Categoría: Entrevistas y Protagonistas

Fuente: Clarín – Guillermo Roux creció rodeado de arte. Su padre, Raúl Roux, era un historietista de amplia trayectoria: trabajó en Caras y Caretas, Páginas de Columba, El Tony, Para Ti, El Gráfico, Atlántida, Mundo Argentino y el diario La Razón, aunque tal vez su trabajo más popular fuera dibujando para Patoruzú.

“La historieta en esos años tenía una injerencia en la juventud. Estaba incorporada naturalmente a los chicos a través de las revistas”, cuenta Hugo Maradei, ex director del Museo del Humor y curador del MIG-Museo de la Ilustración Gráfica. Y fue en ese contexto que Guillermo Roux entró a trabajar en la Editorial Dante Quinterno con tan solo 15 años. Allí, comenzó su oficio rodeado de veteranos de las viñetas como Lovato, Blotta, Ferro y Romeu. Hoy, a tres años de su fallecimiento, sus colegas y admiradores lo recuerdan como un prócer del arte plástico.

“Esos primeros años fueron maravillosos, para mí un mundo nuevo y extraordinario. A pesar de las notables diferencias de edad, ellos fueron mis amigos ¡y cuánto aprendí!”, relató el mismo Roux en una entrevista recopilada en Patoruzú. Una revista, una época en octubre del 2008. Quinterno, el histórico dibujante de cómics responsable de haber creado a Patoruzú o a Isidro Cañones, entre tantos otros icónicos personajes, había descubierto la facilidad de Roux para el color, lo cual lo llevó a colorear las mismísimas tapas de Patoruzito.

Un artista nómade

Luego de un tiempo trabajando en las portadas, Roux decidió viajar a Europa para proseguir con sus estudios. Hasta ese momento había asistido a la escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, en donde fue alumno de Lorenzo Gigli y Corinto Trezzini. Como cuenta Maradei, Quinterno le pidió que tenga preparadas tapas coloreadas como para 2 o 3 años antes de partir a Italia. Así, comenzó sus peripecias por el extranjero, en donde poco a poco ganó aprendizaje y reconocimiento.Juego interrumpido (II versión). Guillermo Roux.

El mismo Roux se definía como nómade hasta que llegó a encontrar su lugar en Buenos Aires. En aquel viaje a Europa se instaló en Italia por tres años, en donde trabajó restaurando frescos y mosaicos. Más tarde, en 1960, volvió al país y vivió en San Salvador de Jujuy por siete años, en donde fue docente. Sin embargo, su constante inquietud lo llevó a Nueva York en 1966. Allí se sumergió en el ámbito de la publicidad y de la ilustración de libros. Recién un tiempo después volvió a Buenos Aires, en donde se instaló definitivamente.

Durante sus travesías estudió las obras de los maestros del Renacimiento y de Diebenkorn y Hopper, los cuales influyeron en su estética. Su obra fue expuesta numerosas veces y a lo largo del mundo. Por mencionar algunas de ellas, fue exhibida en la galería Bonino en 1972, en la muestra en Marlborough Fine Arts en Londres al año siguiente y en la muestra en Munich en 1971, o más acá en tiempo y espacio, se encuentra “La Mujer y máscaras”, parte de su colaboración en la renovación de las Galerías Pacífico en el año 1994 o “La Ronda”, pintura que se halla en el corazón del Palacio Duhau.

Un eterno niño

Por más que esté categorizado como surrealista, su obra es variada y multifacética. Se podría decir que sus principales temas giran alrededor de la infancia. “Conservar esa niñez o esa frescura, esa inocencia, creo que es fundamental porque uno aprende mucho. Ahora, de lo que se trata, es de desaprender, no saber tanto, hay que saber menos y jugar más”, dijo en una entrevista realizada por el entonces Ministerio de Cultura de la Nación. Eso se puede ver representado en obras como la serie de “Juego interrumpido” o en el autorretrato hecho por él y Carlos Alonso.

Sin embargo, también hay espacio para la crítica política. El retrato en acuarela del Libertador y el mural “La Constitución guía al pueblo” son dos obras que denotan sus pensamientos respecto al tema. “No lo podía representar (a San Martín) en forma pasiva ni distante, en un altar donde nada lo roce. Preferí hacerlo mirándonos y señalándonos, como reclamándonos la parte que nos toca en la construcción de esta Argentina”, declaró respecto a la obra sobre el prócer que primero ilustró la tapa de un suplemento especial del diario La Nación en el 150 aniversario de su fallecimiento y que años más tarde donó al Instituto Nacional Sanmartiniano.Retrato de San Martín. Guillermo Roux.

En cuanto a “La Constitución guía al pueblo”, mural hecho para la Legislatura de la ciudad de Santa Fe, dijo en una entrevista a Clarín: “Los héroes, ahora, están en la calle: son esos padres que tienen que mantener cinco hijos con un sueldo escaso. Hoy no tenemos que cruzar la cordillera pero tenemos que cruzar otras cosas. Y ahí, en ese momento, entonces, ¿dónde están nuestros San Martín? Yo quiero verlos. Esta pintura es para hacer presentes esos pensamientos”.

Entre los trabajos más surrealistas y los más realistas hay un espectro de experimentación, tanto en técnica como en temática. Realizó diferentes obras con acuarelas, témperas, collages y dibujos. “En el último tiempo se levantaba a la noche porque no dormía bien y se ponía a dibujar utensilios de la cocina”, cuenta Hugo Maradei. Y en efecto, eso fue parte de una colección a la que se le llamó “Nocturnos” y la cual llegó a exponerse en el Museo de Arte Decorativo. “Hay una especie de silencio cuando es de noche donde queda un espacio para que se mezcle la realidad con los recuerdos y para que las cosas más impensables puedan pasar por la cabeza”, contaba en una entrevista dada a este medio acerca de aquellos dibujos que hacía a raíz del insomnio.

Una obra vital

Guillermo Roux frente al mural «La Constitución guía al pueblo».

Guillermo Roux murió el 17 de septiembre del 2021 a los 92 años. Vivía en Martínez junto a su esposa, Franca Beer, y tenía un taller ubicado en CABA en el cual daba clases. Su reconocimiento incluía el Primer Premio Internacional de la XIII Bienal de San Pablo del año 1975, el Premio Konex de Platino como el más importante pintor surrealista de la historia en Argentina en 1982, el Premio “Dr. Augusto Palanza” por la Academia Nacional de Bellas Artes y la designación en 1990 de Académico de Número de la Academia Nacional de Bellas Artes.

Cuando se le preguntaba cuál era su obra de preferencia él contestaba: “En el momento que lo estoy haciendo el mundo es ese. En el momento que lo dejo de hacer es porque ya el mundo dejó de ser”. Era un artista que no dejaba de explorar hasta en sus últimos días y cuya vitalidad sigue vigente en todo el arte que legó.

Fuente: Clarín – arte suele tomar diversas formas e incluso interpretaciones, puede considerarse una herramienta de transformación social y a su vez un trabajo remunerado en el cual los artistas despliegan talento y potencial. Tal es el caso del peruano Brian Mayhua López, que llegó al país el 31 de marzo del 2016 y se instaló en el Barrio Padre Carlos Mugica, más conocido como Villa 31. Tiene 30 años, es artista plástico y considera al arte una herramienta para difundir cultura y plasmar la esencia del barrio.

“El arte te abre muchas puertas, creo que uno mismo busca esas oportunidades, esos espacios donde tu trabajo vaya a ser mucho más valorado”. Con esta frase el joven sintetiza cómo fue la evolución de una pasión a una fuente laboral.

Motivado por su tía Dora López, fotógrafa, quien los visitaba a él y a su familia en Lima, eligió seguir adelante con lo que le gustaba y tomó la decisión de abandonar su carrera profesional como técnico electrónico.

“Lo más difícil fue renunciar y decirle a mi jefe que me iba, pero hay que tomar decisiones para que se concrete lo que uno sueña”, concluye sin mostrar arrepentimiento. Antes de viajar hacia Argentina, el joven se desempeñó como técnico electrónico industrial en diferentes empresas, la última fue una transnacional. Debió afrontar el dilema de seguir con una carrera con amplia salida laboral o dejarlo todo por su pasión: las artes plásticas.

“Siempre me sentí vacío, regresaba a casa después de trabajar hasta casi las once de la noche, esa rutina diaria no me satisfacía. En cambio, sí lo hacía el arte”. reflexiona y expresa que fue un largo proceso: “Me tomó como cinco años decidirme porque la propuesta de parte de mi tía siempre estuvo desde que yo salí del colegio allá por el 2010 y recién viajé en 2016, tenía que convertirme en el primero de la familia en ser universitario”.

«Al inicio, muchas personas no entienden qué es exactamente lo que hace un artista plástico, me preguntaban quién me pagaba y para qué empresa trabajaba», rememora y se emociona al expresar: “El arte me liberó de esos paradigmas que yo me había creado sobre tener ese trabajo con salida laboral directa, que no había otra cosa fuera de eso y personalmente me ayudó a crecer como persona”.Frida Kahlo por Brian Mayhua Lopez, artista del barrio Padre Carlos Mugica.

Al llegar al Barrio Mugica, se sorprendió de la energía alegre que veía. Recuerda que era sábado a la noche, estaba sentado en la parte trasera de una camioneta Renault Kangoo, viendo todo desde la ventana diminuta. Debían atravesar gran parte del barrio. Vio cómo la gente bailaba, jugaba al fútbol, compartía comidas en la calle, los chicos corrían de un lado a otro, todo a una gran velocidad; un ritmo al que no estaba acostumbrado a ver en Lima.

En agosto del 2016, el joven comenzó a estudiar Arte en la Universidad Nacional de las Artes. A partir de allí ganó premios, becas como la que obtuvo en agosto de 2020 “Sostener Cultura II” por parte del Fondo Nacional de las Artes (FNA) y concursos tales como el conocido Prilidiano Pueyrredón de la UNA. Además participó con sus obras en varias exposiciones consolidando su decisión y su proyección artística.

Fue en la universidad donde experimentó por primera vez la carga negativa al momento de decir de dónde es: los prejuicios, miradas, gestos, temores, todo eso que despierta el decir “soy de la Villa 31”. Esta imagen que parece una vista al barrio 31 desde la ventana en realidad es un mural de Brian Mayhua López.

“Todo el mundo te pregunta de dónde eres primero porque hablas distinto, al ser peruano, entonces era inevitable preguntarme. Yo decía que vivía en el barrio Mugica, aunque a veces también decía directamente que vivía en la Villa 31. Y percibía en estas personas o amigos que lo que decía despertaba cierta preocupación: ¿por qué vives ahí o qué pasa ahí?», dice.

«Entonces se activaban ciertas alarmas en ellos, y yo como recién llegaba iba entendiendo que el barrio no era súper pacífico. En mi mente pensaba: ‘No tengo problema de que sea así’, pero los otros eran quienes construían en mí ese temor. Me fueron dando a entender qué era vivir en una villa”, agrega.Uno de los Toritos de Pucará que hace Brian Mayhua López.

Entre sus primeros proyectos se destacó “Color 31”, consistía en darle color a los volquetes de basura. Brian explica que el objetivo era “la resignificación del contenedor, a su vez crear conciencia al arrojar los residuos y que sea en un futuro un punto turístico. Además, ver un tacho con mensajes o frases motivacionales en castellano, en quechua y guaraní, por ejemplo, ‘lucha por tus sueños’, tal vez movilizaba a los vecinos”.

El barrio fue parte de su inspiración en su camino artístico. Recuerda haberse dicho a sí mismo: “Voy a comenzar por acá y me voy a dedicar a las artes, por aquí es el camino”. Lionel Messi por Brian Mayhua López

En sus inicios se catalogaba como un simple estudiante de pintura o aspirante a artista plástico, sus primeros trabajos, previos a la pandemia, fueron murales fuera del barrio para amigos, restaurantes y algunos boliches, los cuales iban publicando en sus redes sociales. La cuarentena le trajo su primer mural en “la 31”, fue para el almacén de su prima, una composición multicolor de Frida Kahlo y Dalí. Así comenzó a trabajar para los vecinos del barrio.

Brian expresa que lo más difícil del trabajo de realización de murales son los límites, los condicionantes que suelen poner los vecinos al momento de contratarlo y supo encontrar un modo para que sus clientes se sientan parte del proceso y así más satisfechos con la obra final: “Los hago parte del proceso de muralismo o del diseño, y de esta manera están más contentos cuando ven que parte de su idea se sumó al mural”El banco Santander contrató a Brian para pintar la sucursal del barrio Padre Mugica.

Realizar la fachada del primer banco Santander del barrio le brindó reconocimiento y generó nuevos contratos. Sin embargo, expresa que el más especial, hasta el momento, al que llamó “barrilete cósmico”.

“Fue un desafío pintar a Diego Armando Maradona ya de por sí es un símbolo muy conocido, muy popular, sentía que no podía equivocarme”, relata y precisamente con este mural fue seleccionado para participar del concurso que realizaban Radio Cultura y la Embajada de Francia.El mural «barrilete cósmico» de Diego Maradona pintado por Brian Mayhua López.

Brian también realiza esculturas de Toritos de Pucará, figura del siglo XV que simboliza protección, felicidad y fertilidad. Al explicar su obra, comenta: «El torito refleja parte de mis análisis y estudios. Reflexionando cómo la migración se relaciona en Mugica y cómo ese sincretismo se entrelaza con las culturas de Bolivia, Perú, Paraguay, Venezuela, Senegal. Un toro migrante, de lucha, de resistencia, esa mixtura que hace a nuestro barrio singular”.

Además, participó en el programa Maraña en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), buscando generar conexiones significativas entre los visitantes mediante el intercambio de experiencias e identidades.Un trabajo realizado para un particular.

Su mural más reciente es de Lionel Messi, y a través de este los vecinos le muestran su cariño: “Se sienten felices de que haya un artista de su barrio que pinte cosas reales. Me siento querido por mi trabajo, eso me motiva a seguir interviniendo espacios y que estos murales formen parte de recorridos. Esta podría ser otra forma de romper prejuicios” concluye el artista barrial.Brian Mayhua López comenzó sus intervenciones en la villa 31 pintando contenedores.Una de las obras del muralista peruano radicado en Argentina.Otro de los Toritos de Pucará de Brian Mayhua López.

Maestría Clarín / Universidad de San Andrés

Fuente: Infobae – Abraham Gómez Reategui, un joven estudiante peruano de arquitectura en la Universidad de La Plata, realiza sus obras con un estilo distintivo. “Es una vuelta a lo artesanal, eso le da valor”, define.

Con más de 30 mapas dibujados a mano alzada en tinta china bajo la técnica de perspectiva isométrica, el artista e ilustrador Abraham Gómez Reategui es viral en redes sociales gracias al trabajo que realiza, en el que combina su conocimiento de la cartografía y la arquitectura plasmando en papel los mapas de las ciudades más importantes de Argentina y otras del resto el mundo.

A Abraham Gómez Reategui le gustan el dibujo y las ciudades desde que tiene uso de memoria. Nacido en Lima, Perú, se crió en un pueblo que estaba muy cerquita del mar, pero muchas veces demoraba entre una hora y media y dos horas en llegar a la playa debido al caos que era transitar la ciudad.

De chico recorrió su ciudad en transporte público para ir a la escuela o a la casa de sus amigos y fue testigo de la lenta transformación que fue sufriendo la ciudad, que aunque tuvo obras viales en los principales accesos, siguió siendo hostil para habitar, especialmente para las personas que vivían en los barrios periféricos. Esto, dice, de algún modo fue estructurador para su vocación, que lo trajo a la Argentina cuando tenía 19 años.

Gómez Reategui está terminando la carrera de Arquitectura en la Universidad de La Plata

Hoy tiene 27 y está en sexto año de arquitectura en la Universidad Nacional de La Plata; hijo de un padre policía y una madre ama de casa, es el primer universitario de una familia que todavía vive en Lima. Aunque trabajó en otras actividades para poder estudiar y sobrevivir, durante la pandemia comenzó a ilustrar mapas de ciudades a mano alzada con una técnica de perspectiva isométrica y hoy acumula más de 33 obras.

Aunque considera que La Plata es una ciudad con algunas dificultades en la periferia, Abraham estudió sus características en la facultad: la habitó y la desandó, y esa experiencia le permitió hacer el mapa de la capital de la provincia de Buenos Aires, el primero de una serie que hoy es un fenómeno y que alcanza el reconocimiento de otros profesionales y colegas.

En esta conversación, el ilustrador cuenta cómo comenzó con esta peculiar disciplina, comparte detalles de la técnica que utiliza y admite que, entre otras ciudades que todavía tiene pendientes, está Lima, su lugar de origen.

Gómez Reategui emplea la técnica de la perspectiva isométrica para dibujar los mapas

—¿Cuándo y cómo empezaste a dibujar los mapas?

—Empecé en pandemia. Venía dibujando otras cosas, pero en algún momento se me ocurrió dibujar un mapa de La Plata, algo pequeño, de Plaza Moreno y alrededores. Empecé de a poco a mostrar ese trabajo, a compartirlo con amigos. En cada mapa fui aprendiendo un poco más, mejorando el trazo y la forma en que quería dibujar. Incluso el último, el de Buenos Aires, fue de mucho aprendizaje. Los dibujos fueron creciendo, hasta que en algún momento se me ocurrió hacer uno grande de Rosario y ahí se viralizó un montón. Ese fue el primer paso para empezar a darle forma a todo el trabajo y entendí que quería dedicarme a esto.

—Cuando elegís una ciudad para dibujar, ¿cómo es la dinámica de trabajo? ¿Tenés un modelo? ¿Incide la experiencia que tenés de la ciudad?

—Tiene un poco y un poco de eso. Las imágenes satelitales son una de las fuentes más importantes, pero lo que hago es combinar algunas técnicas. Lo que hago es dibujo en perspectiva isométrica, que es una perspectiva que se usa generalmente para poder ver los tres ejes de un volumen, cuando uno quiere ver el detalle de algo. Es una técnica que te da un panorama amplio y eso, trasladado a una ciudad, me parecía particularmente interesante.

Abraham Gómez Reategui comenzó a dibujar mapas durante la pandemia

No conocía muchos mapas volumétricos hechos de esta forma, entonces decidí aplicarlo así. En vez de dibujar el mapa simplemente desde arriba, empecé a darle volumen y apoyado en las herramientas satelitales pude reconstruir las ciudades. Empecé con lugares que conocía mucho, como La Plata, Rosario o Retiro, que había habitado, y que incluso podía identificar en las imágenes satelitales elementos que estaban faltantes. Después empecé a trabajar por encargo y he dibujado lugares en los que nunca he estado. Pero en esos casos hice un trabajo de investigación: cuál es la forma de la ciudad, cómo funciona, qué tan posible es retratarla. Hay veces que no es tan fácil, porque la información que recopilo básicamente determina si puedo dibujarla o no, al menos en esta técnica en la que trabajo.

—¿Con alguna ciudad te pasó eso, de no poder resolverla?

—En algún momento me encargaron un mapa de La Habana, y Cuba tiene muy poco relevado en imágenes satelitales. Cuando conversé con la persona que me lo encargaba, definimos hacerlo específicamente sobre el barrio en donde él nació, porque de toda La Habana era imposible. Para la reconstrucción fue clave la imagen satelital. Técnicamente esas imágenes son cenitales, pero influye la curvatura de la Tierra. Si es una imagen satelital plana, por ejemplo sobre el Ecuador, probablemente yo no pueda ver más que los techos de cada cosa. Pero como La Habana está más al norte, hay cierta inclinación y por ende hay dimensión: pude ver si eran casas, edificios chicos o edificios grandes. Con ese registro entendí que podía hacerlo.

«Las imágenes satelitales son una de las fuentes más importantes, pero lo que hago es combinar algunas técnicas», cuenta el ilustrador

—¿Cuánto tiempo te demora trabajar en un mapa?

—Puedo estar quince días trabajando en un mapa de tamaño similar al A3, entre el tiempo que me lleva investigar el lugar y el tiempo que me lleva el dibujo del mapa.

—¿Cómo es la técnica con la que dibujas y qué materiales usas?

—En general uso tinta china y acuarela. La tinta china la utilizo en una microfibra o estilógrafo, que es una microfibra recargable. Las diferentes graduaciones me permiten llegar a los detalles más escondidos de cada mapa. Todo lo que es reglado lo hago al comienzo, cuando empiezo a dibujar la forma de la ciudad. Luego el trabajo volumétrico en sí es a mano, no hago un traspaso de medidas de la realidad al papel en escala. Obvio toda esa parte para poder apreciar el mapa como una representación de lo que veo, le agrego valor en esa reinterpretación de cada porción de la ciudad. Luego está el uso de la acuarela para las partes que quiero colorear, que son los espacios públicos verdes, los vacíos urbanos: los coloreo para contrastarlos con toda la masa gris de la ciudad. Lo hago con azules, también he usado verdes, pero siento que el azul transgrede un poco más.

«Siempre me interesaron los dibujos, pinturas o ilustraciones que trabajan con la sobrecarga de contenido», cuenta Gómez Reategui

—¿Tenés algún referente artístico que haga algo parecido a lo que hacés vos?

—No tengo un referente, pero sí siempre me interesaron los dibujos, pinturas o ilustraciones que trabajan con la “sobrecarga” de contenido. Esto varía desde obras artísticas y complejas, como El jardín de las delicias, hasta lo que se ve en una tapa de Buscando a Wally. Siempre me llamó la atención esto de una cosa sobre otra, y otra construyéndose, y nada nunca acabando, como sucede en las ciudades.

—¿Es cierto que dibujaste un mapa de las batallas de las Islas Malvinas?

—Sí, fue en 2022, para el aniversario de los 40 años. Fue un trabajo en conjunto con el Centro Argentino de Cartografía. Fue un trabajo largo, que duró aproximadamente dos meses; no tanto por el dibujo, sino por el trabajo de investigación, que era necesario para poder entender en profundidad ciertos momentos de la guerra y así poder dibujarlos.

Abraham Gómez Reategui nació en Lima y estudia Arquitectura en la Universidad de La Plata

—¿Trabajaste con otras asociaciones o entidades?

—Sí, uno de ellos fue un mapa que hice para la organización “Paradiplomacia”, que son trabajos de investigación interdisciplinarios respecto al territorio. En ese caso la propuesta fue ilustrar algo vinculado con la Cuenca del Río de la Plata, entonces dibujé un mapa que tiene algunas ciudades identificadas pero el foco está especialmente en los entrelazamientos de los cursos de agua que conforman la cuenca.

—¿Considerás que tu trabajo populariza la cartografía?

—Nosotros nos relacionamos constantemente con los mapas: en la parada del colectivo, cuando vamos al subte, cuando tenemos que llegar a una dirección. El diseño de los mapas y la forma de expresarlos ha ido cambiado con el tiempo, pero supongo que lo que hace especial mi trabajo es lo manual, que es quizás un modo innovador. Esto no le quita valor a la cartografía tradicional, pero en un momento de tanta digitalización y automatización de las cosas, ver el trabajo de alguien que se toma el tiempo y la molestia en hacer esto quizás le da cierto valor. Será, quizás, lo valioso de la vuelta a lo artesanal.