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Fuente: Ámbito – La muestra de Franco Fasoli, con curaduría de Joaquín Barrera, incluye obras de reconocidos artistas invitados: Adriana Bustos, Alberto Passolini, Ariel Cusnir, Constanza Chiappini, Diego Figueroa, Damián Santa Cruz, Daniel Santoro, entre otros.

El 12 de abril inauguró El canon Billiken, una importante exhibición cuyo recurso expositivo radica en convertir en un pequeño museo histórico la galería Quimera. La muestra de Franco Fasoli, con curaduría de Joaquín Barrera, incluye obras de reconocidos artistas invitados: Adriana Bustos, Alberto Passolini, Ariel Cusnir, Constanza Chiappini, Diego Figueroa, Damián Santa Cruz, Daniel Santoro, Fátima Pecci Carou, Jesu Antuña, Luis Pazos, Martín Kazanietz, Laura Códega, Laura Ojeda Bar, Ricardo Carpani y Tobías Dirty. Las piezas iluminan los últimos 200 años de historia argentina.

La muestra incluye pinturas nunca antes exhibidas de Fasoli y Trampa, una escultura efímera hecha con maderas y poliestireno expandido, que ponen el foco en las guerras civiles y en los caudillos. Los artistas invitados presentan, en algunos casos, piezas ya exhibidas en museos o galerías, y, además, obras nunca antes vistas, producidas especialmente para esta muestra.

“El Canon Billiken revisita acontecimientos de suma envergadura de los últimos 200 años de historia. En un contexto político como el actual, esta exposición se propone abrir discusiones sobre cómo se construyó nuestro estado-nación y sobre cuál es el rol del Estado, visión que hoy se ve fuertemente atacada por quienes quieren reducir las políticas públicas colectivas a su mínima expresión”, señala el curador de la exhibición.

El canon Billiken, que pertenece al proyecto Obras Amigas, integra piezas que iluminan los últimos 200 años de historia argentina. Obras Amigas es un proyecto de Quimera donde un artista de la galería pone en diálogo su obra con trabajos de otros artistas de distintas generaciones y poéticas. Buscando vínculos inexplorados y construyendo nuevos relatos y significados, este ciclo se propone salir del formato tradicional de exposición individual, pero conservando el protagonismo de un artista. Prima el espíritu colaborativo y se abre el juego al diálogo con otros artistas, construyendo nuevas conexiones estéticas y conceptuales. La galería se convierte así en un escenario en donde estos encuentros generan nuevas amistades entre obras.

“En esta exposición decidimos poner en diálogo representaciones de artistas que produjeron y producen en el país durante los últimos 50 años y que dan cuenta de más de doscientos años de historia, fusionadas alrededor de núcleos porosos y abiertos que definen algunos procesos socio-políticos sobre la construcción de nuestra identidad soberana. Conviven en la sala obras que abordan temas constitutivos y vertebrales en torno a lo político. El arco narrativo va desde poéticas que revisitan los albores de las luchas patrias, pasando por el peronismo, por la capitalización de Buenos Aires, o la narrativa gauchesca, que se entremezclan también otras que investigan las relaciones de la lucha de clase, los feminismos, la recuperación democrática, los usos y costumbres de las ciudades y el sentimiento de lo nacional. Diseminadas alrededor de lo que podría asemejarse a un museo de historia de cualquier ciudad de nuestro país, pero también a un aula de escuela, estas obras reunidas nos permiten trazar un mapa de intereses que desde las artes visuales se despliegan hacia lo político.”, escribe Joaquín Barrera, curador de la exhibición.

Franco Fasoli (Buenos Aires en 1981) vive entre Barcelona y Buenos Aires. Egresó de la Escuela Nacional de Cerámica y del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Realizó clínicas con José Marchi y Diana Aisemberg. Con sus grafitis, comenzó a trabajar en el espacio público a fines de los años noventa. Con un fuerte interés por las materialidades y los mecanismos de trabajo, se focaliza en las subculturas alternativas y en la historia argentina. Realizó murales en Francia, España, Alemania, Canadá, Perú, Australia, Marruecos, Sudáfrica y Brasil. Expuso en Icones Urbaines (Museo de Arte Contemporáneo de Lyon), Historia de la imaginación en la Argentina (MAMBA), Pioneros de un viaje a ningún lado (Museo Caraffa), Anfibios (Fundación Santander) y en el Museo de Arte Contemporáneo de San Juan Puerto Rico. Obtuvo el 2° Premio Itaú, la Mención del Jurado en el Salón Nacional y el Premio Fortabat.

Dice el artista: “A través de mis retratos expandidos, busco enriquecer la comprensión de las complejidades sociales de Latinoamérica, invitando a la audiencia a reflexionar sobre las interconexiones entre tradición, identidad y el entorno contemporáneo. Mi obra es un llamado a la contemplación, al cuestionamiento y al diálogo, invitando a una mirada profunda y comprometida con nuestro tiempo y lugar”.

INFO

Güemes 4474

Martes a Viernes de 15 a 20 h.

Sábados con cita previa

La muestra se puede visitar hasta fin de junio

Fuente: La Nación – En la tradición de Carlos Alonso y Lino Spilimbergo, la muestra “La función de la utopía” pone en diálogo la obra de una generación de jóvenes artistas con Carlos Alcalde, el hombre que les enseñó a pintar.

En el Museo de Arte Contemporáneo de La Boca (MARCO) hay un encuentro de artistas jóvenes de Tucumán con obras de grandes nombres de la colección de la Fundación Tres Pinos, como Antonio Berni, Lino E. Spilimbergo, Carlos Alonso, Eduardo Audivert, Marcia Schvartz, Luis Felipe Noé y Josefina Robirosa. Pero para esta nueva generación de pintores es quizá tanto o más importante la presencia de un maestro en todo sentido de la palabra: Carlos Alcalde les enseñó a pintar.

Al frente del Taller Rotativo de segundo año de la Licenciatura en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Tucumán (UNT) durante décadas, hoy, a los 75 años, vive recluido en su casa, que es como un museo a puertas cerradas que guarda un tesoro, su obra: poderosa, perfecta, impactante. Sus collages y cuadros se convierten en materia viva y suman palabras, gestos, se vuelven esculturas y regresan al cuadro. Intimista y desbordante a la vez. No se puede explicar: hay que ver la obra de Alcalde, y ya se la distingue para siempre. “Es considerado el último maestro tucumano. Es un adicto a la utopía, sueña mundos”, dice la curadora, Cecilia Quinteros Macció. No viaja, no le gusta exponer y tampoco vender, pero aceptó participar en esta exposición por la compañía de sus alumnos más brillantes.

Hay escuela. Y un semillero que se nutre de una tradición que continúa siendo provechosa. Basta recordar que en 1950 el mismo Alonso, mendocino, se radicó en Tucumán para formarse con Spilimbergo en la UNT: la muestra comienza por un retrato hecho por el ilustre alumno a su maestro. En la exposición hay artistas con un gran recorrido hecho, como Sandro Pereira (con una pintura de su hijo en un paisaje provincial) o Valeria Maggi, más abstracta. Gabriel Chaile, hoy convertido en una estrella global, aparece con pequeñas pinturas azules, también de su paisaje, y es sujeto de retrato facetado de la pintora Sonia Ruiz, virtuosa, profunda, varias veces vista en arteba.

“La función de la utopía –así se llama la muestra– es una excusa para pensar los procesos que atraviesan a las personas cuando desean mejorar el mundo. La conexión con el pasado te ayuda a mirar el hoy, y eso se ve en Alfredo Frías, que retrata la habitación de San Martín o en el retrato de Gumier Maier por Sandro Pereira”, explica Quinteros Macció.

Frías es artista de la galería Gachi Prieto, y en su recorrido describe una historia de la educación en el arte: “Estoy particularmente contento por exponer con Alcalde. Hay algo de la figura del maestro que persiste en Carlos que me parece encantador. Yo me crie en un momento en que se estaba construyendo la escena contemporánea en Tucumán y la figura del maestro no estaba tan valorada porque se vinculaba a un tiempo anterior, en el llegaban a Tucumán estudiantes de todo el país para aprender de grandes figuras. Yo soy clásico, de la pintura de caballete, bien hecha… Carlos tiene que ver con eso. Es insistente en el hecho pictórico, en el oficio. Hice el Taller C, luego, con Carlota Beltrame, Marcos Figueroa y Geli González, fabulosos también, más conceptuales, y con ellos terminé de hacer mi propio mix”.

Otro núcleo es el análisis del territorio, donde brillan como frutos de otras tierras el bosque de Robirosa, el árbol de García Uriburu o las témperas de paisajes santiagueños de Berni. Ya de vuelta en el Jardín de la República, Demetrio Iramain pinta a los habitantes del cerro (es descendiente del escultor del Cristo Bendicente del Cerro San Javier, de Juan Carlos Iramain). Emiliano D ́Amato Mateo, las yungas. La línea de horizonte, de María Rosa Mamana, remite a esa idea de Eduardo Galeano, que dice que la utopía está en el horizonte, más camina, más se aleja. “Entonces, ¿para qué sirve la utopía? Para eso, sirve para caminar”.

En ese andar, hay artistas muy conocidos en el NOA, como Nelson Velardez Lai, joven y premiado pintor del pueblo de Trancas. Los muralistas Ruido, Verónica Corrales y Fernando Gallucci, tienen más de cien obras en el espacio público. “Intervenimos espacios en situación de abandono y embellecemos la provincia. Hemos querido traer ese paisaje a los bastidores, la esencia de la calle en pequeño formato”, cuentan. Son pinturas de escenas de barrios y de ellos mismos pintando paredes. “Alcalde ha sido un gran profesor. No puedo creer estar exponiendo con él. Soy santiagueña, y amo Tucumán, donde hay un semillero de artistas. Orgullosa de estar en esa provincia”, cuenta Corrales.

Lautaro Sotelo hace una poética del puchero, entre otros artistas que en la planta alta del MARCO bucean en el campo interior o el autoconocimiento, y en la mirada crítica a lo social. Eugenia Correa problematiza la figura de la mujer en la pintura y, también, hace reconocimientos. “Tucumán tiene muchas horas de taller –explica–. En esos intercambios uno tiene estos préstamos, citas y afectos que nos arraigan al Norte. Yo dialogo mucho con la obra de Alcalde, maestro mío, y pienso que los tributos es bueno hacerlos en vida. Nosotros tenemos que continuar con las postas y tenemos que tener en claro cuáles son nuestras influencias para poder seguirlas. Los libros de historia no se escriben solos. Si no recordamos, todo se borra. Honrar los vínculos. Entiendo el arte como una suspensión del paso del tiempo”.

Para agendar

La función de la utopía, MARCO, Museo de Arte Contemporáneo de La Boca, Avenida Almirante Brown 1031. De miércoles a domingos, de 11 a 19. Entrada: $400, estudiantes; $600, residentes; $1000, Mercosur, y $2000, resto del Mundo.

Fuente: La Gaceta – Con una serie de imponentes pinturas, el artista argentino crea el nuevo realismo en el país, que retratará la década infame. Años después aparecerán Juanito Laguna y Ramona Montiel.

Pocas son las pinturas que han retratado de un modo tan profundo como simple la llamada “década infame” de los años 30, como lo fue “Desocupados” de Antonio Berni.

Cuando Karl Marx contaba que había aprendido más de historia en el arte que en los textos específicos, podría estar refiriéndose a estas pinturas y a las esculturas de los griegos del siglo V A.C.

El golpe de Estado que desplazó a Hipólito Yrigoyen en 1930 coincidió, además, con la gran depresión de 1929 en Estados Unidos.

Hace 90 años por este mes, precisamente, el artista rosarino terminaba de pintar ese trabajo y luego lo presentó al Salón Nacional XXV, que lo rechazó; en el mismo año fechó “Manifestación” aunque no la exhibió en ese período.

El creador había regresado de Europa en 1930 influenciado por el surrealismo, y en 1933 se conectó con el mexicano David Siqueiros con quien colaboró para “Ejercicio Plástico”, un enorme mural que fue realizado en 1933 en el sótano de una quinta del empresario Natalio Botana (también participaron Lino Enea Spilimbergo y Juan Carlos Castagnino, junto al escenógrafo uruguayo Enrique Lázaro).

La mayoría de los historiadores coincide que esas obras marcan su pase al realismo social, en un momento en que en Rosario el artista fundó la Mutualidad Popular de Estudiantes y Artistas Plásticos y adhirió al Partido Comunista.

“Desocupados” (un temple sobre arpillera de 218 x 300 cm) se sitúa en las barrancas del río Paraná, en la zona norte de la ciudad. “Es una obra sumamente sofisticada porque en la misma entran en diálogo diferentes espacios, formas de iluminación y tipos de pavimento sobre los que Berni sitúa grupos de personajes en su mayoría dormidos, a excepción de la madre con la niña del primer plano y alguno de los hombres; un recurso capaz de generar una inevitable situación de extrañamiento y suscitar la duda sobre si el escenario es real o soñado por los protagonistas; figuras melancólicas que alcanzan su expresión más consumada en la pensativa madre que parece pergeñar una situación superadora de las calamidades del presente”, describe el historiador Guillermo Fantoni.

Esa situación de ensoñación puede relacionarse igualmente con lo onírico del surrealismo, con esas figuras que hasta parecen fantasmagóricas.

Para el lector, hay que aclarar: la pintura al temple es la técnica pictórica más antigua que se conoce que el Renacimiento del Trecento con Giotto, revitalizó. Si se observa la obra de Giorgio De Chirico, creador según otros tantos historiadores de la pintura metafísica a principios del siglo XX; uno y otro dato están presentes en los planteos de Berni de los 30.

Fantoni puntualiza que en cuanto a las fuentes iconográficas, resulta interesante señalar la versión de los discípulos dormidos mientras “Jesús ora en el Huerto de los Olivos “realizadas por Duccio y Mantegna, donde los personajes se encuentran en un momento tan decisivo como el que experimentan los desocupados.

En la obra “Desocupados”, los cuerpos están aplastados, cansados, resignados, además de ser figuras melancólicas. Y sí, también derrotados.

Hay un contexto tratado a modo de lo que Berni había aprendido en Europa, de autores parisinos, pero también italianos, en lo que tiene que ver con la composición artísticas (la relación de las figuras entre ellas y el paisaje).

“Corría el año 31. Estaba haciendo estragos la crisis económica. La fila de desocupados estaba frente a la olla popular. El medio ofrecía un ambiente distinto del que yo terminaba de dejar en París. […] Entonces empecé a hacer las composiciones de contenido social: ‘Manifestación’ y ‘Desocupados’. Yo mismo era un desocupado”, cuenta el artista en una cita que da menciona el diario Ámbito Financiero.

Rebelión

Pero en “Manifestación”, por el contrario, hay una rebelión de obreros que porta el cartel “Paz y trabajo”, que puede aludir a obras como “La sopa de los pobres” de Reinaldo Giudici, “Sin pan y sin trabajo”, de Ernesto de la Cárcova o “La hora del almuerzo” de Pio Collivadino, otros tantos artistas que fueron protagonistas de la escena porteña en las primeras décadas del siglo XX (“Manifestación” fue objeto desde 2021 de una investigación en el Malba, en el que se advirtieron, tecnología mediante, nuevas imágenes y a través del análisis de radiografías y fotografías ultravioleta retoques, repintes, pentimentos y otras alteraciones sufridas por la pintura a lo largo de su historia material. La investigación permitió confirmar que la técnica al temple fue ejecutada con cola animal, y no con la tradicional emulsión al huevo. La pesquisa también habilitó sugerentes hipótesis sobre la existencia oculta, entre las capas pictóricas del lienzo-mural, de otra pancarta además de la que enuncia explícitamente las necesidades vitales de los trabajadores”, se indica en un texto del Malba).

Berni no quedó conforme con el rechazo de “Desocupados” y luego participó con “Figura o “Mujer del sweater rojo” (hoy en la colección Malba); la obra ganadora de ese certamen fue “La Venus criolla”, de Emilio Centurión, que estuvo ajena a las críticas en el marco del retorno al orden después de la ruptura de las vanguardias, cuenta María Florencia Galesio, jefa del área de Investigación y Curaduría del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA).

Estaba claro que el salón no permitiría expresiones que de uno u otro modo cuestionasen al régimen de la década infame.

“Chacareros” y “Medianoche en el mundo” forman parte de este período. La primera también fue pintada en arpillera y estuvo colgada en el Salón de Lectura de la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires hasta 2005, año en que un análisis minucioso reveló que la tela estaba en peligro.

“‘Chacareros’ corresponde al momento en que Berni se convierte en un artista comprometido con su tiempo, en un estilo que da testimonio de una época cargada de tensiones políticas y sociales”, explicó Néstor Barrio, quien detalla: “Del mismo período son ‘Desocupación’ y ‘Manifestación’, ‘Medianoche en el mundo’, trabajos en las que impera el carácter de la pintura mural, donde cada uno de los tipos humanos adquieren la categoría de retratos, como una suma de individuos concretos”.

Cuando se leen las fichas históricas del período se establece que la arpillera provenía de telas que se utilizan en la industria azucarera. Y la investigación de la pintura “Chacareros” da cuenta que se utilizaron seis bolsas de azúcar de 70 kg, que fueron cosidas entre sí y preparadas para su nueva faena. Cinco de ellas fueron de ingenios de Tucumán y la restante de Jujuy, como puede leerse en los sellos impresos de 1934. “Queda claro, entonces, que la elección de la arpillera no fue una anécdota o un capricho, sino la búsqueda consciente de un recurso expresivo. Este espíritu de experimentación con técnicas y materiales no tradicionales se verifica a lo largo de toda la carrera artística de Berni, baste recordar el extraordinario aporte a las técnicas del grabado en las series de los gofrados, como así también sus collages de la serie de Juanito Laguna en la década del 60, donde combinó materiales del más diverso origen”, describe Barrio.

Mutando

Autores como Marcelo Pacheco dan cuenta que Berni era un intelectual que participaba en tertulias artísticas y políticas, donde se definían los temas de cada época. “Se sumó a exposiciones contra la guerra de Vietnam o ponía en sus obras elementos antieclesiásticos. Era un artista jugado hasta en lo estilístico: durante 60 años fue mutando su lenguaje, manteniéndolo personal pero al mismo tiempo mirando con mucha atención y tomando lo que quería de cualquier lado. Hay que tener muy buena cintura para poder mantener esa multiplicidad de voces reconocibles como una, pero que varía constantemente en su presentación”, indica el curador y teórico argentino.

A fines de los 50 aparecieron sus personajes Juanito Laguna y Ramona Montiel. Y casi simultáneamente, series emblemáticas como “Jujuy” y “Santiago del Estero”, donde retrata la vida campesina y la migración a las grandes urbes. Allí surgen arquetipos como el propio Juanito, un niño que son todos los niños pobres de mundo, y Ramona, la prostituta.

Cuando comenzó la etapa de Juanito Laguna y la utilización de chatarra en sus obras, ¿se considera que Berni mantuvo su calidad artística? “En 1961 presentó la serie del personaje Juanito Laguna en la Galería Witcomb. La calidad siempre la mantuvo: fue un gran investigador y experimentador de las posibilidades expresivas de la materia, que utilizaba los materiales para acentuar el contenido de las obras”, cuenta la especialista del Museo de Bellas Artes.

Actualidad

La casualidad histórica -o no- hizo que los 90 años de estas obras tan significativas social y políticamente en relación a la década infame, se presenten en una situación similar, casi, en este país.

Javier Milei asumió elegido por la mayoría de los argentinos (no es una dictadura) pero sus decisiones profundizaron esa desocupación y estado de pobreza que ya el kirchnerismo había establecido; así como la vigencia de las libertades democráticas.

Los números de la inflación, de desempleo, de la caída de la construcción y de otras ramas vitales de la economía son más que cifras en una pobreza estructural.

No como en 1934, pero Berni podría ubicar sus personajes en las calles del conurbano bonarense, pero también en cualquier espacio del país… no le faltaría territorio alguno.

En Tucumán, ¿por qué no?