Categoría: Entrevistas y Protagonistas

Fuente: Ámbito ~ Bajo el título «Senderos de arte de ayer y de hoy», la exposición presenta un recorrido por los distintos períodos del artista, a través de unas 40 obras que ponen en escena una trayectoria que enlaza arte, historia y militancia.

La muestra del Premio Nobel de la Paz y artista visual Adolfo Pérez Esquivel, que reúne dibujos, pinturas, grabados y esculturas realizadas desde 1950 hasta el presente y propone una mirada sobre América Latina, sus culturas y sus preocupaciones sociales, cambia la fecha de su inauguración para el próximo sábado 2 de julio en el Museo Lucy Mattos de Vicente López.

Bajo el título «Senderos de arte de ayer y de hoy», la exposición presenta un recorrido por los distintos períodos del artista, a través de unas 40 obras que ponen en escena una trayectoria que enlaza arte, historia y militancia.

Dice el propio Pérez Esquivel a propósito de la muestra: «Quiero contar la historia de América Latina. Primero soy artista, después militante. Las dos cosas se funden, todo mi arte tiene que ver con la vida, con lo que realizo y creo que eso es importante».

Curada por Laura Casanovas, en la muestra se exhiben «escenas que vislumbran identidades y culturas, la vida urbana, las luchas sociales, la fe religiosa de los desamparados, la guerra, el límite por momentos demasiado lábil entre vida y muerte, las dictaduras y las desapariciones, las manifestaciones artísticas de los pueblos, la mujer y los afectos familiares», adelanta la responsable de la curaduría.

«Nunca hubo escisión, en su caso, entre arte y lucha. Los dibujos en tinta y grafito, las xilografías, las pinturas en acrílico y las esculturas en bronce, madera, mármol y cemento descubren distintas etapas estilísticas con propuestas plásticas cercanas tanto al realismo como a las vanguardias, sobre todo de raíces latinoamericanas, pero con soluciones formales propias», describe Casanovas.

Pérez Esquivel nació en Buenos Aires el 26 de noviembre de 1931, aprendió a tallar madera en el Patronato Español de Colegiales donde estuvo de pupilo. Su abuela Eugenia, hablante de guaraní, le transmitió la historia y tradición de los pueblos originarios. Se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y en simultáneo despertaron sus inquietudes sociales. Su intensa actividad artística se concentró en la pintura, los murales y monumentos, entre los que se destacan el «Vía Crucis Latinoamericano» y «Paño Cuaresmal» realizados en 1992 en conmemoración a los 500 años de la conquista de América.

Como militante, sufrió detenciones y torturas y fue dejado cesante de sus cargos docentes por la última dictadura cívico militar después de agosto de 1977. En 1980 recibió el Premio Nobel de la Paz en reconocimiento a la lucha por los derechos humanos en un contexto de violencia y dictaduras en América Latina.

Fue presidente del Consejo Honorario del Servicio Paz y Justicia de América Latina y es miembro del Tribunal permanente de los pueblos, del Comité de Honor de la coordinación internacional para el decenio de la no-violencia y de la paz.

La muestra se inaugura el sábado 2 de julio a las 13 en el Museo Lucy Mattos, ubicado en avenida Del Libertador 17426, Beccar- Partido de San Isidro, provincia de Buenos Aires, y puede visitarse de miércoles a sábado de 11 a 19 y domingos de 10 a 18.

Fuente: Arte-Online ~ Sus Formas en Cecilia Caballero

Carla Gimbatti y Natalia Abot Glenz no se conocían y, sin embargo tienen mucho en común. Reunidas por Cecilia Caballero para la DE- Formas, muestra en su galería que puede visitarse hasta el 15 de junio

Carla Gimbatti y Natalia Abot Glenz, crearon en de-formas, códigos espaciales para que el espectador decodifique a medida que recorre el espacio expositivo. La diversidad de los materiales y de las formas escultóricas expuestas invitan a comprender que somos una masa, un cuerpo tridimensional en un espacio. Sin embargo, la clave y la riqueza de la propuesta es entender que el espacio puede no ser un lugar real o lógico dentro del cual las cosas están ubicadas, sino un ambiente en donde la posición de los objetos es posible, y que nuestra relación con lo circundante tiene el poder de alterar nuestra percepción.

En de-formas, las artistas trabajan con diversos materiales creando esculturas que invitan a pensar cuál es la relación que establece un cuerpo orgánico con la idea de movimiento, a cuestionarnos si hay un orden intrínseco en los objetos y cuál es la relación existente entre la naturaleza y los humanos.

Obras de Natalia Abot Glenza

•••Natalia Abot Glenz abordó el universo del movimiento a temprana edad a partir de la danza. Esto le permitió comprender la espacialidad desde su propia corporalidad, gesto que traslada a sus esculturas de diferente formato y materialidades. Su maestría corporal y su lenguaje parecen no tener límites. Una de las características más interesantes de su trabajo, es cómo logra a partir de su habilidad plástica, transformar materiales de procedencia industrial (sólidos, pesados y robustos) en obras con movimiento constante, livianas y etéreas.

Por su lado, Carla Gimbatti presenta Cuerpos Magnéticos, una serie que nace de interrogar la relación que existe entre la naturaleza y nuestros cuerpos. Influenciada por diversos paisajes, la presencia de sus esculturas en sala crea visiones de rocas, huesos, estructuras con flexibilidad, atracciones, espacios, vacíos, luces, sombras, movimientos y quietud.Cuerpos Magnéticos es una obra dinámica donde cada pieza refleja la individualidad del objeto; y a su vez cambia la percepción cuando entran en relación con las demás. La obra nunca es la misma, dependiendo el espacio en el que se encuentre se adapta y re-configura, se decodifica.

En ambos casos,  la luz, es un componente esencial de sus trabajos, a partir de un juego de luces y sombras, sus obras adquieren una dimensión espacial y temporal única.

De-formas, resalta una de las principales características de la escultura: el gesto de trabajar con diversos materiales expandidos en el espacio físico del espectador. Las artistas tienen la habilidad de experimentar con materiales poco convencionales que dan una impresión de liviandad y buscan un punto de contacto con el observador donde a partir de la metáfora de lo formal es posible reflexionar y decodificar su propia presencia física en un aquí y un ahora.

Fuente: Perfil ~ El destacado artista plástico habló en Modo Fontevecchia y resaltó que el arte tiene que «ser accesible» y que «todo el mundo pueda tener una obra original». Cuáles son sus motivaciones profesionales y su nuevo proyecto de NFT. Mirá la entrevista completa.

El reconocido pintor Milo Lockett dialogó con Jorge Fontevecchia en Modo Fontevecchia, por Net TV y Radio Perfil (FM 101.9), y contó por qué decidió «ser un artista masivo». Además destacó que si bien no reniega de las élites, le interesa más lo popular. También contó detalles sobre su lanzamiento de NFT y reveló detalles de su proceso creativo.

Los pintores creen que el valor de sus obras está relacionado con la regla económica de la escasez. ¿Hiciste algún cálculo al respecto? ¿Tuviste un impulso incontenible de producción?

Mi carrera empezó de una forma bastante romántica y después arrancó el proyecto de vivir del arte, que son cosas distintas. Siempre tuve la idea de que el arte tenía que ser accesible. Me parece interesante que todo el mundo pueda tener una obra original, por eso siempre trato de masificar y llegar a todas partes.

No tolero la idea de que alguien no pueda acceder a un cuadro mío. Entre el 2008 y el 2009 pude elegir el tipo de carrera que quería. Siempre tuve mucha producción, pero se me abrieron puertas internacionales y tomé la decisión de ser un artista popular y masivo. No creo que si hay mucha obra se pierde valor. Tengo gran demanda, que sigue creciendo y eso no tiene que ver con la cantidad. Cuando tenés más obras, hay mayores oportunidades.

Hay una teoría artística que es la de agujero, que dice que, cuanto más se saca, más grande es. ¿Compartís esa idea?

Estoy lanzando unos NFT donde trabajé con muchos artistas digitales porque era un mundo nuevo para mi. Lo armé con gente que conocía por su obra pero no teníamos. Tampoco eran fanáticos míos. Lo pensamos por la masividad y lo democrático que es. Van a ser 11.111 obras y parece una cantidad enorme, pero salís al mundo, es nada. Quería que todo el mundo tuviese una obra de arte y yo necesito desprenderme de lo que pinto.

Algunos sostienen que cuando alguien tiene una idea, la está dando y se queda sin algo. Otros piensan que es al revés. ¿Qué sensación tenés con respecto a eso?

Siento que, cuando doy, la creatividad avanza. No hago cuadros iguales, puedo pintar paletas parecidas, pero el ejercicio de trabajar es maravilloso. Lo hago con ayudantes, en promedio, no menos de ocho horas por día. Empezamos a las 10 de la mañana y terminamos a las siete de la tarde.

¿Qué hacés en tu tiempo libre?

Hoy tengo un esquema muy armado en el Tigre. El taller está a la vuelta de mi casa, me restructuré por la pandemia. Tengo mi mesa de café para juntarme con amigos y distraerme para hablar de otras cosas. Los domingos los dedico a mi familia. Tengo el pensamiento enfocado en el trabajo, quiero pintar hasta el último día de mi vida.

Vos sos de Chaco, ¿cómo era tu vida ahí?

Viajé mucho por el interior del Chaco y ahora vuelvo para pintar una escuela. Recién ahora tengo una vínculo más lindo con el agua y planté muchas palmeras que me recuerdan a Resistencia. No es una cuestión de abundancia y me siento bien cuando hago algo que le hace bien al otro. No niego las élites pero me interesa lo popular. A todos nos gustan los premios pero el reconocimiento de la gente es lo mejor.

Fuente: Clarín ~ La especialista, que tuvo a su cargo la muestra “Tejer las piedras” y además explora archivos de escritores y artistas, habla de la actual influencia del textil en la creación.

Algo en el tono suave y calmo de las obras de Ana Teresa Barboza que integran Tejer las piedras, su muestra en el Malba, reverbera también en la voz de su curadora, Verónica Rossi.

​Barboza realiza en Perú un trabajo de corte casi etnográfico, investigando modos de vida y oficios ancestrales. En paralelo a su desempeño como curadora en el museo, Rossi explora archivos de escritores y artistas desde hace veinte años.

Conoció la obra de Barboza en un taller sobre arte textil al que iba a aprender puntadas y terminó debatiendo con colegas las (todavía muy) complejas diferencias entre arte y artesanía. Así prendió el germen de esta muestra, que tiene la suavidad de las fibras y el rigor de la piedra.

Verónica Rossi explora archivos de escritores y artistas desde hace veinte años. Foto Fernando de la Orden

–Barboza hace un trabajo arqueológico para sus obras, algo que resulta muy afín a tu trabajo en los archivos.

–Ana Teresa hace un racconto del pasado y de las clasificaciones y del archivo de todo el arte textil peruano que está muy relacionado con mi trabajo de revisar catalogar y archivar. Pero también ese trabajo está relacionado con el workshop Formosa, que durante diez años llevó adelante Guillermina Baiguera.

En paralelo a esta muestra y a mi trabajo de archivo e investigación en Malba siempre traté de que se incorporara el arte textil en el museo. Cuando hicimos con Gabriela Rangel y Florencia Malbrán la nueva puesta pensamos mucho la colección en términos de lo que faltaba y para mí una prioridad era la compra de artistas textiles de Latinoamérica.

–Que es una técnica a la que se está acudiendo mucho en el arte contemporáneo.

–Y es algo que acá se inició de una manera sistemática en el estudio Guillermina, pero es algo a nivel mundial. En Perú si bien hay artistas contemporáneos que trabajan con el textil recién ahora están investigando mucho, conocen mucho el arte textil que se hace en Argentina y es Ana Teresa quien está estimulando el diálogo con nuevos lugares.

La artista peruana Ana Barboza.

–Resulta paradójico con la tradición de textiles que hay en Perú.

–Tienen la tradición más antigua de América. Los primeros restos de cestos encontrados debajo de las piedras son de hace diez mil años. Cuando estuve en Lima hablé mucho con Natalia Majluf, una gran investigadora muy reconocida allá.

Ella trató por mucho tiempo el tema del arte popular y su posición en el arte del siglo XX. Es importante que personas como Natalia estén trabajando esto, y pensando las relaciones entre el arte contemporáneo y el arte textil ancestral en Perú, de donde vienen también los estudios que hace Ana Teresa.

–¿Por qué pensás que vuelve con tanta fuerza el textil en el arte contemporáneo?

–Podemos usar como ejemplo el caso de Ana Teresa. Ella se hace preguntas en torno a su entorno y a cómo cuidar el medioambiente, y cree que la mejor forma es acercándose a lo que nos da la tierra y a estas antiguas comunidades (antiguas porque vienen de hace muchas generaciones) que trabajan con la naturaleza que los rodea y dependen de esa naturaleza.

Cuando ella registra el humedal, estudia todo en cuanto al humedal y la comunidad que lo habita: de qué vive, cómo vive, cómo potabilizan el agua, porque utilizan esas totoras y juncos y no otras. Su aproximación al textil es desde el conocimiento ancestral para poder dialogar de una manera poética con un problema ambiental. Creo que el textil tiene mucho que ver con la tierra y con esta representación más cercana a la naturaleza.

Como decían Ani Albers o Sheila Hicks, “si vos querés hablar del color real en un paisaje no hay mejor transmisor que el arte textil”. Me interesa mucho cómo esta nueva generación de artistas trabaja con materiales que vienen de la tierra.

Naturaleza, volumen y la historia detrás de los materiales y sus hacedoras, en la obra de la peruana Ana Teresa Barboza, expuesta en Malba.

–Y con cierta recuperación de los oficios, ¿no?

–Los oficios que se transmiten de generación en generación. Desde una perspectiva de estudio, pero con la intención de que lo material prepondere sobre todo lo demás.

–Después de muchos años en que lo material fue completamente secundario.

–Esto también pasó en los años 70. En ese momento el movimiento feminista estuvo de la mano del arte textil, era como una especie de lucha política a través de la materialidad del textil, y eso también se da ahora. Una mujer que hace textil lo hace desde lo ancestral femenino.

Pero me gustaría aclarar que Ana Teresa no se siente representada con ese movimiento de tejedoras. Su trabajo está ligado a las comunidades y al medioambiente. De hecho, no solo trabaja con mujeres. Para ella lo primordial es recuperar y cuidar saberes ancestrales. Cuidar esos ecosistemas es cuidar esas comunidades que subsisten allí desde hace siglos.

–En lugar de contraponer cultura y naturaleza lo integra.

–Ese es el objetivo de su trabajo, y ese es el objetivo de todo trabajo textil: la memoria. Por eso es muy interesante pensar cómo ella empieza con el textil, siendo una estudiante de Bellas Artes, cuando al fallecer su mamá retoma sus pedazos de tela y sus hilos y comienza a hacer patchworks, que es la técnica relacionada al cuidado de la memoria familiar. Entonces ella siempre trabajó con la memoria, pero ahora se abrió a la naturaleza y la comunidad.

«Para mí, una prioridad del Malba era la compra de artistas textiles de Latinoamérica», señaló Verónica Rossi. Foto Fernando de la Orden

–¿Cómo se inscribe esta muestra en la agenda de un museo para el que las artistas mujeres vienen ocupando un lugar central?

–La muestra está muy en línea con la idea del museo de poner en foco la labor de muchas mujeres, una idea que instaló Agustín Pérez Rubio, que después el museo continuó, y que fue tan importante para todos los que trabajamos alrededor de él. Y también esta otra idea que nos dejó Gabriela Rangel de abrirnos a otros artistas de Latinoamérica, no quedarnos solo con lo nuestro.

Y si vamos a hacer muestras sobre textiles no podía faltar Perú. Para Ana Teresa también es muy importante, porque es su primera muestra individual en una institución. Estábamos trabajando con Marita García en la muestra de Yente y Del Prete que puede verse ahora en el segundo piso, y yo le comentaba a Marita que Yente era eximia en todas las técnicas de bordado.

Ahí pensamos en recuperar el arte textil de la mano de estas piezas tan icónicas de Yente. Porque no nos olvidemos que el MoMa, de esta artista compró justamente una pieza de arte textil.

–Volviendo a tu labor en los archivos: ¿es el gran legado del museo del siglo XX al del siglo XXI?

–Para mí, por la forma en que trabajo desde hace veinte años y de todos los archivos que atravesaron mi vida, no existe obra sin un archivo. Ya sea el de Remedios Varo o el de Ana Teresa Barboza cuyas obras integran registros. A mí me parece que el archivo es el aparato crítico de toda obra. Pero no necesariamente toda exhibición necesita su archivo. Sí es clave para comprender la obra de cualquier artista o escritor, porque ahí se nos revelan realmente artista y obra. Es indispensable.

–¿Hay una suerte de aura de obra que se desplazó hacia el archivo?

–Hay que ponerla en su lugar. Si bien yo soy una apasionada de los archivos no creo que tengan que tener más protagonismo que la obra. Entiendo que hubo un fulgor de archivo, pero creo que su lugar es la retaguardia. Es el trabajo por detrás: es sutil y esencial, pero no protagonista. Una muestra como esta habla de hacia dónde estamos yendo en ese terreno, hacia que el archivo, que fue protagonista durante varias décadas, encuentre su lugar en el rompecabezas. Creo que hay una evolución en ese sentido.

–¿Qué tienen en común la lógica del textil y la lógica de los archivos?

–El tiempo lento. Es el hilo conductor entre las dos disciplinas: en ambas tenés que tener mucha paciencia para no perderte ni en ningún punto ni en ningún documento. También, la necesidad de cercanía. El arte textil es más lindo tocarlo que verlo en una pantalla… y el archivo también.

Fuente: Clarin ~ “Telecristales y homoerotismo” es el primer episodio de la exhibición que reúne su legado artístico.

Tenía apenas 60 años cuando falleció el 27 de noviembre de 2002. En la Argentina de transición post 2001 se buscaban chivos expiatorios para explicar la salida abrupta de la convertibilidad, el fin de la ilusión, de la fiesta dorada.

En ese país bastante parecido al actual –la tapa del diario da cuenta de aumentos de tarifas por pedido del FMI y los conflictos en la interna del PJ– Klemm era mirado con recelo.

Él, que había surgido del Instituto Di Tella, que había heredado millones y que había puesto su fortuna al servicio del arte, que había llevado las artes visuales a la calentísima pantalla de televisión de los ‘90, ahora moría en el Hospital Alemán de la Ciudad de Buenos Aires con miradas de indiferencia.

Federico Klemm, la obra es él mismo. Foto Lucía Merle

La crónica del día después contaba la preocupación de Valeria Fiterman por el futuro de la Fundación Klemm. El espacio había surgido en 1992 para albergar la colección propia de Klemm.

Hoy, 20 años después, esta sentada en el privado de la Fundación junto a su coequiper, Fernando Ezpeleta. Lejos de cerrar, el espacio se mantuvo activo, continuó con la realización del Premio Klemm, hizo muestras, expandió sus metros cuadrados e ideó nuevos guiones para su colección.

A dos décadas de la desaparición del artista, se inició un año de homenajes con la exposición Encantador de la noche, con obra del propio Klemm, que se dividirá en tres episodios curados por Feda Baeza, Guadalupe Chirotarrab, y Santiago Villanueva.

Hay foto-pinturas y foto-collages, se podría decir que son la especialidad de la faceta artista de Federico; objetos, documentos de archivo, los muebles que decoraban su casona en la calle French y obras de arte de su colección.

El primer episodio, el actual, Telecristales y homoerotismo, revisa la representación del cuerpo masculino en el compendio de obras escogidas. Cuerpos que fueron sexualizados, puestos a modo de deseo detrás de vitrinas o pensados para su adoración. Se camuflan entre mitos, relatos religiosos y un surrealismo que tras recorrer completa la fundación solo puede ser acompañado por el adjetivo klemmliano.

Federico Klemm. A dos décadas de la desaparición de Federico se inició un año de homenajes con la exposición «Encantador de la noche», con obra del propio Klemm, que se dividirá en tres episodios. Foto Archivo Clarín

Las obras fueron pintadas a mediados de los ‘90 y se distingue el estilo de época de esos cuerpos trabajados en el gimnasio con el único objetivo de ser deseados. Musculosos, con su cabellera larga y rubia; los hay también con cara aniñada, de pelo corto, como el joven Klemm que se paseaba por la manzana loca en la época del Di Tella.

A esos hombres los viste de curas, los coloca en escenas que recuerdan a la crucifixión de Cristo, los hace emerger de las aguas doradas entre lunas asombrosas.

Telecristales y homoerotismo es la primera entrega de tres. A mediados de año llegará El cisne en llamas donde los curadores harán foco en la relación entre amistad, intimidad e intercambio que mantuvo Klemm con la artista Mildred Burton.

​Prometen piezas como un gran lienzo para techo pintado en conjunto, una serie de imágenes del departamento de Federico intervenidas por Burton o un retrato que Klemm hizo de ella.

Hacia fin de año llegará Opera madre donde se desandará la relación del artista tanto como con este género musical como con su madre. La ópera y sus imaginarios constituyen uno de los pilares del mundo Klemm; Federico intentó ser un cantante lírico, incorporó las prácticas de la ópera en sus performances, adoró a María Callas al punto de comprar el sillón que le había pertenecido en un remate tras su muerte; se obsesionó con el bailarín ruso Rudolf Nuréyev con quien se vinculará y, tras su muerte, también comprará objetos que le habían pertenecido.

Una recorrida por la Fundación Klemm promete el encuentro con collages, pinturas y fotos. Foto Lucía Merle

El año de homenajes tiene también un episodio extramuros que se puede visitar en Para vos Norma Mía, el espacio de Fernanda Laguna, en Villa Crespo. El Príncipe atrevido: Federico Klemm en Norma Mía nos presenta al artista en su juventud con un conjunto de estudios y ejercicios de formación que consistían en copias de artistas modernos. El título de la muestra lo ideó el mismo Federico cuando a los 13 años escribió una obra teatral que llevó ese nombre y que hoy se conserva en el archivo personal.

Klemm había nacido en Checoslovaquia e inmigrado a la Argentina con sus padres. Hijo de un industrial alemán con buenos negocios, a la muerte de sus progenitores fue el único heredero de esta pareja de la alta burguesía de Europa del Este. Volcó sus millones a la compra de obras, al mecenazgo y a celebrar el arte.

​Con sus adquisiciones formó una colección exquisita de obras de artistas modernos y pop que envidia más de un museo y que se puede visitar con entrada libre: Joseph Beuys, Yves Klein, Jeff Koons, Andy Warhol, René Magritte, Marc Chagal, Man Ray, Christo, Pablo Picasso, Giorgio De Chirico, Roy Lichtenstein y lo más consagrado del arte argentino, desde Xul Solar hasta Marta Minujín.

Como parte también del homenaje Baeza, Chirotarrab, y Villanueva intervinieron la puesta de la exposición permanente, cuyo guion habían repensado tiempo atrás. A la colección de Federico se le incorporaron algunas obras ganadoras del Premio Klemm a lo largo de estos años.

Son artistas que en su momento estaban iniciando sus carreras y que hoy exhiben muestras individuales en los principales museos de Buenos Aires. Max Gómez Canle, Lucio Door, Laura Códega, Ad Minoliti, Elba Bairon, Ana Gallardo, algunos nombres que se sumaron.

Colección inédita. Klemm volcó sus millones a la compra de obras, al mecenazgo y a celebrar el arte. Con sus adquisiciones formó una colección exquisita. Foto Lucía Merle

Los custodios del legado físico de Klemm son Fiterman y Ezpeleta. Trabajaron codo a codo con él por lo tanto también son los guardianes de los recuerdos.

Son quienes colaboran para identificar escenas, eventos y personas que aparecen en el extenso archivo que actualmente se encuentra en proceso de catalogación. Sentados en el privado de la fundación conversan con Clarín Cultura sobre este espacio que conocen desde su nacimiento.

En la mesa somos tres; a pocos metros la fotografía que Marcos López tomó de Federico donde asoma por detrás un cuadro de Antonio Berni se erige como el tercer invitado a este café. A 20 años de su muerte Federico esta más vivo que nunca, con una revalorización de su persona como gestor y artista tras quedar injustamente asociado con la frivolidad menemista. “Federico se murió hace 20 años y estamos acá reflexionando sobre la colección», comenta Ezpeleta. Y acota su compañera: “Todo con su plata, la tenía clarísimo”.

La fundación se sostiene gracias a un fideicomiso ciego que Klemm ideó en vida y que mes a mes deposita en las cuentas argentinas el dinero para sostener los gastos. Si algún día ese dinero se acaba, la indicación de Federico es que sus obras pasen a formar parte de museos nacionales.

Estilo.

Esa promesa de donación hecha durante los ‘90, sumada a la masiva difusión de su figura y de su programa El banquete telemático – hoy en proceso de digitalización-, le valieron una plaqueta conmemorativa de Carlos Menem y el recelo del mundo del arte cuando la fiesta menemista acabó.

“Iba al programa de Tinelli, al de Mirtha Legrand, al de Maru Botana. Iba a donde lo invitaban, le parecía que todo era importante”, comentan los guardianes del legado Klemm. “Le decíamos: ‘¿Por qué no tenés cierto rigor en los espacios a dónde vas e intervenís con reportajes o performances como invitado?’. Señaló el televisor y dijo: ‘Todo lo que sale de ahí es lo mismo. Lo importante es el mensaje dicho donde sea en el contexto que sea’. Y Federico tenía un mensaje, ideas fuerza, que era lo que lo motivaban”.

¿Si estuviese vivo, qué estaría haciendo? “Si Federico estuviese vivo estaría todo el día en TikTok e Instagram”.

Ficha

Telecristales y homoerotismo, primer episodio de la exhibición Encantador de la Noche. ​
Dónde: Fundación Klemm, Marcelo T. de Alvear 626.
Cuándo: lunes a viernes de 11 a 19. Hasta fines de junio.
Entrada: gratis.