Descubrimiento sin precedentes: encuentran un misterioso secreto en la Mona Lisa que Da Vinci pintó hace 500 años

1 septiembre, 20241 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Cronista – Este hallazgo se logró tras extraer una pequeña muestra de la capa superficial de la Gioconda.

Un grupo de investigadores hizo un descubrimiento histórico tras analizar una capa de pintura de la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci. Se trata del hallazgo de una técnica artística única que mezcla un compuesto químico pocas veces visto.

Esta técnica había sido descubierta hace poco en algunos cuadros del pintor neerlandés Rembrandt van Rijn, pero por cuestiones de temporalidad, ahora se estima que podría haber sido Da Vinci el inventor de este método artístico, el cual es responsable de aquel aspecto único que tienen sus obras de arte del Renacimiento.

¿Cómo fue el descubrimiento de la nueva técnica en la Mona Lisa?

Los investigación publicada en la Journal of the American Chemical Society analizó la micro muestra a través de una difracción de rayos X de sincrotrón de alta resolución angular y espectroscopia infrarroja por transformada de Fourier.

El estudio reveló en la pintura de la Mona Lisa una mezcla singular de aceite fuertemente saponificado con alto contenido de plomo y un pigmento blanco de plomo empobrecido en cerusita (PbCO 3).

La firma más notable en la muestra es la presencia de plumbonacrita (Pb 5 (CO 3 ) 3 O(OH) 2 ), un compuesto raro que es estable solo en un entorno alcalino.

«Leonardo probablemente se esforzó por preparar una pintura espesa adecuada para cubrir el panel de madera de la Mona Lisa tratando el aceite con una alta carga de óxido de plomo II, PbO», explicaron los autores del estudio.

La palabra del investigador

Victor González, investigador de la Université Paris-Saclay y principal autor del estudio, afirmó en una entrevista con Associated Press (AP) que a Da Vinci «le encantaba experimentar y cada una de sus pinturas es técnicamente muy distinta de las demás».

El también miembro del principal instituto de investigación científica CNRS, le explicó a AP que en el caso de la mítica pintura del Louvre, «es interesante comprobar que, efectivamente, hay una técnica específica para la base de Mona Lisa».

El paper indicaba que la revisión de los manuscritos de Leonardo (originales y su traducción posterior) para rastrear la mención del PbO brinda información ambigua, por lo que no se podía determinar de esta manera la presencia de dicha sustancia.

Por el contrario, sostuvieron que el análisis de fragmentos de la Última Cena confirma que no sólo el PbO formaba parte de la paleta de Leonardo, a través de la detección tanto de litargirio (-PbO) como de masicot (-PbO), sino también de plumbonacrita y shannonita (Pb 2 OCO 3 ), fase esta última detectada por primera vez en una pintura histórica.

Por que es importante el descubrimiento de la nueva técnica en el cuadro de la Mona Lisa

El descubrimiento de plumbonacrita en la capa base de la Mona Lisa indica un hito en la comprensión de las técnicas artísticas que usaba Leonardo Da Vinci en sus obras.

Este conocimiento ayuda a entender y apreciar mejor la inteligencia y el legado que dejó el inventor italiano, que aún cautiva al mundo con la enigmática sonrisa que le dibujó a la Gioconda.

Federico Telerman exhibe en Galería Praxis sus obras sin límite entre lo onírico y lo real

31 agosto, 202431 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – La muestra “Duermevela”, abierta al público hasta el 16 de octubre, transmite noción de movimiento y un rastro físico. “No utilizo pinceles sino los dedos y las manos”, dice el artista argentino.

La muestra Duermevela, de Federico Telerman, se exhibe en la Galería Praxis hasta el 16 de octubre. Se trata de una idea compuesta por cuatro obras, dos de ellas polípticos de gran formato, presentes en una Sala que sugiere una dualidad de dos estados lumínicos opuestos, como lo pueden ser el día y la noche, lo frío y lo cálido.

“Duermevela”, como su palabra lo define, es ese sueño ligero en el que se encuentra la persona que dormita. Por esto mismo, la pintura de Federico Telerman sugiere, no obliga.

Se produce, entonces, la sensación de estar en un espacio conocido y desconocido a la vez. “Es ese estado donde los límites entre lo onírico y lo real se mezclan, es un momento de vulnerabilidad, donde estamos más permeables a absorber las impresiones del color y el movimiento”, indica la galerista Lucía Matusevich quien aconseja detenerse y concentrarse frente a los acrílicos para contemplarlos, “exigen salirse del tiempo corriente, del apuro”.

«Duermevela» puede visitarse de lunes a viernes de 10.30 a 19.30 y los sábados de 10.30 a 14 hs.

Federico Telerman presenta una muestra en la que, según Matusevich, “no se distingue qué es real y qué inventado, lo que puedo asegurar es que las obras que conforman Duermevela son íntimas, producto de una búsqueda larga y personal”, y resalta aludiendo a Telerman, “el cuerpo entero es su pincel”.

Esto último hace referencia a una particularidad del artista, y es que desde hace tiempo Federico pinta con sus manos. En diálogo con Infobae, Telerman comenta “hace algunos años vengo trabajando con gestos drásticos, corpóreos. No utilizo pinceles sino los dedos y las manos. El gesto físico funciona como rastro, es la prueba más fiel de que estuve ahí. Del movimiento.”

La muestra de Federico Telerman permanecerá abierta al público hasta el 16 de octubre

Quién es Federico Telerman

Federico Telerman es un artista argentino creció y vivió durante muchos años fuera del país. Posee una trayectoria ligada al arte y la cultura. Su formación en cine lo llevó a producir obras que participaron en festivales internacionales, como lo fue su cortometraje Albino, estrenado en el 29° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Y en contemporáneo, desarrolló su carrera artística, formando parte de muestras que se lucieron, por ejemplo, en el Centro Cultural Borges y en el Museo de Arte Contemporáneo MAR.

Para concluir, Federico Telerman resalta “el movimiento es lo que me hace sentir vivo, por ende mi interés plástico está puesto ahí”, en cambio para el público, Duermevela invita a desacelerar. Como lo define Matusevich “Federico se ocupa de suspender el tiempo, a nosotros solo nos queda flotar”.

* Duermevela puede visitarse hasta el 16 de octubre, de lunes a viernes de 10.30 a 19.30 y los sábados de 10.30 a 14hs., en la sala 2 de la Galería Praxis (Arenales 1311, C.A.B.A.).

[Fotos: Francisco Nocito]

El retrato de Shakespeare que fue hallado en un depósito familiar y podría valer millones de dólares

28 agosto, 202428 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – Expertos en arte investigan una pintura que podría ser una pieza original del dramaturgo del siglo XVI.

Steven Wadlow, un limpiador de ventanas británico, afirma que un cuadro heredado de su padre podría ser el único retrato auténtico de William Shakespeare hecho en vida. El cuadro, adquirido por su padre, Peter, en la década de 1960 en la finca Great Tew en Oxfordshire, ha sido evaluado y datado por expertos en historia del arte, quienes sostienen que fue pintado alrededor de 1595, cuando el dramaturgo tenía 31 años. Según los expertos, la pintura podría alcanzar un valor de 200 millones de libras (USD 265 millones) si se certifica su autenticidad.

Wadlow, de 58 años, ha llevado a cabo una exhaustiva investigación para demostrar que la pintura es efectivamente un retrato de Shakespeare. Ha contratado a varios expertos en arte que examinaron la obra mediante radiografías y otros métodos avanzados, confirmando que es una pieza del siglo XVI. No obstante, aún no se ha alcanzado un consenso definitivo sobre la identidad del sujeto retratado.

La pintura ha estado en la familia Wadlow durante décadas. Originalmente colgada sobre el televisor en la sala de estar de sus padres en Bucks, fue reconocida por primera vez por su padre cuando vio un documental histórico sobre Shakespeare.

Desde ese momento, Steven ha estado decidido a probar la autenticidad del cuadro, aunque asegura que el dinero no es su principal motivación. “Solo quiero que se hable de ello. A medida que avanza, surgen más misterios, pero creo que merece ser uno de los candidatos adecuados”, comentó aThe Sun.

La búsqueda de la verdad sobre el retrato ha involucrado a múltiples expertos internacionales – (Captura de video)

Los expertos coinciden en que el cuadro data aproximadamente de 1595 y fue adquirido por su padre por 700 libras, una suma considerable en esa época. Sin embargo, la identificación del retrato como obra de Shakespeare enfrenta escepticismo y aún requiere validación adicional.

Peter Wadlow, que ahora tiene 92 años, tenía el cuadro guardado bajo un banco en su taller antes de colgarlo en la sala de estar familiar. La realización de un sitio web llamado “¿Es este William Shakespeare?”, por parte de Steven refleja su compromiso con la causa.

La historia se complicó cuando Steven consultó a profesionales de arte y literatura inglesa, quienes al ver la pintura comentaron que podría tratarse de una copia de Shakespeare. No obstante, algunos creen que podría ser una obra de relevancia histórica. La evaluación incluyó análisis exhaustivos, como la datación por radiografía, confirmando que el trabajo pertenece al período correcto.

A propósito de la importancia del hallazgo, Steven subraya: “Si alguien viniera y me ofreciera millones, no estoy sugiriendo que no me rendiría y disfrutaría del dinero, pero no se trata del dinero. Se trata de demostrar que tengo razón”. La búsqueda de la verdad sobre este retrato ha llevado a la familia Wadlow a gastar miles de dólares en pruebas científicas y a involucrar a expertos internacionales.

El retrato, potencialmente valioso, está guardado en un depósito por seguridad – (Captura de video)

El retrato se mantiene bajo llave en un depósito por seguridad, y Steven se ha resignado a la posibilidad de que la verdad sobre la pintura pueda no confirmarse jamás. A pesar de los desafíos, Steven sigue firme en su propósito de esclarecer este misterio artístico y generar un debate sobre la verdadera figura del personaje en el cuadro.

Aunque los expertos aún deben confirmar su autenticidad, este hallazgo ha generado gran revuelo en el mundo del arte y la literatura, pues podría arrojar luz sobre el misterio del aspecto físico del célebre autor de obras maestras como Hamlet, Otelo y Romeo y Julieta.

Retratos de William Shakespeare: un misterio sin resolver

La apariencia física exacta de William Shakespeare sigue siendo un enigma sin resolver. A pesar de ser uno de los dramaturgos más célebres de todos los tiempos, no existe un retrato definitivo y autenticado que capture fielmente sus rasgos faciales. El más conocido es el llamado Retrato Chandos, fechado en 1611 y que muestra a un Shakespeare de cabello largo y un aro en la oreja izquierda. Sin embargo, no hay evidencia documental que respalde que esta sea realmente su fisonomía.

Famoso por sus telas gigantes y precios récord, Helmut Ditsch sorprende con una nueva obra sobre Buenos Aires

26 agosto, 202426 agosto, 2024 infoarte

Fuente: TN – El Glaciar Perito Moreno, y ahora el Río de la Plata, plasman paisajes de Argentina desde su atelier en Viena. Desde allá, el artista argentino habla del efecto de la distancia en su obra y de una retrospectiva próxima.

Se llama Helmut Ditsch, y aunque es del partido de San Martín, donde nació en 1962, construyó en Austria, tierra de sus ancestros, una obra conocida por su doble monumentalidad: telas y precios gigantescos. Es el artista que plasmó los hielos azules del sur argentino, entre otros paisajes de nuestra tierra. El glaciar Perito Moreno, de 7,30 metros de largo por 2,73 de alto, fue comprada por una empresa europea por 1,5 millones de dólares. Antes, en 2010, El Mar II, inspirada en el Atlántico, había alcanzado los 875 mil dólares.

Su nueva pintura plasma un instante en una geografía muy cercana para los porteños, el Río de la Plata. La noticia es que esta pintura y las demás se podrán ver en la Argentina pronto, en el marco de una retrospectiva sobre su obra.

“La idea de una obra nace siempre por un impacto emocional y la necesidad de expresarlo, sin pensar en las consecuencias, es decir, sin pensar que la obra pueda convertirse en un homenaje, o trascender de una u otra manera. La del Río de la Plata es una obra tardía, teniendo en cuenta que empecé mi carrera pintando los glaciares y montañas que escalé, los desiertos y el océano Atlántico argentino. Al pintar el Río de la Plata pensé en mis cuatro abuelos adolescentes que llegaron hace un siglo cruzando ese mismo Atlántico, en busca de una mejor vida a la que tenían en Europa. Ese hermoso arco iris que surgió aquella tarde representa el umbral de la esperanza que iluminaba sus caminos y mi gran suerte de haber nacido argentino”, dice a TN desde Viena, en cuya Academia de Bellas Artes se formó.

"Al pintar el Río de la Plata pensé en mis cuatro abuelos adolescentes que llegaron hace un siglo cruzando ese mismo Atlántico", dice Helmut Ditsch, el artista argentino criado en Austria. (Foto: gentileza Helmut Ditsch) — «Al pintar el Río de la Plata pensé en mis cuatro abuelos adolescentes que llegaron hace un siglo cruzando ese mismo Atlántico», dice Helmut Ditsch, el artista argentino criado en Austria. (Foto: gentileza Helmut Ditsch)

No es la obra más grande del artista (mide 86 x 100 cm), pero sí acaso una de las que más lo tocan en lo personal. “El formato lo marcó el tópico, la temática que necesité expresar —cuenta—. ¡Cómo podría expresar mi experiencia de escalar durante un mes una montaña de 7000 metros o las épicas travesías de nuestros glaciares patagónicos si no es en un gran formato! Hasta diría que mis grandes formatos son la medida más pequeña que dispongo para poder expresar una pequeña parte de aquella inmensa experiencia en la naturaleza extrema. Los grandes formatos con sus miles de detalles son apenas una síntesis de la esencia que viví en cada punto”.

Lo que se ve en sus obras es resultado de un particular y paciente método de trabajo. “Un largo viaje”, define él, que arranca con la apropiación del motivo. No solo observar el paisaje que tiene enfrente, sino introducirse en él. “Necesito subir esa montaña, apropiarme de esa vivencia en el sentido de apropiación que explica Heidegger: hacer de la vivencia de subir una montaña algo propio, que esa montaña se convierta en algo propio. Esa es la razón por la cual puedo plasmarla en forma tridimensional y sentirla parte de mí: es mi montaña, mi mar, mi glaciar, mi río. La ausencia de la presencia humana en mis obras es para darle el lugar al espectador de introducirse en mi obra y también ser parte de ella”, dice.

—Hay muchísimos argentinos viviendo afuera, una suerte de diáspora, y la experiencia de los compatriotas en el exterior forma parte de la crónica diaria. ¿Qué significa Argentina para vos y cuánto influye esta distancia en tu trabajo?

—Significa todo, porque amo Argentina y porque estoy orgulloso de ser argentino. Me crié en el barrio de Villa Ballester, en el seno de una familia fanática de Boca Juniors, soy fanático de la Scaloneta y del genio Messi así como de Charly García, nuestro mayor exponente cultural. ¡Y cómo no mencionar nuestra mayor virtud, la amistad! No existe en el mundo mayor amistad que la del pueblo argentino.

Luego, la lejanía física no hace más que fomentar el eterno deseo de volver, pero también de concientizar a diario mi argentinidad y mi responsabilidad como artista argentino. Desde que me fui no dejé de pintar la maravillosa naturaleza argentina y cuando me refiero a la naturaleza me incluyo como parte. Y a medida que pasan los años y la distancia, que me separan de aquel 1988 en que partí a Europa, eso se agranda: noto que también crece la argentinidad en mi obra.

La obra del glaciar Perito Moreno, de 7.30 metros de largo por 2.73 de alto, fue comprada por una empresa europea por 1.5 millones de dólares. (Foto: gentileza Helmut Ditsch)

—Se te menciona siempre como un artista que cotiza alto, ¿qué implica el mercado del arte para vos y cómo te llevás con esto de lo comercial?

—El mercado de galerías y subastas siempre estuvo fuera de mi percepción y accionar como artista. Nunca pinté por dinero, el dinero jamás fue mi motivación; al contrario, me frustra tener que pintar por dinero y jamás pinté algo que no haya querido pintar. De hecho, no existo en el “mercado”: no hay obras mías circulando por el mercado y eso se debe a que hice mi carrera como artista independiente, al margen del mercado de galerías, el llamado secondary market, que se crea a partir de la venta del galerista a un coleccionista y su reventa en casas de subastas.

"No existe en el mundo mayor amistad que la del pueblo argentino", dice Helmut Ditsch, el artista que nació en Villa Ballester y triunfa en Viena. (Foto: gentileza Helmut Ditsch) — «No existe en el mundo mayor amistad que la del pueblo argentino», dice Helmut Ditsch, el artista que nació en Villa Ballester y triunfa en Viena. (Foto: gentileza Helmut Ditsch)

Yo me moví en el primer market: siempre vendí mi obra directamente al coleccionista, sin intermediarios de por medio. Eso no solo me dio una gran ventaja financiera, sino que me permitió, lo más importante, entablar amistad con mis coleccionistas y mecenas. Por eso puedo decir que muchas de mis obras siguen estando en mi atelier, solo que ese atelier se agrandó y es compartido con otras personas que hoy también siento como familia.

Es paradójico que me hayan pagado sumas tan altas por mis obras cuando la premisa fue pintar para ser feliz, y digo paradójico porque cuando siendo muy joven le comuniqué a mi padre mi decisión de hacer el camino con mi pintura, él me contestó con una cálida sonrisa: ‘mirá, no vas a tener plata, pero vas a ser feliz: ¡hacelo!’. Tal vez haya sido justamente eso: tener objetivos espirituales y no materialistas, mucha disciplina y vocación de sacrificio por el arte, lo que trajo, muchos años después, el éxito económico”.

Pinturas con paisajes de la Patagonia se expondrán en una histórica torre de Italia

26 agosto, 202426 agosto, 2024 infoarte

Fuente: LM Neuquén – Un grupo de artistas plásticos asistirá por segunda vez a la Feria Internacional del Arte en una zona del Piamonte declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Un grupo de artistas plásticos de la Patagonia se prepara para participar de una gran exposición internacional en Italia con el objetivo de promocionar la cultura y los talentos de esta región argentina, especialmente los que vinculan el arte con la naturaleza a través de la pintura y los paisajes.

La galerista Patricia González fue la que impulsó la iniciativa el año pasado y convocó a los artistas patagónicos a una Feria Internacional del Arte que se llevó a cabo en la famosa Torre Campanaria de la ciudad de La Morra (Piamonte). La feria, titulada “Dalla Patagonia alle Langhe”, se sitúa en el contexto de grandes eventos anuales que se realizan en las regiones del norte de Italia y que atraen a un turismo de élite. El lugar fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

La primera muestra se realizó en 2023 y debido al éxito, la galerista volvió a convocar a los patagónicos para que participen.

Una de las artistas invitadas es Amelia Gutiérrez, una rionegrina nacida en Catriel que vive en General Roca y es amante tanto del arte como la naturaleza. Ella también fue al primer encuentro y a partir de esa experiencia, no dudó en volver.

Amelia Gutiérrez, una de las artistas que expondrá en Italia.

“Mi abuelo y mi papá pintaban, y yo desde chica pinté también”, aseguró a LMNeuquén. Contó que a partir de ese primer contacto con el arte decidió capacitarse. “En Buenos Aires estudié con Luis Felipe Noé, Julio Lavallén y Bernardo Kehoé. Y si bien me dedicaba al diseño gráfico, nunca dejé de pintar. Después de años de trabajar como diseñadora, en el 2020 decidí seriamente seguir una carrera de artista”, recordó. Aseguró que su influencia fue David Hockney, que instó no solamente a los artistas, sino a todo el mundo, a volcarse a la naturaleza en busca de belleza y de consuelo en período tan difícil como fue la de la pandemia. “El 2020 fue una época de decisiones para mucha gente. Bueno, para mí fue esta decisión”, indicó.

Amelia contó que a Patricia González la conocía porque en 2023 estuvo exponiendo con ella en la galería Nat Bio Art Gallery de Buenos Aires. Allí fue donde se le ocurrió llevar a los artistas patagónicos para hacer una muestra en Italia. “Fue una aventura un poco loca, pero fantástica. Ella estaba re contenta igual que nosotros los artistas”, recordó.

Dijo que Langhe es un lugar hermoso y muy turístico a nivel internacional donde confluyen personas de distintos países del mundo. Mostrar la Patagonia en ese sitio fue una gran experiencia porque si bien esta región argentina es famosa en otras latitudes, no todos tienen conocimientos profundos o específicos sobre su geografía o su fauna.

“Me acuerdo que estaba yo haciendo un cuadro de unas araucarias con un cóndor y le explicaba a la galerista lo que es el cóndor. Los europeos no saben que tenemos semejantes animales acá”, indicó.

El lugar donde se realiza la muestra internacional es una torre campanaria medieval, recientemente restaurada, que está en lo alto de una colina, en un lugar que se llama La Morra. “Tiene una vista increíble a toda una zona de viñedos y bodegas. El lugar es precioso, los atardeceres son hermosos, va mucho turismo y a la gente le gusta”, sostuvo Amelia.

La arista rionegrina indicó que la primera experiencia realizada el año pasado fue muy buena ya que a la gente le gustó mucho la muestra y los expositores tuvieron la oportunidad de vender sus obras. “Superó con creces nuestras expectativas, las de todos”, aseguró.

Artistas de la Patagonia, juntos en Italia

En ese encuentro, Amelia conoció a muchos artistas (tanto los argentinos que viajaron con ella como otros italianos que se sumaron) con los que tejió lazos de amistad y profesionalismo. “Tenemos un grupo de WhatsApp con los artistas de la muestra, donde vamos compartiendo. La galerista va poniendo todo lo que ella va haciendo y nosotros nos compartimos tips, cosas prácticas de colgado y armado…. Nos apoyamos mutuamente y bueno, es un grupo muy lindo”, explicó.

Para la muestra que se realizará en octubre los pintores ya enviaron las obras que estarán en la exposición. Amelia dijo que algunas ya las tenía y otras se las encargó Patricia, quien no solo puso énfasis en la temática sino las dimensiones de los cuadros para que fueran livianos y fáciles de transportar.

“Ahora estoy pintando principalmente paisajes, influenciada, como decía antes, por David Hockney y me lo tomé muy en serio. Pero también estoy pintando fauna patagónica. Me gusta y me divierte y me da un poco la oportunidad también de poner en práctica habilidades de pintar retrato, que era algo que hacía mucho cuando estaba estudiando”, aseguró.

La patria soñada de Luis Felipe Noé

20 agosto, 202420 agosto, 2024 infoarte

Fuente: La Nación – El gran artista argentino, de 91 años, presentó hoy en el Museo Casa Rosada su obra de 1990, donada al Estado Nacional para integrar la colección de Presidencia de la Nación.

Son casi las cuatro de la tarde del día en que se cumplen 174 años de la muerte del General José de San Martín, gran prócer de este país signado por luchas internas entre bandos divididos al extremo, tensiones y caos. Luis Felipe Noé, artista y maestro argentino de 91 años, pionero del grupo Nueva Figuración en los años sesenta, y representante de la Argentina en numerosas ocasiones, incluida la Bienal de Venecia (2009), entra en la sala de exhibición del Museo Casa Rosada. Con bastón y sombrero en mano, se detiene por un momento a mirar Por la patria soñada, un díptico de base acrílica de su autoría creado en 1990 y donado al Estado Nacional en el mismo año para integrar la colección de Presidencia de la Nación. Se sienta junto a la obra que se exhibirá en este museo durante el mes de agosto y se dispone a presentarla en el marco de esta fecha patria.

La bandera argentina y el caballo en esta obra de Noé permiten al espectador hacer una asociación directa entre la imagen y el Libertador de las Américas. “En ese momento la bandera argentina no era como es ahora, era otra, un atisbo… Por eso este no es un cuadro histórico, sino que es una convocación”, explica el artista en conversación con Virginia González, directora del Museo Casa Rosada. “Lo hice porque me parecía que era adecuado para la casa de gobierno un cuadro de orden histórico pero que no es la historia en sí misma, sino simplemente una vaga idea de la lucha por la patria soñada. Cuando digo soñada, digo más que deseada, porque el deseo es algo concreto, y en cambio el sueño se traslada en el tiempo y convoca mucho más allá de los límites de una nación. Por algo San Martín se trasladó hacia Chile y Perú en la lucha. Porque vio que la patria soñada era ante todo América Latina”, sigue, antes de recorrer las imágenes que se proyectarán en el televisor de obras que muestran que la historia argentina y sus contrastes violentos fueron una referencia recurrente en su obra. Comenta brevemente trabajos como Imagen apónica de Dorrego (1964); Ser nacional (1965); Que se rinda tu abuela (1989); Paisaje para armar (1990); Restauración institucional (1994); Introducción histórica (1999), entre otras.

Charla de Noé en el Museo Casa Rosada (foto: María Iuliera Videla)Prensa

El concepto de caos ha estado presente en la obra de Luis Felipe Noé como un hilo conductor de sus pasos o como el tren que lo llevaría por su largo periplo artístico, como propone él mismo en su sitio web. Se convertiría hasta en capítulos de libros, como “El caos como estructura” en Antiestética (1965); o en títulos de otros, como El caos que constituimos (2017); y del último aún sin publicar, Asumir el caos en el arte y en la vida, que espera salga hacia fin de año, según adelantó. El caos se presenta también en esta obra con colores estridentes y enérgicos que permiten pensar en una gran danza de sueños.

¿Cuál es la patria soñada de Luis Felipe Noé?, pregunta alguien del público entre las sesenta personas presentes. “Un país que no dependa de ningún imperialismo; que viva de su propia energía aprovechando que tiene una tierra magnífica y además hombres muy aptos para el trabajo. Hay un chiste que dice: estaba Dios en la creación y pone los mejores campos, los mejores animales. Un angelito le dice a Dios: ¿No está exagerando? No, pero ahora faltan los argentinos”, remata con humor.

Arte en La Rosada

Por la patria soñada fue realizada especialmente para formar parte de Arte en la Rosada, una iniciativa impulsada en 1990 por el Poder Ejecutivo durante la primera presidencia de Carlos Menem, en base a la cual se seleccionó a un grupo de artistas argentinos, pintores y escultores, para que realizaran una obra y la donaran al Patrimonio de Presidencia en la Casa Rosada. Esta obra de Noé estuvo expuesta al público en el Museo de la Casa Rosada entre 2011 y 2016, cuando el mismo se llamaba Museo del Bicentenario.

En su momento y para la selección de las obras que integrarían el Arte en la Rosada se creó una comisión especial presidida por Gustavo Béliz que llevó el nombre de Comisión Arte Argentino Contemporáneo en la Casa de Gobierno. Estaba conformada por Patricio Lóizaga como vicepresidente y por Fermín Fevre, Jorge Glusberg, César Magrini, Nelly Perazzo, Rául Santana, Ernesto Schóó y Rafael Squirru como consejeros.

“Estas obras no se incorporan tan sólo a la Casa Rosada para embellecerla o engalanarla. Se incorporan, además, a la memoria de un tiempo distinto. Estarán en sus pasillos y paredes para recordarnos que la tarea pendiente -para nosotros y para los hijos de nuestros hijos- siempre será una, más allá del paso del tiempo y las cuentas pendientes de la historia —escribía Gustavo Béliz en el prólogo del catálogo de la muestra que tuvo lugar en el Museo Nacional de Bellas Artes en 1990 con la colección de Arte en la Rosada—. Se tratará de descubrir en la cultura esa obra de amor, capaz no tan sólo de engrandecerse como hombres, sino fundamentalmente de hacernos descubrir lo que somos. La gratitud, entonces, por la fiesta de colores y formas, y por la llave para comenzar a descifrar nuestro enigma”.

Los otros artistas convocados para esta iniciativa, además de Luis Felipe Noé, fueron: Luis Benedit, Ricardo Carpani, Norberto Cresta, Jorge Demirjian, Hernán Dompe, Nicolás García Uriburu, Edgardo Giménez, Carlos Gorriarena, Kenneth Kemble, Gyula Kosice, Marta Minujín, Pérez Célis, Rogelio Polesello, Alejandro Puente, Josefina Robirosa, Clorindo Testa, Leopoldo Torres Agüero, Leo Vinci y Luis Wells.

“La pintura de Noé sigue mostrando una visión donde todo es tránsito, donde no se sabe si se hace o se deshace un mundo (…). No es casual que Noé con frecuencia hable del caos como de un nuevo orden: lo que persigue es el momento del génesis, la sonora melodía de lo virginal, —escribió Raúl Santana sobre Por la patria soñada, en el texto que acompaña la imagen de la obra en el catálogo citado—. Vuelvo a encontrar el gesto heroico, los acontecimientos donde el hombre se mueve entre presencias gigantescas en un paraíso mítico y perdido y pienso en nuestro continente, adonde como un sueño, a veces la historia se ilumina, a veces nuestra geografía y otras el hombre”.

El Museo Casa Rosada

El Museo Casa Rosada, que impulsó la actividad de esta tarde con Luis Felipe Noé, es una institución dependiente de la Secretaría General de la Presidencia de la Nación; fue creado el 25 de mayo de 1957 por la Ley 5579 con el objetivo de preservar, investigar y comunicar la historia argentina a través de sus gobernantes, transcurridos 30 años de la finalización de su mandato.

En el año 2011 se incorporaron al relato museológico los restos arqueológicos de la ex Aduana Taylor, el Fuerte de Buenos Aires, y la obra Ejercicio Plástico, mural realizado por el Equipo Poligráfico encabezado por David Alfaro Siqueiros.

Ocasionalmente, como ocurre en este caso, se exponen en este espacio piezas que pertenecen a la colección de Arte en la Rosada.

Para agendar

La obra podrá visitarse durante el mes de agosto en el Museo Casa Rosada (Paseo Colón al 100), de miércoles a domingos de 11 a 18.

El próximo viernes 23 de agosto a las 19, el artista presentará su libro El ojo que escribe, en Ampersand (Ombú 3091). Entrada libre y gratuita.

“Las distracciones de Dagoberto” de Leonora Carrington llega al Malba

15 agosto, 202415 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Malba – Malba anuncia la esperada llegada de Las distracciones de Dagoberto (1945) de Leonora Carrington (Lancashire, Inglaterra, 1917- Ciudad de México, 2011). Se trata de una de las obras más significativas de la célebre artista surrealista, que fue adquirida el pasado mes de mayo por Eduardo F. Costantini en Sotheby’s a un precio récord. Esta compra la sitúa entre las cinco mujeres artistas más valiosas en subasta, junto a Georgia O’Keeffe, Frida Kahlo, Louise Bourgeois y Joan Mitchell.

Pintada por Carrington a los 28 años, en su momento de mayor expresión creativa, Las distracciones de Dagoberto ofrece un manifiesto del mundo visual que se desarrolla a lo largo de su producción posterior. Este óleo es una de las obras maestras de la larga e ilustre carrera de Leonora Carrington, y presenta todo el simbolismo e iconografía distintiva de la artista en su máximo apogeo. Realizada en México en los años cuarenta, es una pintura fundamental del movimiento surrealista. Citando iconografía e ideas de fuentes que van desde la historia europea medieval y la literatura científica contemporánea hasta los mitos irlandeses y mexicanos, presenta una visión humanista e inventiva de un universo propio.

En palabras de Eduardo F. Costantini: “Es una pintura icónica, una de las obras más admiradas en la historia del surrealismo y una obra maestra incomparable del arte latinoamericano. Hacía 30 años que la obra no salía a la venta en una subasta pública y estuve esperando todo este tiempo. Estoy muy feliz de que la obra se exhiba en Malba y todos los visitantes puedan apreciarla en una sala dedicada al surrealismo, junto a otras importantes obras como las de Remedios Varo”.

En Las distracciones de Dagoberto —título que hace referencia a un rey merovingio del siglo VII gobernante de la Galia— confluyen distintas escenas fantásticas que evocan la dimensión mística de la naturaleza a través de intercambios entre lo divino y lo terrestre, la flora y la fauna. Con citas directas a la obra de El Bosco, en esta obra Carrington hace referencia a rituales herméticos que apuntan a las transformaciones alquímicas y a búsquedas ocultistas. Quizás hayan sido las leyendas celtas, contadas por su abuela irlandesa repletas de animales, hadas, dioses y druidas, las que despertaron la fascinación de la artista por los universos mágicos en sus derivas artísticas.

La obra fue pintada en 1945, sólo dos años después de la llegada de Carrington a México procedente de Europa, como parte de una oleada de artistas surrealistas que emigraron a América tras la guerra, lo que supuso el inicio de un periodo de transformación productiva e independencia artística para la artista. Una vez en Ciudad de México, junto a la comunidad de surrealistas “exiliados” –entre los que se encontraban Remedios Varo, Wolfgang Paalen, Alice Rahon y otros–, y un grupo de pintores locales como Frida Kahlo y Diego Rivera, la artista Carrington alcanzó un nivel de maestría y libertad sin precedentes en su pintura. Las distracciones de Dagoberto es la culminación de este período clave, uno de los hitos más significativos de su carrera artística y un hito fundamental en la historia del surrealismo.

Tercer ojo. Colección Costantini en Malba: nuevas incorporaciones

La obra de Leonora Carrington se exhibe en Tercer ojo, que, desde agosto de 2022, reúne obras icónicas del arte latinoamericano en un recorrido que pone en diálogo la Colección Malba y la de su fundador, Eduardo F. Costantini.

Las distracciones de Dagoberto (1945) se presenta en una sección dedicada al surrealismo. Se exhibe junto a tres obras emblemáticas de Remedios Varo: Armonía (1956), Simpatía (la rabia del gato) (1955), de la Colección de Eduardo F. Costantini, e Icono (1945), de la Colección Malba. Las tres obras dan cuenta del gran universo fantástico de Varo, en el que se combina lo humano, lo animal, lo vegetal y lo mecánico, dando como resultado un relato visual complejo y único. La obra de Carrington y las tres obras de Varo están acompañadas por las fotografías de Kati Horna de la serie Oda a la Necrofilia (1962), quien fuera su amiga y compañera en el estudio en las prácticas rituales de la magia y el ocultismo, marcas distintivas de su producción artística. Este núcleo de mujeres surrealistas lleva el nombre de Transformar el rito.

Tercer ojo, curada por María Amalia García, curadora en jefe de Malba, ocupa la recientemente nominada Sala Ricardo Esteves en el primer nivel del museo. Dividida en dos grandes núcleos conceptuales: Habitar y Transformar, fue modificando su puesta durante los dos años que lleva en exhibición. Se propone así el despliegue de un acervo en transformación que va cambiando de forma a lo largo del tiempo, iluminando los momentos claves del arte de la región en diálogo con temas artísticos y sociales, tanto históricos como contemporáneos.

En agosto, se sumaron a la exposición cinco piezas de arte latinoamericano recientemente adquiridas por Eduardo F. Costantini para su colección personal, que se exhiben por primera vez en el museo. En el lugar que ocupaba Manifestación (1934) de Antonio Berni, que desde junio forma parte de la exposición Manifestación de Mondongo, se encuentra la obra de grandes dimensiones Tragedia del Pongo (1932). Se trata de un óleo sobre arpillera del pintor y grabador boliviano Alejandro Mario Yllanes (1913-1960), cuya búsqueda artística se alineó con las manifestaciones del indigenismo en Perú y el muralismo mexicano, incorporando en sus obras de modo pionero los motivos y diseños de los pueblos indígenas. También se suma a la exhibición el dibujo Deidad con cabezas (s/f) realizado por el artista.

En el núcleo Habitantes se puede ver Apoteosis del general Manuel Mondragón (1922), de Nahui Olin (n. Carmen Mondragón, Ciudad de México 1893 – 1978), que representa al fallecido padre de la artista, el general Mondragón. Importante militar y diseñador de armas en el ejército mexicano, Mondragón era venerado por su diseño especializado de cañones. En este óleo sobre madera, Olin honra a su padre, pintándolo con medallas militares y coronándolo con hojas de laurel, como hacían los griegos con sus héroes.

Además, se incorporaron los retratos Mariana da Costa (2023) y André Rebouças (2023) de Dalton Paula (Brasilia, 1982), obras que fueron realizados a partir de investigaciones que el artista desarrolló en torno al cuerpo negro silenciado por el miedo y la inseguridad. La producción artística de Dalton Paula aborda historias y experiencias afrobrasileñas a través de la pintura, el dibujo, el video, la performance y el objeto

Carlos Enrique Uriarte: el arte de convertir el litoral en pinceladas

11 agosto, 202411 agosto, 2024 infoarte

Fuente: El Litoral – En agosto de 1970, una galería santafesina acogió diez obras del rosarino. La reseña de Jorge Taverna Irigoyen en El Litoral resaltó la elegancia de sus obras, ventanas a un mundo de paisajes y emociones.

En agosto de 1970, en una galería santafesina, se concretó una muestra a cargo de Carlos Enrique Uriarte, artista rosarino nacido en 1910 y fallecido en 1995. Al principio, utilizó como inspiración calles, puertos y personas. Más tarde se inclinó hacia los paisajes rurales y los ríos y luego por espacios del litoral, tanto en acuarela como en témpera y óleo. El día 9 de agosto, el crítico de El Litoral Jorge Taverna Irigoyen publicó una reseña bajo el título “Acuarelas de Uriarte”. A continuación, se reproducen los párrafos más salientes.

“La acuarela -ya lo hemos destacado en más de una oportunidad- es un género aparentemente sencillo, pero al cual pocos pintores pueden entrar con soltura y la necesaria «diafanidad» expresiva. Sin duda, también, la acuarela se adapta más para reflejar los espacios abiertos que las composiciones de interior: tal vez esto en razón de los más amplios juegos de luces, así como la posibilidad de cielos y aguas, junto a los efectos de horizonte y lejanía”.

“En nuestro país hay excelentes acuarelistas que a partir de la maestría indudable de Jorge Larco, han expresado con personalidad sus obras. No son muchos, pero es honroso destacar que los más valiosos son santafesinos: desde Francisco C. Puccinelli, portador de un justo liderazgo en la materia, hasta Juan Grela, Ricardo Supisiche y Carlos E. Uriarte. Precisamente, este último artista presenta una serie de diez trabajos en la galería Finuart, que merecen ser estimados por el público”.

“Grupos de pescadores con sus canoas, ante playas y cielos inmensos, constituyen la temática de estas obras. Una temática que, por cierto, es sustentáculo de la mayor parte del quehacer del artista antes y después de su consagratorio premio Palanza, que obtuviera en 1965. Al abordarla con las aguas cromáticas de la acuarela, el artista deja que el pincel deslice sobre el papel una sensación de aquietada inmensidad, fundiendo las gamas – espacios con indiscutible dominio de factura. Sus trabajos adquieren así una emotiva sugerencia, controlada por la fijación a pincel más seco, dentro de un toque «comilla» que recuerda formulaciones orientales, el ritmo preciso de unos caballos, un carro, canoas o cajones de pescados. Si bien en estas acuarelas hay algunos cielos con amarillos timbrados, es en las gamas de azules y grises apizarrados donde obtiene una mayor sugerencia y ese sentido de inmensidad adquiere su entero realce”.

“Hace varios años, en la desaparecida galería Libretex, el público santafesino tuvo oportunidad de apreciar un buen conjunto de acuarelas de Uriarte. La muestra que ahora ofrece Finuart lo revela en un plano de madurez realizativa”.

Banksy y su misteriosa saga de “arte animal” asombran y confunden a Londres

11 agosto, 202411 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – Cabras, monos, elefantes, lobos y pelícanos: el célebre artista anónimo plasmó esta semana una serie particular de obras. Expertos y fans especulan sobre el mensaje oculto detrás de cada una de ellas.

Primero vino la cabra montesa, parada en un saliente precario. Luego vinieron dos elefantes juguetones – seguidos por tres monos balanceándose. El jueves, un lobo aullando sobre una antena satelital (una obra ¿robada? una hora después de emplazada), y el viernes, dos pelícanos alimentándose de peces encima de un bar de “fish and chips”. El famoso artista callejero anónimo Banksy está deleitando e intrigando a la ciudad de Londres este verano, con cinco obras de arte con temática animal que aparecieron en sucesión durante esta semana.

El artista de Bristol, que mantiene su identidad envuelta en secreto, se comunica con el público a través de sus murales y plantillas de grafiti distintivos. Su trabajo a menudo lleva mensajes políticos o, a veces, parece diseñado solo para divertirse un poco. Nadie lo sabe porque él no dice nada más.

Esta semana, parece estar explorando una serie con temática animal, y todas las obras se han compartido en su página oficial de Instagram sin ningún título o contexto, lo que ha provocado especulaciones tanto de observadores como de expertos en arte sobre su significado y lo que podría venir después.

Daniel Lloyd-Morgan dibuja la obra de Banksy del viernes 9 de agosto: dos pelícanos comiendo peces sobre Bonners Fish Bar, en Walthamstow (Foto: REUTERS/Toby Melville).REUTERS

“Es muy inusual en el arte de Banksy presentar una serie de obras de esta manera”, dice el profesor Paul Gough, vicecanciller de la Arts University Bournemouth, en comentarios enviados por correo electrónico el jueves. “Creo que esto está conduciendo a algo bastante sustancial”, agregó, prediciendo una “gran revelación” para el fin de semana.

El tema animal comenzó el lunes cuando apareció una cabra montesa pintada aparentemente tambaleándose en un saliente pequeño y precario, con rocas cayendo debajo a la vista de una cámara de seguridad real. La cabra montesa fue pintada cerca de Kew Bridge en Richmond, al sudoeste de Londres, y se compartió el lunes con los casi 13 millones de seguidores de Instagram de Banksy.

“El chivo expiatorio?” escribió un seguidor en línea tratando de interpretar la imagen. Otros especularon que podría tratar sobre una sociedad de vigilancia, la guerra en Oriente Medio o la protección de los derechos de los animales.

La «cabra» de Banksy, en una esquina del barrio de Kew, municipio de Richmond upon Thames, inició la serie el lunes 5 de agosto (Foto: REUTERS/Toby Melville)REUTERS

Tan solo 24 horas después, los fanáticos fueron obsequiados con un par de elefantes en la cuenta de Instagram de Banksy. Los mamíferos parecen colgar fuera de dos ventanas tapiadas en Chelsea, apuntando sus trompas el uno al otro juguetonamente. Un elefante parece tener colmillos. “Caminando y ignorando ‘el elefante en la habitación’…” fue la interpretación de un fan en línea.

El miércoles, el artista compartió una imagen de tres monos que parecen balancearse en un puente ferroviario en la moderna área de Shoreditch, en el este de Londres. El trío de monos se balancea de sus brazos y colas a una altura en la concurrida zona comercial, con algunas especulaciones en línea de que aluden al proverbio “No ver el mal, no oír el mal, no hablar del mal”.

Luego, el jueves, llegó la imagen de un lobo, que parece aullar a la luna, representado en una antena parabólica sobre una tienda en el barrio de Peckham, en el sur de Londres. “¡El zoológico de Londres por Banksy!” escribió un fan sobre la obra. El viernes, dos pelícanos comen peces justamente encima de un restaurante especializado en el plato típico del gusto londinense: fish and chips (pescado y papas fritas). La diputada laborista Stella Creasy de la circunscripción de Walthamstow, celebró en X el nuevo grafiti con el que el barrio había amanecido y agradeció al artista haber aportado “un poco de magia” a sus calles.

La cuarta obra de la saga «animal» de Banksy en Londres fue robada horas después de haber sido emplazada (Foto: Raúl Bobé/EFE).

Gough, el experto en arte que ha negado los rumores online de que él es, de hecho, Banksy, dijo que el enigmático artista callejero utiliza regularmente animales en su arte, incluyendo chimpancés, ratas, perros y focas, entre otros. Lo hace generalmente “para transmitir mensajes urgentes sobre cuestiones medioambientales, amenazas al hábitat y el impacto del cambio climático”, dice. “Pero también son metáforas poderosas para el estado de la política global y el mundo problemático que hemos creado”.

De la serie actual, Gough señala que Banksy “está creando un menagerie de animales, un bestiario de bestias, que seguirá captando la atención y elevando las apuestas – es el marketing de Banksy en su mejor y más impactante forma, construyendo una enorme expectativa”.

Los elefantes de Banksy, la obra del martes 6 de agosto en el barrio londinense de Fulham (Foto: REUTERS/Mina Kim)REUTERS

El artista y conferenciante Benedict Carpenter van Barthold tiene su propia interpretación. “Las nuevas piezas de Banksy sugieren que Londres es un zoológico, donde no está claro si somos los visitantes o los animales,” escribió en un correo electrónico. “Estas nuevas obras tienen un sentimiento más juguetón en comparación con sus trabajos anteriores, y no llevan el mismo tono urgente… Será interesante ver hacia dónde se dirige.”

A pesar de ser un nombre conocido, Banksy ha logrado mantener su anonimato desde que saltó a la fama en los años 90. Las obras del artista callejero se venden por millones y aparecen en todo el mundo, causando un gran revuelo en el mundo del arte y en las redes sociales, incluyendo en Estados Unidos, Ucrania, Gaza y Cisjordania, y con frecuencia en Reino Unido. Una versión de una sus imágenes más populares, una niña alcanzando un globo en forma de corazón, se vendió en una subasta por $1.4 millones en 2018. En la reventa, luego de que el artista la destruyera parcialmente, la obra se vendió por más de $25 millones en 2021.

Para Gough, los últimos murales con temática animal tenían un mensaje edificante: “Dado el actual estado de penuria del mundo, es tan gratificante que aún querramos hablar sobre el poder de lo visual y el papel que los artistas pueden desempeñar en recordarnos nuestros valores humanos.”

Fuente: The Washington Post

Hallan en los cuadros de Leonardo Da Vinci bacterias, hongos y ADN humano

8 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – Leonardo da Vinci es famoso por sus obras de arte elaboradas y matizadas e ideas tecnológicas avanzadas. Pero una nueva investigación ha revelado otro nivel de complejidad en sus dibujos: un mundo oculto de diminutas formas de vida en sus obras de arte, explica Science Alert.«La virgen de las rocas», una de las dos versiones de la pintura de Leonardo Da Vinci, en el Louvre.

Los investigadores dijeron que los hallazgos podrían ayudar a construir un «catálogo» de microbiomas para obras de arte. Cada una de las piezas tenía una colección de microbios lo suficientemente única como para que los investigadores pudieran haberla identificado nuevamente más tarde simplemente a partir de un estudio de su biología microscópica.

Y los microbiomas de los dibujos tenían suficientes elementos clave en común para ayudar a los investigadores a detectar falsificaciones en función de las diferencias en sus microbiomas, o incluso dibujos auténticos que se habían almacenado en diferentes condiciones a lo largo de los siglos.

Los investigadores también demostraron que los dibujos de Da Vinci tenían un microbioma significativamente diferente al esperado, con muchas bacterias y ADN humano, probablemente una consecuencia de siglos de manipulación por parte de restauradores de arte y otras personas, informa Science Alert.El hombre de Vitruvio otra obra maestra de Da Vinci en el Louvre.

Los microbios que hacen que el papel se degrade con el tiempo también estaban presentes, lo que demuestra por qué los esfuerzos de esos restauradores habían sido necesarios.

El estudio equivale a un ejercicio de prueba de concepto, que muestra cómo los microbiomas podrían, en el futuro, revelar historias inesperadas de ciertas obras de arte o ayudar a detectar falsificaciones.

Bacterias, hongos y ADN humano

Los investigadores examinaron el material biológico microscópico, vivo y muerto, en siete de los dibujos «emblemáticos» del maestro, y encontraron una diversidad inesperada de bacterias, hongos y ADN humano.

La mayor parte de ese material probablemente aterrizó en los bocetos mucho después de la muerte de Da Vinci hace 503 años, por lo que el ADN (o la mayor parte al menos) probablemente provenga de otras personas que han manejado los dibujos a lo largo de los siglos y no del propio erudito. Pero los materiales biológicos recién descubiertos tienen una historia que contar, indica Science Alert.

La mayor sorpresa, escribieron los investigadores, fue la alta concentración de bacterias en los dibujos, especialmente en comparación con los hongos.«Salvator Mundi», la obra de Da Vinci vendida a más alto precio (AFP).

Estudios anteriores han demostrado que los hongos tienden a dominar los microbiomas de los objetos de papel como estos dibujos, pero, en este caso, estaba presente una cantidad inusualmente alta de bacterias de humanos e insectos (probablemente moscas que hicieron caca en el papel en algún momento).

«En conjunto, los insectos, los trabajadores de la restauración y la localización geográfica parecen haber dejado un rastro invisible a la vista en los dibujos», dijeron los investigadores en un comunicado, dice Science Alert.

«Pero es difícil decir si alguno de estos contaminantes se originó en el momento en que Leonardo da Vinci estaba esbozando sus dibujos».El análisis de los microbios en los dibujos de da Vinci permite hacer un seguimiento de los lugares por los que se movieron y las restauraciones a las que se sometieron (EFE).

Es probable que la mayor parte de ese ADN provenga de personas que restauraron el trabajo a partir del siglo XV. El equipo no ha analizado el material genético con el nivel de detalle necesario para ver de quién podría haber venido específicamente, informa Science Alert.

Los investigadores utilizaron una nueva herramienta llamada Nanopore, un método de secuenciación genética que descompone y analiza rápidamente el material genético, para realizar el estudio detallado de los diferentes materiales biológicos.

Los mismos investigadores han estudiado microbiomas artísticos en el pasado para determinar cómo se almacenaron las estatuas que fueron recuperadas de los contrabandistas mientras estaban escondidas. En el futuro, dijeron, esta técnica podría revelar nuevos detalles de las historias de obras de arte incluso bien estudiadas.