Fuente: Saavedra Online ~ De forma espontánea, con el esfuerzo de muchas personas y casi sin querer, en torno al Parque Saavedra se ha consolidado un gran polo de arte a cielo abierto. Es famoso el mural de Goyeneche junto al emblema de Platense, también las intervenciones de los artistas y vecinos Fa Uno Art y Ale Giorgga. Incluso el Gokú Calamar del centro de jubilados. Se suma ahora una obra mínima, anónima, pero llamativa y colorida: un mosaico sobre el cordón de la Plazoleta Pascuál Pérez, en Superí y Besares.
Como había informado este medio, esta plazoleta y su gemela, la “Alfredo Lepera”, están en obra para sumarle caminos de cemento colorado a los costados. Misma intervención se había hecho en la Escudero, al otro lado del Parque.
Los senderos en ambas plazoletas están listos y solo quedan unas cintas plásticas de color naranja limitando el acceso a los canteros. Con esta obra finalizada en cuanto a los trabajos de cemento, fue que una persona de forma anónima decidió instalar esta obra de arte miniatura.
Ahora que es otoño y las hojas se amontonan en las veredas, puede que se haga más difícil detectarla. No obstante, gracias a sus colores vivos y su textura llama la atención de quienes disfrutan a diario de este pulmón verde de Saavedra.
Sí con firma hay varios mosaicos del taller de Erica Blanco dentro del Parque Saavedra, en los bloques que sostienen los bebederos y cestos:
Fuente: La Nación ~ Una “criptoferia” de arte donde las obras sólo se podrán comprar con criptomonedas, forma de pago usada semanas atrás para adquirir una obra que rompió varios récords en Christie´s: eso es lo que impulsará este mes desde la Argentina Otra Feria, iniciativa virtual que se propone ofrecer “arte contemporáneo de modo contemporáneo”.
El artistaBeeple llegó en marzo al podio de los tres artistas vivos más cotizados gracias a la venta de un collage digital, por el equivalente en Ether a 69,3 millones de dólares. Como si eso fuera poco, el sitio web de Christie´s corrió el riesgo de colapsar debido a una encendida puja que abarcó ofertantes de once países y una audiencia online de 22 millones de personas. Finalmente, el comprador de ese archivo virtual concebido como Token No Fungible (NFT)fue un misterioso inversor de criptomonedas que se hace llamar MetaKovan.
Obra de Rogelio Polesello ofrecida por la galería cordobesa Via MarguttaGentileza Otra Feria
El timing no podría ser mejor para el desafío asumido por otraferia.com, espacio virtual donde se reunirá del 23 al 27 de mayo la oferta de una veintena de galerías de distintos países, en su mayoría argentinas. Las obras de artistas muy jóvenes podrán conseguirse desde 200 dólares, y habrá “algunas rarezas de consagrados”, comoRogelio Polesello, que llegarán hasta 35.000 dólares. “Como toda situación de vanguardia, esta edición inaugural será 100% experimental”, anticipó a LA NACION Diego Trulls, impulsor de la iniciativa.
Salón de eventos, Bolivia (2018). Fotografía de Florencia Blanco, artista representada por la galería La Arte de SaltaGentileza Otra Feria
Lanzada en abril de 2020, con una fuerte presencia en Instagram que incluyó charlas y fiestas inaugurales online con DJ en vivo, Otra Feria convocó desde entonces a más de 100.000 visitantes y 350 galerías en 17 ediciones. La idea incluso fue exportada a Europa como Another Fair, codirigida por Trulls y la española Sara González Arjona.
“Creamos una posibilidad, absolutamente inclusiva y federal, para que galerías de toda la Argentina y de Latinoamérica pudieran tener su canal directo con el mundo. Un espacio donde galerías hiperconsagradas e hiperemergentes tuvieran idéntico tratamiento y grado de exposición”, agregó Trulls, que en 2011 había desarrollado junto a Gabriel Werthein la plataforma Coleccionarte. La intención, ya en esos comienzos, fue “democratizar el arte y el coleccionismo”.
Pasaje, de María Allemand, una de las artistas representadas por TokonomaGentileza Otra Feria
A diferencia de una feria tradicional, las galerías no pagan por tener un espacio sino una comisión del 20% sobre las ventas. Sin embargo, se comprometen entre otras cosas a curar la muestra junto a los artistas, escribir los textos, elegir música que acompañe las obras, editar sus propios videos y “hacer cruces sorprendentes”. “Un mercado cada vez más amplio es la mejor situación posible para todas las partes del sistema”, agrega Trulls, que propone un tema para cada edición; uno de los primeros fue #superpoderosas, destinado a artistas y galeristas mujeres.
Obra de Yolanda López, artista representada por la galería Purísima de MéxicoGentileza Otra Feria
“Participé en tres ediciones de Otra Feria. No ha sido un éxito de ventas, pero en medio del contexto 2020 fue un motivador importante”, dijo a LA NACION Oli Martínez, de Tokonoma, una de las galerías porteñas que participarán de esta “criptoferia” con obras de María Allemand, Débora Pierpaoli, María Munzi y Laura Spivak. Entre otras que también se sumaron a la propuesta figuran Impakto (Perú), Del Paseo (Uruguay/Perú), Kiosco (Bolivia), No lugar (Ecuador), Purísima (México) y varias argentinas: PM, Via Margutta, Atocha, Fulana, Pasto, Oda, Beta Sur, La Arte y Laura Haber.
“No conozco a Diego personalmente –agregó Martínez-, pero me gusta su forma de posicionarse siempre un paso adelante, innovando con escasos recursos. En esta oportunidad, la idea de usar una criptomoneda también me entusiasma. Es un gesto, pero podría ser la forma de atraer nuevos públicos. ¡Allí vamos!”
Fuente: La Nación ~ De Bariloche a Córdoba y de Colonia a Buenos Aires, Bernasconi, Kovensky, Bianki y Veroni se ocupan no solo de crear sino de comercializar sus obras; la autogestión atravesada por la pandemia
De los dos lados del mostrador; o, como se trata de artistas, sería mejor decir “de los dos lados del atril”: Pablo Bernasconi y otros referentes del mundo de la ilustración se pusieron al frente de galerías y espacios culturales donde exhiben y venden obras propias y de colegas. Es el caso de Diego Bianki, que abrió hace unos meses su taller de Colonia (Uruguay) para organizar muestras y talleres. También Ral Veroni, con la galería palermitana Mar Dulce, especializada en pequeño formato, y Martín Kovensky, con Júpiter, en La Cumbre, Córdoba, que actualmente funcionan además en modo virtual.
“Estoy vendiendo originales hace ya varios años. Hago mis obras en serie, es decir, ensayo varias versiones, cada una diferente de la otra, como si fuese un proceso continuo. Todas son en técnica mixta, una parte digital y otra manual con pintura acrílica, pasteles, a veces objetos y barnices sobre lienzo. Las obras se acompañan con certificado de autenticidad firmado”, cuenta Bernasconi a LA NACION. “El interés por estas obras aumentó mucho en el último año por parte de privados, coleccionistas, hoteles o instituciones que quieren redecorar sus espacios con sentidos puntuales. Entre los compradores realmente hay de todo; supongo que influye la posibilidad de pagar en cuotas. Pero diría que principalmente son lectores que siguen mi obra, coleccionistas y una gran variedad de extranjeros que ven la posibilidad de adquirir lienzos originales”.
Los originales de Bernasconi aumentaron su valor en el último año
Desde principios de este año, el autor e ilustrador proyecta un espacio de arte en Bariloche, ciudad donde reside, para inaugurar en el invierno. “Junto con Tania, mi pareja, estamos en el proceso de construir una galería taller para exhibir y vender no sólo mis obras sino también la de otros artistas. Es un espacio muy particular y mágico, sumergido en el bosque, en donde los compradores puedan observar las etapas de la creación además de su resultado final. Si bien hoy en día la realidad indica que todo se está pasando a la venta virtual, mi impresión es que para este tipo de obras, la exhibición presencial de un original, con su energía, colores y texturas, es esencial. Seguramente vamos a promover también ahí la realización de charlas, talleres y visitas”.
Con valores que promedian los 140 mil pesos, según la serie y el tamaño, los originales de Bernasconi aumentaron su cotización en los últimos años. “En estos tiempos convulsionados, mucha gente está descubriendo el valor de la inversión en arte, como un bien que se cotiza y se usa para resguardar los ahorros. Mis obras, por ejemplo, han subido su valor en un 150 por ciento en los últimos dos años, a raíz de la demanda y de coleccionistas que han revendido sucesivamente los lienzos. Como mi catálogo no es exactamente ‘decorativo’, sino que proyecta conceptos, ideas, mensajes fuertes, muchos compradores son además personas con fuertes convicciones e ideales. Supongo que, en parte, acercarse a una obra es una forma de resumirlos, de representarlos. Es toda una responsabilidad que me ‘hospeden’ en sus casas”, concluye el autor de El infinito que este año publicó Paisaje interior, tres libros ilustrados con poemas de Leonard Cohen.
El proyecto de Diego Bianki, autor, ilustrador y fundador del sello Pequeño Editor tiene, según sus propias palabras, “un espíritu amateur”. Instalado en Colonia (Uruguay) hace unos veinte años, decidió hace unos meses abrir las puertas de su estudio a otros artistas. Así nació Espacio Bianki, donde (cuando el coronavirus lo permita) habrá muestras y talleres. “No es que he transformado mi estudio en una galería profesional sino que he abierto el espacio para que expongan colegas, con los que siento alguna afinidad, y puedan también dictar talleres. Pero, lamentablemente, la pandemia está complicando todo. No pudimos inaugurar una exhibición que teníamos prevista ni hacer el taller programado para abril”, explicó el autor e ilustrador de Cuentos cansados y Rompecabezas, entre otros libros para el público infantil.
«Ronda nocturna», de Isol, artista de galería Mar Dulce
Un referente de artista-galerista ciento por ciento es Ral Veroni, dueño junto a Linda Neilson de la pequeña y exquisita Mar Dulce. Bianki, colega de Veroni, con quien fundó una galería alternativa en Buenos Aires en los años ’90, lo presenta como “grabador, dibujante, poeta, pintor y editor de un sello pequeñísimo y exquisito que se llama Urania”. Hijo del grabador italiano Raoul Veroni, Ral recurrió a su colección personal para empezar el proyecto de la galería hace unos doce años. “Arrancamos con las obras de mi padre, que eran mi herencia, y de sus amigos. También, con la de colegas de mi generación como Elenio Pico, Bianki, Roberto Cubillas y otros que conocí a partir de ellos, como Cristian Turdera”, contó.
A esos nombres iniciales se sumaron otros artistas como Isol, María Luque, María Elina, Pablo Mattioli y Sofía Alvarez Watson. “A Isol la conozco hace treinta años y somos amigos; viví todo el desarrollo de su carrera. A María Elina la conocí a través de Turdera. Muchos fueron alumnos de Elenio Pico, que es un gran amigo. Digamos que no nos costó armar la galería a partir de una red de conocidos y de colega. Ayudó mucho compartir el espacio con Linda, que es una gran administradora y operadora cultural.”, agregó.
En su galería, Veroni tiene obra propia, pero prefiere “una exposición discreta”. “No me molesta promocionar ni vender mi obra, pero tenemos alrededor de cien artistas y siempre, en promedio, exhibimos trabajos de unos quince o veinte. Tengo obra de mi papá, que para mí es un lujo y un gusto mostrar y vender. Tengo una gran admiración por mi padre, que era un excelente grabador, hacía ediciones de bibliófilo. Era un hombre muy reservado y se alejó bastante del ruido del mundo y de la autopromoción. Tal vez por eso se dedicó a hacer libros. Tuve mucha influencia de él y de mi mamá, que también era artista. Tener una galería consume mucho tiempo y eso hace que no tenga disponibilidad para buscar otros espacios de exhibición, pero a esta altura estoy muy contento y me gusta el trato con el público”.
Pequeña y exquisita, la galería Mar Dulce de Palermo es ideal para iniciarse en la experiencia de comprar originalesgentileza Galería Mar Dulce
Como el local de Mar Dulce, en Uriarte 1490, no mide mucho más de cuatro por cuatro metros, la decisión desde el primer día fue tener obras de pequeño formato. “El local es muy chico, pero tiene una ventaja: un gran ventanal a la calle. Al fondo, tiene un jardincito que deja entrar la luz. Antes de la pandemia pasaban turistas y muchos se llevaban obras de nuestros artistas. La galería tiene una fuerte tendencia hacia la gráfica, obras en papel y pinturas. La línea es bastante lírica y poética, con mucha naturaleza, poco expresionismo. No hay prácticamente arte conceptual, hay poco abstracto, aunque tenemos a Tulio de Sagastizábal, que tiene un lirismo y un color precioso, y a Daniel Santoro, que trabaja con el peronismo y tiene mucho poder simbólico. Cuidamos siempre que lo que colgamos mantenga la armonía, que el público sienta que hay una coherencia en lo que está expuesto. Mi obra quizá desentona con todo esto y por eso la tengo en bambalinas. Tengo una serie de afiches tipográficos que hice con Juan Carlos Romero a la que le tengo mucho cariño y cada tanto expongo alguno, pero es una obra que se sale un poco de la lógica de la galería”.
Uno de los afiches de Ral Veroni de edición limitada
A causa de la pandemia, la galería funciona en versión reducida pero tiene su pata digital en la web donde se pueden conocer las obras y los artistas. En el inicio del sitio dice “#Quedate en casa y enviamos la obra” y aparecen, a continuación, trabajos de distintos artistas con sus precios. Algunos ejemplos: “Opera”, una pintura (gouache sobre papel de 29 x 21 cm, con su marco) de María Luque, cuesta 25 mil pesos. Una acuarela de María Elina, enmarcada, cotiza unos 14 mil pesos. Y un afiche de Romero y Veroni, enmarcado, de una edición de 40 ejemplares numerados y firmados, tiene un valor de 29 mil pesos. Hay descuentos y cuotas.
Coleccionistas principiantes
Según el galerista, “el perfil del cliente promedio de Mar Dulce es un comprador inicial, gente que no necesariamente es coleccionista, que a lo largo de los años se ha hecho habitué de la galería y viene a comprar obras en pequeño formato para decorar la casa. Como tenemos una gran mayoría de artistas jóvenes, los valores son bastante accesibles. Es la idea de la galería. En general, según el tamaño y el artista, los precios se ubican entre 12 mil pesos hasta 29 mil. Hay muchas obras que son más baratas que una campera o un par de zapatos”.
Con respecto a Isol, Veroni rescata que “aunque ganó un gran premio en Suecia por sus libros ilustrados y es una artista muy reconocida, mantiene unos precios muy coherentes con la realidad nacional. Tiene, por ejemplo, unas ediciones limitadas que pueden costar entre siete mil y diez pesos, y algunos originales rondan entre los veinte mil pesos aproximadamente, según el tamaño”.
Desde La Cumbre, donde vive junto con su familia, Martín Kovensky contó a LA NACION que la experiencia de estar de los dos lados del mostrador le permitió entender la cuestión de los precios de las obras. “Si bien ahora no me dedico al galerismo porque al frente de Júpiter está Ana Gilligan, cuando compartíamos la gestión (entre el 2006 y el 2013) pude entrar en contacto con el sistema de valor de una obra de arte y todo el mecanismo de circulación comercial. Como artista fue una experiencia muy innovadora porque uno produce y la venta siempre queda en manos de otros. En general, un acuerdo comercial muy real puede ser que en una venta en una feria como arteBA, el valor se reparte cincuenta y cincuenta entre el artista y el galerista. Como artista no me convencía, pero como galerista entendí que de esos cincuenta tengo que descontar la inversión y el costo de, por ejemplo, estar presente en la feria con el stand y todo lo que implica”.
Fundada por el artista e ilustrador y su esposa en 2006, Júpiter participó de arteBA entre 2008 y 2012. “Fue una experiencia muy rica. Actualmente, la galería funciona más en su modo virtual a través de una plataforma de venta online donde aparecen los artistas y sus trabajos ordenados por técnicas: pintura y dibujo; esculturas y objetos; fotografías y gráficas e impresiones. “Yo me considero un laburante de los dos campos: arte e ilustración. Hay puentes entre ambos trabajos y, también, diferencias: en la ilustración es muy difícil sostener una poética propia porque siempre intervienen las condiciones de encargo y editorial que ponen al artista poeta en un segundo plano. Fundar la galería tuvo que ver con un proyecto familiar: venirnos a vivir a La Cumbre y de tratar de articular nuestro trabajo profesional en un espacio propio”.
Con cuentas muy activas en las redes sociales, los artistas galeristas se encargan de difundir sus actividades y exposiciones. Bernasconi, que acaba de estrenar cuenta en Instagram de su galería en construcción, sube fotos de sus originales colgados en livings y domicilios particulares de los compradores. “La idea es que la galería/taller esté lista para agosto. Lo que muestro en IG son mis intentos por recaudar algo de dinero justamente para poder terminar la construcción. Por suerte, parece haber muy buena recepción. Un proyecto así, en este momento, es como mínimo un lindo delirio”.
Fuente: Clarín ~ En el mundo hay 95.000 museos y nuestro país tiene más de 1.000, lo que lo ubica entre las primeras 20 naciones.
Los museos nos permiten volver a visitar la antigüedad y volver al presente saliendo. Al ver cómo los museos sostienen y exhiben nuestro pasado, es natural que atraigan a un gran número de personas que desean emprender una aventura de viaje en el tiempo.
Hoy en día hay 95.000 museos en el mundo. Ya sea arte, cultura, historia, tecnología, ciencia o educación, siempre hay gente en los museos y solo el del Louvre, en París, atrae a más de 9 millones de visitantes al año.
Y al observar el mapa con las naciones que más museos tienen, sorprende de manera agradable ver a la Argentina en el puesto 16º con 1.017.
EL PAÍS QUE MÁS MUSEOS TIENE
Estados Unidos encabeza la lista de países con más museos con un total de 33.098 , una cifra impresionante incluso si tenemos en cuenta su tamaño. Si alguien los visitara a todos, obtendría conocimientos sobre arte moderno, dinosaurios, la II Guerra Mundial, o el Renacimiento entre otros.
El mapa que muestra los países con mayor cantidad de museos (Studyinginswitzerland.com.).
Ya sea en Nueva York, Washington DC, California, Florida o cualquier otro estado, hay mucho que explorar tanto del pasado como del futuro. Además de museos como el Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno (ampliamente conocido como MoMA), muchas gemas ocultas se colocan en países más pequeños que los EE.UU.
Japón ocupa el tercer lugar con 5.738 museos en total. Los fanáticos del arte tradicional, el arte contemporáneo, la historia, la ciencia, los ferrocarriles, incluso aquellos intrigados por los desastres naturales seguramente encontrarán su interés en los museos japoneses.
Japón alberga el Museo Ghibli, un paraíso para los amantes del anime, el manga y el cine Ghibli. Este no es el único museo con temática de anime / manga en Japón; sin embargo, es uno de los más famosos.
Francia ocupa el quinto lugar en esta lista con 4.811 museos, pero el museo fascinante y más visitado del mundo se encuentra en el corazón del país, París.
Los veinte museos con mayor cantidad de visitantes en el mundo (Studyinginswitzerland.com.).
Y cuando uno está en París, Mona Lisa no es la única belleza para ser admirada. La ciudad es también donde está estacionado el Musee D’Orsay , que fue construido sobre las cenizas del Palais D’Orsay, dando vida al arte de los siglos XIX y XX.
El séptimo país en poblar esta lista no es otro que Italia. El país en sí mismo se siente como un gran museo. Italia tiene 3.197 museos en todo el país.
El Coliseo, el anfiteatro más grande jamás construido, es solo una de las muchas atracciones que Italia ofrece en términos de museos. Aparte de Roma, otras ciudades de Italia que atraen a millones de visitantes son Turín, Milán, Florencia y Nápoles, entre otras.
ARGENTINA MUY CERCA DE UN GIGANTE
China tiene una rica historia y cultura que mostrar pero solo supera a la Argentina en 13 museos. Sus cinco museos ubicados en Beijing, Shanghai, Nanjing y Zhejiang atraen a más de 24 millones de visitantes por año, y solo el Museo Nacional de China en Beijing atrae casi siete millones y medio.
El Reino Unido, segundo en la lista de países que tienen el mayor número de visitantes por museos, alberga cinco que están en el top.
La Gioconda en el Museo del Louvre (AFP).
Los cinco museos más visitados del Reino Unido son el Museo Británico, el Tate Modern, la Galería Nacional, el Museo de Historia Nacional y el Museo Victoria & Albert, todos ubicados nada menos que en Londres.
Aunque Francia ocupa el cuarto lugar en cantidad de visitantes de museos, está en un lugar tan alto debido a dos museos: el Louvre y el Musée D’Orsay. Solo el Louvre atrae a casi diez millones de visitantes al año.
Aunque no figuran en la lista de los museos más visitados, Musee national D’art moderne , Musee du Quai Branly , Musee de L’Armee y Musee Carnavalet merecen una mención de honor debido a que cada uno de ellos atrae a más de un millón de visitantes al año.
LA JOYA DEL MUNDO
El Louvre, el museo más visitado del mundo, tiene obras de arte y objetos exhibidos en 72.735 metros cuadrados, lo que lo convierte también en el museo más grande del mundo.
La historia del Louvre comienza el 10 de agosto de 1973, cuando el museo abrió por primera vez con una exposición de 537 pinturas. Desde entonces, el Louvre ha reunido 380.000 objetos y 35.000 obras de arte, muchas de las cuales se encuentran en una exposición permanente.
Vista interior de la Capilla Sixtina (EFE).
El Louvre también es conocido por exhibir la exposición de Leonardo Da Vinci más grande del mundo, habiendo exhibido más de 100 artículos, desde pinturas hasta cuadernos y dibujos.
El segundo museo más visitado del mundo es un museo que se estableció en 2003 al fusionar dos museos chinos, el Museo de la Revolución China y el Museo Nacional de Historia China; así, haciendo el Museo Nacional de China .
Este museo alberga más de un millón de artículos, que atraen a más de 7 millones de visitantes al año.
El imponente Museo Británico (British Museum).
Muchos artículos permanentes que se encuentran en la exhibición del museo son tan raros que no solo son los únicos en China sino también en el mundo.
Uno de los elementos más importantes del Museo Nacional de China es la vajilla de bronce más pesada del mundo, Simuwu Ding, con un peso de 833 kilogramos.
EL GENIO DE MIGUEL ÁNGEL
En tercer lugar en esta lista se encuentran los Museos Vaticanos ubicados en la Ciudad del Vaticano.
La Capilla Sixtina pertenece a la ruta del visitante de los museos del Vaticano y contiene el techo decorado por Miguel Ángel. Los propios museos contienen alrededor de 70 mil piezas, 200 de las cuales están en exhibición.
Los museos, famosos por las esculturas romanas de renombre mundial y las obras maestras del Renacimiento, celebraron 500 años de existencia en octubre de 2006.
El Palais de Glace, sede de los salones nacionales de arte desde 1932 (Néstor Sieira).
El quinto en la lista de los museos más visitados del mundo es el Museo Británico, con más de seis millones de visitantes al año. Este museo a menudo se considera la exposición más completa de historia, cultura y arte del mundo, ya que contiene más de ocho millones de piezas en exhibición permanente.
Al igual que con la mayoría de las instituciones, la pandemia de Covid-19 también afectó a los museos, es decir, a la cantidad de visitantes que han tenido en 2020. Debido a esto, los museos han pasado por una pesadilla financiera, algunos apenas aferrándose a la capacidad de pagar sus salarios legales de los empleados.
Aunque según un estudio reciente, alrededor del 90% de los museos han cerrado sus puertas a la luz de la pandemia mundial, algunos museos se vieron más afectados que otros. El Louvre experimentó una disminución del 70% en visitantes en 2020.
Fuente: La Nación ~ El gobernador de la provincia de Buenos Aires Axel Kicillof designó a la actriz Victoria Onetto como nueva subsecretaria de Políticas Culturales en reemplazo de Ezequiel David Grimson, que renunció a su cargo el pasado 15 de abril.
Victoria Belloni es el nombre real de la artista -que tomó el apellido de su madre-, tiene 49 años y una larga trayectoria en cine, teatro y televisión. Además, es productora, gestora cultural, militante peronista y cuenta con un posgrado en Gestión y Política en Cultura y Comunicación por la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales.
Su padre, Manolo Belloni -quien formó parte de las Fuerzas Armadas Peronistas (FAP)-, fue asesinado en marzo del 1971. Vivía con su esposa Valentina Nina Onetto, que estaba embarazada de su hija Victoria Belloni-Onetto, y con la primogénita María. También es nieta de la militante peronista Lili Massaferro, quien trabajó en varias películas de fines de los años cincuenta bajo el seudónimo de Lili Gacel.
Onetto está casada con el músicoJuan Blas Caballero desde 2010 y tiene una hija. En el cine, fue protagonista de las películas como “Carlos Monzón, el segundo juicio” (1996) y “Peligrosa obsesión” (2004), entre otras. Además, fue parte de los elencos de las novelas “Muñeca brava” y “Botineras”, además de participar del Bailando por un sueño en la edición 2007. En teatro, trabajó en “Acaloradas” y “La cena de los tontos”, entre otras obras.
Fuente: Clarín ~ Inquieta, femenina y pop, Fátima Pecci Carou (1984) combina rasgos de la it-girl. En apariencia. Dentro del panorama de artistas contemporáneos, adoptó la pintura para pensar el rol de las imágenes en la construcción del poder y transmisión de ideas, con herramientas académicas y un repertorio de recursos que incluye las noticias policiales, el animé japonés, la música y su propia biografía. Aunque pareciera inevitable leer su obra en clave feminista (es militante en Nosotras Proponemos y su serie más famosa retrata a las víctimas de feminicidios), dedicó su proyecto más reciente a Eva Perón, un personaje transitado, denso en contenido, lejos del feminismo histórico y agitador de grietas. Sin embargo, desde que la artista ganó el Premio en Obra en Barrio Joven (arteBA 2018), hay avidez en coleccionistas y no tan enterados por sus pinturas coloridas. A través de personajes femeninos de pose sexy, propone que la historia también es ficción. En una charla por zoom, después de visitar la muestra Banderas y banderines en el Museo Evita, hoy cerrado por las medidas sanitarias, revela cómo es que su pintura vibra.
-¿Por qué meterse con Eva Perón, un personaje con tanta carga y relecturas?
-Es verdad, vimos su imagen reproducida en cantidad de fotos y videos, pero a mí me interesó como aparecía en las banderas de las marchas, en la remera de muchas pibas y pibes, como símbolo. Y me imaginé cómo abordarlo desde la pintura, porque no hay tantos artistas que han tomado su figura. Están Daniel Santoro y aquella escultura de Sesóstris Vitullo en la universidad Di Tella, una Evita indígena. También para abrir un capítulo dentro de la pintura contemporánea que tome un icono político pero desde la pintura histórica. De eso se trató el proyecto de 2019 Las otras en los pliegues de historia, en colaboración con una politóloga, donde pinto en el espacio una especie de historieta desplegada en forma de biombo. Ahí representé a la líder aimará Bartolina Sisa, a Alfonsina Storni y otras líderes latinoamericanas. Incluí a esta Evita medio ninja. A partir del comentario informal de una trabajadora del museo, nació el proyecto pictórico.
-La serie nació en la calle y se expone en la sala como estandartes, ¿querías sacarla del museo?
-Ella misma dice “Llevarán mi nombre como bandera”. Hay un juego ahí entre la textualidad de los discursos de Evita y lo que después empieza a pasar con su imagen en las banderas de las manifestaciones, que se va sintetizando cada vez más. Como un esténcil, reproduce la información mínima (algo que pasa con Maradona también). Bueno, a mí me gustaba esa idea de abrir y expandir la imagen en lugar de sintetizarla, pensando en la historia como una ficción, un relato que aprendemos en la escuela, pero también en la universidad con otra parte de la historia. En esta ficcionalidad de la imagen de Evita entra perfecto la idea del manga, del cómic, de pensar la historia también como capítulos, con personajes, y cómo la pintura cuenta un hecho histórico que no sabemos si fue así…
Evita ninja. Ataviada con kimono y escudo peronista, Eva Perón retratada por Pecci Carou lucha contra los aviones bombarderos del 55.
-La referencia al Cosplay se puede leer como un cuestionamiento a la identidad, pero hay algo de machismo en el manga.
-Sí, el manga tiene personajes con cuerpos súper idealizados, muy exuberantes, que juegan con la idea de la sumisión de la mujer. Me interesa tomar el lenguaje pero resignificándolo o señalando ese machismo. Ahí se da la intersección con mi práctica de militante feminista. ¿Cuáles son las imágenes que consumimos desde chicas? No soy experta en sagas pero un montón de chiques se sienten interpelados y es un buen recurso para ampliar el público del mundo del arte, tan cerrado.
-Aunque Evita no es una figura identificada con el feminismo, hay un debate al respecto.
-Ella no se reconocía para nada como feminista. Tenía incluso cierto rechazo porque eran ideas extranjerizantes, algo muy de clase alta. No lo digo yo, sino las historiadoras de este campo sostienen que ella era una feminista de hecho. En sus acciones era feminista. Ella, siendo una actriz, se puso a hacer política y ahí hay algo de creatividad que sigue sumando a la idea de un personaje. Algo que me viene bárbaro para pensarlo desde la pintura y el manga.
-Y más allá del personaje, ¿qué lectura haces desde la historia?
-Estudié muchos años Historia el arte y aprendí no solo a a mirar la imagen sino a entender cómo se construyeron las imágenes, cómo han servido para la difusión de ciertas ideas. De esto el peronismo no escapa, sino al contrario, es una gran máquina productora de imágenes. Todo para mí es insumo. No pinto solo con una paleta, pinto con todo lo que miro…
-Quizás tu obra más conocida es la serie de retratos de víctimas de feminicidios; ¿cómo te resuena ahora que no han cambiado mucho sus condiciones de producción?
-Totalmente, no ha cambiado nada. Quizás sí cambió la concientización pero los números, los casos, están igual o peor. Esa obra empezó en 2014, cuando hacía clínica con Ana Gallardo, a partir de las fotos de allanamientos de prostíbulos en las noticias policiales. A través del problema de la trata llegué a los feminicidios, que en ese momento se les decía crímenes pasionales, cualquier cosa… Guardo noticias y las empiezo a pintar, al principio toda la escena, hasta que fui recortando hasta llegar al rostro. Hasta hoy sigo pintando, esta semana subí un retrato de Vicky Nievas, la chica trans que asesinaron hace poco en Tucumán. También mis pinturas van a las marchas, como cartel de protesta, para que esto se haga público y que la pintura salga del museo.
La artista junto a los retratos de víctimas de feminicidios. (Foto: Julio Juárez)
-Otra serie muy diferente, la de los interiores, muy atractiva, también nació de esas escenas de allanamientos…
-En esos prostíbulos me llama mucho la atención la decoración, en una atmósfera como los cuadros de naturalezas muertas densas con la sexualidad, cierta estética en los estampados de la ropa… Y después viene el engolosinamiento con la pintura, que los transforma en lugares aristocráticos. Después le inserto estos personajes y de pronto ya ves vibrar la pintura.
-También en la calle viviste una situación policial personal, pintando…
-En 2017 salimos seis militantes a hacer pintadas por el paro de mujeres y unos varones nos comenzaron a seguir, a insultar… Llamaron a la policía, pasamos la noche en la comisaría. Y se nos abrió una causa judicial. No fue fácil pero para mí fue como una performance de pintura, porque la causa decía “pintadas”. Es extraño cómo pintar puede ser usado para una muestra, para generar conciencia y, al mismo tiempo, estar en una causa. La pintura no es inocente.
Animé con trofeo. Obra de Fátima Pecci Carou, de Kosupure/Cosplay.
-Esa experiencia se transformó en una pieza de biodrama, con Lola Arias.
-Fue un delirio, pero a la vez una manera de procesar la angustia. Hicimos como si fuese el juicio en vivo. Fue muy extraño haberme visto en un expediente.
-¿Fue después de esta experiencia que decidiste publicar tu acta de divorcio en una exposición en la galería Selvanegra?
-Ese año fue una locura. Si bien cambié el nombre de mi exmarido por cuestiones legales, me interesaba exhibir ese documento como una pieza de mi propia vida privada, en un momento de ruptura: todo lo que el feminismo me transformó.
-¿Y que te cambió el premio de arteBA?
-Hasta el año anterior no tenía ni entradas para arteBA; no conocía a nadie. Mi galería, Piedras, me propone con las Femininjas y fue premiada. Para mí fue pasar de ser una pintora anónima a mucha exposición. Sí creo que tuvo que ver el impulso que tuvieron los feminismos ese año. Mirá, en ese momento tenía una hipoteca de divorciada y gracias a ese premio, la cancelé. La chica del banco me decía “¡pero qué rápido!” Bueno, gracias al arte pude acomodar mis cuentas y tiene que ver con la insistencia. Me paso que me trollearon también; decían que soy una acomodada, que era un varón… Cosas rarísimas. Hay mucha fantasía por lo que pasa con los artistas.
Fuente: la Nación ~ Crisálidas, líquenes, rostros fragmentados o tramas encastradas ganan el hall de entrada o el palier de los edificios. Obras de arte que transforman los espacios comunes en escenarios de contemplación. Estas instalaciones artísticas que dotan de identidad a los conjuntos también ocupan fachadas y exteriores. Expresiones de voces emergentes o piezas de maestros consagrados, lo cierto es que a ningún vecino le resulta indiferente.
“Cada vez que llego siento que me saludan, y en silencio yo les devuelvo la bienvenida”, reconoce Carolina, inquilina en el edificio de Paraguay al 4700. Se refiere a los rostros fragmentados, una obra de Marta Minujín que protagoniza el lobby del edificio. “Rostros en escorzo dividiéndose y multiplicándose” no es el único caso.
El arte como valor agregado a los desarrollos inmobiliarios premium pica en punta como un detalle sofisticado e innovador. Para muchos vecinos estas intervenciones de autores argentinos jerarquizan la propiedad y para otros, constituyen el factor decisivo a la hora de la decisión final. En tanto, a los artistas se les abren más posibilidades de colocar obra, a la vez que suman público. La tendencia crece y asume el formato win win: ganan todos.
La crisálida de formas orgánicas recibe a los inquilinos en Sucre al 700. La diseñó Celina Saubidet (del estudio Cabinet Oseo) y formó parte de la colección Reinos, que se expuso en el Museo Nacional de Arte Decorativojuan hitters
“Siento que está por algo, que no fue instalada porque sí o de prepo. Y que tiene que ver con todo el concepto del edificio”. Valentín Paz (23) se acaba de independizar. Está terminando la carrera de Ciencias de la Computación en la UBA y trabaja en sistemas. “Cuando estrené el departamento me dieron un kit de bienvenida. Y entre otras cosas todas muy útiles había un llavero de madera, con la misma figura que la escultura de la entrada. Un lindo detalle”, dice Valentín.
La obra es del artista visual Gonzalo Arbutti, que cuenta con un catálogo de tramas diseñadas para fachadas y entradas de edificios. Escultor y carpintero, Arbutti aplaude la movida que vincula al arte urbano con la arquitectura y la Ciudad. “El llavero es una buena síntesis de este proceso que impulsa trascender las galerías y democratizar el acceso al arte. Una tendencia que tuvo su auge en los 60 y 70”, señala.
Se refiere al movimiento que durante ese período dejó obras de gran valor patrimonial. Murales, tapices y esculturas de Luis Seoane, Pérez Celis, Rodolfo Bardi o Juan Batlle Planas, tesoros patrimoniales que no pasan desapercibidos. En cuanto al proceso de selección, la búsqueda es precisa y minuciosa: “Evaluamos artistas emergentes y de renombre, visitamos ateliers en La Boca, Barracas y hasta París”, apunta Ana Astudillo, arquitecta y Design Manager de la desarrolladora inmobiliaria Brody Friedman. Para el edificio Velvet Sucre (Sucre al 700), Astudillo se decidió por las crisálidas de forma orgánica que brillaron en la muestra Reinos, en el Museo de Arte Decorativo (2019). La obra de la escultora Celina Saubidet (quien junto a Marina Molinelli Wells integra Cabinet Oseo) funciona como una célula que acompaña la impronta minimalista y depurada del edificio. “Es elegante, transparente, tiene mucho contenido”, agrega la arquitecta. Para Diego, uno de los propietarios, la escultura se integra naturalmente al hall de entrada: “Mezcla el afuera con el adentro, capta la atención de todos”.
Leo Battistelli en pleno desarrollo de la obra Oasis, un conjunto de líquenes que se instalarán en el edificio Sens Palermo Green. El artista plástico rosarino se inspiró en el concepto de simbiosis de la Naturaleza para plasmar la obra en la arquitectura del proyecto que se levanta en Soler y Godoy Cruzgentileza
“Cuando la gente pasa por un hall intervenido se lo apropia”. Mariana Yablon es una de las socias del estudio Arquitectonika, pionero en inaugurar edificios con instalaciones artísticas. En 2005 montaban auténticos happenings, donde invitaban a artistas visuales a intervenir las unidades. Proyecciones de Fabiana Barreda, obras textiles de Genia Streb y piezas de Juan Doffo o Matilde Marín. De esa experiencia efímera (las obras se levantaban al día siguiente) quedó una huella que se replicó en distintos proyectos. Como el de Salguero al 800, que luce muros florales, en blanco y negro, realizados por Vicze (Victoria Czentner). O el de Av. Patricios al 300, que cuenta con la serie Perfiles de Buenos Aires reflejados en el Plata, del artista yarquitecto Roberto Frangella. “El nivel de la vereda junto al hall de entrada lo consideramos espacio semi público. Y con la inclusión del mural estamos haciendo un aporte a la ciudad”, apunta Yablon.
La inspiración orgánica también da la nota en el proyecto Sens Luxury Homes, un complejo del estudio ATV en Palermo, aún en obra. Oasis es el nombre de la instalación de Leo Battistelli, un tejido de líquenes que se integrarán al proyecto. “El concepto de simbiosis inspira mi obra y estará plasmado en estos líquenes que irán creciendo y contribuirán a generar salud, armonía, belleza, equilibrio y bienestar. La desaparición de estos organismos en las ciudades expone un síntoma real: estamos inmersos y potenciamos un modo de vida que nos lleva al sentido opuesto del término”, dice el artista.
En el Palacio Cabrera (J.A.Cabrera 5600) la artista Justina Canton diseñó una pieza que cambia su aspecto según la luz del día y protagoniza la triple altura del espaciogentileza
Más allá de buenas intenciones y afinidades artísticas hay normativas que regulan la actividad. En la Ciudad, por ejemplo, la Ley 1.246 promulgada en 2004 establece que se “debe destinar partidas por un monto no inferior al 2% del gasto total previsto en el proyecto al embellecimiento de los mismos mediante obras de arte”. Y en Córdoba, la ordenanza 8.545 (de 1990) sujeta la tramitación de finalización de obra de un edificio construido hasta la colocación de una obra de arte dentro de ese nuevo inmueble. “Hay más de 2500 obras que forman parte de este patrimonio cultural. Es necesario reflexionar sobre el importante rol que cumple el Estado en tanto promotor e impulsor de proyectos que abracen a todos los sectores y actores”, señala el arquitecto José Luis Lorenzo.
Para Cecilia Belej, Doctora en Historia y Magíster en Historia del Arte por el Instituto de Altos Estudios Sociales (UNSAM) la punta del ovillo se encuentra en el Movimiento Moderno: “Este movimiento descree de la decoración como elemento de la arquitectura y prefiere geometrías puras. Sobre esta base y condicionados por el código de edificación y el deseo de renta de los inversores, los arquitectos e ingenieros desarrollaron un estilo masivo y monótono. Dentro de esta economía de medios el hall cobra importancia como el elemento de mayor valor y exposición del edificio. Ya no solo como elementos decorativos sino como una ‘licencia’ que permitió sacar del anonimato al edificio y conectarlo con el usuario”.
Vanessa Bell es una periodista inglesa que vive (y ama) Buenos Aires. Desde su Instagram @cremedelacremeba difunde el lado B de los barrios porteños. Organiza tours (ya tiene todo reservado para el 2022) y destaca perlitas ocultas en fachadas, palieres, halls y entradas de edificios. Si tiene que hacer recomendaciones fuera del “circuito tradicional”, no lo duda: “Puedo mencionar tres lobbies que me llamaron muchísimo la atención”, asegura. “Uno es de un edificio en Belgrano, de un artista desconocido, en un edificio como mural circa 1970. El otro es en Almagro: una intervención muy particular que incorpora asientos empotrados a la obra. Ubicada en un edificio de estilo brutalista de la década del 70. Y por último mencionaría un lobby en Caballito, que es una obra de cerámica esmaltada realizada por la ceramista Teodolina García Cabo, en 1982. García Cabo intervino varios edificios brutalistas de principios de la década de los ’80 y es una de las ceramistas más respetadas del país, realmente vale la pena conocerlo”.
En definitiva, el circuito de obras que embellecen los edificios de Buenos Aires es amplio aunque no siempre está a la vista. Precisa de una mirada atenta para descubrir estas joyitas atesoradas más allá del hall de entrada.
Fuente: Télam ~ El dato surge del informe de la compañía de seguros Hiscox, que estudia datos de 70 plataformas de todo el mundo, incluidas las subastas en línea de las tres principales casas de ventas mundiales, Christie’s, Sotheby’s y Phillips, con la intención de construir un diagnóstico sobre las lógicas del mercado que se alteraron con la pandemia.
Las compras online de obras de arte en el mundo registraron un «boom» en 2020, según un estudio de una compañia internacional de seguros que realizó su relevo tomando como consideración las tres principales casas de subastas del mundo, cuyas ventas el año pasado en esa modalidad superaron los 1.000 millones de dólares.
Si la tendencia continuará luego de la emergencia sanitaria o si será un fenómeno pasajero es precisamente la pregunta sobre la que no hay certezas.
Lo cierto es que la foto del mercado del año 2020 muestra una frondosa activad digital porque en total, 82% de los nuevos coleccionistas de arte compraron en internet durante el primer año de la pandemia, frente el apenas 36% que lo hizo de ese modo en 2019.
Así lo señala el informe de la compañía de seguros Hiscox, que recupera la agencia de noticias AFP, y que estudia datos de 70 plataformas de todo el mundo, incluidas las subastas en línea de las tres principales casas de ventas mundiales, Christie’s, Sotheby’s y Phillips, con la intención de construir un diagnóstico sobre las lógicas del mercado que se alteraron con la pandemia.
Según el estudio, muchos coleccionistas expresan «reticencias» a la hora de comprar arte en línea principalmente por la imposibilidad de examinar en persona la obra para comprobar su estado y calidad.
Sin embargo, la investigación de mercado revela que más de la mitad de los nuevos compradores serían más favorables a comprar de forma online si conocieran las opiniones de otros clientes y pudieran hablar con un asesor.
Por otro lado, el informe señala que para los compradores sería «determinante» poder acceder a experiencias de realidad aumentada para observar la obra de manera más fidedigna, aunque también el 57% de los clientes potenciales les preocupa «ser víctimas del pirateo de su tarjeta de crédito» y a la mitad le preocupa que «se intercepten sus facturas o les roben sus datos personales».
Fuente: La Nación ~ Los “rostros vivos” de más de treinta artistas argentinos retratados por sí mismos conforman un museo de videos-selfies en Instagram. El director de Museo Animado es el artista y gestor cultural Cristian Segura (Tandil, 1976) y la “institución”, que no cierra por pandemia, se puede visitar en la cuenta @MuseoAnimado de la red social. Autorretratos de la bella Emilia Bertolé y del bello Manuel Musto, de Raquel Forner, de los incomparables Fernando Fader y Antonio Berni, Augusto Schiavoni, Miguel Carlos Victorica, Ana Weiss, Dora Cifone y Cesáreo Bernaldo de Quirós (tío abuelo del actual ministro de Salud de la ciudad de Buenos Aires, Fernán Quirós), entre otros, integran esta galería online enfocada en la historia del arte nacional.
“Museo Animado es un proyecto que hace sentido en Instagram, en tanto utiliza las funciones, herramientas y dinámicas de uso de esta red social, y las reorienta un poco fuera de su eje, para enseñar los rostros ‘vivos’ de artistas argentinos del siglo XX a partir de las pinturas de autorretratos diseminadas en museos del país, no consideradas hasta ahora como conjunto”, dice Segura a LA NACION. La mayoría de los recursos que utiliza el tandilense para hacer sonreír, pestañear, girar la cabeza y mirar a los ojos a los retratados están disponibles en internet. “Los reordeno y hago funcionar de un modo específico, según un sentido determinado -revela el artista-. La apuesta es pensar que por medio de las pinturas podemos saber hoy en día cómo eran los rostros de esos artistas y, al animarlos digitalmente, convertirlos en videos-selfie, un tipo de selfie en el que el autor suele mostrarse a sí mismo mirando a la cámara en una producción dotada de movimiento”.
Para Segura, que fue director del Museo Municipal de Bellas Arte de Tandil, existen coincidencias entre los autorretratos del siglo XX y las selfies. “En lo performativo del acto de posar, en que el sujeto proyecta una imagen construida de sí mismo y en la plena conciencia de que será observado por otros -enumera-. Por eso, en las pinturas expuestas en @MuseoAnimado puede que no solo veamos a los artistas, sino también, en sentido figurado, a nosotros mismos”. Hasta hoy, en este catálogo online se exhiben 35 autorretratos vivientes, con datos sobre los artistas, la ficha técnica completa de la obra (autor, título, procedimiento, medidas y año), y la cuenta de Instagram del museo donde se encuentra la pintura y su geolocalización.
Obras del Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, del Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti” de La Plata, el Museo Juan B. Castagnino + Macro de Rosario y la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat forman parte de Museo Animado. Segura asegura que se sumarán todos aquellos autorretratos que vaya arrojando el proceso de investigación de los acervos de los museos del país, que está en marcha.
Al conocer el museo de óleos vivientes, la historiadora del arte y curadora del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile, Gloria Cortés Aliaga, señaló que animar los autorretratos de artistas que han constituido parte importante de la historia del arte argentino “permite un acercamiento afectivo con la comunidad, les otorga un cuerpo vivo con el cual es posible identificarse desde diferentes perspectivas, especialmente en lo que refiere a las artistas”. Y la investigadora de arte argentina Georgina Gluzman, autora de Trazos invisibles: mujeres artistas en Buenos Aires (1890-1923), recomendó seguir el “proyecto bellísimo” de Segura en Instagram.
El artista, que mantuvo su actividad durante la pandemia con otros proyectos interactivos, fue elegido como jurado de “Aluvión” Bienal SACO 1.0, que recibió 233 postulaciones, la mayor parte de ellas de Sudamérica, Europa, Asia y África. A partir del 1° de mayo, junto con la poeta y crítica de arte salteña Adriana Almada, el curador brasileño Marcio Harum, el escritor chileno Enrique Winter y la artista polaca radicada en Chile Dagmara Wyskiel, el tandilense deberá determinar cuáles serán los siete site specific que formarán parte de la exposición que se montará en el Muelle Histórico Melbourne Clark, en la ciudad chilena de Antofagasta. En 2021 se cumplen 30 años del intenso temporal que, en la madrugada del 18 de junio de 1991, azotó la ciudad situada en el desierto de Atacama.
Fuente: Museo Mumbat ~ En febrero de 2021, fueron recibidas en calidad de donación al patrimonio del Museo, un conjunto de ocho (8) obras de la artista polaca-argentina: Basia Kuperman. Dicha donación, cobra relevancia por su valor histórico y estético, sumándose a las otras obras que ya formaban parte del acervo.
Las mismas evidencian no solo nuevos aspectos técnicos y formales que la autora aborda en sus series, también implican nuevas temáticas a las cuales se abre y que comparten un hilo conductor: la condición humana.
En los años `70 y` 80 la figura pudo ser central en su obra, caracterizada por trazos negros como en el retrato “Felices pensamientos”, o en los pasteles “Maternidad” y “Maternidad 1”, donde la figura femenina y el acto de maternar ocupan el centro de la escena, pero es en obras como “¿Por qué?/Warum”, perteneciente a una serie testimonial, que la artista pinta sensaciones, climas y se acerca a la condición humana.
A lo largo de su producción artística, los paisajes también adquieren diferentes resoluciones formales, a través de una geometría simple y los planos de color, que en los últimos años se acerca a una obra metafísica a partir del tratamiento de la imagen y el cromatismo, como puede observarse en los oleos del `90. En estas arquitecturas vacías, la huella humana se hace presente y de ese modo interpela acerca de la condición del hombre.
A través del lenguaje del Arte, Basia Kuperman ha logrado expresar verdades universales que aun hoy nos interrogan y señalan caminos. Porque más allá del registro de los objetos cotidianos y mínimos o de la aparente simplicidad de sus temas, su poética trasciende la categoría estética para constituirse en manifiesto ético, ya que nada de los humano le fue ajeno.
Agradecidos de recibir esta donación compartimos, con la comunidad toda, el crecimiento de la colección y reafirmamos el compromiso de valorizar nuestro patrimonio, difundir arte y pensamiento creativo.
Sobre la artista.
Nació en Varsovia, Polonia, en 1927, y falleció en Buenos Aires en 2013. Arribó a la Argentina en 1934 y se nacionalizó en 1967. «Vine a la Argentina desde muy pequeña, con la Segunda Guerra Mundial pisándome los talones. Lo que soy, mi familia, mi carrera, todo, se lo debo a este país que adopté como propio», comentaría la artista en alguna oportunidad.
Estudió en escuelas oficiales y en los talleres de Demetrio Urruchúa, Juan Carlos Castagnino, Antonio Berni y Juan Batlle Planas. Se capacitó en Historia del Arte con Jorge López Anaya y en psicología en la Universidad Nacional de Buenos Aires.
Cabe destacar que la artista pintó murales en edificios públicos y privados de la ciudad de Buenos Aires y ha realizado alrededor de cuarenta muestras individuales en importantes galerías, salones nacionales y provinciales en Argentina y otras veinte exposiciones internacionales en Canadá, Panamá, Guatemala, Mónaco, Francia, Inglaterra, España, Rumania, Polonia y Alemania.
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