La obra fundacional de Adolfo Montero en el Ministerio

Fuente: Argentina ~ La obra “Nativos norteños en mercado regional”, es una obra fundacional que posee el Palacio de Hacienda del año 1939, y que embellece el despacho de la ex Secretaría de Finanzas, es un óleo sobre tela de 170 cms de alto por 280 cms de ancho, su temática representa las actividades llevadas a cabo en un mercado regional del norte argentino.

Forma parte de los panneaux fundacionales que en su inicio con Antonio Pibernat a la cabeza, el Ministerio de Economía había convocado a una serie de artistas para que engalanen con sus obras el edificio próximo a inaugurarse. Por ello, Adolfo Montero es parte de esta historia.

Pintor y grabador nacido en la ciudad de Buenos Aires en el año 1887, incursionó en la Academia Nacional de Bellas Artes, egresando en el año 1914, para luego realizar diversos viajes por toda Europa. Fue así, que Italia, Francia, España, Holanda supieron ser los destinos del artista plástico para su profundización en la plástica, entre varios países más que supieron de su presencia.

Análisis con luz ultravioleta en el laboratorio de la Coordinación de Patrimonio Cultural
Análisis con luz ultravioleta en el laboratorio de la Coordinación de Patrimonio Cultural

En la faceta académica, fue profesor en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes, concurrió a los Salones Nacionales desde 1912, obteniendo el Primer Premio en el Salón Nacional de 1941; como así también se hizo presente en varios Salones Provinciales. Fue protagonista de muestras en conjunto con artistas argentinos en Europa y Estados Unidos.

Su obra se encuentra representada en varios Museos Nacionales de Bellas Artes y Museos del interior. Falleció en la Buenos Aires en el año 1959.

Pintó a Maradona tras enterarse de su muerte y hoy causa furor con las obras de Diego más realistas del mundo

Fuente: Infobae ~ El 25 de noviembre el planeta se detuvo por un rato cuando se conoció la noticia de que el corazón de una de las personas más amadas del mundo había dejado de latir. Los principales portales y canales de noticias del globo alinearon sus titulares y graphs para informar que el mejor jugador de fútbol de todos los tiempos había pasado a la eternidad y mientras las lágrimas de millones de personas brotaban incontrolablemente, en un rincón de Buenos Aires, un pincel y una paleta daban vida a un trabajo excepcional.

Apenas Maxi Bagnasco escuchó que Diego Armando Maradona había muerto, quedó pasmado y dentro de sí nació la necesidad de expresar sus sentimiento a través de la mejor forma que sabe hacerlo: la pintura. Es que el recuerdo de su niñez, del día que se acercó a Segurola y la Habana con un dibujo del por entonces jugador de Boca junto a sus hijas que le entregó en persona a Dalma, le vino de inmediato a la mente y por eso decidió publicar la imagen de su trabajo en las redes con una dedicatoria especial: “Te dibujé también el día que te fuiste”.

Lo que hasta ese momento el artista desconocía era que después de tocar ‘publicar’ en su celular, su obra se iba a viralizar de tal manera que su público, que ya lo había dejado de conocer como el caricaturista que supo ser en sus comienzos, ahora también dejaría de llamarlo ‘muralista’, porque su capacidad para dibujar al Pelusa iba a eclipsar toda su trayectoria. A las pocas horas lo contactó un canal de televisión y días más tarde un fanático le pidió que dibuje una imagen gigante de su ídolo en el patio de su casa.

Así, comenzaron a llover las propuestas: fue el artífice junto a Dreier (el artista con el que trabaja codo a codo) del mural en el santuario inaugurado en la cancha de Argentinos Juniors, lo contactaron de varios clubes para pintar el rostro de Diego y de repente el planeta conoció su nombre: “Tuvimos una repercusión mundial, porque estábamos haciendo después del fallecimiento, su santuario oficial acá y tuvimos entrevistas de la Rai, China, Venezuela… de todas partes del mundo. Vi mi nombre en noticias en portugués, italiano, en idiomas que ni imaginás”.

Maxi Bagnasco y Dreier, junto a algunas de su últimas obras (Matías Arbotto)

Maxi Bagnasco y Dreier, junto a algunas de su últimas obras (Matías Arbotto)

Mientras el teléfono no para de sonar y su presencia es solicitada en varias naciones europeas para extender su arte, Maxi Bagnasco se hizo un espacio para recibir a Infobae y adelantarle parte de lo que pronto será una exposición y subasta de cuadros realistas de Diego. Es por ese proyecto que al abrir la puerta de su taller aparecen contra las paredes Maradonas de todos los tiempos: gordo, flaco, con rulos, teñido, con la camiseta de la Selección, con la de Boca, joven, triste, grande, leyendo un libro, insultando… “A mí me gusta pintarlo en todas sus épocas, porque Diego es cada una de sus épocas y ver a este Diego rubio en Cuba… o a mí me fascinaron imágenes que vi que no son comunes para murales, que no vas a ver en la calle porque siempre ahí va a estar con la copa, sonriente, flaco, ganando… y no. Diego era también cuando salía de la cancha y tenia un tapado de piel y una copa de champagne o fumando un habano o bailando”.

Rodeado de aerosoles y cuadros, Maxi, de 39 años, charló con Infobae junto a su compañero, Dreier, (colombiano que se reconoce poco futbolero y que sigue sorprendido por la repercusión de los trabajos de Maradona) y contó cómo vive esta nueva etapa de su vida profesional en la que el mundo lo asocia con el ídolo argentino. Además reveló en qué se inspira para pintar al Diez y qué ejemplo sigue del protagonista de sus últimas pinturas.

-¿Cuándo arrancaste a pintar?

Desde chico, de toda la vida. Por suerte me incentivaron y a los 9 años hice por ejemplo mis primeras publicaciones en el diario de la zona del barrio, gané mis primeros concursos, así que ya desde muy chico me mandaron a cursos de dibujo y pintura. Yo decía que mi madre era mi representante, empezaba a vender todos mis trabajos y las cosas que hacía.

-Hoy en día hacés cuadros, murales, caricaturas. Hacés de todo, tenés un universo amplio.

Sí, la verdad es que me dedico desde muy chico. A los 17 años empecé a trabajar profesionalmente, pero yo obviamente soy dibujante. Arranqué haciendo caricaturas, después me metí un poco en lo que son las artes plásticas, hacía cuadros, hice ilustración para libros, trabajé haciendo dibujos animados, haciendo caricaturas en eventos en vivo, empecé a dar clases… después me puse a hacer murales y hay algunos que hoy en día me conocen como ‘muralista’, otros como ‘caricaturista’… yo digo que soy muy versátil.

-Y algunos te conocen por tus trabajos sobre Maradona. ¿Cuándo fue que arrancaste e hiciste tu primer cuadro sobre el Diego?

Yo creo que pasó desde el día que se fue Diego, el 25 (de noviembre). Desde ese día la gente me conoce por hacer retratos de Maradona. Porque falleció El Diego y creo que nadie se lo esperaba, nadie pensaba que se iba a ir y cuando vi la noticia, me llegó. Entonces fui a hacer unas cosas, volví y dije: ‘Lo voy a pintar’. Grabé el proceso de cómo lo pintaba, le puse una dedicatoria, ‘Chau Diego’ , y cuando lo publiqué puse: ‘Te dibujé también el día que te fuiste’. De inmediato lo empezaron retuitear, a repostear y al otro día ya me estaban llamando de un programa homenaje que querían un cuadro. Eso tuvo mucha repercusión, mucha gente vio el programa y quería el mismo cuadro, así que después me empezaron a llamar y a contactar para hacer otras cosas de Diego y fueron saliendo más todo el tiempo. Después con Dreier, el artista que me ayuda, hicimos el santuario de Maradona en Argentinos Juniors. Y ya venía hablando con el presidente de Argentinos, Malaspina, porque íbamos a hacer unas cosas, pero falleció Diego y me dijo: ‘Tenés que hacer la imagen del santuario de Maradona’. Así que hicimos esa imagen y tuvimos una repercusión mundial, porque estábamos haciendo después del fallecimiento, su santuario oficial acá y tuvimos entrevistas de la Rai, China, Venezuela… de todas partes del mundo. Vi mi nombre en noticias en portugués, italiano, en idiomas que ni imaginás.

-¿Te contactó gente de esos países para pedirte un cuadro o un mural?

Si, desde que fuimos haciendo imágenes de Diego, ahí te das cuenta lo que es Diego. No me había pasado con nadie que me hayan pedido pintar, con nadie iba a pasar que me lo pidan tantas veces. De repente en la calle que uno haga un mural y que lo tengan como una imagen sagrada, como un santuario. Lo que despertó él que te pidan de todo el mundo que lo vayas a pintar y además yo digo: ‘¡Qué suerte que soy argentino!’, porque que vaya un argentino a pintar a diferentes lugares a Maradona yo creo que también tiene algo fuerte.

Las imágenes que pinta parecen fotos y por eso es necesario acercarse para ver la realidad (Matias Arbotto)

Las imágenes que pinta parecen fotos y por eso es necesario acercarse para ver la realidad (Matias Arbotto)

-¿Y vos tomaste esta noción de lo que es Maradona con su muerte, con tu trabajo o vos ya te considerabas un maradoniano?

No soy muy futbolero, pero sí soy maradoniano. Siempre repito esto, yo pude vivir Italia 90, fue lo que pude vivir de Maradona. Lo que yo vi y lo que sigo viendo es la pasión. Es la misma pasión que yo trato de transmitir cuando pinto un cuadro, un mural o hago lo mío. Yo creo que es eso: poner pasión, preparar todo como para ir y meter un gol.

-¿Te llamó alguien de la familia Maradona, sabés si Dalma y a Giannina conocieron tus obras?

Sí, me han comentado que Giannina ha subido alguna historia de mi mural, no directamente conmigo pero sí de otras personas. Me dijeron que ella lo subió diciendo que era lo mejor que vio que hicieron de su padre. No lo vi, pero me lo han contado. En el santuario estuvo Jana y las hermanas de Diego y se acercaron a nosotros a saludarnos.

¿Te gustaría pintarles algo a ellas?

Mirá, cuando era chico hice un dibujo de Diego con sus hijas y fui a Segurola y La Habana y llevé ese dibujo. Justo salió Dalma y se lo di. Por esto me sorprendió la muerte del Diego. Así como me acerqué alguna vez a su casa para darle un dibujo, yo en algún momento decía que iba a conocerlo a Diego, que iba a hacer algo para conocerlo y darle mi arte. Hoy en día la gente se sorprende de que cómo Diego no conoció estas cosas que hago.

-¿Te hubiese agradado que Diego conociera tus obras?

A él lo pintaba todo el mundo, no se qué reacción hubiese tenido, pero sí me hubiese gustado estar cerca de Diego y darle algo.

Es necesario acercarse a las pinturas para darse cuenta que no son fotografías (Matías Arbotto)

Es necesario acercarse a las pinturas para darse cuenta que no son fotografías (Matías Arbotto)

-¿Hay un look o un momento que te haya gustado más que otro para dibujar?

Tantas veces pinté a Diego que imaginate que si yo lo hago en una época nada más… A mí me gusta pintarlo en todas sus épocas, porque Diego es cada una de sus épocas y ver a este Diego rubio en Cuba… o a mí me fascinaron imágenes que vi que no son comunes para murales, que no vas a ver en la calle porque siempre ahí va a estar con la copa, sonriente, flaco, ganando y no. Diego era también cuando salía de la cancha y tenía un tapado de piel y una copa de champagne o fumando un habano o bailando, siempre lo vas a ver agarrando a una chica para ponerse a bailar. Para mí, Diego era genial en todo lo que hacía. Yo a veces pienso… ¿cómo podés llevar esa vida que tenía Diego?. Bueno… hay que respetarle todo, su vida privada y lo que hizo en la cancha.

-¿Qué le dirías a Diego si se te aparece en un sueño mañana y tenés una charla con él?

Creo que apareció en varios de mis sueños, por estos de los sueños inconclusos que uno tiene, y se me apareció a veces. Y yo creo que siempre estaba queriendo darle algún cuadro o algo. A Diego no hay más que agradecerle, él nos representó y nos representa en el mundo. No hay figura más grande. Cuando nosotros viajamos al exterior, “Argentina-Maradona”. Que él haya salido de tan abajo y haya llegado a algo tan grande, como fue ser el mejor en los suyo de todos los tiempos en el deporte más popular del mundo. Es como… nada… llegó a ser grande de verdad.

Hierro con corazón: el artista pigüense que sorprendió a Radagast y a la familia de Pappo

Fuente: La Nueva ~ Manuel Sahuet realiza esculturas con chatarras para promover el cuidado del medio ambiente. Creó a Honoriente, un perro de con dificultades motrices y se lo regaló al comediante bahiense. La familia de Napolitano lo contrató para que diseñe su icónica guitarra.

  Lo que empezó como un hobby y un legado familiar para Manuel Sahuet –heredó de su abuelo la habilidad de soldar- se convirtió en un modo de expresión tan poderoso que hoy no imagina sus días sin crear animales y otras esculturas con chatarras y materiales reciclables.

   Además, llegó a un punto en el que puede vivir de la venta de sus obras, exponerlas de forma permanente en espacios porteños que confían en su talento y hasta ser admirado y contratado por otros artistas a quienes él también admira, como le sucedió recientemente con los familiares de Pappo, quienes atraídos por su estilo, le hicieron un encargue muy especial.

   “La familia me contactó para que hiciera una de sus guitarras a gran escala para presentar en el estreno de su película”, contó.

   La sobrina de Norberto Napolitano también es escultora, vio su muestra en el hotel Novotel y surgió la idea de hacer juntos este instrumento icónico del músico, una de sus primeras guitarras, y la que usó con BB King.

   Otra de las satisfacciones que tuvo el escultor en los últimos meses fue formar parte, con sus obras, de Rada House, el proyecto que lleva adelante el exitoso humorista bahiense Radagast y que va por la tercera temporada.

   “Soy admirador de Rada desde hace un montón de años, lo conozco desde que andaba con su valija haciendo magia en el parque de Bahía, desde ahí que lo vengo siguiendo”, dijo Sahuet.

   “El año pasado me comuniqué con él y le dije que lo admiraba como artista y que le quería hacer a Honorio, su perro. Al final, él quería un perro en silla de ruedas y así surgió Honoriente”, comentó.

   Rada se entusiasmó y le encargó a Catalina, una colorida y alegre oveja diseñada en gran parte con resortes.
    

“Para mí es un orgullo que semejante artista me admire. Es muy sencillo y le encanta el arte Me encantó conocer su casa porque desde que comenzó con Rada House soñaba con algún día estar dentro de esa casa con toda su magia”, contó.

   Las obras y el proceso

    La mayoría de sus obras son de animales y buscan erradicar el maltrato animal y concientizar acerca de la importancia de cuidar nuestro ambiente.

    En plena Pandemia la marca de herramientas Lusqtoff le encargó un yaguareté tamaño real para colocar en su empresa y el artista se inspiró en los yaguaretés del norte, ejemplares que estaban perdiendo la vida por los incendios en el Amazonas.

   Este círculo virtuoso de arte y reciclado comienza en el taller Embragues Carlitos, el cual le proporciona al escultor los resortes, carcasas, diafragmas y otros desechos mecánicos que culminan en estas creaciones sorprendentes.

   La búsqueda de mejorar la técnica va de la mano con obtener piezas que sean capaces de expresar la calidez de los rostros y los cuerpos en el frío metal.Recibí los Newsletters de La Nueva sin costo

   “Incorporé nuevas herramientas que me sirven para soldar distintos grosores de chapa. Siempre presto atención a los detalles para que cada obra sea más real y mejor que la anterior”, sostuvo.

   “Hoy puedo vivir de mis obras , cuesta mucho porque en Argentina no valoran lo que realmente vale una escultura. Lo que siempre explico es que mis obras puede durar muchísimo tiempo, son materiales eternos”, dijo.

   En la actualidad, tiene obras en exposición en el hotel Novotel –que actualiza de forma permanente- y participa de la muestra colectiva Lunática, en la Usina del Arte, junto a unos 700 artistas de todo el país. Sus esculturas también están expuestas en Bagatelle, destacado restaurante que se encuentra dentro del Hipódromo de Palermo.

   La próxima muestra será el 10 de abril en el hotel Hilton de Puerto Madero, por impulso de Diana Dumont, a quien el artista está sumamente agradecido por la confianza y el apoyo.

   Ganesha, el Dios hindú removedor de obstáculos

   Fue un gran desafío para el autor crear la obra de Ganesha, uno de los dioses más conocidos y adorados por el hinduismo y reverenciado por su poder para eliminar obstáculos. Se lo considera patrón de las artes, de las ciencias y señor de la abundancia.

   “El gran Ganesha surgió por un intercambio. Al hombre que me da material para mis obras le encanta la Ganesha y nunca había encontrado un artista que pudiera trabajar su chatarra”, dijo.

   “Fue una hermosa experiencia pero también un trabajo muy exigente porque Ganesha tiene muchísimo detalles y significado. Una de las formas de representación es la combinación de un cuerpo humano con cabeza de elefante”, sostuvo.

   Luego de este trabajo, también inventó un buda, otro interesante desafío, sobre todo por la expresividad que requería el rostro.

   Su trayectoria

   Nació en Pigüé, distrito de Saavedra, el 22 de agosto de 1989. Allí realizó sus estudios primarios y secundarios. Luego se mudó a Bahía Blanca a estudiar Arte pero no continuó con la carrera aunque siguió adelante con la exploración de técnicas y materiales de forma autodidacta.

   Entre los maestros escultores que le enseñaron algunas técnicas pero que, sobre todo, confiaron en lo que hace y lo alentaron a seguir avanzando, mencionó a María Courrege, de Pigüé, y a Guillermina Prado y Rafael Martín, de Bahía Blanca.

   En 2012 obtuvo el premio juvenil de la Cooperativa Obrera Bahía Blanca y en 2014, el segundo premio en mini formato y primer premio en el de arte sustentable.

   En 2015 se mudó a La Plata a buscar nuevos rumbos. Ese año participó de muestras en la galería de Carlos Regazzoni y en el hotel Sheraton, entre otros espacios.

   Es papá de Roma, quien nació en junio, en plena pandemia, quien modificó su visión sobre el mundo y lo llevó a disfrutar aún más de sus elecciones.

   “Es hermoso compartir el arte con ella que aún no entiende lo que es, pero es linda experiencia para los dos. Quizás en algún momento le gusta el arte y va a ser muy lindo compartir nuestra pasión”, dijo.

FRASE. “Me considero un mago porque puedo crear lo que no existe: es una forma hermosa expresar mi arte”, dijo el escultor a La Nueva.

La subasta millonaria de una obra de arte digital: ¿hito artístico o fenómeno de mercado?

Fuente: Télam ~ La venta por 69 millones de dólares de «Todos los días: Los primeros 5000 días», una obra puramente digital del artista Beeple -que algunos catalogaron como el JPG más caro de la historia- abrió el debate acerca de si es viable pensar en un nuevo paradigma del arte generado por la posibilidad de monetizar piezas que no tienen existencia física, una variante que para algunos analistas constituye un fenómeno de mercado antes que un hito artístico.

Hubo 22 millones de espectadores de América, Europa y Asia siguiendo online los momentos finales de la puja que que convirtió a Beeple -quien ha colaborado con Louis Vuitton y estrellas pop como Justin Bieber y Katy Perry- en el tercer artista vivo más caro del mundo, detrás de Jeff Koons y David Hockney.

El collage de imágenes -que el artista posteó en su Instagram, desde 2007, a razón de una por día- fue «convertido» en febrero en un token no fungible o NFT, una red segura de sistemas informáticos que registra la venta en un libro de contabilidad digital, conocida como blockchain, y que brinda a los compradores una prueba de autenticidad y propiedad (y donde la mayoría paga con la criptomoneda Ethereum).

«Esto es un fenómeno de mercado, no artístico -advierte en diálogo con Télam Rodrigo Alonso, crítico, docente y curador especializado en nuevos medios-. Se ha conseguido la forma dar autenticidad, unicidad y de vender obras digitales. Y esto hizo que se genere un nicho de mercado. Pero hay que prestar mucha atención porque estas cosas pueden transformar el mundo del arte».

Para la casa Christie’s, con más de 250 años de antigüedad, se trató de la primera vez que ofrecía a la venta una obra puramente digital y fue también su debut en aceptar el pago en criptomonedas, lo que no le impidió convertir esa venta en el NFT más caro jamás vendido, un récord mundial para cualquier obra de arte digital. Y otro récord acorde a los tiempos de pandemia: fue la obra más cara vendida en una subasta online.

«El mundo del arte no puede ser ciego a todo lo que sucede. Se va a tener que reconfigurar para empezar a entender que esto es parte de la producción artística contemporánea. Habrá que crear categorías y formas perceptivas que nos permitan entender estas producciones, y comenzar a pensarlas como parte de lo que ya conocemos», analiza Alonso.

Más conocido como Beeple, el artista Mike Winkelman (1981), aseguró que «los artistas han estado utilizando hardware y software para crear obras de arte y distribuirlas en Internet durante los últimos 20 años, pero nunca hubo una forma real de poseerlas y recopilarlas. Con NFT, eso ha cambiado -sentenció-. Creo que estamos presenciando el comienzo del próximo capítulo en la historia del arte, el arte digital».

«Hay todo un ámbito de producción artística contemporánea que existe en lo digital y es muy próximo a los nativos digitales, que se cruza con el ámbito de los inversores en criptomonedas: para ellos lo digital es el mundo. Eso ha dado por resultado esta subasta», analiza Alonso.

Para el artista tecnológico Mariano Giraud, quien trabaja con animación y 3D «lo que pasó con esta obra probablemente sea una anécdota en el futuro. No creo que vaya a ser reflejo de lo que realmente va a decantar después».

«No creo que abra un nuevo paradigma. Esto coincide con el auge de las criptomonedas y lo más probable es que se convierta en una de las tantas maneras de comercializar este tipo de contenidos. Va a ser una forma más», reflexiona el artista en diálogo con Télam.

«Me parece interesante ligar una obra de arte digital a un blockchain, lo que puede configurarle algún tipo de aura de pieza única, y permite que algunos artistas puedan comercializar obras determinadas, pero me genera una reflexión también la energía que requiere, el consumo energético y eléctrico», alerta Giraud, quien acaba de ganar el prestigioso Premio Andreani dotado con 700 mil pesos.

Es cierto que por primera vez en la historia los artistas pueden monetizar imágenes digitales y que un coleccionista -gracias al NFT- puede ser, de manera abstracta, su único propietario, pero -como señaló Giraud- son varias los especialistas que advierten por el daño ambiental: se estima que una NFT promedio tiene una huella o emisión de carbono equivalente al uso de energía de un ciudadano europeo durante un mes.

«Este collage me hace acordar, estéticamente y conceptualmente, a un proyecto de 2005, en pleno auge de las punto com: ‘The Million Dollar Homepage’, donde su creador diseñó una cuadrícula de píxeles de 1000 por 1000, o sea, un millón de píxeles, y vendió cada uno por un dólar», compara Giraud.

Entonces, las empresas punto com estaban en alza y valían millones. La web de Alex Tew se llenó de dibujos, logos y publicidades de los compradores de esos píxeles y él, finalmente, logró su millón de dólares, con los que financió sus estudios.

El arte del futuro

El arte del futuro

«Me lleva a pensar que esto también sea una burbuja pero bueno, no soy un gurú económico. Probablemente algunas burbujas revienten en unos años y exista una entrada en Wikipedia contando la historia de esto que estamos hablando ahora, así como ya existe la entrada de Wikipedia sobre ‘La página de inicio del millón de dólares'», remata.

Para el artista Martín Bonadeo, quien mixtura ciencia y tecnología en sus obras, la venta del collage de Beeple le genera preguntarse «¿Cuán real es lo virtual?», dice a Télam.

«Blockchain trae un nuevo paradigma no sólo al arte sino al Estado nacional moderno donde el dinero es una parte esencial. Bitcoin y Ethereum son las capas más evidentes de este paradigma, pero es sólo la punta del iceberg de un potencial cambio radical», asegura.

Y aclara: «El mercado del arte, como todo mercado sigue modas, tendencias y burbujas a veces muy alejados de las producciones más trascendentes».

Para Rodrigo Alonso, «no es importante analizar la obra desde el punto de vista estético. Es interesante en el sentido de que artista estuvo trece años produciendo obra para Instagram, de manera gratuita. Tiene su valor más allá de las imágenes que compongan la obra».

Coincide con esta idea Giraud: «Beeple es un artista que viene del diseño gráfico y en sus trabajos se ven críticas al consumo y a cuestiones de actualidad política, es un acercamiento bastante común de gente que viene de esa área».

Según Bonadeo, «la mayoría de las obras que coquetean con las novedades tecnológicas la estética es la experimentación. Muchas veces se trata de obras no finalizadas, de exhibir obras en proceso. Desde que se cristalizó el arte conceptual en los 60 el concepto o el proceso son más importantes que la obra en sí».

El millonario collage de Beeple alude, en definitiva, a la vida en el siglo XXI desde una mirada irreverente y si bien algunos especialistas extranjeros creen que presenciar un punto de inflexión para el arte digital, otros comparan a los cripto-coleccionistas con aquellos a quienes va dirigida la obra del graffitero Banksy «Morons», una impresión enmarcada en la que se lee la frase: «I can’t believe you morons actually buy this sh*t».

Después de un año cerrado, el Museo de la Patagonia se prepara para volver al ruedo

Fuente: Río Negro ~ Con varios cambios conceptuales en los criterios de exhibición y una propuesta interactiva para los visitantes, el Museo de la Patagonia reabrirá sus puertas en la próxima Semana Santa, luego de un cierre que se prolongó durante más de un año debido a la pandemia de Covid.

Eduardo Pérez, el actual responsable del museo, dijo que la renovación surgió de un proceso reflexivo del que participó todo el personal y que se trata de un proceso “abierto”, ya que a partir de la reinauguración, prevista para el 1 de abril, los visitantes que recorran las salas se encontrarán con invitaciones para efectuar nuevos aportes.

“¿Qué museo queremos?” es la pregunta motivadora que acompañará a algunas de las piezas y colecciones exhibidas, con la posibilidad de que el público deje anotado (y pegado en los vidrios, por ejemplo) sus sugerencias y propuestas.

El Museo de la Patagonia ocupa una buena parte del ala este del Centro Cívico y acaba de cumplir 81 años. En la sala Chonek, del propio museo, se montará una muestra temporaria sobre la historia, los cambios y transformaciones, las distintas polìticas y los directores que estuvieron a cargo en cada etapa.

La reconversión cuenta con un subsidio nacional de apoyo tecnológico al sector turístico y entre sus objetivos estuvieron los de realizar “un diagnóstico de la situación actual y de autorreflexión institucional”.

El museo permaneció cerrado desde el 16 de marzo de 2020 y además del nuevo enfoque general, se implementaron algunos cambios de infraestructura en el área de ingreso.

Decidir qué piezas se muestran en un museo puede parecer una tarea sin demasiado secretos, pero Pérez explicó que en este caso no es así, porque el espacio disponible sólo permite exhibir un 5% del inventario, de modo que la idea es trabajar con “renovaciones permanentes”.

Explicó que el Museo de la Patagonia cuenta con importantes colecciones en el área de ciencias naturales, que van desde la geología y minerales de la región, hasta entomología, herbarios, fauna y flora en general.

A eso se suma un muy nutrido patrimonio sobre arqueología, objetos históricos de todo tipo, documentos originales que ya no se exhiben (sólo copias) porque son muy valiosos y se deterioran con la luz; sables, lanzas, uniformes de la llamada Conquista del Desierto, elementos de escritorio; banderas, planos y teodolitos de la comisión de límites que trabajó en la zona hace más de un siglo y muchos objetos creados y utilizados por los pueblos originarios, como puntas de flecha, raspadores, ponchos, cerámicas, cueros pintados y hasta canoas monoxilas, confeccionadas en un solo tronco.

Lo que se puede mostrar es solo una pequeña parte, es como la punta de un iceberg”, graficó Pérez.

Por eso uno de los cambios a implementar será el de promover la participación del público visitante, que Pérez diferenció de los “usuarios” del museo, entre los que hay muchos investigadores del país y también del exterior, que conocen el patrimonio y estudian temas puntuales.

Dijo que habrá en la nueva etapa del museo un abordaje distinto sobre la intervención del hombre en el entorno natural. Y de la interacción con las personas que lo visiten podrán surgir “nuevas visiones” que se aparten de la que predominó durante años por ejemplo sobre la Campaña del Desierto, el poblamiento posterior, la presencia y el rol de los pueblos originarios.

Señaló que las características de la muestra con la cual abrirán en Semana Santa todavía está “en proceso” de elaboración, lo mismo que los protocolos sanitarios, que los obligarán posiblemente a disponer una puerta de entrada y otra de salida, adecuar los espacios de circulación y también definir un aforo muy estricto.

En tiempos previos a la pandemia el museo podía recibir hasta 600 personas por día en alta temporada. Pero ese número se reduciría a menos de la mitad, no solo por la superficie disponible sino también por el número de empleados para guiar y atender consultas, que está disminuido porque varios son personas de riesgo.

Un dibujo de Bernini, vendido por un récord de USD 2,27 millones

Fuente: Infobae ~ La «Academie d’Homme» del maestro italiano Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), un dibujo recientemente descubierto que representa a un hombre desnudo (REUTERS / Christian Hartmann)

Un dibujo del siglo XVII del escultor italiano Lorenzo Bernini, Le Bernin, que participó en el diseño y la construcción de la Basílica de San Pedro, se vendió en una subasta en Francia por 2,27 millones de dólares, pulverizando “un récord mundial para un dibujo” de este artista, según la casa de subastas.

La obra, un dibujo a la sanguina realizado entre 1630 y 1640, se subastó en Compiègne, al norte de Francia, y finalmente se vendió el sábado en una venta en línea organizada por la casa de subastas Actéon.

La identidad del comprador -que estaba representado- no fue revelada, pero “probablemente se trata de una compra anglosajona”, dijo el subastador Dominique Le Coënt a la AFP, para quien la obra “saldrá de Francia”.

El dibujo de la academia, que representa a un hombre sentado en un entorno vegetal, es «una expresión típica del arte barroco y del genio de Bernini», añadió.

El experto Patrick de Bayser posa junto a la obra del maestro italiano Gian Lorenzo Bernini (REUTERS/Christian Hartmann)

El experto Patrick de Bayser posa junto a la obra del maestro italiano Gian Lorenzo Bernini (REUTERS/Christian Hartmann)

Según la casa de subastas, La Academia del Hombre pertenece a un “corpus extremadamente limitado de figuras académicas conocidas de Bernini”, y los historiadores del arte enumeran “sólo siete” más, “todas ellas conservadas en museos e instituciones, incluida una en el Museo Uffizi de Florencia”.

La venta, transmitida en directo por internet, atrajo el interés de numerosos coleccionistas, en su mayoría internacionales, con la participación de nueve postores telefónicos.

Descubierto en una finca de Compiègne, el dibujo se atribuyó inicialmente al escultor francés Pierre Puget antes de ser autentificado como obra de Bernini. “Casi no hay duda, estamos 99% seguros de que es un Bernini”, dijo el experto en dibujos antiguos Patrick de Bayser, y agregó que era típico del estilo de Bernini usar tramas discontinuas en los contornos del cuerpo. La obra esperaba venderse en un rango de entre 35.000 a 60.000 dólares.

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), conocido como Le Bernin, es famoso por sus estatuas de la famosa fuente de la plaza Navona de Roma, de la que puede estar relacionado el gran desnudo masculino del dibujo.

Arte y pandemia se cruzan en un particular exposición solidaria

Fuente: Clarín ~ Diez artistas produjeron durante 2020 un obra con el concepto de Encuentro utilizando para sus trabajos material médico.

La Fundación Rossi presenta “Encuentro”, su noveno proyecto de arte y solidaridad, en Colección Amalita (Olga Cossettini 141,Puerto Madero), desde el 22 de marzo hasta el 1º de abril .

El proyecto se inició durante 2020, en plena pandemia de coronavirus. Diez artistas de reconocida trayectoria fueron convocados para producir una obra desde su lenguaje particular con el concepto de “Encuentro”.

La otra particularidad es que todos trabajaron con material médico de laboratorio real (jeringas, tubos, cánulas, bolsas de suero, entre otros), el mismo que se utiliza con los pacientes que transitan la enfermedad. La utilización de estos elementos en una obra de arte, los resignifica a través del acto creativo y les confiere un valor simbólico de sanación.

 “El disparador que recibió como texto cada artista fue el de poder transmitir desde el arte el valor del encuentro como situación socio-cultural ideal para establecer códigos comunes y delinear caminos compartidos a seguir. Encontrarnos es darnos la mano, acompañarnos, abrazarnos, protegernos y establecer lazos. Encontrarnos para entendernos y valorarnos”, define Agustina Rossi, directora de la Fundación.

Y agrega: “Desde nuestra concepción, ser solidarios es un modo de encuentro. Y a eso nos dedicamos año a año con los proyectos solidarios de arte de la Fundación Rossi, a establecer puentes entre quienes lo necesitan y nosotros, que tratamos de mirar y ver a los otros, para desde nuestro lugar dar la oportunidad de celebrar cada vez más y mejores encuentros”.

Cada año, la Fundación Rossi llama a distintos curadores que convocan a destacados artistas, quienes combinan sus lenguajes con los materiales que se le ofrecen para crear sus obras de arte.

Luego es el turno de transformarlas en recursos, que finalmente son donados a ONGs, hospitales, escuelas rurales o asociaciones de beneficencia, para finalmente transformarse en bienes y servicios.


Las 10 obras

Febe Defelipe
«Fénix originario (biguá)»

Febe DeFelipe "Fénix originario (biguá)"

Febe DeFelipe «Fénix originario (biguá)»

En está obra la artista expresa el deseo del resurgimiento del día después, la explosión de colores y la postura del cuerpo del biguá, son una parábola de las especies que habitan el planeta y de los seres humanos levantando vuelo nuevamente.

Desiree De Ridder
“Yaguareté en estado critico”

Desiree de Ridder “Yaguareté en estado critico”

Desiree de Ridder “Yaguareté en estado critico”

En la imagen de este yaguareté, está la foto de todo lo amenazado por la deforestación, el cambio climático y el desequilibrio ecológico, que son de alguna manera el origen de la actual pandemia. Esta obra alerta sobre la fauna y humanidad en estado crítico.

Hernán Cagliano
“Encuentro de fe”

Hernán Cagliano “Encuentro de fe”

Hernán Cagliano “Encuentro de fe”


Situada en el centro de un sistema planetario, esta imagen delicada y poderosa, emana luz y energía. Ofrece cual un icono, dentro de un espacio simbólico, un acercamiento a la fe desde el lugar personal del espectador.

Kuki Benski
“Lágrimas Chinas”

Kuki Benski “Lágrimas Chinas”

Kuki Benski “Lágrimas Chinas”

Desde la sutil imagen de la mujer que abraza amorosamente a un personaje contra su pecho, hasta el dragón en un cielo azul, esta obra delicada renueva las esperanzas en la humanidad y su capacidad de reinventarse.

Marisa Domínguez
“Excesos a través del espejo”

Marisa Domìnguez “Excesos a través del espejo”

Marisa Domìnguez “Excesos a través del espejo”

En la exuberancia de las flores, las formas y los colores, a través de este espejo, se observa una la liberación barroca de lo natural, como un juego que anticipo lo sucedido en el medio ambiente durante la pandemia.

María Torcello
“Encuentro del orden y su caos”

María Torcello “Encuentro del orden y su caos”

María Torcello “Encuentro del orden y su caos”

La pieza creada con tubos de recolección, alude a la teoría del caos, nos habla casi en el lenguaje de las matemáticas (hay orden, ritmos, sincronías y desarrollos) de un sistema dinámico, que evoluciona con el tiempo, del mismo modo que un virus lo hace.

Belén Gesualdo
“Shock de vida”

Belen Gesualdo “Shock de vida”

Belen Gesualdo “Shock de vida”

Sobre un fondo de líneas en movimiento dinámico, que acercan la sensibilidad al origen de la vida, el ADN. La capacidad de asombro reflejada en la cara de la infancia, y la esperanza del ser humano resumida en luces multicolores.

Alejo Gigli
“Altar”

Alejandro Gigli "Altar"

Alejandro Gigli «Altar»

La obra remite a la conexión humana con lo sobrenatural, es una imagen que expresa lo trascendente, en la que el material médico se transformo en el órgano de una suerte de catedral construida con el lenguaje de la geometría.

Carlos Ricci
“La Duat” / “Corpus hermeticum”

Carlos Ricci “La Duat” / “Corpus hermeticum”

Carlos Ricci “La Duat” / “Corpus hermeticum”



Con delicados grafismos sobre guardapolvos médicos, nos habla tal vez de su propia experiencia espiritual frente a la salud. La Duat recuerda a los que perdieron la batalla, pues en la mitología egipcia representa el lugar donde los difuntos deambulan en su paso al más allá.

Zeta Yeyati
“Fiesta de pueblo”

Zeta Yeyati "Fiesta de pueblo"

Zeta Yeyati «Fiesta de pueblo»

En una antigua valija de madera intervenida, están los símbolos de lo que quedo de la fiesta, lo alegre, cálido y lindo. Pero especialmente de la música de la vida, esa que siempre querremos volver a escuchar.

Para visitar la muestra se deben reservar turnos en la web del museo.