ArteBA celebrará sus 30 años con una feria presencial

Fuente: La Nación~ Sí, habrá feria presencial para celebrar las tres décadas de arteba y será en el Arenas Studio de La Boca, del 4 al 7 de noviembre. Esa esperada confirmación para la escena del arte argentino fue anunciada ayer en un comunicado difundido por la fundación sin fines de lucro que la organiza, liderada por un equipo que asumió el año pasado en medio de una crisis sin precedente.

También lanzará una plataforma online y una revista que recorrerá los treinta años de este encuentro clave para la región, como parte de una agenda que permita “fortalecer relaciones profesionales y afectivas” a través de “la reunión en lo colectivo, en lo diverso y en lo plural”.

“El mundo cambió, arteba se adaptó”, afirma esta gestión, presidida por Larisa Andreani, que ya había impulsado en noviembre una semana destinada a promover la escena artística federal. Como consecuencia de la pandemia, en 2020 la feria debió cancelar a último minuto una edición que tenía previsto reunir en la Rural a más de 90.000 personas, incluidas decenas de coleccionistas, curadores y galeristas extranjeros. A eso se sumaron cambios de autoridades, debates sobre el rol de la institución y el desafío de sostener el apoyo a las galerías, cuyos ingresos dependen en gran medida de este encuentro anual.

“Luego del proceso de escucha del año pasado y observando nuevos comportamientos sociales, consensuamos que lo mejor para este año era realizar una feria diferente”, dice Andreani, que optó por anunciar la noticia en un comunicado para mantenerse fiel a su cauteloso estilo de avanzar paso a paso. “Una feria que sea una fiesta, con el arte en el centro de la escena, con espacios al aire libre para unirnos, reencontrarnos y con diferentes propuestas que interpelen a públicos muy diversos –agrega–. Todo esto preservando la calidad y los estándares que hicieron de arteba una de las ferias más importantes de la región. Este año, el de los 30 años, vamos a estar en La Boca, cerca del puerto, un lugar con sus puertas siempre abiertas, listos para dar la bienvenida”.

Un lugar con historia

La novedad, sin embargo, no implica entrar en terreno desconocido. El espacio elegido ya alojó en 2016 y 2017 dos ediciones de arteba Focus, versión especial de la feria con un formato curado y contemporáneo, inspirado en otras como la berlinesa ABC y la neoyorquina Independent.

La antigua arenera de La Boca –ubicada sobre Pedro de Mendoza entre la Usina del Arte y Fundación Proa, en el Distrito de las Artes– es un galpón de 80 metros de largo por 20 de ancho que fue usado en 2014 por el artista chino Cai Guo-qiang para realizar sus experimentos con pólvora.

El fuego será ahora el de las velitas que celebren las tres décadas transcurridas desde aquella otra primera versión muy distinta en el Centro Cultural Recoleta, cuando una galería decoró su stand con helechos. Aunque la esencia se mantiene. “Como lo viene haciendo desde su fundación, en 1991 –sostiene el comunicado–, la convicción de arteba es acompañar el desarrollo del sector artístico, apoyar al ecosistema del arte, poner el trabajo de los artistas en el centro de la escena y convertir a la Argentina en principal referente latinoamericano de arte”.

Esa larga trayectoria se podrá recorrer en redes sociales a través de “Cápsulas del tiempo”, dedicadas a recordar premios y proyectos de años anteriores. También se lanzará una plataforma online, “con el objetivo de garantizar el acceso de un público diverso e internacional” a las obras propuestas por las galerías, que podrán presentar sus aplicaciones a partir de julio. En ese espacio virtual se impulsarán conversaciones destinadas “a toda persona que tenga interés en el arte argentino y en las últimas tendencias del mercado”.

Por otra parte, según se anunció, ya está en proceso de producción la revista arteba 30 años. Realizada con apoyo de Mecenazgo del gobierno de la ciudad de Buenos Aires, reflejará “obras icónicas que han pasado por la feria o en sus varias acciones anuales y que contará con una constelación de voces que han dedicado textos al arte argentino”.

“Los 30 años de arteba es un festejo de muchos –señaló el Consejo de Administración de arteba Fundación, un equipo interdisciplinario formado por trece hombres y mujeres que trabajan ad honorem– y así queremos celebrarlo, en comunidad, recordando con alegría el pasado, pero sobre todo con mucho entusiasmo por nuestro futuro”.

Para agendar:

Los 30 años de arteba se celebrarán con una feria presencial del 4 al 7 de noviembre en Arenas Studios (Av. Pedro de Mendoza 965, La Boca, a 400 metros de la Usina del Arte).

Los museos del mundo están trabajando en cómo recordar la pandemia

Fuente: Perfil ~ Conmemorar una pandemia que aún no ha terminado puede parecer una idea extraña. Pero en todo el mundo, los museos están comenzando a recopilar y exhibir artefactos que reflejan las experiencias del covid-19. A medida que preservan el aquí y ahora para futuras audiencias, algunos también ofrecen la oportunidad de contemplarlo en algo cercano al tiempo real.

Los enfoques difieren entre las colecciones, pero ciertos temas se repiten: el aislamiento social, el replanteamiento de las relaciones y el tipo de parafernalia médica que desde hace aproximadamente un año y medio, de repente, se convirtió en algo común.

El Museo Nacional de Singapur (NMS, por sus siglas en inglés), es uno de los pocos lugares donde se realiza una exposición física (la ciudad china de Wuhan, epicentro original de la pandemia, es otro). “Sabíamos que si no lo empezábamos ahora, perderíamos tiempo”, dijo el principal curador de NMS, Daniel Tham.

La exposición Picturing the Pandemic presenta 272 fotografías encargadas, un cortometraje y artefactos relacionados con el covid, como el vial de la primera vacuna administrada en la ciudad.

El espacio oscurecido de la galería se percibe contemplativo y la exposición se centra en la experiencia de la comunidad. Las imágenes muestran al personal de correos en el trabajo, a los residentes ancianos solos en casa y a los trabajadores migrantes aislados en un crucero después de recuperarse del virus.

En Austria, donde los contagios diarios de covid cayeron recientemente por debajo de los tres dígitos, el Museo de Viena ha comenzado una exhibición en línea de su colección de coronavirus.

Se seleccionaron más de 200 objetos y 200 fotos de entre miles de artefactos presentados por miembros del público, cada uno de los cuales muestra un aspecto de cómo la crisis afectó a Viena. Estos incluyen máscaras cosidas a mano durante la escasez del primer confinamiento en Viena y tarjetas de prepago que permitieron a los clientes apoyar a sus cafés locales. Un diccionario de términos relacionados con el virus creado por un residente de Ucrania refleja la población multicultural de la ciudad y cómo ha evolucionado el idioma a través de la pandemia.

El proceso de recolección en sí cuenta una historia de la creciente fatiga de la ciudad en el transcurso de sucesivos cierres. “Desde noviembre, la gente ya no está tan fascinada por documentar la nueva vida cotidiana, porque las cosas se volvieron normales”, dijo la curadora Martina Nussbaumer.

Si bien el Museo de Viena reabre el 1 de julio, todavía no hay un plan para una exposición covid dado el efecto generalizado que tuvo la pandemia en la vida y la naturaleza cotidiana de los artículos recolectados, Nussbaumer dice que no está segura de quién querría visitarla todavía.

“Como museo de historia, tenemos la impresión de que se necesita cierta distancia para evaluar, para buscar una especie de equilibrio”, indicó.

Los curadores también están pensando desde ahora en la audiencia futura del Museo Smithsonian de Historia Estadounidense en Washington, D.C. Es posible que algunos artefactos se incluyan en una exposición más amplia llamada “In Sickness and In Health”, prevista para 2023.

“Siempre iniciamos una colección con la vista puesta en el futuro”, dijo Alexandra Lord, presidenta de la División de Medicina y Ciencia del museo. “Dentro de cien años, los investigadores y visitantes querrán comprender cómo las personas experimentaron la pandemia”.

El Smithsonian actualmente busca objetos entre miembros del público, organizaciones, empresas y grupos comunitarios. Los artículos donados incluyen máscaras decoradas con eslóganes, un símbolo de las protestas que estallaron en Estados Unidos durante la pandemia, y un modelo 3D del virus donado por Anthony Fauci, el principal médico de enfermedades infecciosas del Gobierno de EE.UU.

Intentar curar una exposición sin el beneficio de la retrospectiva ha hecho que el proyecto covid sea difícil para Lord, quien tiene 15 años de experiencia como defensora de la historia pública.

“A menudo, cuando recolectamos, lo hacemos realmente a distancia. Pero esta es una historia muy personal para todos nosotros”, dijo.

Las donaciones también suelen ser muy personales.

“A veces, la gente está luchando con la muerte de un familiar y, a veces, la gente está luchando con algo que es más difícil de cuantificar”, señaló Lord. “Es solo una infelicidad y la sensación de estar atrapado”.

Nussbaumer señaló que los museos nunca pueden resumir la totalidad de un evento como la pandemia.

“Lo que significa perder a un familiar, lo que significa perder un trabajo, lo que significa cuando no puedes desempeñarte durante meses o tener un ingreso, difícilmente pueden los objetos reflejar eso”, dijo Nussbaumer.

El Centro Cultural Kirchner reabre sus puertas

Fuente: Página12 ~ Vuelven los conciertos en vivo al Centro Cultural Kirchner. Luego del cierre obligado por las restricciones impuestas por la pandemia, el CCK reabre sus puertas en julio para ofrecer conciertos presenciales durante todos los fines de semana. Desde el viernes 2, el espacio dependiente del Ministerio de Cultura de la Nación pondrá al alcance de todos y en forma gratuita una serie de conciertos para todos los gustos. En el centenario del nacimiento de Astor Piazzolla, vuelve al Auditorio Nacional el ciclo de conciertos presenciales Piazzolla 100, con la recreación de sus formaciones emblemáticas, como la Orquesta del ´46 y el Octeto Buenos Aires. También habrá música académica, con el dúo del pianista Iván Rutkauskas y el violinista Oleg Pishenin, y el de la flautista María Cecilia Muñoz y la arpista Alina Traine. Cn motivo de la celebración por el bicentenario de la Independencia de Perú, se realizará un homenaje a Chabuca Granda en el que participará Sandra Mihanovich.

La reapertura del CCK será a puro conciertos. En su nutrido cronograma se destaca Cantos del Tucumán, de Alberto Ginastera, con Virginia Correa Dupuy, Sebastián Masci, Amalia Pérez, Lucrecia Jancsa, Marina Calzado Linage y Tamara Benítez. Los amantes de la música clásica podrán disfrutar de obras fundamentales de Franz Schubert a cargo de Freddy Varela Montero, Tatiana Glava, Adrián Felizia, Gloria Pankaeva, Elián Ortiz, Mariano Rey, Fernando Chiappero y Gabriel La Rocca; además del primer concierto de la obra para órgano de Johann Sebastian Bach, a cargo de Luis Caparra. Además, en el mes de las vacaciones de invierno, habrá actividades presenciales para toda la familia en la Sala Argentina.

Las entradas para todos los conciertos al CCK son gratuitas, solo con reserva previa (a un máximo de dos localidades por persona), y se podrá gestionar en la web del Centro desde el martes previo a cada concierto. Todas las personas que asistan deben estar previamente registradas (inclusive menores de edad).

La agenda de conciertos en julio es la siguiente:

• Viernes 2 a las 20: “La orquesta del 46 en el ciclo Piazzolla 100”, que celebra el centenario del gran músico marplatense y recrea su primera formación propia. El ensamble está dirigido por el bandoneonista y arreglador Daniel Ruggiero y tendrá una transmisión en vivo por el canal de YouTube del CCK y a través de la plataforma Contar.

• Sábado 3 a las 19: Los músicos Iván Rutkauskas (piano) y Oleg Pishenin (violín) ofrecerán obras para violín y piano de Beethoven y Richard Strauss, en el regreso del ciclo de música de cámara.

• Sábado 10 a las 19: Cantos del Tucumán, de Alberto Ginastera, con textos de Rafael Jijena Sánchez. Participan Virginia Correa Dupuy (mezzosoprano), Sebastián Masci (violín), Amalia Pérez (flauta), Lucrecia Jancsa (arpa), Marina Calzado Linage (percusión) y Tamara Benítez (piano).

• Viernes 16 a las 20: Octeto Buenos Aires en el ciclo Piazzolla 100, que recreará parte del repertorio del octeto creado en 1955, considerado como el ensamble iniciador del tango moderno. Tendrá transmisión en vivo por el canal de YouTube del CCK y a través de la plataforma Contar.

• Sábado 17 a las 19: María Cecilia Muñoz (flauta) y Alina Traine (arpa) explorarán la música francesa de los siglos XIX y XX, a través de la obra de Georges Bizet, Marc Berthomieu, Camille Saint-Saëns, François Borne y Gabriel Fauré.

• Sábado 24 a las 19: El Octeto de Schubert ofrecerá el «Octeto en fa Mayor para Cuerdas y Vientos» de Franz Schubert, y otras obras del compositor, con Freddy Varela Montero y Tatiana Glava (violines), Adrián Felizia (viola), Gloria Pankaeva (chelo), Elián Ortiz (contrabajo), Mariano Rey (clarinete), Fernando Chiappero (corno) y Gabriel La Rocca (fagot).

• Viernes 30 a las 20: Concierto Bicentenario del Perú, que abarcará ritmos de sus diferentes regiones y un homenaje a la cantante y compositora Chabuca Granda, con Sofía Viola, Sandra Mihanovich y el guitarrista peruano Lucho González, compañero musical de Chabuca. Tendrá transmisión en vivo por el canal de YouTube del CCK y a través de la plataforma Contar.

• Sábado 31 a las 19: Integral de la obra de Bach para órgano, por Luis Caparra.

Encuentran una extraña escultura de una serpiente de 4000 años de antigüedad

Fuente: La Nación ~ A lo largo de la historia de la humanidad, las serpientes fueron temidas y veneradas por varias civilizaciones que las representaron en el panteón de sus dioses. En la actualidad, un equipo de arqueólogos halló una antigua serpiente de madera de 4000 años de antigüedad. Esta singular representación fue descubierta el año pasado en Järvensuo I, un yacimiento ubicado en los campos helados y anegados del suroeste de Finlandia.

Según la revista Antiquity, los investigadores encontraron la figura de la serpiente, de 53 centímetros de largo, a un metro y medio de profundidad en una capa de carbón fosilizado. Sus rasgos fueron cuidadosamente tallados en un palo, y el artista se preocupó de incorporar las sinuosas curvas de la rama para conseguir el increíble efecto del serpenteo del animal.

Un equipo de arqueólogos halló una antigua serpiente de madera de 4000 años de antigüedad
Un equipo de arqueólogos halló una antigua serpiente de madera de 4000 años de antigüedadSatu Koivisto

Satu Koivisto, arqueóloga de la Universidad de Turku, en Finlandia, y coautora principal del estudio, describió las sensaciones que experimentó al momento del espectacular hallazgo de la figura. “Nos dio escalofríos. Nos quedamos estupefactos”, manifestó.

Los expertos señalaron que la estatuilla de la serpiente de madera es un descubrimiento único en la Edad de Piedra del norte de Europa porque se han encontrado ocasionalmente ofidios de madera, hueso, ámbar o arcilla entre el Báltico oriental y los Montes Urales, pero nunca en la parte septentrional del continente, donde las figuras más comunes son las de otras criaturas como las aves acuáticas o los alces.

Los investigadores todavía no pudieron identificar a la especie de la serpiente representada en la figura de madera, aunque consideraron que es muy parecida a la víbora de hierba (Natrix natrix) o a la víbora europea (Vipera berus).

Los arqueólogos también discutieron la finalidad de esta pieza magistral de arte del Neolítico y se preguntaron si era un juguete para niños, un objeto ritual, y si había caído de manera accidental o fue colocada de manera deliberada en el lugar donde los científicos la encontraron unos 40 siglos más tarde.

Los rasgos de la serpiente, de 53 centímetros de largo, fueron tallados en un palo. El artista incorporó las sinuosas curvas de la rama para conseguir el serpenteo del animal
Los rasgos de la serpiente, de 53 centímetros de largo, fueron tallados en un palo. El artista incorporó las sinuosas curvas de la rama para conseguir el serpenteo del animalSatu Koivisto

Antti Lahelma, coautor de la investigación, indicó que las serpientes tenían un gran significado simbólico en las culturas que habitaban esta parte del norte de Europa, quienes creían que los chamanes se transformaban en ofidios.

“Parece haber una cierta conexión entre las serpientes y las personas. Esto recuerda al chamanismo nórdico de la época histórica, en el que las serpientes tenían un papel especial como animales ayudantes del espíritu del chamán. Aunque la brecha temporal es inmensa, la posibilidad de algún tipo de continuidad es tentadora: ¿tenemos un bastón de chamán de la Edad de Piedra?”, preguntó Lahelma.

La serpiente de madera fue descubierta en Järvensuo I, un yacimiento ubicado en los campos helados y anegados del suroeste de Finlandia
La serpiente de madera fue descubierta en Järvensuo I, un yacimiento ubicado en los campos helados y anegados del suroeste de FinlandiaSatu Koivisto

En el yacimiento de Järvensuo I ya se han encontrado en el pasado diversos elementos como unas piezas de cerámica que pertenecieron a una cultura llamada Corded Ware, y una pala de madera con un mango en forma de cabeza de oso. La datación por radiocarbono de esos objetos reveló que la zona fue habitada entre 4000 y 2000 años, cuando estaba situada a la orilla de un antiguo lago.

Debido a la naturaleza del extraordinario yacimiento arqueológico, muchos de los objetos orgánicos que normalmente se descompondrían con el tiempo como la madera, se conservan gracias a las propiedades del suelo. Sin embargo, los restos humanos parecen disolverse más rápido en este entorno ácido.A pesar de este último descubrimiento, los arqueólogos están preocupados por el futuro del yacimiento porque las tierras de cultivo cercanas tienen un sistema de drenaje que desagota las aguas subterráneas en el lugar. “Ya son evidentes algunos de los primeros signos de destrucción en estos materiales. Así que no nos queda mucho tiempo para realizar este tipo de descubrimientos”, se lamentó Koivisto.

Convocatoria: Sumate a la Red Wifi de MuseosBA

Fuente: Buenos Aires ~ MuseosBA abre una nueva convocatoria a nivel nacional para elegir a diez artistas y docentes de todo el país, para participar de la segunda edición de los cursos de Red Wifi, sobre temas vinculados a los museos de la Ciudad.

Los cursos serán de diferentes temáticas, como pintura, dibujo, escultura, música, literatura, historia del arte, historia argentina, cine, historieta, arquitectura, entre otras.

Cada uno de los docentes o artistas seleccionados brindarán cuatro clases virtuales. ¡Si sos docente o artista, esta es una gran oportunidad para vos!

¡Sumate a la convocatoria!

Inscribite desde el lunes 28 de junio hasta el lunes 19 de julio.

Los resultados se anunciarán entre el martes 20 de julio y el viernes 30 de julio. Las actividades empezarán el lunes 23 de agosto.

Marta Minujín logró “acostar” el Big Ben a distancia

Fuente: La Nación ~ Por las restricciones de la pandemia, la artista argentina se vio forzada a producir por Zoom y Whatsapp la obra que presenta el jueves en Manchester.

“Horrible, horrible, horrible”. Así confiesa que se sintió Marta Minujín, la artista más popular de la Argentina, al verse forzada a producir a distancia una de sus obras monumentales. Tenía las valijas hechas para viajar a Manchester, donde pasa domañana se presentará El Big Ben acostado con libros políticos, en el marco del festival internacional que organiza la ciudad. Pero la pandemia fue más fuerte, y se vio obligada a dirigir por Zoom y Whatsapp el montaje de una réplica del principal símbolo de Londres, de 42 metros de largo, cubierto por 20.000 ejemplares.

“Hay una peste brutal, no dejan entrar. El productor ya había tenido Covid, tenía dos dosis de la vacuna y se volvió a enfermar. Encima me quedé sin internet una semana, llegué a perder la vista de tanto mirar el teléfono. Es una experiencia única, nunca más lo haría”, explica Minujín a LA NACION a los 78 años, cuatro después de haber presentado en la Documenta de Kassel su Partenón de libros prohibidos.

Entonces se trató de una imponente instalación de metal de 35 x 70 x 22 metros, cubierta por 55.000 libros que alguna vez fueron censurados. “Para hacer lo de Kassel viajé cuatro veces; ahora voy a ver todo por internet”, se lamenta, tras haber “teletrabajado” durante más de diez días desde las 7 de la mañana, incluso sábados y domingos, para adaptarse a la diferencia horaria de su equipo británico. Como “premio consuelo” habrá una charla en vivo organizada por el diario The Guardian, durante la noche de apertura del Festival Internacional de Manchester (MIF), que se podrá ver este jueves, a las 15.30, hora argentina. Las entradas pueden conseguirse de forma gratuita a través de la página del MIF: mif.co.uk.

Mientras tanto, fiel a su estilo, Marta no para. Publica día a día los avances de la obra, ya ubicada en los Piccadilly Gardens, desde su cuenta de Instagram. La misma red social que le sirvió para supervisar el comportamiento del público dentro de La Menesunda en el New Museum, en 2019, cuando observaba indignada cómo algunos ingresaban a la instalación con perros. El próximo montaje de esta pieza, presentada por primera vez junto a Rubén Santantonín en el Instituto Di Tella en 1965, y recreada en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires medio siglo después, se hará en Liverpool el año próximo. “Para entonces ya voy a tener conquistada Inglaterra”, dice, confiada.

Por ahora está en plena batalla. “No puedo abandonar Vacunación global pese a que ya comenzamos en Manchester desde Buenos Aires el Big Ben”, decía en un video publicado en Instagram el 18 de junio, mientras mostraba los avances de la obra que está realizando en su taller de San Cristóbal. Es la continuación de Pandemia, alojada actualmente en el cerrado Museo Nacional de Bellas Artes. Como si eso fuera poco, exhibe también la muestra Implosión! en la Fundación Santander.

Esta semana, sin embargo, toda su atención estará puesta en lo que ocurre a 11.000 kilómetros de distancia, del otro lado del Atlántico. “La gente va a poder entrar al Big Ben en grupos de a seis –adelanta–. Después de caminar 35 metros va poder ver una película de dos minutos, con dibujos de la obra, en la que se ve cómo se desprende de Londres y vuela por el espacio sideral, para aterrizar en Manchester. De fondo se escuchan las voces de Winston Churchill y Margaret Thatcher y una banda de sonido hecha por músicos de allá. Para dirigir todo eso tengo que hablar todos los días con treinta personas y explicarles lo que va segundo a segundo, es un desgaste”.

La selección de los libros fue un capítulo aparte. “Son 150 títulos que aluden a los conflictos entre Londres y Manchester –señala–. Fueron reunidos por la universidad local, pero tuve que hacer un Zoom con las editoriales para explicarles el proyecto. Yo me manejo bien con el inglés, pero ellos tienen un acento más cerrado”.

Los conflictos a los que se refiere fueron sobre todo los surgidos en la década de 1980, cuando la política neoliberal de Thatcher aceleró el declive económico de una ciudad que alguna vez fue la primera industrializada del mundo y jugó un rol clave durante la Revolución Industrial. Desde Manchester llegaron por ejemplo hasta Buenos Aires los ladrillos rojos con los que se construyó, en 1902, el edificio El Porteño –hoy sede del Faena Hotel–, un depósito de granos que se exportaron al mundo durante la Segunda Guerra Mundial.

“Como dinosaurios torpes que de repente se encontraron con su meteorito, las grandes industrias pesadas del este de Manchester cayeron hasta la extinción –escribe Paul Taylor en Manchester Evening News–. Las fábricas de alambre, las empresas de ingeniería, las fábricas de todo tipo quebraron, arrojando al paro a cientos de hombres a la vez”.

Arte para todos

Tiene sentido entonces que uno de los títulos elegidos para el Big Ben de Minujín sea Oliver Twist, de Charles Dickens, novela publicada originalmente por entregas en una revista dirigida por el propio autor, entre 1837 y 1839. Narra la historia de un huérfano que sufre la delincuencia y la marginalidad de Londres, en su lucha por progresar en la vida. “Me gusta que este libro haya sido incluido no solo por el aspecto político del texto –dijo la artista a The Guardian–, sino por el hecho de que Dickens usó nuevos métodos de impresión, baratos y episódicos, que volvieron el trabajo accesible a una audiencia mucho mayor”.

Ni más ni menos, lo que Minujín procura hacer con sus propias obras. El público podrá llevarse los libros en forma gratuita hacia el final del festival, entre el 17 y el 18 de este mes, tal como se hizo con el Partenón de libros prohibidos en Kassel y en su versión original, montada en 1983 para celebrar el regreso de la democracia en la Argentina. Distintas formas de alimentar su serie titulada La caída de los mitos universales, que también incluye el

Obelisco acostado, que presentó en 1978 en la Bienal de San Pablo, y el posterior Obelisco de Pan Dulce.

“¡La gente necesita esto! Necesitamos nuevas ideas y nuevos lugares donde la gente se reúna”, dice ahora la impulsora de un “arte vivo”, conceptual y participativo, convencida de que además “es terapéutico”, para anunciar su charla inaugural con The Guardian. “Los símbolos globales como el Big Ben se mantienen firmes y nunca cambian, pero el mundo siempre está cambiando”, agrega, y demuestra con su ejemplo hasta qué punto es posible adaptarse a esos cambios.

Bono de 15000 pesos para trabajadores de la cultura: ¿cómo inscribirse?

Fuente: BAE Negocios ~ El Gobierno nacional busca apoyar a los sectores más golpeados por la pandemia de coronavirus (Covid-19) y entregará a través de la Administración Nacional de la Seguridad Social ( Anses) un bono extraordinario de $15.000 que llegará a más de 50.000 trabajadores y trabajadoras de la cultura. 

El ministro de Cultura, Tristán Bauer, junto al gobernador de la provincia de Buenos Aires, Axel Kicillof; la directora ejecutiva de Anses, Fernanda Raverta y el ministro de Producción, Ciencia e Innovación Tecnológica de la Provincia de Buenos Aires, Augusto Costa, anunciarán mañana a las 10.30 en Tecnópolis la tercera cuota del apoyo extraordinario Cultura Solidaria.

Ya sin un cuarto Ingreso Familiar de Emergencia ( IFE), el sector recibió dos apoyos similares en meses anteriores, con el objetivo de paliar las consecuencias económicas de la pandemia e impulsar el desarrollo de las industrias culturales.

Cultura Solidaria es una política pública, federal e inclusiva que continúa y profundiza los apoyos económicos implementados por el Ministerio de Cultura en 2020 para acompañar al sector durante la emergencia sanitaria”, detalló una comunicación de esa cartera.

Cómo inscribirse en Cultura Solidaria

La línea de acompañamiento destinada a artistas, trabajadores y trabajadoras de la cultura pagará a través de la Anses un monto de $15.000. Para acceder, los interesados deberán inscribirse en principio en el Registro Federal de Cultura de la siguiente manera:

1. Ingresá a somos.cultura.gob.ar/registracion/

2. Completá tus datos para crear un usuario.

3. Recibirás un correo electrónico a través del cual deberás validar tu cuenta.

4. Ingresá al Registro y finalizá tu inscripción

5. Una vez realizado el trámite, podrás presentarte a las Convocatorias abiertas del Ministerio de Cultura.

Cultura Solidaria: ¿cuándo se cobra? 

La tercera cuota del bono de 15.000 pesos no tiene aún fecha de cobro. El Gobierno tampoco informó aún el plazo límite de inscripción al beneficio, pero se espera que se amplíen los detalles en el anuncio del martes. 

El Ministerio de Cultura comunicó que, implementado en articulación con Anses, este acompañamiento busca fortalecer su carácter solidario a través de acciones voluntarias y optativas realizadas por los propios beneficiarios y beneficiarias. De esta forma, ya se están realizando talleres, capacitaciones, asesoramiento técnico y presentaciones artísticas que se desarrollan en articulación con los municipios y organizaciones de la sociedad civil.

Código QR de cobros de Anses

El código QR para consultar los beneficios de Anses es otra herramienta que estará disponible en la pantalla de Crónica HD, en donde cada usuario podrá, sacando una foto con un teléfono celular, entrar a todas las noticias sobre Anses que fueron publicadas, en donde incluirá, en el caso de que se entregue, toda la información del IFE y otras novedades relacionadas con las prestaciones.

El pintor de los paisajes del Chaco

Fuente: Diario Norte ~ Nació el 4 de julio de 1903 en Santa Rosa Toay, La Pampa. Sus padres fueron José Galíndez y Raquel Cavabatti. El padre, catamarqueño radical yrigoyenista, actuó en política desde principios de siglo, ocupó varios cargos en distintas gobernaciones (por aquel entonces territorios) y quiso el destino que ocupara un cargo en La Pampa, donde nacieron don Rafael Galíndez y sus hermanos.

Por los mismos motivos sus padres se radicaron en Resistencia en 1914, ocupando su padre el cargo de secretario de la gobernación durante el mandato de Enrique L. Cáceres. Se casó con Lidia Sosa, maestra correntina que ejercía en Resistencia.

Un curioso episodio

A mediados de la década de 1920 un episodio juvenil decidiría su vocación y su destino. Enterado de que en una toldería toba cercana a Resistencia los indígenas celebraban sus bailes y ritos, un atardecer, montado a caballo, a escondidas de sus padres, llegó a las tolderías y, escondido en la fronda del monte, presenció la ceremonia del llamado “Baile Sapo”, ritual toba en honor a la luna. 

Exposición en el salón Chrysler, 1931

Esta travesura hizo que el padre lo enviara a Catamarca, donde ingresó y se recibió de profesor de dibujo y pintura en la Academia Nacional Belgrano de Bellas Artes. En aquella ciudad pintó su primer óleo.

La revista Estampa Chaqueña del 3 de abril de 1931 y La Voz del Chaco de esos días registraron amplios comentarios y notas gráficas de la primera exposición plástica individual realizada por un artista local en esta capital, en el salón de la concesionaria Chrysler de Resistencia en la calle Arturo Illia, por ese entonces Florida al 135.

Entre 1964 y 1965 fue Director de Cultura en la provincia y fue uno de los más entusiastas en reactivar el Parque 2 de Febrero para su uso deportivo y cultural. Los últimos años de su vida los compartió con don Gregorio Romero y su esposa en el barrio San Cayetano de Resistencia, y me contaba José María Romero (su sobrino, que compartía la pieza con él) que era tanta su bondad que regalaba sus cuadros por doquier y él apenas pudo conservar un par.

Falleció el 9 de febrero de 1981, en Resistencia. Considerado uno de los primeros pintores del Chaco, con más de tres mil obras entre óleos y acuarelas, también desarrolló a la par una larga trayectoria docente en la Escuela Normal Sarmiento y el Colegio Nacional J. M. Paz. Me tocó en suerte ser su alumno en el Colegio Nacional, cuando era bastante mayor. Realmente era una persona con unos conocimientos impresionantes del arte de la pintura. Sus garabatos y dibujos informales en horas de clases llamaban la atención. 

Ombú y monolito de los inmigrantes, óleo de Rafael Galíndez

Decía Gaspar Lucio Benavento 

“…Es que Galíndez, a pesar de sus lentes, tiene un dominio de la técnica. Sabe dar colorido y emoción a sus obras, que es todo cuanto requiere una obra de arte. Pero, por sobre todo, Galíndez domina el color de la carne, de esa carne indígena, vencida, triste de soledad y de injusticia”. 

Continuaba: “En el Hospital Regional he visto colgado un cuadro grande, trabajo meritorio y digno de una sala del mismo hospital”, y sugería que “Lo que debería hacer este muchacho –humilde de puro orgulloso- es hacerse conocer, haciendo conocer sus obras. Es una lástima y una injusticia que viva en el anonimato, porque, quiera o no, Galíndez vale más de lo que él se figura. También, y aunque esto sorprenda, los artistas tenemos un exceso de dignidad”. 

Movida cultural en defensa del “Indio” de Crisanto Domínguez. Abajo, Galíndez y Juan de Dios Mena

Anécdota

“Alguien encargó a Galíndez un trabajo pictórico. Se trataba de llevar al lienzo la figura de una fábrica de aceite. Galíndez cumplió con el trabajo y lo hizo bien. Cuando fue a presentarlo al comerciante, salió ofreciéndole $ 80. ¡Ochenta pesos! Para un artista que se precie es un insulto, un ultraje a su dignidad”. Y reflexionaba: “Creo que si un día me sale encargando un trabajo literario y se me viene después con 10 o 20 pesos, le diría yo soy artista, no mendigo”. 

Y continuaba: “Galíndez no ha rebajado su arte, no se ha contaminado de vulgaridad. Porque no es un vulgar pintamonas, sino un hombre sincero que siente la belleza y sabe traducir en colores sus emociones más puras. Y tiene una gran virtud: La de ser sincero. Abomina de las extravagancias; por eso se apasiona con los motivos sencillos, sin complicaciones”.

Así lo definía su querido amigo.

Descubren que una pintura de Rembrandt era el cuadro que se había caído en su casa

Fuente: Clarín ~ Una pintura del maestro holandés Rembrandt que se creía perdida fue hallada de la manera más insólita casi cuatro siglos después de su creación cuando se cayó de la pared de la casa de una familia en Roma, Italia.

Se trata del óleo sobre lienzo pintado entre 1632 y 1633 conocido como «Adoración de los Magos», que justamente representa en momento en que los tres Reyes Magos visitan al niño Jesús en su cuna.

La pieza invaluable formaba parte de una colección privada de una familia noble que no sabía que en su propia casa guardaban dicha obra, y permaneció «oculta» durante siglos.

Rembrandt, en un autorretrato al óleo de 1659. Foto: Wikipedia
Rembrandt, en un autorretrato al óleo de 1659. Foto: Wikipedia

«Los propietarios no tenían ni idea de quién era el autor del cuadro. En el siglo XIX, estas obras se consideraban adornos domésticos y se perdió el sentido de su valor», comentó Guido Talarico, presidente de la Fundación de Patrimonio de Italia (FPI).

Caída, restauración y hallazgo

Por una de esas cuestiones que suelen suceder, la pintura cayó del lugar del que colgaba allá por 2016 y al golpear el suelo dañó su marco.

Así fue que cuando el especialista responsable de la restauración limpiaba su barniz oscurecido por el tiempo, algo le llamó la atención. Comenzó a estudiar la obra a fondo y no tardó en reconocer que era un original del maestro barroco.

Guido Talarico, presidente de la  Fundación de Patrimonio de Italia (FPI).
Guido Talarico, presidente de la Fundación de Patrimonio de Italia (FPI).

«Durante mi trabajo pude evidenciar una de las cosas más hermosas de la vida. Es una emoción que no tiene igual. Y me dejo llevar por el hechizo«, contó todavía con mezcla de orgullo y emoción la restauradora Antonella di Francesco.

Y sentenció: «Es la conciencia repentina de estar frente a una obra de un autor grandísimo que se te revela, que sale de su opacidad y te elige para ser redimido de las tinieblas».

Más sobre la obra de arte

La voz de otros expertos que se sumaron a la investigación respaldan la conclusión de la restauradora.

Las dimensiones del cuadro de 54 x 44,5 centímetros, sumadas claro estás a características técnicas estudiadas a fondo respaldan la teoría que atribuye la obra al maestro holandés.

En tamaño completo, la obra de arte "Adoración de los Magos" mide 54 x 44,5 centímetros.
En tamaño completo, la obra de arte «Adoración de los Magos» mide 54 x 44,5 centímetros.

Según trascendió, la «Adoración de los Magos» se había conservado solo a través de copias, entre las que aparecen como más reconocidas las de San Petersburgo y Gotemburgo.

Por el momento, la pintura sigue siendo conservada por sus propietarios, aunque no se descarta que pronto pueda ser expuesta en museos y galerías, difunde Italy 24 News.

El hallazgo de la obra de arte de Rembrandt que se creía perdida llegó a la TV italiana.
El hallazgo de la obra de arte de Rembrandt que se creía perdida llegó a la TV italiana.

Y tras algunas especulaciones, tampoco la familia expresó su intención de vender la obra de arte. Tal vez quieren disfrutar más y mejor de una obra de Rembrandt.

Un dibujo de Matisse olvidado por años sobre un armario se vendió a u$s263.000

Fuente: Ámbito ~El dibujo al carboncillo es de 1938, está firmado por el artista y representa el «Retrato de Hélène Mercier, princesa Galitzine, sentada»

Un dibujo del artista francés Henri Matisse, que estuvo durante años sobre un armario sin que su dueña imaginara su valor, se vendió este sábado a 263.000 dólares después de que hace aproximadamente un año la mujer decidiera investigar el valor de la obra.

El dibujo al carboncillo es de 1938, está firmado por el artista y representa el «Retrato de Hélène Mercier, princesa Galitzine, sentada», informó la agencia de noticias AFP sobre una pieza que está en manos de un comprador cuya identidad no fue revelada pero lo adquirió en una subasta realizada en el sur de Francia.

El recorrido del dibujo de 65 cm por 50 cm comenzó cuando fue regalado por el artista, luego fue entregado a una monja del Convento de los Mínimos, antes de pertenecer tras varias sucesiones a la última vendedora.

Hélène Galitzine Mercier (1912-1966), hija del príncipe Lev Golitsyn y de Helena Gagarine, figuraba entre los modelos preferidos de Matisse a finales de los años 1930 y protagoniza este trabajo del artista nacido en 1869 en Cateau Cambrésis (norte de Francia).