han tomado su figura. Están Daniel Santoro y aquella escultura de Sesóstris Vitullo en la universidad Di Tella, una Evita indígena. También para abrir un capítulo dentro de la pintura contemporánea que tome un icono político pero desde la pintura histórica. De eso se trató el proyecto de 2019 Las otras en los pliegues de historia, en colaboración con una politóloga, donde pinto en el espacio una especie de historieta desplegada en forma de biombo. Ahí representé a la líder aimará Bartolina Sisa, a Alfonsina Storni y otras líderes latinoamericanas. Incluí a esta Evita medio ninja. A partir del comentario informal de una trabajadora del museo, nació el proyecto pictórico.

-La serie nació en la calle y se expone en la sala como estandartes, ¿querías sacarla del museo?

-Ella misma dice “Llevarán mi nombre como bandera”. Hay un juego ahí entre la textualidad de los discursos de Evita y lo que después empieza a pasar con su imagen en las banderas de las manifestaciones, que se va sintetizando cada vez más. Como un esténcil, reproduce la información mínima (algo que pasa con Maradona también). Bueno, a mí me gustaba esa idea de abrir y expandir la imagen en lugar de sintetizarla, pensando en la historia como una ficción, un relato que aprendemos en la escuela, pero también en la universidad con otra parte de la historia. En esta ficcionalidad de la imagen de Evita entra perfecto la idea del manga, del cómic, de pensar la historia también como capítulos, con personajes, y cómo la pintura cuenta un hecho histórico que no sabemos si fue así…

Evita ninja. Ataviada con kimono y escudo peronista, Eva Perón retratada por Pecci Carou lucha contra los aviones bombarderos del 55.

-La referencia al Cosplay se puede leer como un cuestionamiento a la identidad, pero hay algo de machismo en el manga.

-Sí, el manga tiene personajes con cuerpos súper idealizados, muy exuberantes, que juegan con la idea de la sumisión de la mujer. Me interesa tomar el lenguaje pero resignificándolo o señalando ese machismo. Ahí se da la intersección con mi práctica de militante feminista. ¿Cuáles son las imágenes que consumimos desde chicas? No soy experta en sagas pero un montón de chiques se sienten interpelados y es un buen recurso para ampliar el público del mundo del arte, tan cerrado.

-Aunque Evita no es una figura identificada con el feminismo, hay un debate al respecto.

-Ella no se reconocía para nada como feminista. Tenía incluso cierto rechazo porque eran ideas extranjerizantes, algo muy de clase alta. No lo digo yo, sino las historiadoras de este campo sostienen que ella era una feminista de hecho. En sus acciones era feminista. Ella, siendo una actriz, se puso a hacer política y ahí hay algo de creatividad que sigue sumando a la idea de un personaje. Algo que me viene bárbaro para pensarlo desde la pintura y el manga.

-Y más allá del personaje, ¿qué lectura haces desde la historia?

-Estudié muchos años Historia el arte y aprendí no solo a a mirar la imagen sino a entender cómo se construyeron las imágenes, cómo han servido para la difusión de ciertas ideas. De esto el peronismo no escapa, sino al contrario, es una gran máquina productora de imágenes. Todo para mí es insumo. No pinto solo con una paleta, pinto con todo lo que miro…

-Quizás tu obra más conocida es la serie de retratos de víctimas de feminicidios; ¿cómo te resuena ahora que no han cambiado mucho sus condiciones de producción?

-Totalmente, no ha cambiado nada. Quizás sí cambió la concientización pero los números, los casos, están igual o peor. Esa obra empezó en 2014, cuando hacía clínica con Ana Gallardo, a partir de las fotos de allanamientos de prostíbulos en las noticias policiales. A través del problema de la trata llegué a los feminicidios, que en ese momento se les decía crímenes pasionales, cualquier cosa… Guardo noticias y las empiezo a pintar, al principio toda la escena, hasta que fui recortando hasta llegar al rostro. Hasta hoy sigo pintando, esta semana subí un retrato de Vicky Nievas, la chica trans que asesinaron hace poco en Tucumán. También mis pinturas van a las marchas, como cartel de protesta, para que esto se haga público y que la pintura salga del museo.

La artista junto a los retratos de víctimas de feminicidios. (Foto: Julio Juárez)

-Otra serie muy diferente, la de los interiores, muy atractiva, también nació de esas escenas de allanamientos…

-En esos prostíbulos me llama mucho la atención la decoración, en una atmósfera como los cuadros de naturalezas muertas densas con la sexualidad, cierta estética en los estampados de la ropa… Y después viene el engolosinamiento con la pintura, que los transforma en lugares aristocráticos. Después le inserto estos personajes y de pronto ya ves vibrar la pintura.

-También en la calle viviste una situación policial personal, pintando…

-En 2017 salimos seis militantes a hacer pintadas por el paro de mujeres y unos varones nos comenzaron a seguir, a insultar… Llamaron a la policía, pasamos la noche en la comisaría. Y se nos abrió una causa judicial. No fue fácil pero para mí fue como una performance de pintura, porque la causa decía “pintadas”. Es extraño cómo pintar puede ser usado para una muestra, para generar conciencia y, al mismo tiempo, estar en una causa. La pintura no es inocente.

Animé con trofeo. Obra de Fátima Pecci Carou, de Kosupure/Cosplay.

-Esa experiencia se transformó en una pieza de biodrama, con Lola Arias.

-Fue un delirio, pero a la vez una manera de procesar la angustia. Hicimos como si fuese el juicio en vivo. Fue muy extraño haberme visto en un expediente.

-¿Fue después de esta experiencia que decidiste publicar tu acta de divorcio en una exposición en la galería Selvanegra?

-Ese año fue una locura. Si bien cambié el nombre de mi exmarido por cuestiones legales, me interesaba exhibir ese documento como una pieza de mi propia vida privada, en un momento de ruptura: todo lo que el feminismo me transformó.

-¿Y que te cambió el premio de arteBA?

-Hasta el año anterior no tenía ni entradas para arteBA; no conocía a nadie. Mi galería, Piedras, me propone con las Femininjas y fue premiada. Para mí fue pasar de ser una pintora anónima a mucha exposición. Sí creo que tuvo que ver el impulso que tuvieron los feminismos ese año. Mirá, en ese momento tenía una hipoteca de divorciada y gracias a ese premio, la cancelé. La chica del banco me decía “¡pero qué rápido!” Bueno, gracias al arte pude acomodar mis cuentas y tiene que ver con la insistencia. Me paso que me trollearon también; decían que soy una acomodada, que era un varón… Cosas rarísimas. Hay mucha fantasía por lo que pasa con los artistas.