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Elena Oliveras: el arte y sus formas de resistencia en la actualidad

22 octubre, 202422 octubre, 2024 infoarte

Fuente: ámbito – Se presentó en el Auditorio de Amigos el Museo de Bellas Artes un libro esencial sobre las prácticas artísticas en el mundo contemporáneo de la IA y el cambio climático.

Dedicado a “todos los artistas que luchan por hacer del mundo un lugar más justo”, Elena Oliveras acaba de publicar el libro “Distopías y microutopías – Prácticas de resistencia en el arte del siglo XXI” (Paidós), que fue presentado en el Auditorium de la Asociación Amigos del Museo de Bellas Artes.

Con este libro la autora intenta contribuir a la concientización del problema a través de la acción artística como alternativa de cambio. Hubo un diálogo entre Oliveras, licenciada en Filosofía y Estética por la Universidad de París, y Graciela Sarti, doctora en Historia y Teoría de las Artes (UBA).

«Distopías y microutopías», lo nuevo de Elena Oliveras

Dividido en nueve secciones, cuyos capítulos abarcan la difícil definición de distopía, Oliveras señala que si utopía es «lugar feliz», distopía sería sinónimo de lugar no feliz. El diccionario de la RAE define la distopía como la “representación ficticia de una sociedad futura de características negativas causantes de la alienación humana”.

Se la relaciona con catástrofes, guerras, pandemias, pero también una advertencia de lo por venir, lo que estimularía la reflexión y representa el primer paso hacia una “práctica de resistencia” microutópica, relacionada con la intensidad de artistas, y pone como primer ejemplo a Amadeo Azar con su obra “Necesito creer en algo”, con elementos del constructivismo y el diseño racionalista de una casa que flota sobre un fondo negro.

El libro de la erudita cita pensadores contemporáneos como Bauman, Sloterdijk, Michaud y otros anteriores como Nietzsche cuando señala “que el arte es el que hace posible la vida, el gran seductor de la vida, el gran estimulante de la vida”.

Desfilan por sus 352 páginas todos los pensadores contemporáneos que se han ocupado del Antropoceno y Capitaloceno, el negacionismo climático, que aunque se conozca muchos suponen que es irreversible por “lo que no hay nada para hacer” y cita la controvertida escena entre Donald Trump y Greta Thumberg en 2019. “El consumo gira en el vacío hasta el infinito, se navega en una suerte de agujero negro del que se intenta salir con la ilusión de gozar de un nuevo consumo”, escribe.

Aparecen entonces Alain Badiou, Giorgio Agamben, Slavoj Zizek, Byung- Chul Han, Yuval Noah Harari y los artistas críticos del consumo como Enio Iommi y su anticipatoria obra de la década del 70, y más actualmente, Florencia Levy, Nicola Constantino. Son muchos los artistas comprometidos con las desigualdades, con evitar el colapso, se escuchan sus voces provocativas que abren la polémica sobre la esencia y los límites del arte en relación con la vida.

Un libro que convoca al estudio, a la reflexión, que también trata sobre la violencia omnipresente ya que “nuestro mundo globalizado se define por la violencia que, desde el poder defiende guerras, genocidios, racismos, y que en actitud cruel se atrinchera en la indiferencia, la negligencia o el olvido”. De allí que sea un tema dominante en artistas como Juan Sorrentino, Marcelo Brodsky, Florencia Rodríguez Giles, Mariela Yeregui.

Elena Oliveras ayuda a repensar el mundo un mundo complejo, un mundo del presente que no satisface a nadie, un mundo del arte donde impera el mercado. La autora insiste sobre temas como la ecología, y destaca el corpus de obra de artistas como Andrea Juan, Joaquín Fargas, Teresa Pereda, Florencia Levy que cubre varios de estos temas candentes y “que abren un camino de resistencia a contrapelo de la apatía generalizada”.

Filosofía y la inteligencia artificial

No sólo los recursos básicos están en riesgo. El filósofo italiano Franco Berardi señala que la sustentabilidad psicológica se encuentra seriamente amenazada, la atención está bajo un asedio permanente y el cerebro tiende al estallido psicótico como puede verse también en nuestras calles. También contra las obras de arte emblemáticas en museos “cuando entremos en guerra por los alimentos y el agua, ya no habrá tiempo para admirar el arte”.

En la Sección VIII se ocupa de “La poiesis tecnológica”, en referencia a la Inteligencia Artificial, preguntándose si tendremos la oportunidad con los algoritmos de producir el mejor arte de la historia. ¿Podrá convertirse la IA en una herramienta válida para crear metáforas del mundo?

En una frase del filósofo surcoreano Byung- Chul Han estaría la respuesta: “La IA no puede pensar porque no se le pone la carne de gallina. Le falta la dimensión afectivo-analógica, la emoción que los datos y la información no pueden comportar”.

También cita al poeta y artista francés Robert Filliou (1926-1987): “El arte es eso que hace que la vida sea más interesante que el arte” a lo que Oliveras, en cierta forma, responde: ” El arte es eso que hace que la vida sea más importante que el arte”.

“Bellas Artes”: llega la segunda temporada más incorrecta con la participación de grandes figuras

20 octubre, 202420 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Diario de Rivera – La serie protagonizada por Oscar Martinez creada por la dupla de Mariano Cohn y Gastón Duprat, regresa con una segunda temporada. La ficción se adentrará en complicados dilemas modernistas y personales que pondrán a prueba las habilidades profesionales del director del museo.

Nuevas situaciones llegan a la vida de Antonio Dumas (Oscar Martinez) el director del museo iberoamericano de Arte Moderno de Madrid. Bellas Artes estrenará su segunda temporada el 23 de octubre y los espectadores se volverán a enfrentar con la incomodidad de enfrentarse a frases y situaciones ¿incómodas? que propone este hombre.

En el trailer se muestra la propuesta que recibe Dumas para sumar a una mujer a la muestra del Museo. “Vayamos con esta”, dice ante las candidatas y agrega: “Es mujer, anciana, extracomunitaria..no dice si es lesbiana?, subiriamos tres nivelas en corrección política, ¿no?”. Así sin más la serie se inunda de frases que le provocan al espectador risa, verguenza ajena con cierta incomodidad y en algunos casos la sensación de por fin alguien dice lo que muchos piensan.

Esta nueva entrega, creada por Gastón Duprat y Mariano Cohn, promete ser más provocadora que nunca, enfrentando a Dumas con desafíos insólitos y situaciones absurdas que pondrán a prueba su profesionalismo y paciencia, según informó Disney+.

La serie sigue las peripecias de Dumas mientras navega por el complejo mundo del arte moderno. En esta temporada, el protagonista se verá envuelto en estafas, imposturas y accidentes que involucran a artistas, funcionarios y coleccionistas. Además, la creciente presencia de su exmujer, una artista antisistema que vive en la selva peruana, añade un nivel adicional de conflicto personal.

Imanol Arias se suma al elenco de la segunda temporada de «Bellas Artes». (Crédito: Disney+)

El elenco principal incluye a Aixa Villagrán y Koldo Olabarri, con colaboraciones especiales de actores como Imanol Arias, Cecilia Suárez, Ángela Molina, y Dani Rovira, entre otros. La dirección está a cargo de Martín Bustos, y la producción es liderada por Pablo E. Bossi junto a otros productores.

“El arte contemporáneo necesita de mediadores y especialistas que pongan en contexto las obras para que el público común pueda apreciarlas”, analizó Duprat cuando se estrenó la primera temporada y agregó: “Por eso nadie se atreve a opinar sobre una obra de arte moderno, porque, aunque te parezca una porquería, hay miedo de que se trate de una obra maestra que vale millones. Y, en esa distancia entre el público y la obra, se mezclan obras de arte de gran calidad con disparates sin sentido, que, a veces, es difícil discriminar. Esta realidad suma mucho a la serie”, detalló el director con pura franqueza.

El tráiler presenta a los excéntricos personajes y las subtramas que se desarrollarán a lo largo de los seis episodios, abordando temas actuales con una fuerte dosis de ironía.

Gastón Duprat y Mariano Cohn, conocidos por su trabajo en series como El encargado y Nada, han creado un universo que explora los límites de la gestión artística e institucional con un humor negro característico. “Es un universo que a nosotros nos queda cómodo”, comentó Cohn en un comunicado, refiriéndose a su experiencia en el circuito artístico. “Conocemos bien de lo que estamos hablando y siempre nos fascinó la observación de los artistas, su supuesta superioridad moral. Pensamos que ahí había un gran tema para tratar y desacralizar, para divertirnos y meternos con lo que generalmente se trata de una manera muy formal. Nos parecía que había algo para imprimirle nuestro picor”, concluyó el creativo.

La serie promete continuar explorando las tensiones y absurdos del mundo del arte moderno, ofreciendo una mirada crítica y humorística sobre la supuesta superioridad moral de los artistas y el funcionamiento de las instituciones culturales. La segunda temporada de Bellas Artes se perfila como una entrega que desafiará las convenciones y ofrecerá una experiencia única a los espectadores.

Cómo es Central AFFAIR, el proyecto de 14 galerías de arte que revivió una emblemática zona del microcentro porteño

20 octubre, 202420 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – Copas en las manos, abrazos de felicitaciones y reencuentros. Visitantes circulan, contemplan y conversan. Todo eso que pasa en las inauguraciones, pero multiplicado por 14. Un jueves a la tarde un público variado entra y sale de los locales del primer piso de la Galería Larreta; 800 metros cuadrados de espacio que desde este mes le pertenecerán a 14 galerías de arte. Cada 45 días, no sólo se dedicarán a inaugurar muestras en simultáneo, sino que también programarán lecturas, música en vivo y otras actividades.

Trabajar en comunidad en un contexto de crisis podría ser la principal de las premisas del proyecto. “Pudimos hacer esto porque éramos muchos trabajando en una misma dirección”, sugiere Bárbara Echevarría, una de las fundadoras de AFFAIR y Central AFFAIR junto a Oli Martínez, Gabriela Gabelich, Ignacio Meroni, Sasha Dávila y Fernando Ferreyra. “Es un momento muy difícil para el arte en el país, los tiempos así son para juntar energías tanto en lo afectivo como en lo laboral”, añade.

Acéfala, la galería que Echevarría dirige, es una de las primeras con las cuales el transeúnte se encuentra al subir las escaleras. Presenta un solo- show de la arquitecta y artista lumínica Magdalena Molinari, en el cual dos juegos de luces exploran el efecto del sol sobre la atmósfera. En una de ellas se reproducen, en tres minutos, las 24 horas de un cielo. “Es uno inexistente, inventado por la artista en una mezcla entre amaneceres y atardeceres”, comenta. A diferencia de la serie que le sigue -de colores estáticos que se proyectan en el piso remitiendo al efecto surrealista de ciudad de noche plasmada sobre el río-, estas luces mutan todo el tiempo e invitan así a la contemplación del cambio.

“Es muy común todavía hoy que la gente tenga una reproducción de una obra de Miró, o de Van Gogh en su casa. Si a ese afiche lo mandás a enmarcar y le pones un vidrio su valor se encarece y terminás gastando lo que podrías invertir en una obra de arte contemporánea de un artista joven. Además, estas son piezas vivas, porque sus artistas están vivos, y se genera una conexión con el universo de ellos que al seguir creando van resignificando su trabajo en el tiempo mientras la obra cuelga de la pared”, sostiene la directora de la galería.Bárbara Echeverría, directora de Acéfala y fundadora de Central Affair. Foto Emmanuel Fernández.

“El público que compra obras todavía es muy específico, un mercado casi de nicho de unos pocos que saben del tema. La cantidad de galerías y artistas que existen en el país no se condice con el mercado que tenemos, y si no incrementamos con estrategias reales ese mercado, no hay forma de que todos esos proyectos sobrevivan en el tiempo”, plantea. “Hay que desmitificar al arte visual, acercarlo al público. La Noche de los Museos es un éxito de gente, eso deja en evidencia que el interés está, quizás lo que pasa es que la gente va en esas situaciones amparada en la multitud y por eso lo disfruta tanto. El hecho de que esta sea una histórica galería comercial, con esta especie de ‘pasillo del anonimato’, permite circular con cierta comodidad mientras que en la galería de arte tradicional la gente tiende a sentirse incómoda preguntando por los precios de las obras”, apunta.

Los proyectos que se reconvirtieron y la galería que apuesta a la sexualidad

Dichos pasillos, más adelante en el mismo recorrido, desencadenan en Wunsch, una galería dedicada exclusivamente a las temáticas sexualidad, cuerpo e intimidad. En su muestra actual Esto es una canción de amor, el artista Daniel Juarez trabaja sobre la conjunción del deseo y la construcción de sus gustos a partir de distintas influencias. Su práctica parte de la utilización de revistas pornográficas para la creación de otras imágenes, de algún modo espirituales, que hablan de la pulsión de vida con formas sagradas como pirámides o círculos. “Trabajar de forma colaborativa es genial porque ser galerista, aunque uno no lo crea, es un trabajo muy arduo. Uno se siente muy solo. Estar con otros que transitan lo mismo te ayuda a tomar decisiones, desde cómo iluminar las obras para una muestra, hasta lo que sea”, acentúa el director del espacio, Ignacio Meroni.

El proyecto URRA de residencias artísticas instala, por su parte, su primera galería en esta central bajo el nombre URRA HIP-HiP. “No representamos a artistas sino a sus muestras, con la intención por un lado de ayudar a la visibilidad de las obras, y por el otro de recaudar fondos para poder realizar más residencias de arte”, cuenta Melina Berkenwald, directora de la galería tanto como de la organización de residencias, que hasta ahora recibió a más de 400 artistas de todo el mundo desde su fundación en 2010. Tuvieron sede en distintos espacios tanto de la Ciudad como de la Provincia de Buenos Aires, y actualmente funcionan en un espacio ubicado en el centro porteño. 14 galerías de arte se instalaron en la Galería Larreta. Foto Emmanuel Fernández.

“Es un proyecto nómade, pero ahora finalmente abrimos esta galería fija con la idea de hacer muestras cambiantes, federales e internacionales. Nos interesa en principio convocar a artistas que no tengan representación en la ciudad”. La primera muestra del local inaugura lo que será una serie de conjunciones, duplas entre artistas y/o colectivos cuyos trabajos se complementen. Se titula Principio de la realidad, y pone a dialogar en esta ocasión a las pinturas íntimas y existenciales de Santiago Iturralde, con los tejidos de la Unión Textiles Semillas, conformada por 12 grupos de tejedoras, artistas y activistas de Tucumán que retratan la particularidad de sus paisajes, tradiciones, territorios y saberes.

Después de haber tenido sede en el barrio de La Paternal con un proyecto que además de arte ofrecía tertulias y catas de vinos todos los sábados, la galería Camarones se mudó a esta central “apostando a lo colaborativo y colectivo”, según explica Lola Silberman. Su primera muestra reúne pinturas de Amadeo Zago, enfrentadas con una pared que hace de trastienda donde traslucen piezas de Benito Laren y Milagros Pochat, entre otros de diferentes trayectorias. “Tenemos obras para distintos bolsillos y presupuestos, la idea es que cualquiera pueda tener una obra en su casa y prestigiar su espacio eligiendo algo con lo cual se sienta a gusto. Las artes visuales a veces tienden a ser muy individualistas, a diferencia del espíritu del cine por ejemplo que se hace en equipo, el artista está solo en su taller y el galerista en su galería. Apostar a un proyecto así es una novedad, sobre todo porque estamos en una zona que fue emblema de las artes visuales en los años 60, entonces reivindicar este espacio que entonces fue de efervescencia total, es muy positivo. Es darle una nueva mirada y singularidad a ese momento en un contexto distinto donde está bueno traccionar en conjunto”, delinea la galerista.

La Galería Larreta y una relación con el arte intermitente

La cuadra de la Galería Larreta supo ser zona de influencia del Instituto Di Tella y la puerta del lugar solía desembocar en los años 80 en una espaciosa sede subterránea que entonces tenía la galería Ruth Benzacar. De estilo modernista, la diseñaron en 1957 los arquitectos José Aslan y Héctor Ezcurra. En el año 2000, los locales allí pertenecían a proyectos de diseño vanguardista y disquerías, y el espacio preserva uno de los primeros murales abstractos del artista Luis Seoane. Además, en los últimos años, el proyecto Microcentro Red Cultural buscó impulsar la zona como actual faro cultural porteño organizando festivales de música, literatura y más actividades gratuitas para locales y turistas.

“Quisimos generar un recorrido un poco más selectivo tanto para el comprador como para el visitante no habitual del arte, en el sentido de que ve 14 propuestas al mismo tiempo y entra a donde quiere. Nos interesa el desafío de escribir una historia propia, tenemos la responsabilidad de generar el interés del público, de que la gente sepa que acá hay un lugar de reflexión artística”, propone Ismael Abrahan, director de la galería Almacen 47, que además de su home gallery en San Nicolás de los Arroyos ahora tendrá este local; inaugurado con un solo-show del artista Kalil Llamazares que plantea al paisaje y a la naturaleza como autorretratos. “Buscamos potenciar y dar visibilidad a artistas de medianas trayectorias que estén en constante formación, ya sea académica o que estén al día con convocatorias, salones. Que tengan el deseo y la pulsión de producir y mostrar”, sostiene.La Galería Larreta se ubica en lo que antiguamente fue un punto de encuentro del arte moderno argentino. Foto Emmanuel Fernández.

La muestra inaugural de la galería TokonOMa, dirigida por Oli Martinez y mudada oficialmente a la Central Affair después de su local en el pasaje Rue des Artisans, es de la artista marplatense Valeria Gopar. Titulada La síntesis del día, esta especie de memotest minimalista entre la memoria y la percepción parte de un cuaderno que le funcionó a la artista de archivo. Recolectó allí, en forma de collage, miradas, situaciones y encuentros, registrados durante sus caminatas diarias. Mostradas por primera vez en el Museo MAR, fueron inspiradas en “sucesos que podrían ser insignificantes, pero sirven como motivo para hacer arte”, según señala Gopar al observarlas.

“AFFAIR es un proyecto integrador, un poco nuestro objetivo tiene que ver con dinamizar el Microcentro y que la gente se pueda acercar con facilidad. Estamos muy cerquita de la Plaza San Martín en un lugar estratégico de la ciudad con infinidad de medios de transporte, puede llegar todo el mundo”, exclama MartÍnez.

A su vez, galerías como Crudo, de Rosario, inauguran su primera sede en Buenos Aires sumándose al proyecto con una muestra colectiva de siete artistas federales de su staff; y Casa Equis, con sede en México desde hace cinco años, lo hace presentando a emergentes de medianas carreras con el propósito de “romper con la idea de que el arte es para pocos, alcanzando a primeros compradores con precios accesibles”.

Las galerías residentes en Central AFFAIR son: Acéfala, Almacén arte contemporáneo, AnTnA, Camarones, Casa Equis, Crudo, FAN, Gabelich Contemporáneo, Sasha D., Tiempo, Tierra, TokonOMa, URRA-HIPHiP y Wunsch.

Descubren en Viena un óleo de William Turner que se daba por perdido

20 octubre, 202420 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Diario El Norte – Se trata de una obra hermana de Venice, seen from the Canale della Giudecca, with the Santa Maria della Salute Church, cuyo propietario sospechaba de su autenticidad. Ahora un estudio confirmó que es original.

Un óleo del pintor inglés William Turner (1775-1851), que se daba por perdido, fue descubierto en Viena, Austria, por medio de una investigación histórica por la galería de arte Artzwina.

El lienzo que se pondrá a la venta, es una versión de la pintura Venice, seen from the Canale della Giudecca, with the Santa Maria della Salute Church que se encuentra en el Victoria & Albert Museum de Londres, detalló la galería en un comunicado.

La información señala que un coleccionista privado vendió la obra enño 2005 al actual propietario, quien, al sospechar de su autenticidad, pidió a la galería Artzwina realizar un estudio.

En la investigación titulada “Joseph Mallord William Turner. Un redescubrimiento”, los expertos señalaron que el pintor británico es su creador, pues “todos los análisis científicos demuestran que sólo puede tratarse de un cuadro de Turner. Es un maravilloso redescubrimiento de una obra maestra en Viena”, afirmó Franz Smola, conservador del museo vienés Belvedere y coautor de la investigación.

Por otra parte, la catedrática de la Academia de las Artes Plásticas de Viena, Katja Sterflinger dijo que el hallazgo permitió conocer nuevas paletas de colores del artista, “Se trata de un nuevo hallazgo en la investigación sobre J. M. W. Turner, que conduce a una ampliación de su paleta y a la necesidad de seguir investigando sobre las pinturas ya conocidas del artista”.

Se informó que el propietario está decidido a vender el cuadro en el mercado internacional del arte. Sin embargo, se desconoce si la obra será subastada.

El Museo River fue nominado como mejor experiencia estadio-tour del mundo: cómo votar

20 octubre, 202420 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Minuto1 – Dentro de la nominación en los 31° premios anuales de World Travel Awards, también se reconoce al ‘Estadio Tour Completo’ que realiza la institución.

El Club Atlético River Plate no sólo es uno de los más emblemáticos de la Argentina sino, también, uno de los más reconocidos por su infraestructura, además de la calidad deportiva y el calor de su gente. En esta oportunidad, los 31° premios anuales de World Travel Awards nominó al Museo River y al «Estadio Tour Completo» a la terna de «Mejor Experiencia Turística en Estadios de Fútbol del Mundo 2024».

La cuenta Pasión Monumental de X compartió el reconocimiento de la organización de esos premios, con un link para que todos los hinchas y simpatizantes puedan votar al espacio creado por la institución millonaria: votar acá.

El Museo #River + Estadio Tour Completo está NOMINADO a la Mejor Experiencia Turística en Estadios de Fútbol del Mundo 2024 en los 31° premios anuales de World Travel Awards

Para votar acá https://t.co/G3EZbJ08qa pic.twitter.com/Cqiz0lHTMp — Pasión Monumental (@pmonumental) October 15, 2024

De esta manera, el Museo River -fundado el 9 de noviembre de 2009- no sólo alberga «los más preciados tesoros de la historia del Club Atlético River Plate» -tal como indica la web oficial de la institución- sino también podría convertirse en la Mejor Experiencia para los fanáticos.

Museo River: un lugar para revivir la gloriosa historia millonaria

De acuerdo a lo que reza River en su web, «en sus 120 años, el Club ha vivido momentos gloriosos tanto en lo deportivo como en lo institucional. Ya sea en lo futbolístico como en el plano societario, el Museo refleja cada una de esas etapas de maneras diversas».

Con más de 3.500 metros cuadrados de superficie, este espacio cuenta con ambientes que «reflejan distintas áreas temáticas que dividen el recorrido, referenciadas en fechas emblemáticas para la historia de River». Además, el Museo cuenta con un cine en 360 en el cual se proyecta una película que expresa el sentimiento del hincha riverplatense.

«A través del Túnel del Tiempo, los turistas pueden conocer cronológicamente las personalidades centrales de River Plate, los equipos que hicieron grande al Club, las mejores goleadas, los triunfos destacados y los más valiosos trofeos, todo ello relacionado a la historia nacional e internacional«, indican en la página.

Y agregan: «Además, quienes recorran este espacio rememorarán los orígenes del Club, los primeros pasos en el profesionalismo, los partidos destacados y la gloria que siempre acompañó a River Plate. Estas secciones cuentan con espectáculos audiovisuales que invocan el contexto de cada era de River».

Premio Azcuy: cuáles son los ocho proyectos finalistas que compiten por un premio de u$s 10.000

18 octubre, 202418 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – La obra ganadora se emplazará en el edificio Donna Vita, el nuevo proyecto de la empresa de real estate en el barrio porteño de Caballito. El ganador se dará a conocer en noviembre.

Tiempo de definiciones para el Premio Azcuy, que este miércoles reveló el listado de los ocho proyectos finalistas que compiten por un premio de u$s 10.000 y la producción de una obra a gran escala para el edificio Donna Vita, en el barrio porteño de Caballito. El ganador se dará a conocer en noviembre.

La distinción será la sexta que entregue la empresa de real estate en asociación con el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y la Fundación Azcuy. El concurso de alcance nacional dirigido a artistas argentinos tiene como misión reconocer, difundir y fomentar la producción artística local, estimulando la puesta en valor del arte nacional.

Para la edición 2024 más de 500 artistas enviaron sus proyectos con propuestas de obras de arte inéditas de sitio específico para el nuevo edificio. La jornada de selección se llevó a cabo 15 de octubre en la sede del museo, dónde el jurado se reunió a debatir y consensuar la decisión final.

Las ocho propuestas finalistas del Premio Azcuy fueron:

1. “El jardín del tiempo suspendido”, Nicola Costantino

2. “Corriente formal”, Marcolina Dipierro

3. “Sin título”, Benjamín Felice

4. “De boca en boca”, Eugenia Foguel

5. “Cucha expandida”, Pablo Houdin y Gustavx Bianchi

6. “Asamblea patagónica”, Adriana Martinez y Tomás Espina

7. “Cabeza de mujer”, Debora Pierpaoli

8. “Carta astral para Donna Vita”, Jorge Pomar

Los ocho finalistas recibirán un premio estímulo de u$s 1000 dólares y una devolución de los jurados para profundizar en sus proyectos durante un lapso de aproximadamente un mes y medio. Luego, volverán a presentar sus propuestas ampliadas frente al jurado, y de allí saldrá la obra ganadora que se dará a conocer en noviembre.

El artista ganador recibirá un premio de u$S 10.000 dólares más los costos de producción de su obra, que formará parte del edificio Donna Vita, desarrollado por Azcuy.

El jurado de la edición 2024 está conformado por Jimena Ferreiro (curadora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires), Mariana Obersztern (artista escénica y curadora), Nicolás Bacal (artista visual), Sol Juárez (Gerente de Proyecto Creativo e Innovación y Gestión Cultural AZCUY) y Gerardo Azcuy (Fundador y Director General de AZCUY).

Uno por uno, cómo son los proyectos finalistas:

“El jardín del tiempo suspendido”, Nicola Costantino (Rosario, 1964)

El proyecto propone la intervención de un mural en la fachada del edificio y de un jardín suspendido entre el techo y las columnas del parque de Donna Vita. A través de la técnica milenaria de cerámica japonesa Nerikomi, la artista busca presentar la belleza de las flores y las hojas mediante una geometría construida a partir de barros coloreados, con diseños de origen vegetal inspirados en estructuras fractales.Obra de Nicola Costantino, finalista del Premio Azcuy 2024.

“Corriente formal”, Marcolina Dipierro (Chivilcoy, 1978)

El proyecto consiste en la realización de grupos escultóricos, a partir de composiciones lineales espiraladas y en forma de resortes realizadas en caños tubulares de acero inoxidable. En sus comportamientos, de expansión y compresión, rodean, envuelven, conectan formalmente zonas de columnas cilíndricas pudiendo abarcar segmentos longitudinales de diversas medidas acorde a su ubicación.Obra de Marcolina Dipierro finalista del Premio Azcuy 2024.

“Sin título”, Benjamín Felice (San Miguel de Tucumán, 1990)

El proyecto se centra en la realización de piezas que integran escultura y ornamentación para el edificio Donna Vita, con el propósito de conformar un diálogo entre el patrimonio cultural y las prácticas artísticas contemporáneas. La investigación parte de un análisis de los detalles ornamentales presentes en el arte sacro argentino, así como de la categorización americanista de principios del siglo XX de las culturas indígenas del NOA.Obra de Benjamín Felice finalista del Premio Azcuy 2024.

“De boca en boca” , Eugenia Foguel (Lomas de Zamora, 1987)

Los muros que enfrentan las áreas comunes del edificio Donna Vita se convierten en un friso escultórico animado y una gran fuente de agua. Un espacio de contemplación y reflexión en torno a cómo habitamos el tiempo y un recordatorio de que, finalmente, formamos parte de un ciclo natural de transformaciones e interacciones constantes.Obra de Eugenia Foguel finalista del Premio Azcuy 2024.

“Cucha expandida”, Pablo Houdin (Buenos Aires, 1990) y Gustavx Bianchi (Buenos Aires, 1989)

Las esculturas/piezas que componen esta instalación retoman el universo formal del gato y sus juguetes domésticos, escalándolos hacia dimensiones humanas. Sus plataformas escalonadas incitan a trepar, y su recubrimiento mullido a reposar horizontalmente, mientras que el espacio interior contiene un refugio para que las infancias y personas adultas jueguen.Obra de Pablo Houdin finalista del Premio Azcuy 2024.

“Asamblea patagónica”, Adriana Martínez (Trenque Lauquen, 1964) y Tomás Espina (Buenos Aires, 1975)

El proyecto consiste en la producción de cerámicas de terracota de gran formato realizadas con técnicas de modelado desde el vacío y horneadas a leña. Piezas que aparentan presencias frágiles e imponentes a lo largo de todos los espacios verdes que rodean las piletas del patio interior de Donna Vita.Obra de Adriana Martínez y Tomás Espina finalista del Premio Azcuy 2024.

“Cabeza de mujer”, Débora Pierpaoli (Buenos Aires, 1979)

El proyecto propuesto consiste en la creación de un conjunto de esculturas en forma de torres o columnas modulares, realizadas en cerámica esmaltada. El uso de cerámica como material central permite una amplia gama de expresiones estéticas, debido a sus cualidades maleables y versátiles.

https://c99ee5a0ed8f4d1fc38a0c716d42babe.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.htmlObra de Débora Pierpaoli finalista del Premio Azcuy 2024.

“Carta astral para Donna Vita”, Jorge Pomar (Buenos Aires, 1987)

¿Cuándo nace un edificio?

La propuesta consiste en proyectar la carta astral de Donna Vita a partir de un conjunto instalativo compuesto por un mural de venecitas y placas de acero inoxidable pulido ubicados en el sector de las piscinas y una intervención textil en las sombrillas de todo el edificio.

El baldaquino de Bernini, el genio de la escultura, recuperó su brillo en el Vaticano tras 250 años

14 octubre, 202414 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – La restauración devolvió el esplendor a la majestuosa obra maestra barroca que se encuentra sobre la sepultura de San Pedro. Además, se hallaron curiosos objetos olvidados en sus alturas monumentales.

El baldaquino levantado por el genial Gian Lorenzo Bernini en el centro de la basílica vaticana, sobre la sepultura de San Pedro, ha recobrado su brillo gracias a su primera restauración en 250 años y ha revelado, de paso, los restos “de vida cotidiana” que quedaron en sus alturas monumentales. “Ha vuelto a ser el centro, el fulcro y la referencia de la basílica”, celebra en una entrevista a los pies del monumento el ingeniero Alberto Capitanucci, responsable técnico de la Fábrica de San Pedro, el ente que custodia el templo vaticano.

El baldaquino de Bernini es un imponente templete de 30 metros de altura apoyado en cuatro columnas salomónicas de bronce que el maestro barroco erigió en la primera mitad del siglo XVIII en el epicentro del Catolicismo, sobre el lugar exacto en el que, según la tradición, fue sepultado el apóstol san Pedro.El baldaquino de Bernini refulge tras su primera restauración en 250 años

Una delicada obra maestra

El monumento fue pensado como un gigantesco catafalco o telón de gran realismo, combinando las partes oscuras de bronce y cobre, que desde lejos parecen cuero, con bordes y otras figuras doradas en sus columnas, entre ángeles titánicos, hojas de laurel y abejas, símbolo de la dinastía Barberini, la del papa Urbano VIII. Sin embargo, el paso inexorable del tiempo acabó oscureciéndolo bajo una gruesa capa de suciedad que ahora, por primera vez en 250 años, se ha limpiado en profundidad de cara al Jubileo de 2025.

Han sido nueve meses de trabajo en los que la estructura quedó oculta tras un andamio, para permitir a los técnicos encaramarse y dar lustre a sus figuras, pero que ya ha empezado a desmontarse. La restauración solo se ha centrado en el aspecto “externo” del monumento. Este martes fue posible subir a sus alturas, escalando su andamiaje, para comprobar que efectivamente el mundo sacro, vegetal y animal recreado por Bernini ha recobrado su luz.

Antes, los expertos tuvieron que investigar durante seis meses el estado de este delicado monumento de más de 200 toneladas (60 de bronce), ya que sus columnas están rellenas de hormigón, y levantado en un suelo excavado, hueco, sobre la cripta de los papas y una milenaria necrópolis romana donde se halló la tumba petrina. “Podemos afirmar que no hemos encontrado patologías que requieran curaciones más incisivas de las que hemos llevado a cabo”, resumió Capitanucci.Los trabajos en el Vaticano incluyen cambiar la mampara de la ‘Piedad’

Secretos del pasado

Además, los expertos han descubierto entre los recovecos en lo alto del baldaquino numerosos restos del pasado dejados por otras personas que, como ellos, ascendieron para limpiezas puntuales. “Son historias menores, partes del ámbito cotidiano o personal de quienes en los siglos posteriores subieron para limpiarlo“, explicó el experto.

Entre sus oquedades surgieron restos de comida, plumeros, una suela de zapato, un sombrero hecho con el papel de un periódico del 1800 o una lista de la compra de alguien que necesitaba cebollas y tomates, asegura uno de sus cuatro restauradores, Carlos Usai. Pero naturalmente también han aparecido inscripciones, oraciones y votos con las que los limpiadores del pasado quisieron dejar fe del privilegio de haber trepado a esta obra maestra.La restauración también desveló inscripciones y votos de limpiadores del pasado

La basílica se engalana

El templo vaticano se está engalanando por el Jubileo, que arrancará el 24 de diciembre con la apertura de su Puerta Santa, y además de la colosal restauración del baldaquino y de cambiar la mampara que protege a la ‘Piedad’ de Miguel Ángel, ha emprendido la limpieza del otro monumento de Bernini: el Altar de la Cátedra.

Se trata de un grandioso monumento en bronce dorado clavado en la pared del ábside y que, como un relicario, alberga un antiquísimo trono de madera que, según la tradición, perteneció a san Pedro (aunque en realidad es un mueble medieval regalado en el siglo IX por un rey franco por su coronación).

El Altar de la Cátedra, dotado de un gran dinamismo, es dominado por cinco ángeles de bronce realizados por Bernini sobre un fondo de nubes y querubines de cemento dorado en el que brilla una vidriera con una paloma que representa el advenimiento del Espíritu Santo.

La última limpieza de este altar-relicario se remonta al año 1758. Ahora, varias expertas se afanan en retirar su suciedad y, para ello, han desmontado hasta las llaves del Cielo, que ahora yacen en el suelo de los andamios a la espera de ser desempolvadas. En lo que dura la restauración se ha aprovechado para extraer por primera vez el trono de madera, ahora expuesto en la sacristía de la basílica y que en las próximas semanas se mostrará al público.

Fuente EFE

[Fotos y video: Daniel Caceres]

Murales de Messi: las nuevas dedicatorias al astro del fútbol

14 octubre, 202414 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Perfil – Un circuito de pintadas revive el legado y los sueños del capitán de la Selección Argentina de fútbol en su ciudad natal.

El “Circuito Messi” es un recorrido plasmado de murales por los lugares rosarinos que marcaron la niñez y adolescencia de Lionel Messi. Los rincones urbanos que lo vieron crecer se pueden descubrir a través de una propuesta visual, que nace del sentir que despierta el astro de la Selección Argentina de fútbol en los vecinos de su barrio de origen.

Iniciada por Lisandro Urteaga desde Imagina Pintura Mural, con la participación de Marlene Zuriaga, y otros artistas invitados, esta serie de murales retratan diferentes momentos de su vida y rinden homenaje a su ciudadano ilustre. Se evidencia así, a través del color y el arte, el impacto positivo y valor social que Messi representa en la historia de su ciudad.

El proyecto nace de la inspiración artística que, con su vida y valores, el deportista es inmortalizado en los muros de Rosario. Este recorrido comienza con un mural en la casa de su infancia que hoy, además, es un lugar de interés turístico. Continúa en términos de proximidad con “Campeones del mundo”, en la calle Estado de Israel esquina 1 de Mayo, ambos del colectivo de artistas.

La siguiente parada es en la escuela a la que asistió de muy pequeño “Número 66 General Las Heras”. Allí la intervención es doble. Por un lado, la representación de la Copa del Mundo 2022 plasmada en un tanque de agua, en la plaza José Hernández donde se ubica la institución, también realizada por Imagina Pintura Mural. Y, por otro lado, un mural realizado en el 2015 de la mano del artista Paulo Cosentino, que retrata el enorme espíritu del pequeño gigante dentro del patio de su escuela.

El quinto punto del circuito, y más reciente, se aloja en el Predio Club Abanderado Grandoli. El club con historia de barrio es, además, un actor social activo para los vecinos. La obra se plasma en la Torre 6 de la calle Sánchez de Thompson 212 bis. La misma fue bautizada “De otra Galaxia y de Grandoli”, un mural que muestra el camino recorrido, los esfuerzos, el tiempo y la importancia de nunca perder la esperanza.
El recorrido tendrá su fin en el Predio Malvinas Argentinas del Club Newells Old Boys, que será cuna del último mural del circuito y que rememorará el momento en el que el astro tocó el cielo con los pies. Se estima estará finalizado para diciembre 2024 para el nuevo aniversario de Campeones del Mundo Qatar 2022.

En el marco del programa “Vení al Color”, la empresa de pinturas Alba acompañó contagiando mucho más que fútbol. Para el recorrido que constará de 6 obras de arte, de las cuales 5 ya están terminadas, se estimó más de 1250 litros de pintura. Las obras y sus direcciones son «Obra Campeones de América», Estado de Israel 525; «Obra Copa del Mundo», Plaza Hernández; «Obra GOL», Escuela Número 66 General Las Heras; «Obra De otra Galaxia»y de «Grandoli», en Sánchez de Thompson 212 bis, que da al predio Club Abanderado Grandoli en Laferrere 4801/4899.

La última obra del circuito, que realizará el colectivo de artistas e Imagina Pintura Mural, se ubicará en el Predio Malvinas, en Zeballos 3185. Medirá unos 300 m2 y se denominará “Aniversario Copa del Mundo”. Se estima será inaugurada en diciembre para conmemorar la ocasión.

“El color tiene un poder transformador en la vida de las personas y Lionel, tiene un poder transformador en la vida de los argentinos, que va más allá de sus cualidades deportivas, sino que inspira valores que impactan en la vida de las personas. Nos une, nos enorgullece y nos enseña. En el 2015 le dimos vida a un mural en la escuela a la que asistió de niño. El trabajo realizado en equipo con la familia Messi y la comunidad de la escuela para su concreción, no sólo coincidió en las intenciones sino también en los valores que compartimos»,destacó Fernando Domingues, Director General de AkzoNobel Pinturas Decorativas Cono Sur.

El patrocinador de la puesta artística concluyó: «Y con esa motivación y apoyo de los vecinos, nos animamos a acompañar este circuito de murales inspiracionales en Las Heras, Rosario. Esta iniciativa se enmarca en nuestro programa “Vení al color”, que llevamos adelante a lo largo y ancho del mundo con más de 2.500 proyectos realizados, 1.8 millones de litros de pinturas donadas e innumerables cantidad de personas y comunidades revitalizadas”.

En el corazón de la ciudad. La “fábrica de arte” y hotel de lujo que se levanta en donde había una estación de servicio y un galpón

14 octubre, 202414 octubre, 2024 infoarte

Fuente: La Nación – En una comida, cinco integrantes del clan Rottemberg idearon la creación en Buenos Aires de un espacio dedicado al espectáculo y la cultura, financiado con fondos privados; el ambicioso sueño ya está en marcha en San Telmo, con miras a una inauguración en abril próximo.

Esquina de la Avenida San Juan y Perú, pleno corazón de San Telmo. En donde hubo una estación de servicio de 10 x 50 metros hay un edificio de nueve pisos en construcción. En una vieja casona/galpón ubicada a su lado, con entrada por la calle Perú, se ven obreros trabajando. Son pocos, muchos menos de lo que imaginan y desean sus dueños. Detrás de todo esto hay un grupo de cinco personas. La idea que tienen es construir ahí la FAC, Fábrica de Arte Contemporáneo, que desplegará sus formas en un lote de 12.000 metros cuadrados en total que -imaginan, esperan- inauguraría en abril de 2025. Algo menos de la mitad, unos 5000 metros, estarán dedicados exclusivamente al arte y a la gastronomía. En la torre funcionará también un hotel de lujo. Uno de sus pisos estará destinado a residencias para artistas.

En la inmensa mole de estos dos edificios interconectados habrá dos grandes espacios dedicados a exposiciones y a experiencias perfomáticas o instalativas, una sala de menores dimensiones para actividades diversas, un lugar para coworking gratuito y una librería especializada y enfocada en el amplio mundo del espectáculo, en medio de un edificio histórico intervenido en sus totalidad por obras de arte. El nudo central de este gran centro cultural es un pasillo de doble altura que culmina en un patio interno de esta gran casona, que se expande también por el terreno vecino en donde ya se levantó la estructura de nueve pisos.

Vista de la esquina que ocupará la FAC y el hotel de lujo, en. San Juan y PerúSoledad Aznarez

Renders del proyecto FAC, Fábrica de Arte Contemporáneo, que sus gestores del clan Rottemberg imaginan y esperan abrir en abril de 2025FAC

Los que están detrás de todo esto son cinco integrantes unidos por lazos de sangre pero separados, en los papeles, por un capricho ortográfico. Es que una parte de ellos se apellida Rottenberg y, los otros, Rottemberg, pero todo tiene una explicación. En 1957, cuando nació Carlos Rottemberg, el dueño de 9010 butacas y 16 salas de teatro tanto en Buenos Aires como en Mar del Plata, su padre, Miguel Rottenberg, fue anotarlo al registro civil. Como la señora que lo atendió sostuvo con una firmeza inquebrantable la regla ortográfica que determina que antes de la ‘b larga’ debe haber una ‘m’, el apellido del que se convirtió en el Señor de los Teatros es con ‘m’” -aunque la regla no aplica para los apellidos-. Por lo cual, ahora de vuelta al gran espacio de Perú y San Juan, dialogan con LA NACION los cinco integrantes del clan Rotten/mberg mientras presentan este tesoro, hasta ahora, escondido.

Por este sector del edificio ubicado sobre la calle Perú se ingresará a la Fábrica de Arte ContemporáneoSoledad Aznarez

Por el lado del apellido con “m” aparecen Carlos y Tomás Rottemberg, su hijo, que se ha transformado en un jugador de peso en la escena comercial porteña; y también Pablo Dorfman y Dana Ingrid Heiber. Pablo es hijo de Rosa Rottemberg, una de las hermanas del reconocido productor teatral. Dana, pareja de Pablo. Del lado de la “n” está Enrique Rottenberg, uno de los hermanos de Miguel, el iniciador de esta dinastía de linaje teatral.

Todo ellos, entre almuerzos y comidas familiares, fueron dando vida a este emprendimiento que tiene su versión en un barrio de La Habana, Cuba. Allí, desde 2019, funciona la Fábrica de Arte Cubano (FAC), de la cual Enrique Rottenberg es pieza clave. Tal es el peso de esta iniciativa privada que se levantó en una imponente fábrica fuera de uso, que fue incluida en la lista de los 100 mejores lugares del mundo que elabora la revista Time. Fue idea del empresario vinculado con el real estate y artista visual que suele pasar sus días entre Tel Aviv, La Habana y Buenos Aires, que la FAC de La Habana tenga su traducción local.

La versión porteña de la FAC tiene una imponente fachada sobre la Avenida San Juan. En ese bloque que se levantó donde estaba la estación de servicio se instalarán las 100 habitaciones y el sector de amenities del hotel. “Uno de los pisos estará destinado a residencia de artistas como para que a quien venga a los museos de la zona le podamos ofrecer alojamiento en la FAC sin cobro alguno. Económicamente nos queda claro que este emprendimiento depende del hotel, pero también tenemos en claro que su vinculación con lo artístico será su marca”, apunta el artista visual y fotógrafo del clan, cuyos trabajos expuso en diversos países.

La fábrica que se viene

El ingreso a la FAC será por Perú, por donde está el edificio histórico. En la misma planta baja se abre una gran espacio de doble altura de más de 40 metros de largo entre el portal de ingreso hasta un pasillo interno. El lugar estará dominado por una gran escalera junto a un ascensor que facilitarán el acceso a los otros niveles de lo que promete ser esta gran fábrica de arte. En un sector lateral en donde estará el lobby del hotel se habilitará un espacio destinado a encuentros musicales, presentaciones de libros o actividades diversas, que se irán definiendo sobre la marcha. Allí mismo se instalará el espacio gastronómico.

Render del proyecto FAC, Fabrica de Arte Contemporáneo, que tendrá Buenos Aires a partir de 2025FAC

En el subsuelo funcionará un gran espacio de cerca de 700 metros cuadrado para exposiciones, que se podrá usar en la totalidad o subdividir según la propuesta artística. “La idea es destinar la programación a artistas de todo el mundo y que no solamente esté dedicada a la producción local”, define el tío de Carlos Rottemberg.

De vuelta al hall, durante la recorrida hay dos sectores laterales de entrepisos que dan al gran hall central de doble altura. En ellos funcionará un coworking que será de acceso gratuito, como una forma estratégica de que el lugar esté siempre habitado y con gente circulando con su copa por ese gran espacio, rodeado de objetos de arte. En el proyecto ideado por el arquitecto Oscar Fuentes -con diseño de interiores de Flavio Domínguez y Alexandra Rubio- se instalará una gran araña, que ya está en proceso de construcción. En el entrepiso también funcionará una estación de grabación para futuros streaming y se instalará la primera biblioteca dedicada al espectáculo, propuesta de Carlos Rottemberg, quien imagina un lugar en donde se encuentren libros sobre televisión, radio y teatro, junto con programas de mano o material de archivo diverso.

Vista de la entrada a la FAC desde uno de los sectores del entrepiso Santiago Oroz

Así fue la Noche de los Museos en Rosario 2024

14 octubre, 202414 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Rosario3 – La Noche de los Museo 2024 de Rosario contó con una agenda que incluyó la apertura de los espacios culturales más icónicos de la ciudad.

Además, en la Noche de los Museo de Rosario entre los espacios más destacados se encontró el Museo Estevez (Santa Fe 748), donde se inauguró ‘Oda a lo roto’ de Dante Taparelli y ‘Ama la Rosa’ de Xil Buffone, acompañado de música en vivo. En el Museo de la Memoria (Córdoba 2001) se ofrecieron recorridos especiales y un homenaje musical a Charly García, en el mes de su cumpleaños.

La Noche de los Museos 2024 en Rosario

En esta oportunidad, se convocó a recorrer una red de museos y centros culturales por dentro y por fuera, a partir de la idea de habitar la ciudad. Este 2024 la propuesta contó con una programación especial que se amplió.

Hubo exhibiciones y actividades desde las 18 hasta la medianoche con 6 horas ininterrumpidas en las que la ciudad se convirtieron en un gran espacio de disfrute cultural para todos los rosarinos y turistas que estuvieron de paso por la ciudad.

La agenda

Los más chicos también tuvieron su espacio en el Museo de la Ciudad (Oroño 2361), donde se presentaron distintas actividades. En el Centro Cultural La Casa del Tango (Arturo Illia 1750) la música y la gastronomía se combinaron en un evento único.

La noche se extendió a otros espacios emblemáticos como el Complejo Astronómico Municipal (CAM, parque Urquiza), que celebró su 40º aniversario y continuó con proyecciones y el tributo a Gustavo Cerati.

Además, el Palacio Municipal, en Buenos Aires 711, también fue parte de esta jornada con un recorrido guiado sobre la historia local. Por su parte, en la Biblioteca Argentina (pasaje Dr. Álvarez 1550) se inauguró la muestra homenaje a Juan Álvarez.