Fuente: La Nación ~ Con María Negroni a cargo de las palabras inaugurales, el primer día del festival ofreció lecturas compartidas, talleres, un recorrido por la muestra “Tercer Ojo” de Malba y una “eco performance”.
Con palabras inaugurales a cargo de María Negroni, en el auditorio colmado de Malba, empezó esta noche el Festival Internacional de Literatura de Buenos Aires (FILBA), que este año tiene como invitada especial a la estadounidense Laurie Anderson. Participaron del acto, Eugenia Zicavo, que presentó a Negroni, y Pablo Braun, presidente de Fundación Filba, que subió al escenario con una planta. Ante la sorpresa de los presentes, explicó: “Queremos que todos se llevan una planta a su casa como un gesto simbólico, como un granito de arena” para alertar sobre el problema del medio ambiente.
«Historia natural del deseo», el título de la conferencia inaugural de NegroniAlejandro Guyot / Gza Malba
En su conferencia, “Historia natural del deseo: 6 fragmentos a favor de lo indócil”, que se transmitió en vivo por el canal de YouTube de Malba, Negroni recorrió escenas del cine, del arte, del universo de la ficción y de la poesía con referencias a la vida y la obra de artistas, cineastas, poetas, narradores. “Como el deseo, la poesía es díscola por naturaleza. No se deja encuadrar, gobernar, restringir. Se niega a la madurez. Hace que estalle la diferencia en el centro mismo de lo homogéneo. Entre la ley y el desacato, elige siempre el desacato. Quizá esto explique por qué es tan difícil, de leer y de escribir. En ella, todo se trastoca: la emoción piensa, la sintaxis se emociona, la obsesión se hace forma, la forma defiende la soledad en que estamos, y el silencio alcanza el difícil estatuto de la palabra muda”, escribió en uno de los seis puntos en los que fragmentó su discurso.
El auditorio de Malba, repleto, para la charla de María NegroniAlejandro Guyot / Gza Malba
Más adelante, en la “parada” tres, “El discreto encanto de los activismos”, planteó: “Toqué el tema en El corazón del daño. La poesía pertenece a la política de un modo singular. Esa pertenencia consiste en sostener una no pertenencia. ¿Y en qué consiste esa no pertenencia? En producir un cortocircuito entre el sentido y las palabras, para que el ruido de lo convencional, siempre repetitivo y asfixiante, pueda ser puesto en silencio. La poesía es un inutensilio, escribió Paulo Leminski. El neologismo es un hallazgo y una provocación. La poesía, tiene razón Leminski, se niega a servir para algo. Aparte de eso, es una casa o un aula o un cofre que aspira a la inadhesión, a mostrar lo incompleto, lo fuera de lugar de nuestra condición en el mundo. Eso, en sí, ya es altamente volátil. No conozco mejor antídoto contra el autoritarismo”.
Más temprano, Julia Armfield, Giovanna Rivero, Dolores Reyes, Marina Mariasch y Diego Zúñiga, moderados por Zicavo, participaron de “Manifiestos”, “una declaración de intenciones, una hoja de ruta, una convicción que busca seguidores”. Cada uno reveló sus “pequeñas luchas cotidianas” con la literatura y la vida en general. Zúñiga, por ejemplo, reivindicó el resentimiento como una vía para otorgar un “resentido” a determinadas acciones o pensamientos, “como un ejercicio de memoria”. Mariasch, por su parte, aseguró: “Creo en la marcha, en las cosas que están en marcha, en lo que se hace sobre la marcha”.
El primer día se completó con la eco performance “Ruge el bosque”, en el marco del Foro Traducción expandida: activismo y práctica de co-creación literaria. Muchos siguieron la presentación con la planta de regalo en la mano.
Fuente: Rosario Noticias ~ La iniciativa tiene como motivo el acompañamiento a los espacios locales que participarán en la feria internacional arteBA a realizarse entre el 7 y el 9 de octubre en Buenos Aires.
Este miércoles 28 de septiembre en el macro (Museo de Arte Contemporáneo de Rosario) se firmó un acuerdo entre la Municipalidad de Rosario y la Cámara de galerías de arte de la provincia de Santa Fe (GIRO), en el marco de un plan de apoyo a sectores culturales independientes y fomento de las economías creativas de la ciudad. La iniciativa busca contribuir al sostenimiento, desarrollo y crecimiento de las manifestaciones y proyectos culturales independientes de la ciudad, en tanto la ampliación de los espacios de circulación y de desarrollo del mercado de arte local es un eje fundamental.
La rúbrica se produce en favor de un intercambio simbólico, de alentar el circuito comercial, y de la profesionalización de proyectos artísticos, aportando a su crecimiento y sostenibilidad en el tiempo.
En esta oportunidad, el convenio suscripto tiene como propósito acompañar a las galerías de arte de Rosario que participarán en la feria internacional ‘arteba’ a realizarse entre el 7 y el 9 de octubre en el Centro Costa Salguero en Buenos Aires.
“Nos enorgullece la conformación de GIRO como Cámara de galerías de arte de la provincia de Santa Fe. Hemos tenido la oportunidad de ver el crecimiento de esta red de galerías rosarinas que trabaja fuertemente en el fortalecimiento de un mercado de arte local, hecho que también acompañamos a través de acciones como la organización de MicroFeria de Arte Contemporáneo, que se viene realizando desde hace seis años”, destacó Federico Valentini, subsecretario de Industrias Culturales y Creativas.
Las galerías rosarinas que participarán en esta edición de ‘arteba’ son: Crudo, Studio Galassi, Diego Obligado, Desmayo y Gabelich Contemporáneo. Además, dirán presente más de treinta artistas locales, quienes tendrán la posibilidad de visibilizar y comercializar su obra en un evento internacional.
Se trata de estudioG: Alejandra Tavolini/ Sol Marinozzi/ Sol Quirincich.Gabelich Contemporáneo: Cecilia Lenardón, Patricio Escobedo y Maximiliano peralta Rodriguez/Cintia Clara Romero. En trastienda Rosario Farías Desmayo Galeria: Lucas Tibaldi, Sdk, Bernardita Ayub Sgrosso, Belen Romero Gunset, Crudo Arte Contemporáneo: Nicole Mazza y Natacha Tellez. Y en trastienda Ariel Costa, Julia Levstein, Hernán Camoletto, Candela Rosello y Facundo Díaz.. Diego Obligado: Anselmo Picoli / Leandro Comba/ Andrea Ostera / Mariana De Matteis. Luego (Rafaela): Julia Romano, Sebastian Bona, Daiana Martinello, Luciano León Liguori, Lucila Palladino y Germán González Holc.
“Para los artistas locales es una oportunidad valiosa participar de una feria como ‘arteba’, ya que significa una posibilidad de visibilizar y comercializar su trabajo a nivel nacional e internacional. En este sentido, venimos trabajando en una muy buen articulación para alentar estos núcleos que consolidan a Rosario como ciudad cultural”, sumó Federico Valentini.
Acerca de GIRO
Es la Cámara de galerías de arte de la provincia de Santa Fe y tiene por objeto nuclear a las galerías de arte santafesinas -entendiendo por tales a los espacios dedicados a la producción, a la exhibición y a la comercialización de obras de arte, cualquiera sea su forma de organización jurídica-, a efectos de promover y consolidar el mercado local del arte, lo que incluye, el dibujo, la pintura, el collage, la escultura, el grabado, las instalaciones artísticas, la fotografía, el videoarte, el arte digital, entre otras expresiones estéticas. El objeto se desarrolla sin fines de lucro y no reporta ventajas económicas para los asociados e integrantes de los órganos de administración y de fiscalización.
Fuente: Ámbito ~ Corresponden a “Rompecabezas”, un ícono del Malba, y saldrán a subasta el próximo viernes, una semana antes de que se inaugure la gran feria.
Cuando aparece una obra cumbre del arte, los conocedores saben que surge el deseo de poseerla y, a partir de allí, el dinero para acceder a ella siempre sale de algún lado. Durante un almuerzo en el Hotel Duhau, la presidenta de la Fundación arteBA, Larisa Andreani, la directora, Lucrecia Palacios Hidalgo, y la gerenta de comunicación, Maia Güemes, señalaron que, este año, más que nunca, dada la situación económica del país, deberían presentar obras sumamente atractivas para tentar a los compradores. En este sentido, todavía está fresco el recuerdo de la batalla librada y perdida en arteBA por Eduardo Costantini, cuando todavía presidía el Malba, por una pintura excepcional de Jorge de la Vega que durante años estuvo enrollada, en manos de alguien que, es evidente, no la valoraba. Y justamente, dos piezas del “Rompecabezas” de De la Vega, un ícono del Malba, se rematarán el viernes 30, una semana antes de que arteBA estrene el escenario del Centro Costa Salguero. Desde luego, teniendo en cuenta de que el Malba tiene 17 piezas y el “Rompecabezas” original contaba con 30, no es aventurado deducir que los Amigos del Museo o su ex presidente estarán atentos a lo que pase en Christie’s con las pinturas provenientes de la colección de Guido y Nelly Di Tella. El precio estimado, entre 250.000 dólares y 350.000, es bajo. Marca la durísima realidad de nuestro arte: la cotización es pobre si se coteja con el mercado de Uruguay o Brasil, entre otros, en permanente suba.
El 7 de octubre en arteBA, institución que además de sortear la crisis económica remontó la catástrofe institucional que significó en 2020 la renuncia del casi todos sus miembros, se develarán muchas dudas. Un día antes, los museos que además de resguardar y exhibir sus tesoros, cumplen con la función de legitimar y consagrar el arte, realizarán las primeras compras con los fondos que aportan los donantes. Hoy, los galeristas y los artistas no viven en el mejor de los mundos y, la importancia de esta Feria, reside en convalidar el mercado.
El domingo pasado, con un fuerte aplauso, se cerró la 18° edición de la feria Buenos Aires Photo en la Casa Basavilbaso. Los galeristas estaban eufóricos; si bien la casona, con sus escaleras y recovecos, no es un espacio ideal para exposiciones, a la hora del balance a la mayoría le cerraban los números y no es poca cosa. La argentina Manuela Hansen, una de las dos integrantes del equipo curatorial de la Bienal de Venecia de Cecilia Alemani, admiró: “El booth de Del Infinito con la obra de Esteban Pastorino y especialmente los negativos pintados a mano de la serie Panorámicas, y el video de Julia Padilla en la sección curada por Irene Gelfman”. En el stand de AG Studio, destacó “la preciosa cualidad pictórica de la serie de flores de Graciana Piaggio”. Diego Costa Peuser, presidente de Buenos Aires Photo, buscará sin duda su destino en otro territorio y los galeristas, al menos Marina Pellegrini y Roberto Vega, anunciaron que lo seguirán a donde vaya.
La novedad este año fueron las visitas de los jóvenes de las instituciones de amigos de los museos. Los jóvenes del Malba, después de participar de una visita guiada en la feria de fotografía, se fueron a recorrer galerías. En el Museo Moderno, la presidenta de la Asociación Amigos, Inés Echebarne, organizó una comida para reunir fondos con el fin de preservar el valioso patrimonio de la institución, departamento a cargo de la crítica y curadora Alejandra Aguado. Allí, los jóvenes realizaron una tarea crucial para orientar a la gente. El MAMBA, un museo que nació sin sede y mantuvo durante un tiempo prolongado sus puertas cerradas, justo cuando a fines del siglo XX y los comienzos del XXI, el circuito global incorporaba artistas ajenos a los centros del arte. El Moderno recupera ahora el tiempo perdido y los artistas saben que su obra debe estar allí. La Asociación Amigos presentó la Campaña de Valorización del Patrimonio 2.0, con “Noches Modernas en el Moderno”. Artistas, curadores y amigos, descubrieron “Enlaces Querandí: Mónica Girón”, de la mano de la artista, y “Delcy Morelos: El lugar del alma” con su curadora Clarisa Appendino. Durante la cena todos estuvieron rodeados por obras del Patrimonio del Moderno, por los vistosos trabajos de Sergio De Loof.
Fuente: La Nación ~ Las pinturas de Andrés Valencia, de 10 años, generaron repercusión en Nueva York, Miami, Hong Kong y Capri; ya expuso en Art Basel y celebridades de todo el mundo compraron sus obras.
NUEVA YORK.- El mundo del arte contemporáneo ha tenido una buena cuota de jóvenes talentos, pero cuesta recordar algún artista cuyos primeros pasos hayan recibido tanto reconocimiento como los de Andrés Valencia.
En el último año, Valencia pasó de ser prácticamente ignoto a convertirse en un auténtico fenómeno del arte con todas las de la ley. Durante la feria Art Basel Miami del año pasado, el estilo de sus pinturas hizo que megamillonarios como Tommy Mottola y Jessica Goldman Srebnick hurgaran en sus abultadas billeteras. Y en junio el artista tuvo su muestra individual en la galería Chase Contemporary del Soho neoyorquino, donde vendió las 35 obras exhibidas por entre 50.000 y 125.000 dólares cada una, según informó la galería. Una de sus pinturas alcanzó 159.000 dólares (con comisión incluida) en una subasta de Phillips de Pury en Hong Kong, y otra se subastó por 230.000 dólares durante una gala benéfica en la isla de Capri, Italia.
Andrés Valencia, de origen mexicano, vive en Nueva York y tiene 10 años; la última feria Art Basel de Miami, en diciembre pasado, fue un trampolín para la venta de sus obras en diferentes ciudades del mundoElliott Jerome Brown Jr. – NYTNS
“Me alegra que mi arte haga feliz a la gente y que puedan colgar mis cuadros en sus hogares”, dice Valencia desde la galería Chase, parado frente a The Professor, una pintura de gran formato estilo cubista en acrílico y óleo, tan alta como el propio artista. “Esta la hice cuando era más chico, a los 8″, agrega con timidez. Cabe destacar que Andrés Valencia, que ha sido calificado de “niño prodigio” y “pequeño Picasso”, tiene apenas 10 años.
La galería está cerrada y a la charla se suman su madre, Elsa Valencia, de 48 años, que cuando no está acompañando a su hijo a las exposiciones se dedica al diseño de joyas, y el galerista Bernie Chase. Con su remera polo blanca, jeans azules y un flamante par de zapatillas Nike que lo hacen parecer un alumno de primer año de la secundaria, Andrés Valencia nos ofrece una visita guiada de su exhibición.
“Los payasos son un clásico”, dice al presentar una obra titulada Max the Clown. Otra, titulada The Godfather, fue un encargo de una familia de Florida y muestra a unos matones de la mafia.
Detalle de un dibujo que Valencia realiza a mano alzada y firmó en menos de 10 minutosElliott Jerome Brown Jr. – NYTNS
Como un estudiante precoz que no es consciente de su propia madurez, Valencia pasa revista a sus referentes y fuentes de inspiración: Jean-Michel Basquiat, George Condo, Pokémon, el Guernica de Picasso, y los muñecos de acción coleccionables Click N’ Play.
“Hace 20 años que estoy en el negocio del arte y he trabajado con artistas de la talla de Peter Beard y Kenny Scharf”, dice Chase mientras sobrevuela orgullosamente la muestra. “Y estoy seguro de que Andrés tiene el mismo potencial, o incluso más.”
Andrés podría estar solazándose en todos esos elogios, pero en casa lo esperan los deberes de matemática de quinto grado. “Mi hijo es un artista, pero primero es un niño”, dice su madre. “Es eso, un niño: no una celebridad.” Eso no quiere decir que ella y su esposo, Lupe Valencia, abogado y representante del boxeador cubano Frank Sánchez, no hayan influido mucho para que su hijo se convierta en un éxito de la noche a la mañana.
Primero contrataron brevemente los servicios de Nadine Johnson, una experimentada publicista neoyorquina, y ahora trabajan con el publicista de arte y espectáculos Sam Morris. Los diarios The Miami Herald, The New York Post, la revista Forbes, y el diario londinense The Times han publicado artículos boquiabiertos sobre el artista con cara de bebé, y la cadena ABC le dedicó un segmento en su programa World News Tonight.
Su madre dice que las extraordinarias ganancias de su hijo les dan la oportunidad de enseñarle “a retribuirle” a la sociedad. De los ingresos por venta de obra, una parte que según los Valencia “ya superó los 300.000 dólares” fue donada a la Fundación amfAR de investigación contra el Sida, y a la organización benéfica infantil Box of Hope.
La carrera artística de Andrés Valencia comenzó a los 4 años, cuando sus padres notaron que se pasaba horas en el comedor de su casa de San Diego, tratando de copiar una pintura de Retna, grafitero y viejo cliente de su padre. “Me sentaba ahí con el papel para tratar de copiarlo, pero tardé años hasta que me salió bien”, dice. La confianza artística creció rápidamente y empezó a venderles sus acuarelas por 20 dólares a los amigos de la familia. Entre ellos estaba Chase, que cada vez que visitaba la casa de los Valencia le ofrecía 100 dólares por cada pintura. Andrés demostró ser tan buen vendedor como artista, y le aumentó el precio a 5000 dólares. “Le dije que OK, que por ese le iba a pagar 5000″, dice Chase, riendo. “Le pedí que me acompañara hasta el auto para firmarle un cheque, pero Elsa salió corriendo por la puerta y me gritó: “¡Ni se te ocurra!”
Chase compró tantas pinturas que los Valencia se convencieron de dejar que su hijo “compartiera sus talentos con el mundo”, dice el galerista, quien se contactó a Nick Korniloff, director de la edición de la feria Art Basel que se realiza en Miami, para presentar en sociedad al joven artista.
Korniloff reconoce que al principio se mostró muy escéptico “cuando Chase me pidió que trabajara con un niño de 10 años”. Pero también se le ocurrió que después de la pandemia habría una demanda reprimida de “algo esperanzador, como la historia de un talentoso pintor de 10 años”.
De todos modos, Korniloff temía “poner en riesgo mi reputación por un alumno de quinto grado”, así que no divulgó la edad en ninguno de los materiales promocionales de la feria. Pero durante los recorridos que se realizan antes de la inauguración para los invitados VIP, Korniloff les preguntaba tímidamente a los coleccionistas: “¿Y si les dijera que estas obras las hizo un chico de 10 años, y que parte de ellas las hizo cuando tenía apenas 8?”
La noticia del niño pintor se difundió rápidamente. Celebridades como Sofia Vergara y Channing Tatum compraron piezas y el periodismo se abocó a verificar si efectivamente eran obra de una persona de tan corta edad . Entonces Korniloff invitó a Valencia a pintar en vivo junto a Bradley Theodore, un popular artista callejero varias décadas mayor que él. El espectáculo terminó de capturar la atención de los medios.
Y sus seguidores no paran de aumentar. A principios de este mes, el vocalista de la banda surcoreana BTS, conocido como V, compartió con sus 50 millones de seguidores de Instagram una de las obras de Andrés.
“Me alegro de poder hacer feliz a la gente con mi arte y que puedan colgarlo en sus casas”, dijo Andrés a The New York TimesElliott Jerome Brown Jr. – NYTNS
¿Artistas menores?
Los artistas menores de edad son inusuales pero existen en el mundo del arte. Hace varios años, los coleccionistas pagaban entre 250 y 1500 dólares por los garabatos expresionistas de Lola June, estrella del arte de apenas 2 años de vida. Y algunas jóvenes estrellas del arte, como Alexandra Nechita, que a los 12 años fue considerada “la Mozart del pincel” y ganó millones en ventas, siguen trabajando en la actualidad. Con otros, el estrellato infantil ha sido menos benigno. Cuando solo tenía 4 años, Marla Olmstead vendía sus pinturas abstractas por miles de dólares, pero años después, una segmento del programa 60 Minutos y un documental de investigación plantearon que era su padre quien manejaba el pincel.
Los propietarios de otras galerías de arte contemporáneo advierten que el frenesí especulativo por la obra de Andrés Valencia podría ser efímero. “Mucha gente piensa en la obra de los nuevos artistas como una reserva de valor que los protege de la inflación”, dice Alexander Shulan, propietario de Lomex, una galería del centro de Manhattan que se enfoca en artistas emergentes. “Pero la vida de cualquier artista joven cambia drásticamente con el tiempo, así que es bastante ridículo pensar que una inversión a perpetuidad en un artista de 24 años, y menos aún en este caso, donde se trata literalmente de un niño.”
De vuelta en la galería, Andrés agarra un bloc de dibujo y empieza a bocetar un retrato. “Muchos piensan que los bocetos de un niño hechos con marcador sobre una hoja no deberían estar en una galería”, dice Valencia sin levantar la vista del papel. “A veces los adultos no entienden nada.”
Fuente: GBA ~ La jornada, organizada por el Instituto Cultural de la provincia de Buenos Aires, se realizará el sábado 22 de octubre en el Planetario de la Universidad Nacional de La Plata.
Proyecciones de videos 360, conversatorios y una feria de experiencias formarán parte del Primer Encuentro Provincial de Cultura, Arte y Tecnologías, que se realizará el 22 de octubre de 10 a 16 en el Planetario de la Universidad Nacional de La Plata (Av. Iraola y calle 118, Paseo del Bosque).
Convocados por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, desarrolladores, diseñadores, artistas e investigadores bonaerenses que estén produciendo plataformas, dispositivos, obras e instalaciones inmersivas, interactivas, digitales y artísticas podrán participar completando el siguiente formulario antes del 6 de octubre.
En particular esta convocatoria apunta a equipos interdisciplinarios que estén creando instalaciones interactivas, entornos inmersivos, nuevas aplicaciones creativas, programación, sistemas y servicios digitales, inteligencia artificial, visualización de datos, realidad virtual y aumentada, metaverso, criptoarte, espacialidad sonora, internet de las cosas, robótica y conectividad, entre otras.
El Primer Encuentro Provincial de Cultura, Arte y Tecnologías busca impulsar el desarrollo de proyectos creativos digitales bonaerenses, generar oportunidades de creación y de promoción, reconocer demandas y situaciones emergentes locales o regionales respecto de la producción, el uso de las tecnologías y las plataformas digitales.
Este encuentro potenciará el entramado entre tecnología, cultura y arte desde una mirada vanguardista y de reconocimiento de la identidad y la diversidad bonaerense. Se puede solicitar más información o realizar consultas a la siguiente dirección electrónica culturainmersiva@gmail.com.
Fuente: Copyright Clarín by Daniela Pasik ~ Con más de 100 actividades entre exhibiciones, homenajes y experiencias audiovisuales alrededor de toda la Ciudad, llega una nueva edición del evento que toma las calles. Una selección de diez obras para visitar.
“¿Qué es esto?, ¡No lo entiendo!”, se enoja un señor que podría ser la personificación del abuelo Simpson cuando levanta el puño al cielo. Eso sale en el diario, el título dice “Anciano le grita a una nube”. El fragmento del capítulo se hizo meme, ahora la realidad imita al dibujo animado. Dos barrios más lejos, un grupo de vecinos propone cómo se puede expandir la obra de la que se sienten parte y un padre que pasa le susurra a su hijo adolescente, “esto es arte, es arte”.
El martes 27 comenzó una nueva edición de la Semana del Arte, organizada por el Ministerio de Cultura porteño y la Fundación Medifé, una experiencia gratuita dura hasta el 4 de octubre. De frente, participativas voluntaria o involuntariamente, están las diez obras locales —seleccionadas a través de una convocatoria a la que se postularon 300 proyectos— que se instalaron en distintos puntos de la Ciudad.
Además, hay más de 100 actividades entre exhibiciones, charlas, performances, proyección de documentales, módulos de formación y experiencias audiovisuales. Esta maratón tuvo como punto de partida la feria Pinta BAphoto el fin de semana pasado, con meta de llegada a la ya clásica ArteBA el 7, 8 y 9 de octubre en Costa Salguero. Ahora, en carrera, sucede la explosión de arte en parques, instituciones culturales, jardines, teatros, subtes y otros puntos emblemáticos de la ciudad. En Parque Rivadavia. «Un caballito se escapa» (2006), de Julián D’Angiolillo. Una de las puestas de la Semana del Arte / Foto: Enrique Medina
“¿Se puede tocar?”, quiere saber un niño que pasa. La respuesta es variable, pero siempre hay una persona que guía, da información sobre la obra en cuestión y hasta una invitación a seguir, para que quien pase casualmente por una pueda, si quiere, recorrer las otras.
En Parque Rivadavia está la instalación Un caballito se escapa (2006), de Julián D’Angiolillo. Podría ser parte del paisaje habitual, casi lo es. El tambor de combustible vacío con manijas para montar que suele haber en los areneros de plazas, ahora está encadenado a cuatro postes de luz. Una nena le pregunta a su mamá si es “una reliquia histórica”. Algo remite al pasado, aunque esa no es la intención principal. Las lámparas de sodio, por la noche, iluminan cálidas, en un aura fantasmal o nostálgica entre tanto led, como en una película fuera de tiempo. De día se ve que alguien hizo un graffiti en la obra. “Me parece bien”, dice el artista, “me interesa lo que pasa en el diálogo con el entorno”. En Abasto. «Urdimbre» (2022), de Silvina Babich. / Foto: Enrique Medina
En la fachada del Centro Cultural el Zorzal (Zelaya 3002), en la zona del Abasto, se teje Urdimbre (2022), de Silvina Babich. Es una artesanía salvaje y metódica en mimbre, que sale de un árbol y abraza el balcón, cae ondulante sobre las paredes de la esquina. “Es un núcleo de monte nativo en la ciudad”, cuenta la artista, que explora la convivencia entre lo silvestre y lo urbano. “Reproduce el movimiento aleatorio, como el del agua, de las costas, de las selvas”, explica. Al lado hay una parrilla, los habitués proponen colgar un pantalón, la señora de enfrente ha dicho que sería lindo poner flores. “A mí me encanta, eso es lo que pasa con los ríos, esta escultura es una conversación”, dice la autora.
En el entrepiso del Teatro General San Martín hay dos arcos nacidos para la selfie, una explosión de colores y formas. Es Plantasia (2022), de Ricas, un colectivo artístico conformado por Clara Campagnola y Dana Ferrari, que invita a pasar por el medio, que se planta con flores de plástico, viejos cedés, tubos flota flota, peluches, cartones de maples de cartón para huevos como una explosión ordenada de texturas y materiales. Juega con la artificialidad, lo excéntrico, para explotar abundancia vegetal. “Reciclamos trabajos comerciales que hicimos, también hay partes que son obras de chicos que vienen a talleres que damos en Villa Fraga y queríamos hacer una escenografía por fuera de las salas de un teatro”, cuenta la dupla. En el Teatro San Martín. «Plantasia» (2022), de Ricas, del colectivo artístico conformado por Clara Campagnola y Dana Ferrari. / Foto: Enrique Medina
Con el procedimiento inverso de poner una obra en la ciudad, Fechorías (2021), del colectivo artístico Lolo y Lauti (compuesto por Lautaro Camino y Lorenzo Anzoátegui), trae a Buenos Aires a su video instalación en La casa de la Cultura (Avenida de Mayo 575), que es un Obelisco de madera y una oda a la noche porteña con una coreografía sin música, proyectada, hecha por bailarines que llevan en la cabeza sombreros que son el Kavanagh, el Molino, la Biblioteca Nacional, la torre de IBM, el Congreso, la Biblioteca Nacional y otros edificios emblemáticos. Todo forma un horizonte móvil, performático, que rinde culto a lo arquitectónico, pero también a “ese espacio de seguridad queer que siempre fue el mundo del musical, del teatro”, dice Lolo.
Entre otras actividades destacadas, el domingo 2 de octubre va a haber una bicicleteada para recorrer algunas de estas obras de arte público, guiada por Melisa Boratyn, que sale desde el Museo Malba (Avenida Figueroa Alcorta 3415, a las 15). El lunes 3, a las 19, va a estar la instalación de arte digital Machine Hallucinations: Coral, del turco-americano Refik Anadol, que va a presentar la plataforma artbag en el Teatro Colón junto a la Orquesta Académica del Instituto Superior de Arte.
Otras obras
Los misterios de Udolfo, de Verónica Gomez, en Colón Fábrica (Avenida Don Pedro de Mendoza 2163, La Boca). Con reserva de entradas. Cupos limitados.
Pira de la Gran Bruja, de Tótem Tabú (colectivo artístico conformado por Hernán Soriano, Malena Pizani y Laura Códega) en el Jardín Botánico (Avenida Santa Fe 3951). Lunes cerrado.
Cartoneros de 11, de Esmeralda Mugre (colectivo artístico conformado por Mdanielapr y Dagurke), en el Teatro de la Ribera (Avenida Don Pedro de Mendoza 1821).
Interferencias, de Nina Kovensky en el Subte de Buenos Aires.
Mi Sueño, del colectivo artístico Benjamín y Felipe Álvarez, una instalación, performance en Plaza Primero de Mayo (Hipólito Yrigoyen 2200). El sábado 1 y domingo 2 de octubre de 14 a 20.
Sin título, de Andrés Piña, en el Subte de Buenos Aires Línea A, Pasaje Lima.
Fuente: BA – Hasta el 4 de octubre el arte contemporáneo se vuelve protagonista con exhibiciones, homenajes y experiencias audiovisuales. Se pueden recorrer 10 obras, que abarcan desde la pintura hasta la fotografía y el arte digital, emplazadas en instituciones culturales, jardines, teatros, subtes y otros puntos emblemáticos.
Hasta el martes 4 de octubre, se realiza la Semana del Arte, el evento que llena de arte contemporáneo las calles y los espacios de la Ciudad. La actividad es organizada por el Ministerio de Cultura de la Ciudad, en colaboración con la Fundación Medifé.
Durante ocho días se pone el foco en la escena artística local, unificando un calendario artístico que comenzó con la feria Pinta BAphoto, continúa con la Semana del Arte y la Bienal de Arquitectura, y concluye con la feria de arte contemporáneo ARTEBA.
“Esta iniciativa es el reflejo del trabajo en conjunto para seguir fortaleciendo y amplificando nuestra oferta de arte contemporáneo. Es una de las propuestas más completas y diversas de la Ciudad porque se integra al espacio público y acerca el arte a vecinos, vecinas y visitantes. Cada edición del evento es distinta y cuenta con su propia identidad, gracias a los artistas ganadores de la convocatoria abierta que se realiza año a año”, sostuvo el ministro de Cultura de la Ciudad, Enrique Avogadro.
“La Semana del Arte no sólo nos permite redescubrir la Ciudad a través del arte contemporáneo sino también comprender la importancia del espacio público y su vinculación con el arte para la incorporación de nuevos públicos y nuevos espacios de reflexión, junto a artistas nacionales y sus instituciones”, indicó la coordinadora del área de Artes Visuales del Ministerio de Cultura de la Ciudad, Noelia Novosel.
Bajo la premisa de crear una convivencia entre espacios, expresiones artísticas y públicos, la Ciudad propone una programación interdisciplinar gratuita, creando un gran museo a cielo abierto en múltiples locaciones. Hay exhibiciones, charlas, performances, proyección de documentales, homenajes a grandes artistas nacionales, módulos de formación y más actividades para disfrutar en plazas, teatros, estaciones de subte, instituciones culturales y otros espacios.
Se puede redescubrir la Ciudad a través de 10 obras de artistas locales, que fueron seleccionados a través de una convocatoria -abierta del 2 de mayo al 29 de junio-, a la cual se postularon más de 300 proyectos. El comité evaluador fue conformado por la curadora Carla Barbero; el artista visual ganador de Semana del Arte 2021, Luis Terán; y el arquitecto y subsecretario de Paisaje Urbano, Juan Pablo Vacas.
Se pueden recorrer 10 obras, que abarcan desde la pintura hasta la fotografía y el arte digital, emplazadas en instituciones culturales, jardines, teatros, subtes y otros puntos emblemáticos.
Las obras seleccionadas exploran diversas técnicas que abarcan desde la pintura y la escultura hasta la fotografía y el arte digital. Estas son:
“Los misterios de Udolfo” de Verónica Gomez @veronicainesgomez1
Estará en Colón Fábrica
Av. Don Pedro de Mendoza 2163
Viernes 30 de septiembre, sábado 1 y domingo 2 de octubre de 12 a 18 horas. Con reserva de entradas. Cupos limitados
“Pira de la Gran Bruja” de Tótem Tabú @tabutotem
Colectivo artístico conformado por Hernán Soriano @hernan_soriano, Malena Pizani @malepizani y Laura Códega @lauracodega
Estará en el Jardín Botánico
Av. Santa Fe 3951
Del 27 de septiembre al 4 de octubre de 14 a 18 horas. Lunes cerrado
“Plantasia” de Ricas @ricasestudio
Colectivo artístico conformado por Clara Campagnola y Dana Ferrari
Estará en el Teatro General San Martín
Av. Corrientes 1530
Del 27 de septiembre al 4 de octubre de 14 a 20 horas
“Cartoneros de 11” de Esmeralda Mugre @esmeralda.mugre
Colectivo artístico conformado por Mdanielapr y Dagurke
Estará en el Teatro de la Ribera
Av. Don Pedro de Mendoza 1821
Del 27 de septiembre al 4 de octubre de 14 a 20 horas
“Interferencias” de Nina Kovensky @espejo.rayado @ninakovensky
Estará en el Subte de Buenos Aires (SBASE)
Del 27 de septiembre al 4 de octubre de 14 a 20 horas
“Mi Sueño” del colectivo artístico Benjamín y Felipe Álvarez @las_deudas @falvarezparisi (instalación, performance)
Estará en Plaza Primero de Mayo
Hipólito Yrigoyen 2200
Sábado 1 y domingo 2 de octubre de 14 a 20 horas
“Un caballito se escapa” de Julián D’Angiolillo @elnuevomunicipio
Estará en Parque Rivadavia Rivadavia 4950
Del 27 de septiembre al 4 de octubre de 14 a 20 horas
“Fechorías” del colectivo artístico Lolo y Lauti @loloylauti
Estará en la Casa de la Cultura
Del 27 de septiembre al 4 de octubre de 14 a 20 horas
“Urdimbre” de Silvina Babich @babichsilvina (instalación)
Estará en el Centro Cultural el Zorzal, Abasto
Del 27 de septiembre al 4 de octubre de 14 a 20 horas
“Sin título” de Andrés Piña @andrespinia (escultura)
Estará en el Subte de Buenos Aires (SBASE) Línea A, Pasaje Lima
Del 27 de septiembre al 4 de octubre de 14 a 20 horas
Además, en el marco de la Semana del Arte, la Ciudad organizará visitas guiadas junto con la curadora y gestora artística Melisa Boratyn alrededor de la feria ARTEBA, que se realizará del 7 al 9 de octubre en el Centro Costa Salguero (Av. Costanera Rafael Obligado 1221). Las entradas se podrán adquirir desde la web. Asimismo, el Ministerio de Cultura, a través de sus redes sociales (@bacultura), sorteará 5 pares de entradas para ingresar gratuitamente al evento.
En la plataforma Impulso Digital (@impulsocultural) se lanzarán los módulos de formación profesional de la Semana del Arte bajo la temática de Arte Público, en los cuales especialistas de distintas disciplinas brindarán herramientas para hacedores culturales de todo el país. Estos cuentan con el apoyo del CCEBA Centro Cultural de España en Buenos Aires.
Los destacados de programación:
Tres en la deriva del acto creativo – Proyección del documental de Fernando “Pino” Solanas
Miércoles 28 de septiembre, 18 horas
En el Centro Cultural San Martín, Sarmiento 1551
Dueño de una de las filmografías más notables de la historia de nuestro cine, Fernando “Pino” Solanas cierra su trayectoria con un documental en el que explora los misterios de la creación junto a otros dos grandes artistas en la recta final de sus vidas: el actor y dramaturgo Eduardo “Tato” Pavlovsky y el artista plástico Luis Felipe “Yuyo” Noé. A partir de temas como el exilio, el compromiso político, las crisis y el deseo, comparten experiencias a la vez que reflexionan sobre el origen de las ideas y el ejercicio material de la creatividad. Actividad en colaboración con BA Audiovisual, el Centro Cultural San Martín, Victoria y Juan Solanas, y la Fundación Luis Felipe Noé. Entrada gratuita con inscripción previa próximamente a través de la página web de Semana del Arte.
Cuir con C – Jornada de actividades
Jueves 29 de septiembre a las 17.30 horas
En Casa de la Cultura (Avenida de Mayo 575, segundo subsuelo)
Jornada de actividades centradas en el arte CUIR curadas por Irene Gelfman. Se visitará una exhibición colectiva integrada por obras de siete artistas: Pablo Gomez Samela, Matías de la Guerra, Nina Kunan, Ely DD, Trinidad Metz Brea, Mabel y Maruki Navosaki. Un panel de expertos integrado por Nancy Rojas y los directores de Ópera Periférica (Pablo Foladori y Gerardo Cardozo) participará de un conversatorio moderado por Marina Correa para reflexionar sobre la escena artística local y acercar dichas producciones al público. Evento organizado por el equipo de Artes Visuales y la agenda de diversidades de la Dirección General de Música.
Un museo al aire libre – Visita guiada
Viernes 30 de septiembre, 18 horas
Punto de encuentro: Biblioteca Nacional, Agüero 2502
Se recorrerán obras y esculturas emplazadas en el espacio público. La visita comenzará en la Biblioteca Nacional junto a la obra Alfabeto lunar del artista Leandro Katz. Luego se visitará el puente peatonal sobre Av. Figueroa Alcorta, realizado por el Arquitecto César Janello, para observar desde allí el Pabellón del Sesquicentenario, la Asociación Amigos del Bellas Artes y el Pabellón de exposiciones temporales del Museo de Bellas Artes. El recorrido finalizará en el nuevo Paseo de Esculturas y hall de la Asociación, donde se encuentra la obra Marejada de Noemí Gerstein, adquirida por el Programa Bellas Artes Nuevas Adquisiciones para ser ubicada en dicho Paseo. Actividad organizada por Asociación Amigos del Bellas Artes. Entrada gratuita con inscripción previa próximamente a través de la página web de Semana del Arte.
Bicicleteada Malba Joven – Un recorrido por tres obras de arte público
Domingo 2 de octubre, 15 horas
Punto de encuentro: Museo Malba, Av. Pres. Figueroa Alcorta 3415
En el marco de Semana del Arte, Malba Joven invita a participar de una bicicleteada alrededor de las obras de arte público Pira de la Gran Bruja de Tótem Tabú en el Jardín Botánico, Hito de Frontera de Carlos Huffmann en Ecoparque, y Más Allá del tiempo de Marie Orensanz en Plaza Intendente Seeber. Un recorrido guiado por la curadora y gestora artística Melisa Boratyn. Al finalizar la actividad, el Malba propondrá a los participantes explorar de forma libre y gratuita la nueva exposición del museo, Tercer Ojo. Colección Costantini en Malba, que reúne más de 200 obras de arte latinoamericano. Actividad gratuita con cupos limitados. Inscripción previa a través de la cuenta de instagram de Malba Joven (@malbajoven). Organizada por Malba Joven.
Refik Anadol: experiencia artbag Buenos Aires
Lunes 3 de octubre, 19 horas
En el Teatro Colón, Libertad 621
Por primera vez en América Latina, en el marco de Semana del Arte, se presenta Refik Anadol: Experiencia artbag Buenos Aires. El escenario del Teatro Colón será la primera locación de la obra Machine Hallucinations: coral, del artista Refik Anadol, junto a la Orquesta Académica del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Bajo la dirección del Maestro Pablo Bocchimuzzi, se podrá disfrutar de una selección de piezas musicales elegidas especialmente por Martín Bauer, director del Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea del Teatro Colón, en una interpretación curatorial que busca abrir un diálogo atemporal e interdisciplinario entre grandes maestros compositores del siglo XX. La elección de estas piezas refleja el espíritu rupturista y vanguardista de la propuesta, el vínculo interactivo entre las diferentes disciplinas y la marcación de un quiebre para las distintas épocas en las que fueron compuestas. Actividad gratuita con inscripción previa, organizada por artbag en colaboración con el Ministerio de Cultura de la Ciudad. Las entradas se podrán reservar desde la web una semana antes del evento. El Ministerio de Cultura de la Ciudad agradece especialmente al Teatro Colón y a la Orquesta Académica del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.
Refik Anadol (1985, Estambul, Turquía) es uno de los artistas digitales más importantes del mundo. Su investigación se centra en descubrir y desarrollar enfoques innovadores relacionados a la recopilación de datos y a la inteligencia artificial. Su obra generativa pone en evidencia, a través de los nuevos medios, la relación del ser humano con el medio ambiente, la ecología y la sociedad que nos rodea. El cuerpo de trabajo de Anadol aborda los desafíos y las posibilidades que la computación ha impuesto a la humanidad y lo que significa ser humano en la era de la IA.
Machine Hallucinations: Coral es una de las obras más importantes de la historia del arte digital. En el cruce entre arte, ciencia y tecnología esta obra tridimensional presentada por primera vez en la playa del Faena Hotel durante la Art Basel Week 2021, en Miami, combina data science, pintura digital, inteligencia artificial, audio, performance e instalación inmersiva.
Visitas guiadas alrededor de la exposición Antes del fin de los sueños en CCEBA – A cargo de la curadora Tainá Azeredo
Martes 27 de septiembre y jueves 29 de septiembre a las 12 horas
En CCEBA, en Paraná 1159
Antes del fin de los sueños reflexiona sobre los nuevos desafíos para afrontar un futuro sustentable y apela a nuestra capacidad para imaginar otros futuros, a través de las mitologías, lo onírico, la ciencia ficción y la creación de mundos imaginarios para la comprensión de la realidad y la posibilidad de inventar un nuevo porvenir. Actividad gratuita con inscripción previa próximamente a través de la web de la institución.
Visita guiada gratuita a cargo de Agostina Gabanetta en la sede de Fundación Espigas y el Centro de Estudios Espigas
3 de octubre de 15 a 16:30 horas
En Fundación Espigas, Perú 358, timbre A, 1067
Se recorrerán los distintos espacios de trabajo, los espacios de guarda y de tratamiento de documentación. La propuesta tiene como objetivo mantener y entablar nuevos vínculos con aquellas personas interesadas en el arte argentino y latinoamericano, en el patrimonio, en la investigación en el campo de las artes y demás áreas de la cultura, así como con aquellas curiosas de los archivos y bibliotecas. Actividad gratuita con inscripción previa.
Conversaciones alrededor de la obra Mamá Luchona de Gabriel Chaile
27, 28, 29, 30 de septiembre, 3 y 4 de octubre, a las 15 horas
En Arthaus, Bartolomé Mitre 434
El título de la escultura es un homenaje a la figura de la «Luchona»: un término usado peyorativamente para describir a las madres solteras que les gusta salir y comportarse libremente, mayormente usado en el caso de madres adolescentes de clases trabajadoras de América Latina. Esta escultura es parte de una serie que Chaile dedica a las Luchonas del pasado y del presente, en honor a todos los que dividen su tiempo entre trabajar y criar a las nuevas generaciones sin dejar de disfrutar y celebrar la vida. Las conversaciones estarán a cargo de Gabriela Vicente Irrazábal, Coordinadora de Arthaus y María Teresa Constantin, Directora Artística de Arthaus. Actividad libre y gratuita.
Charla y cóctel de cierre de la muestra Topografía infinita, junto al artista Fernando Poggio
4 de octubre de 2022, 18h
En MARQ, Av. del Libertador 999
Cierre de la muestra Topografía infinita de Fernando Poggio, una exposición antológica que reúne más de cuarenta pinturas y objetos de diseño, más un site specific realizado en acero con el que se introduce en las últimas tendencias del neocinetismo. La charla estará a cargo de los curadores Eugenia Garay Basualdo, Franco Chimento, Sergio Bazán y Stefy Jaugust. Actividad libre y gratuita.
Cierre Semana del Arte: COLECCIÓN V/V 22 – una performance de VIVIR VENDE, de la Compañía Selección Natural de Mayra Bonard
Martes 4 de octubre, 19 horas
En Fundación Santander, Av. Paseo Colón 1380
En el marco de la muestra Anfibios de la Fundación Santander, se realizará una performance que habla de vivir y de “vender/se”. La vida está en venta. Los bailarines salen a buscar basura en las calles para su desfile de moda. Se ríen de todo. De la moda, de la precariedad, de ser pobres, de ser lindos. Abrazan el mundo así como viene. Actividad gratuita con inscripción previa. Organizado por Fundación Santander en el Distrito de las Artes con el apoyo de Prodanza y Mecenazgo de la Ciudad.
Luminiscencias en CCEBA
Martes 4 de octubre, 19:30 horas
En CCEBA, Paraná 1159
Luminiscencias es el ciclo de estrenos musicales organizado por el CCEBA, con curaduría de Leandro Frías. En el marco de la Semana del Arte, el martes 4 de octubre se presentarán en vivo los shows audiovisuales de Nait Saves + Vanesa Massa y Collatio + Flo Pasquali. Actividad gratuita con inscripción previa próximamente a través de la web de la institución.
Lanzamiento FORMARTE.BECAS
Convocatoria que estará abierta del 15 de septiembre de 2022 al 10 de febrero de 2023.
Convocatoria para Artistas Emergentes Argentinos. Segunda edición de un concurso organizado por Arte Online que otorgará dos Becas de formación profesional en el programa de Fundación Cazadores durante el año 2023, y que cuenta con el apoyo institucional del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. FORMARTE. BECAS brinda la posibilidad de cursar la beca en formato virtual para todos aquellos artistas que residan a más de 80 km de la ciudad de Buenos Aires. El proyecto concluye con la participación en una muestra colectiva entre febrero y marzo de 2024, que tendrá lugar en la Sala Imán de la Fundación Cazadores. El jurado de la convocatoria está integrado por Viviana Romay, directora de Fundación Cazadores; Leila Tschopp, artista y curadora; y Marcela Costa Peuser, directora de Arte Online. Organizado por Arte Online en colaboración con Fundación Cazadores y el Ministerio de Cultura de la Ciudad.
Fuente: Zonnales – La familia del prolífico artista que está considerado como uno de los más importantes de la pintura argentina cedió sus obras a la entidad académica, que hace tres décadas armó un sitio único de exhibición para homenajearlo.
Pío Collivadino es uno de los artistas plásticos y escenógrafos más importantes de la historia argentina. Nacido en agosto de 1869 y fallecido en el mismo mes de 1945, su carrera fue tan prolífica como variada obras que hoy en día pueden disfrutarse en el museo ubicado en Banfield que lleva su nombre y está cargo de la Universidad Nacional de Lomas de Zamora.
¿Cuál es la relación que une al renombrado pintor con el sur del Conurbano? Sin descendencia directa, él y su esposa Amalia vivían solos hasta que, luego de la muerte de su hermano mayor, decidió adoptar a Emilio, quien tenía 14 años y era el menor de sus sobrinos. Con el paso del tiempo, la vivienda de Medrano 165 se convirtió en la propiedad del joven, quien se fue a vivir allí con su esposa, Irma Arbeleche, y dejó un sitio libre que Pío utilizaba como taller.
Fueron justamente Emilio e Irme quienes, tras la muerte del artista, decidieron que el legado de su obra permaneciera vivo y se contactaron con la Universidad Nacional de Lomas de Zamora para que se ocupara de cuidarlas y exhibirlas en un museo que finalmente abrió por primera vez sus puertas hace tres décadas, en abril de 1992.
«La función del Museo Pío Collivano es resguardar su valioso material de calidad internacional, y a la vez, darlo a conocer para su estudio y su disfrute. Los primeros destinatarios son los vecinos del barrio, gracias a quienes surgió la idea de que una colección particular fuera la premisa para hablar, pensar y sentir arte», contó a Zonales Gabriel Agri, director de Cultura de la Universidad de Lomas de Zamora.
El Museo Pío Collivadano funciona en la casa en la que el artista tenía su taller.
Pero no todas fueron rosas en el camino del espacio. Luego de casi dos décadas abierto al público, debió cerrar sus puertas en 2010 porque tanto la casa como la obra requerían una restauración y posterior reacondicionamiento para albergar y preservar las pinturas con la temperatura y las luces adecuadas. Convenio mediante entre la UNLZ y la Universidad Nacional de San Martín, las tareas se llevaron adelante en 2017, con la consiguiente reapertura en 2018.
El espacio abre sus puertas de martes a sábado, con entrada gratuita.
Una prolífica obra al alcance de todos en Banfield
El lugar alberga la obra plástica y el archivo personal que el artista tenía en su taller. En las salas distintas salas del edificio se recorre parte de su extensa obra que incluye pinturas, acuarelas, grabados, fotografías y una gran cantidad de bocetos que dan cuenta de su extensa labor.
“A partir de este año y con motivo de cumplirse los 30 años de vida del museo, hemos inaugurado un mural exterior en manos del artista plástico Sebastián Puentes Rivero. También hemos incorporado talleres culturales de piano, guitarra, danza, arte para niños o canto. Y se organizan shows musicales en vivo todos los sábados», detalló el directivo de la UNLZ.
El museo Pío Collivadino se encuentra abierto al público, de martes a viernes, de 10 a 19; y los sábados, de 12 a 21. Todas las actividades son libres y gratuitas y el lugar cuenta con las instalaciones adecuadas para personas con movilidad reducida.
«Hay que hacerlo visible para que todo el mundo pueda acercarse. El material con el que disponemos no se puede ver en otro lugar. Para la universidad es un orgullo, por eso lo tratamos con el mayor profesionalismo y seriedad», cerró Agri.
Pío Collivadino fue un artista fue prolífico y variado.
Fuente: EnRedacción – Artistas de todo el país tienen tiempo hasta el 30 de septiembre para presentar obras en la categoría “Pintura”, mientras que para “Muralismo”, los artistas de Córdoba y su área metropolitana tienen tiempo de postularse hasta el 28 de octubre inclusive.
Se trata de la 15° edición consecutiva del Premio, en camino al 150 aniversario de la fundación del Banco de Córdoba.
Esta nueva entrega de Bancor, duplica y lleva a $3.200.000 el fondo para las distinciones, a la vez que que amplía a 3 la cantidad de ganadores para la categoría “Muralismo”.
Categoría Pintura
– Primer Premio Adquisición $ 600.000
– Segundo Premio Adquisición $ 400.000
– Tercer Premio Adquisición $ 300.000
– 3 Menciones Arte Bancor Joven Adquisición (hasta 35 años) de $ 200.000 (c/u).
Categoría Muralismo
– Primer Premio Muralismo Córdoba $ 600.000
– Segundo Premio Muralismo Córdoba $400.000
– Tercer Premio Muralismo Córdoba $ 300.000
La coordinación general del concurso está a cargo del artista cordobés Manuel Coll, ganador de tres ediciones del Premio Bancor (2012, 1216 y 2018) y jurado en 2021.
El Jurado de Selección y Premiación estará integrado por destacadas figuras del campo del arte: Elian Chali (Córdoba), Carina Cagnolo (Córdoba), Magui Moavro (Buenos Aires), Santiago Villanueva (Buenos Aires) y Cintia Clara Romero (Santa Fe).
Fuente: Ambito – La organiza Néstor Goyanes, con maestros homenajeados como Zulema Petruchansky.
Néstor Goyanes (Buenos Aires, 1960), figura destacada de la gráfica nacional cuya obra integra colecciones de importantes museos del país y del exterior, acreedor de numerosos premios, entre ellos, Primer Premio y Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Grabado, no ceja en su entusiasmo por difundir y organizar muestras de esta milenaria disciplina.
En 2020 nos ocupamos de su labor docente así como la de descubrir talentos en localidades como, por ejemplo, Pergamino, Quilmes, Avellaneda, Luján , Tandil, Mercedes (donde instauró el Mes del Grabado), San Antonio de Areco, Junín.
Actualmente ha organizado una muy extensa muestra en el Museo de la Fundación Rómulo Raggio con motivo del mes del grabado integrada por 56 artistas de gran trayectoria, otra sala dedicada a homenajear a 9 artistas fallecidos y también a una selección de 14 artistas bonaerenses integrantes del grupo “A toda tinta”.
Empezamos el recorrido por los grandes maestros homenajeados: Alfredo de Vincenzo (1921-2001), creador de un taller dedicado a la investigación y el experimento, fue el primero en usar la filografía, el fotograbado junto al aguafuerte. Un taller de excepción, formador de artistas muy consagrados, entre ellos Zulema Petruchansky (1945-2014) en cuya imagen al borde del colapso se encuentran elementos arquitectónicos, grafismos, gestos abstractos, fotos, collages, toda una sumatoria de recursos técnicos que combinan lo real y lo imaginario.
Su gran pasión por las artes gráficas llevó a Ricardo Crivelli (1938-2015) a la fabricación de papel artesanal en su taller laboratorio de La Boca donde trabajó a partir de trapos de algodón y pastas de plantas diversas. Viajó por toda la Argentina para divulgar sus conocimientos así como compartir su arte con los niños” para que puedan hacer cosas bellas con sus manos”. Se completa este homenaje con obras de Liliana Trotta (1951-2012),Albino Fernández (La Habana 1921- Buenos Aires, 2014), Griselda Ferreyra (La Pampa, 1940-2016), Juan Carlos Stekelman (1936-2015) y Ricardo Tau (1932-2022).
Espec Galerias1_opt.jpeg
“Carta de mar a mar”, collage de Néstor Goyanes.
Desde estas páginas nos hemos ocupado frecuentemente en destacar la trayectoria de muchos artistas grabadores, disciplina que hoy, como en muchas otras de las artes visuales, escapan a los cánones rigurosos ya que la inclusión de la fotografía, el collage, los medios electrónicos, los materiales diversos, la han enriquecido y es motivo de constantes investigaciones.
Es tarea imposible referirse a los 56 artistas convocados por lo que, sin desmedro del alto nivel general de la muestra así como su diversidad, nos obliga a limitarnos a algunas obras puntuales.
Es el caso de Mirta Kupferminc, artista multidisciplinaria, que presenta “En la palma de mi mano”, aguafuerte- giclé, perteneciente a una serie realizada en 2010, obra compleja de hondo contenido emocional. “Jardín Botánico” (2018), impresión digital intervenida es la obra de Zulema Maza, destacada artista que escapa a todo convencionalismo.
En una nota reciente sobre el Premio Trabucco nos referimos a Paula Hacker que muestra “Sobre el cuerpo 1”, obra que provoca interrogantes por su carácter misterioso. Llama la atención la obra de Amelia Herrero : en un mueble ideado para esconder papeles que se cierra con llave originado en Francia en la época de los Luises llamado secreter la artista muestra su serie “Imagen latente” relacionada con la duración de un recuerdo.
Hay nombres como el de Alicia Díaz Rinaldi, Graciela Zar, Estela Zariquiegui, Rafael Gil, Lidia Paladino, Mirta Ripoll, Silvana Blasbalg Graciela Buratti, Carlos Carmona, Néstor Goyanes, Angú Vázquez, Jorge Meijide, Carlos Scannapieco, que además de otros artistas de diferentes generaciones continuando con las enseñanzas de sus maestros pero despreocupados de las ortodoxias impuestas ya hace mucho tiempo, han logrado innovar.
Afortunadamente existe un interés por probar todo tipo de técnicas y soportes y lo que cuenta es el resultado, poder expresar ideas trascendentes (Museo de la Fundación Rómulo Raggio, Gaspar Campos 861, Vicente López, lunes a viernes de 13 a 17, hasta el 30 de noviembre).
:quality(80)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/7NOGSWF2AFG7HBCI45NLIIYP44.jpg)
:quality(80)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/G2XDDM7M4BFCVFPFTIVBI26D3E.jpg)
:quality(80)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/S2RZF6SDAJGAZPMNUNX4T6SCAE.JPG)
:quality(80)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/W3GEPNDDWRG3XIDMB63LREQQMA.JPG)
:quality(80)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/Z7RLTUOZCBG2NKZUCXQGO6744Q.JPG)
En Parque Rivadavia. «Un caballito se escapa» (2006), de Julián D’Angiolillo. Una de las puestas de la Semana del Arte / Foto: Enrique Medina
En Abasto. «Urdimbre» (2022), de Silvina Babich. / Foto: Enrique Medina
En el Teatro San Martín. «Plantasia» (2022), de Ricas, del colectivo artístico conformado por Clara Campagnola y Dana Ferrari. / Foto: Enrique Medina
