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Descubrimiento sin precedentes | Develan el mayor secreto detrás del arte paleolítico y cambia todo lo que sabemos sobre nuestros ancestros

10 octubre, 202410 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Cronista – Se trata de una investigación de la Universidad de Salamanca que arroja nueva luz sobre el proceso de creación artística de los primeros humanos.

Un nuevo estudio liderado por la Universidad de Salamanca revela el papel clave de las habilidades cognitivas y motoras en el arte paleolítico, un trabajo pionero que ha publicado la revista «Scientific Reports» de Nature y arroja nueva luz sobre el proceso de creación artística de aquellos antepasados.

Este trabajo, encabezado por la Facultad de Geografía e Historia y su Laboratorio de Tecnología Prehistórica (Labtec) en colaboración con la Facultad de Psicología, subraya la importancia del arte como una manifestación temprana del desarrollo cognitivo humano.

¿Cuál es el secreto detrás del arte de los primeros humanos?

El arte paleolítico constituye una de las primeras manifestaciones de creatividad y complejidad cognitiva de los seres humanos anatómicamente modernos, pero a pesar de su antigüedad y de su relevancia en la historia de la humanidad, hasta ahora no se habían llevado a cabo estudios exhaustivos sobre los procesos neurológicos y las habilidades motrices vinculadas a la creación de estas representaciones artísticas.

En este contexto, el Labtec, dirigido por la profesora Olivia Rivero, ha liderado este estudio pionero en el que se analiza, por primera vez, el nexo entre las habilidades cognitivas y las habilidades motoras de los primeros humanos anatómicamente modernos a la hora de la creación del arte.

El trabajo integra la arqueología y la psicología experimental para explorar «cómo los primeros artistas paleolíticos adquirieron las destrezas necesarias para producir imágenes realistas», ha explicado Olivia Rivero en una nota de prensa de la universidad.

El estudio destaca que «el arte paleolítico, lejos de ser simplemente una expresión estética, representa un conjunto complejo de destrezas técnicas y estilísticas» y revela que la experiencia en las artes visuales está vinculada a un mayor rendimiento en las habilidades espaciales, como la visualización y la rotación mental, «lo que sugiere que los primeros artistas también necesitaban entrenamiento especializado», ha indicado Rivero.

¿Cómo descubrieron las técnicas detrás del arte en el Paleolítico?

El trabajo de la Universidad de Salamanca utiliza pruebas psicométricas y tareas de dibujo y grabado monitoreadas por guantes sensores de movimiento para comparar el desempeño de expertos y no expertos en artes visuales cuando se enfrentan a desafíos similares a los de la producción artística del Paleolítico superior.

Aunque se observaron diferencias significativas en las tareas de dibujo entre expertos y no expertos, no se hallaron diferencias notables en las habilidades motoras, lo que apunta a que la técnica de grabado paleolítico requería de un aprendizaje específico.

Por otra parte, el análisis biomecánico del movimiento evidenció diferencias significativas entre las tareas realizadas utilizando herramientas de dibujo modernas y aquellas empleadas con herramientas paleolíticas.

Descubrimiento sin precedentes | Develan el mayor secreto detrás del arte paleolítico y cambia todo lo que sabemos sobre nuestros ancestros. Imagen: archivo.

Estos hallazgos respaldan la hipótesis de que los artistas paleolíticos necesitaban un entrenamiento técnico especializado, particularmente en el uso de herramientas líticas como los buriles.

El estudio de la USAL sienta las bases para futuras investigaciones sobre cómo las habilidades cognitivas y motrices relacionadas con el arte paleolítico difieren de las que se atribuyen a los artistas contemporáneos.

Fuente: EFE

El misterio de «La joven de la perla», el cuadro que provoca hipnosis en las personas

10 octubre, 202410 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Ámbito – La pintura genera un efecto único en el cerebro humano denominado «bucle atencional sostenido». El museo colaboró con un equipo de neurocientíficos para analizar el fenómeno.

Un grupo de científicos cree haber descubierto el secreto detrás del magnetismo de la famosa obra de Johannes Vermeer, «La Joven de la Perla». A través de la medición de las reacciones cerebrales de quienes la contemplan, revelaron cómo esta pintura provoca un efecto único en el cerebro humano.

El Museo Mauritshuis, en La Haya, hogar de esta icónica obra, colaboró con un equipo de neurocientíficos para analizar la actividad cerebral de los visitantes mientras observaban «La Joven de la Perla» junto a otras piezas de la colección. Los resultados apuntan a un fenómeno denominado «bucle atencional sostenido», una respuesta neurológica específica que parece ser exclusiva de este retrato.

Un ciclo visual que atrapa

Según los expertos, la mirada del espectador comienza fijándose en el ojo de la joven, luego se desplaza hacia su boca y sigue hasta la perla que adorna su oreja, para finalmente regresar al ojo. Este ciclo visual mantiene la atención del observador durante más tiempo en comparación con otras pinturas. Martin De Munnik, miembro de la firma investigadora Neurensics, explica que el cuadro obliga al espectador a mantener su atención, independientemente de su intención.

El museo colaboró con un equipo de neurocientíficos para analizar el fenómeno.

Gentileza Agencia EFE

Además, las mediciones de la actividad cerebral revelaron una intensa estimulación en el precúneo, una zona del cerebro vinculada a la conciencia y la identidad personal. «Sabíamos que esta obra era especial, pero los motivos nos sorprendieron», comentó De Munnik.

Tecnología y arte: una nueva forma de estudiar las reacciones

Este estudio es pionero en el uso de tecnologías como el electroencefalograma (EEG) y la resonancia magnética (IRM) para analizar cómo responde el cerebro ante una obra de arte. Una de las conclusiones más sorprendentes es que la reacción emocional es diez veces más intensa cuando se observa el cuadro original en comparación con una reproducción.

Para llevar a cabo esta investigación, los científicos equiparon a los participantes con sensores oculares y electrodos en sus cabezas mientras miraban tanto pinturas originales como réplicas. Los resultados subrayan la importancia de experimentar el arte en vivo. Martine Gosselink, directora del Mauritshuis, destacó que estos descubrimientos refuerzan el valor de visitar museos para apreciar obras originales. «El cerebro no engaña», afirmó Gosselink.

La singularidad de Vermeer

Una característica distintiva de las obras de Vermeer es que, a menudo, concentra la atención en un único punto, dejando borrosos los detalles periféricos. Sin embargo, «La Joven de la Perla» es especial porque ofrece tres puntos focales: el ojo, la boca y la perla, lo que la diferencia de las demás pinturas del artista. «Aquí vemos a alguien que realmente nos mira, a diferencia de otras obras de Vermeer, donde los personajes están enfocados en actividades como escribir o coser», señaló Gosselink.

El cuadro obliga al espectador a mantener su atención, independientemente de su intención.

Gentileza Agencia EFE

Finalmente, De Munnik sugirió que sería interesante aplicar este tipo de estudios a otras obras célebres, como la «Gioconda» de Leonardo da Vinci. Gosselink, por su parte, comentó en tono jocoso que, aunque algunos llaman a «La Joven de la Perla» la Gioconda del Norte, «quizá los tiempos han cambiado, y ahora la Gioconda podría ser la Joven del Sur».

Johnny Depp, revela su intimidad doméstica en una muestra de arte

7 octubre, 20247 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – El actor estadounidense recreó el salón de su casa y su estudio de un edificio del barrio de Chelsea, donde también enseña al público las obras en las que ha trabajado desde que tenía 20 años.

El actor Johnny Depp abre las puertas de sus casas e invita a sus seguidores a conocer su faceta artística y personal en la exposición inmersiva ‘A bunch of stuff’, inaugurada en Nueva York.

Depp, en colaboración con la organización BAUART, recreó el salón de su casa y su estudio de arte en la planta baja de un edificio del barrio de Chelsea, donde también enseña al público las obras de arte en las que ha trabajado desde que tenía 20 años.

“Se siente como si (Depp) acabara de salir de la habitación. Él está en todas partes, pero no físicamente”, señala el cofundador de BAUART, Guy Vesey.

La exposición -el debut de Depp en el mundo de las bellas artes y cuya entrada cuesta 40 dólares- explora la faceta artística y el lado más vulnerable del actor mediante obras en las que su característico estilo se entremezcla con las técnicas de movimientos como el expresionismo o el surrealismo.El apartado ‘Provence’ de la muestra

En esta muestra, sus seguidores pueden ver e incluso tocar su escritorio de madera, que alberga objetos tan extravagantes como un rascador de espalda con una garra de animal o una pequeña lámpara que se sostiene sobre un zapato que, a su vez, se apoya en un pequeño monopatín.

Más adelante, la exposición dispone a lo largo de un pasillo iluminado con luces rojas una serie de cuadros en los que Depp escribe frases algo ambiguas y oscuras como: “Es la vida y es la muerte” o “Ella empezó y terminó como el suspiro de los bebés”.

Siguiendo con esta aura sombría, Depp retrata en una serie de cuadros a esqueletos y calaveras rodeados de confeti e iluminados por luces parpadeantes, en una clara referencia a los paparazis que cada día siguen al actor.

El cofundador de BAUART cuenta que en ‘A bunch of stuff’ Depp muestra su lado “más vulnerable” y oscuro: “Lo que vemos de él aquí es un gran intelecto, pero también una enorme vulnerabilidad. Esto no habla de él como una estrella de cine, sino como un individuo creativo”.Sección ‘Hedy Lamarr’, con obras dedicadas a la actriz e inventora Hedy Lamarr

Así, en un video animado de trece minutos, el actor hace un recorrido por su infancia y reflexiona sobre su relación con el arte: “Siempre andaba dibujando… Nunca nadie debería darse el lujo de aburrirse, siempre hay algo que crear”, expresa en voz en off en el video, en el que se proyectan sus ilustraciones.

Haciendo honor al título de la muestra, el actor cuelga de una gran lámpara en el techo una amalgama de objetos muy diversos entre sí, como dibujos hechos de manera desenfadada en hojas arrancadas de cuadernos o papel de fumar de la marca RAW.

Los espectadores tienen acceso en esta muestra al estudio de arte de Depp, en el que el artista tiene colgados en la pared varios cuadros dedicados a su familia -una rosa por su hija Lily Rose-Depp y un autorretrato de su hijo Jack- y a personas cercanas como el actor Marlon Brando.Johnny Depp

Depp acaba la exposición abriendo las puertas de su salón, en el que el actor guarda sus guitarras -eléctrica y acústica- y dispone de manera desordenada sobre la mesa objetos de todo tipo, como cartas del tarot o hasta una huevera de calaveras.

Vesey asegura que Depp estuvo involucrado en el proceso creativo de ‘A bunch of stuff’ y participó en la toma de decisiones artísticas como el solo de guitarra que suena en los altavoces durante toda la exposición o la forma de colocar sus objetos personales de manera que envíen al público un mensaje.

Aunque el actor se abre en esta exposición, no hay rastro explícito de su reciente polémica y su juicio por difamación con su expareja Amber Heard.

Fuente: EFE. Fotos: EFE/BAUART

Marcelo Expósito: desobediencia en capas geológicas

6 octubre, 20246 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – En Física, una de las definiciones de “entropía” es la medida del desorden de un sistema. Desordenar y/o advertir el desorden pueden ser operaciones críticas para entender, para encontrar las partes invisibilizadas, para mover y remover lo anquilosado, para excavar y exhumar, para reflexionar acerca de que todo orden es una construcción. La riqueza y complejidad conceptual y visual del trabajo del artista español Marcelo Expósito se cimentan en lo antedicho y, a su vez, lo expanden, como se observa en la exposición Monumentos de historia y entropía parcialmente enterrados, en el Parque de la Memoria.

“Parece imposible definir ahora mismo este momento histórico: más allá de nombrarlo, la dificultad estriba en atinar a diagnosticar si estamos bajo o sobre la tierra, si las experiencias y enseñanzas que nos rodean apuntan a la definitividad de la muerte o la lejana posibilidad del legado, y si las fuerzas que recordamos están sumidas y canceladas, o germinando en su promesa de posteridad”, escribe el artista junto con los curadores de la muestra Cuauhtémoc Medina y Virginia Roy.La muestra parte de reflexiones de Walter Benjamin cuando surgía el nazifascismo en Europa. Foto: Parque de la Memoria

Diría que la mejor disposición física y mental para recorrer los trabajos es la de sumergirse en los varios estratos de ideas y materialidades. Porque la propuesta reside en reemplazar la linealidad histórica de presente, pasado y futuro por la de capas acumuladas. Un mural fotográfico en blanco y negro nos recibe al ingresar en la Sala PAyS con la imagen de un montículo de tierra enterrando o desenterrando parcialmente la propia sala en la que estamos. La obra cita aquella del artista estadounidense Robert Smithson, Cobertizo parcialmente enterrado (1970) y resulta tan polisémica como concreta: en el Parque de la Memoria está el Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, donde cada placa con el nombre de la persona desaparecida durante la última dictadura militar recuerda la existencia de una vida, que el mecanismo de la desaparición buscó invisibilizar sin darle entierro.

Un poco antes de ingresar a la sala, en el exterior, comenzamos a oír voces de distintas mujeres interpretando el Oratorio para una Constitución de la Tierra, en relación a la catástrofe ambiental. Una vez adentro, nos reciben atriles con las páginas del oratorio materializado en un libro de artista. En este trabajo y en otros se trata de volver a combinar y reescribir, ensayar nuevos montajes y textos, ordenamientos, incluso provisorios. Crear, por lo tanto, posibilidades distintas y movilizadoras, a partir de lo existente“Historia natural de la deuda (Argentina)” son ocho dípticos de billetes de dólar y peso argentino sumergidos en una disolución de cloruro de litio, en tanto “ruinas del valor”.

El lenguaje, la palabra, es omnipresente en el trabajo de Expósito. Leemos: “Remover capas de escritura”, “desdibujar la división establecida entre imagen y texto”, “hacer colapsar la relación entre la figura y el fondo” que establece jerarquías. Así surgen series como la de las “Páginas del poema Las cenizas de Gramsci pisoteadas por la multitud que celebra bajo la lluvia con un mitin de Giorgia Meloni en Piazza del Popolo de Roma el décimo aniversario del partido Fratelli d’Italia a los tres meses de su victoria en las elecciones generales italianas el mismo año en que se ha conmemorado el centenario del nacimiento de Pier Paolo Pasolini, diciembre de 2022”, como indica el título, cuya extensión lo acerca a la literatura. En tanto, la serie Dulces sueños de una vida mejor, de trece paneles, tiene como base un reportaje de la prensa española sobre el entierro de Francisco Franco en el Valle de los Caídos (1975), que el artista ordena a la inversa, resultando el dictador desenterrado y superponiéndose elementos iconográficos de las series Los desastres de la guerra, de Francisco de Goya, Sueño y mentira de Franco, de Pablo Picasso, Trece estampas de la traición, de Luis Seoane, entre otros.

Nacido en Puertollano, España, en 1966, la obra de Expósito formó parte de exposiciones individuales y retrospectivas recientes en La Virreina Centre de la Imatge en Barcelona; el Museo Universitario Arte Contemporáneo y el Centro Cultural de España en Ciudad de México; el Parco Arte Vivente en Turín, y otros. Expuso en 3ª Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín, la 6ª Bienal de Taipéi, la Bienal Europea Manifesta 8, la Bienalsur de Buenos Aires, la XVI Bienal de Cuenca (Ecuador) y actualmente en la 60° Biennale Arte Venezia 2024 con el proyecto colectivo Disobedience Archive. Su obra forma parte de las colecciones del Museo Reina Sofía, el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, la Colección Nacional de Fotografía de la Generalitat de Catalunya y el MUAC de México.Marcelo Expósito en el Parque de la Memoria

Fósiles y herbarios

Otra constelación de significados, objetos, tiempos, espacios se conforma con trabajos que aluden a fósiles, sistemas económicos, intercambios, extracciones, crisis financieras y sus relaciones no siempre evidentes. Historia natural de la deuda (Argentina) son ocho dípticos de billetes de dólar y peso argentino sumergidos en una disolución de cloruro de litio en tanto “ruinas del valor, testigos de una historia del capitalismo que avanza acumulando catástrofes”. Los fósiles (combustibles) se extraen de la tierra para generar energía y, asimismo, son parte de intercambios económicos (oro, litio, plata). También son réplicas de fósiles de animales las que se extienden sobre una vitrina constituyendo un “museo-no contemporáneo”, provenientes del Museo Paleontológico de Ramallo, en la provincia de Buenos Aires. Inaugurado en diciembre último para iluminar la riqueza paleontológica de la región, la institución tuvo que cerrar tres meses después por la crisis económica.

Enfrente de dicha vitrina, de un muro negro salen voces en distintos idiomas en relación a los activismos feministas, ecológicos, antirracistas, más referencias a obras de Federico García Lorca, Vladimir Mayakovski, Toni Negri, entre otros autores. ¿Presencias fantasmales orales que quedaron inscriptas en él? Porque las voces pueden sedimentarse, pulsar por salir, encontrar nuevas formas de ser escuchadas aún ante la ausencia del cuerpo parlante.Se trata de una intervención específica para el Parque de la Memoria.

Se suceden en las obras los nombres e ideas de Ernst Bloch (Una filosofía del futuro), Walter Benjamin (Excavar y recordar), Jorge Luis Borges (Ficciones), Sor Juana Inés de la Cruz, entre otras voces necesarias conformando una sinfonía: la de los avatares del mundo en tiempos y espacios interceptados, los cuales advierten encierros y salidas. La impactante videoinstalación de dos canales 143.353 (los ojos no quieren estar siempre cerrados) revisa, en uno, la iconografía de Santiago Matamoros y, en el otro, el trabajo de arqueología forense realizado en España por la Asociación por la Recuperación de la Memoria Histórica, la cual busca recuperar cuerpos enterrados durante décadas como tumbas NN.

El herbario, con su orden y taxonomía científica, se vuelve en manos del artista un objeto que condensa ciencia, poesía, historia, memoria, cultura, violencias, muerte, vida. La revolucionaria Rosa Luxemburgo recolectó y catalogó las hierbas, hojas y flores que recogía durante sus años de prisión en su estrecho entorno. Sus herbarios se salvaron. Con este antecedente, Expósito elaboró 12 herbarios en láminas enmarcadas compuestos por plantas crecidas en los terrenos donde funcionaron centros clandestinos de detención durante la última dictadura argentina. “¿Cómo hacemos para que arrojarnos al suelo con el fin de rebuscar por debajo no equivalga a una práctica extractivista, haciendo por el contrario que aquello que extraemos y recolectamos germine de otra manera?”, leemos. En la misma muestra parece haber una posible respuesta en el sector de El laboratorio para excavar los sueños –organizado con el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA)– donde sentarse a escribir aquellos sueños (o pesadillas) para ir concibiendo otras maneras de germinación.

Marcelo Expósito. Monumentos de historia y entropía parcialmente…
Lugar: Parque de la Memoria, Sala PayS, Av. Costanera Norte 6745.
Horario: mar a dom de 11 a 18.
Fecha: hasta el 20 de octubre.
Entrada: libre y gratuita.

Un cuadro encontrado en un sótano hace 62 años resultó ser un Picasso de más de 6 millones de dólares

3 octubre, 20243 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Rosario3 – Un cuadro antiguo descrito por la esposa de su propietario como “horrible” era en realidad un Picasso original valorado en millones de dólares.

Luigi Lo Rosso encontró la obra de arte mientras limpiaba el sótano de una casa. En la esquina superior izquierda aparecía la firma distintiva del pintor español, pero Luigi no la reconoció. Hizo el descubrimiento en su casa de Capri, Italia, en 1962. Pero enrolló la pintura y la colocó en un marco barato que colgó en la pared de su sala de estar en su nuevo hogar en Pompeya durante décadas, sin saber el valor de la obra.

Muchos años después, su hijo Andrea, que estaba estudiando una enciclopedia de historia del arte que le había regalado una tía, sospechó que contenía la firma del famoso artista. La familia pidió consejo a varios expertos locales, entre ellos el famoso detective de arte Maurizio Seracini. Tras meses de investigaciones, la grafóloga Cinzia Altieri, miembro del comité científico de la Fundación Arcadia, confirmó que la firma era efectivamente de Pablo Picasso, según publicó el medio británico The Mirror.

La obra de arte, que se cree que fue pintada entre 1930 y 1936, fue valorada desde entonces en unos 6,6 millones de dólares. Se cree que el retrato es una imagen distorsionada de la fotógrafa y pintora francesa Dora Maar, que fue la amante de Picasso hasta su ruptura en 1945.

Luigi falleció antes de que se autenticara la pintura, pero su hijo prometió continuar con su misión. Ahora, Andrea, de 60 años, dijo: «Mi padre era de Capri y coleccionaba basura para venderla por casi nada. Encontró la pintura antes de que yo naciera y no tenía ni idea de quién era Picasso. No era una persona muy culta. Cuando leía sobre las obras de Picasso en la enciclopedia, miraba el cuadro y lo comparaba con su firma. Le decía a mi padre que era similar, pero él no lo veía. A medida que fui creciendo, me lo preguntaba todo el tiempo”. Y añadió: «Mi madre no quería quedárselo, decía que era horrible».

Actualmente, el cuadro se encuentra guardado en una bóveda en Milán mientras la familia contacta con la Fundación Picasso en Málaga, España, que tendrá la última palabra sobre su autenticidad. Picasso produjo más de 14.000 obras antes de su muerte en 1973.

Pablo Picasso fue uno de los artistas más famosos del siglo XX, conocido por fundar el movimiento cubista y por dejar un legado de obras de arte que hoy se venden por millones en subastas.

Pintura, esa intimidad imperceptible

3 octubre, 20243 octubre, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – Se encienden las luces de la sala y se hace presente un cuerpo de pinturas, una al lado de la otra, como si se tratara de un continuum etéreo y liviano. Las contemplo hipnotizada de la misma manera que observo el ir y venir del mar mientras trato de recordar cuando fue la última vez que estuve relajada. En Sustracciones se respira una sensación de profunda calma que se contrasta con la vorágine de la ciudad que hay que atravesar para llegar a la galería Calvaresi, un edificio único en pleno corazón de San Telmo.

La muestra de Paola Vega cuenta con la curaduría de Sonia Becce, una decisión que la artista tomó después de meditar durante mucho tiempo, convencida de que encontraría a la persona indicada para acompañarla durante este proceso tan personal. No estaba equivocada. Fue así como Becce se convirtió en testigo de su minucioso proceso de creación. Además, como le gusta conocer a las personas detrás de las obras, también contribuyó con un texto que a modo de entrevista navega con soltura por diferentes momentos claves en la vida de Paola, desde sus primeros años en Bahía Blanca, su ciudad natal, cuando allá por los 90 no era fácil encontrar espacios de representación, maestros y lugares donde aprender.Sin título, 2024. Óleo sobre papel entelado.

Por entonces no tenía ni idea de lo que era el arte contemporáneo hasta que un día, cuando hacía su habitual recorrido desde la Facultad hacia su casa, pasó por delante del Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, que había sido pintado de amarillo. Entonces estaba dirigido por Andrés Duprat (actual director de Museo Nacional de Bellas Artes) que había comenzado su gestión con apenas veintiséis años y traía “la novedad” de la escena cultura porteña a los bahienses, aunque no todos lo entendieran ni lo aceptaran. Sin embargo, para Paola fue un despertar que no tendría vuelta atrás. “Un día encontré ese edificio por el que había pasado tantas veces pintado de amarillo huevo, lo que me llevó a entrar para encontrarme con un universo que me deslumbró. Fue un flechazo, como enamorarse” explica.

Así fue como descubrió la obra de Elba Bairon, Cristina Schiavi, Fabiana Imola y Jorge Gumier Maier, entre otros, todos artistas que se volverían sus amigos y colegas. La Paola de esos años pintaba sobre cartones que recolectaba desarmando cajas que encontraba por su casa cuando eran pocos los recursos económicos para comprar pinturas y bastidores. Trabajaba con lo que tenía a mano, prestando atención a la pulsión orgánica que crecía en su interior y le decía que este era el camino que debía seguir. Eventualmente, Paola Vega se transformaría en una artista de oficio, una gran investigadora y enamorada de la materia que no tiene miedo a empujar los límites. “En esta nueva etapa hay una búsqueda del grado cero en la pintura” afirma.Sin título, 2024. Óleo sobre papel entelado.

Descubrimiento de la transparencia

Paola se mueve sin prisa pero sin pausa. Como explica Sonia Becce, sus transiciones son lentísimas y aunque en su producción no existen los cambios abruptos, estas últimas obras son el resultado de algo que hace tiempo deseaba. Contienen capas y capas de pintura y muchas idas y vueltas entre una y otra, ya que como tiene que esperar a que el óleo se seque después de cada pasada, Paola aprendió a trabajar a la par y entender al mismo tiempo lo que cada una necesita para perfeccionar las “variaciones y pulsos” necesarios.

Incluso antes de que la muestra comenzara a materializarse, la intención inicial de Paola era crear pinturas transparentes, prácticamente blancas (aunque no del todo, algo que cree que algún día logrará) para materializar aquello que no vemos en una pintura y que se encuentra detrás para que la misma exista. “Cuando creas una obra hay algo que hace que sea, algo casi imposible de explicar en palabras. Por eso me interesaba traer esa intimidad imperceptible al frente”.Sin título, 2024. Óleo sobre papel entelado.

Otra cosa que también cambió es su proceso de trabajo que se ha vuelto más meditativo y la lleva a respetar las pausas y crear con una concentración absoluta, como si todo lo que está a su alrededor se desvaneciera. “En esta ocasión sentí que el tiempo era mucho más profundo. Más allá de que soy consciente de que existen factores propios de la técnica que influyen en esta sensación, como que hago varias obras a la vez para lograr la anhelada transparencia, esta vez todo se intensificó”.

Hay cualidades y pequeños aspectos que se repiten, algo que la artista afirma que sucede ya que navegar entre las telas es como estar sumergida en una misma canción. A medida que avanza comienza a notar estos detalles, así como el efecto “halo”; una bruma que se posa sobre las pinturas y crea imágenes borrosas que sólo se advierten después de acostumbrar al ojo. “En el tránsito, en el ida y vuelta, se ve algo, pero ¿qué es? Paola dice: “Al final no es nada” sostiene Sonia de manera hermosa y poética. Sin embargo me siento en la obligación de advertir que esa supuesta nada, más que eso, parece serlo todo”.

Sustracciones – Paola Vega
Lugar: Calvaresi, Defensa 1136
Horario: mar a dom de 13 a 18
Fecha: hasta el 11 de octubre
Entrada: gratuita

Aseguran que una de las pinturas más famosas de van Gogh se ajusta “sorprendentemente” a las leyes físicas

2 octubre, 20242 octubre, 2024 infoarte

Fuente: TN – Científicos señalan que la escena que muestra “La noche estrellada” no es tan irreal como parece en un primer acercamiento. ¿Los remolinos que pintó el artista neerlandés pueden verse en el cielo real?

“El cielo nocturno de Vincent van Gogh es un campo de energía turbulenta. Debajo de las estrellas que explotan, el pueblo es un lugar de orden tranquilo. Conectando la tierra y el cielo está el ciprés con forma de llama, un árbol tradicionalmente asociado con los cementerios y el luto”. Tal es la descripción de La noche estrelladaen el sitio oficial del MoMA, el museo que actualmente exhibe esta pintura, una de las más famosas del artista neerlandés, que a más de un siglo de su creación es el eje de un nuevo y singular estudio científico.

Una investigación liderada por Yongxiang Huang, científico de la Universidad de Xiamen, en China, la representación del cielo nocturno en la pintura de van Gogh respeta “sorprendentemente” las leyes de la física. Esta conclusión revela datos inesperados acerca de aquellos trazos que, en un primer acercamiento, podríamos considerar más propios de la imaginación que “basados en hechos reales”.

La noche estrellada de Vincent van Gogh y su respeto a las leyes de la física

Los remolinos que vemos en esta obra de 1889, ahora exhibida en Nueva York, cautivan con sus colores vibrantes y sus “pinceladas dramáticas”, tal como observa la publicación Space. Ahora bien, detrás de ese carácter poético hay un basamento científico, asegura Huang.

"La noche estrellada es una de las últimas pinturas de van Gogh, que falleció en 1890. (Foto: Google Arts) — «La noche estrellada es una de las últimas pinturas de van Gogh, que falleció en 1890. (Foto: Google Arts)

En su estudio, el investigador señaló que los remolinos en La noche estrellada se ajustan a lo que se conoce como las “leyes del flujo turbulento”. En concreto, se alinea con la ley de Kolmogorov, una teoría de la turbulencia que predice el movimiento atmosférico y la escala en función de la energía inercial, explica Space. “La pintura también exhibe lo que se conoce como ‘escalamiento de Batchelor’, en referencia a las leyes de energía en la turbulencia escalar pasiva a pequeña escala que sigue al movimiento atmosférico”, agrega.

Para el estudio, los científicos de la universidad china analizaron las pinceladas de van Gogh a través de un escaneo de alta resolución. Siguiendo a la fuente, Huang manifestó su intención de seguir buscando evidencias científicas en obras de arte. “Es posible que lo abordemos de manera sistemática en el futuro si conseguimos financiación y tenemos estudiantes disponibles”, comentó el investigador.

Los hallazgos se publicaron recientemente en la revista Physics of Fluid.

Paola Vega: la apacible levedad de sus grandes obras al óleo

27 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Ámbito – La artista argentina, que esta semana ingresó en la colección Molaa de Los Angeles, acaba de inaugurar en galería Calvaresi su muestra «Sustracciones», que revela una nueva faceta de su estilo.

La galería Calvaresi exhibe “Sustracciones”, la última serie de pinturas de Paola Vega (1977). En esta nueva muestra, curada por Sonia Becce, la obra de Vega hasta ayer plenamente abstracta, revela una cuestión formal. En las pinturas anteriores, esos inmensos campos de color puro donde predominaba el vacío, las formas estaban ausentes.

Hoy, por el contrario, los cuadros de la exhibición ostentan formas borrosas, como si la artista quisiera expresar los impulsos primarios que la inspiran. Acaso esas visiones desdibujadas representan imágenes que se cruzan por su imaginación mientras pinta. Y allí están, como fantasmas, en medio de los colores dominantes, rosa, amarillo, verde manzana y hasta turquesa, siempre aplacados con el blanco. Las formas esfumadas que apenas se divisan, surgen en esa colorida niebla y plantean abiertamente las cualidades espacio temporales de las obras.

La propia artista menciona la lentitud de las pinceladas cargadas con la levedad casi acuosa del óleo muy diluido. De este modo, la superficie tersa de las telas se convierte en un estímulo óptico, en la perfecta Invitación para detener la mirada y contemplarla.

Cuando se silencia el discurso, mientras la mirada vagabundea por los cuadros, la obra facilita el ingreso del espectador en esos espacios. Kandinsky hablaba del arte como “un nutriente para el espíritu” y amaba la música de Schumann, quien, a su vez, creía cumplir un cometido. Y así lo afirmó: “La misión del artista es echar luz sobre las tinieblas del corazón humano”.

Mientras el espectador bucea con placer en las aguas de la contemplación meditativa, Paola Vega observa: “Cada día me parece más misterioso todo, la vida, la muerte, los días, nosotros, y claro, la pintura”. Con esta reflexión, el ruido del mundo se aleja. Y, de más está decirlo, también se alejan las obras del barroco americano, estilo que viene ganando visibilidad y espacio en estos últimos años.

En el montaje inusual de la exposición, hay varias pinturas de diversos tamaños colgadas una junto a la otra. Pero la transición resulta fluida y el ojo se desliza sin interferencias. Becce, suma a su formación como curadora (conocida mayormente por las muestras que presentó de Guillermo Kuitca y Félix González Torres) la de psicóloga. Y en el texto de presentación de la muestra brinda prueba del dominio de ambos oficios.

Primero, descubre a través de una entrevista, la influencia que ejercieron los maestros Tulio de Sagastizábal, Jorge Gumier Maier, Diana Aisenberg, Pablo Siquier y Jorge Macchi. Cada uno en especial. Además, subraya la vocación investigadora de la artista, su interés por reivindicar a las mujeres ya olvidadas por la historia del arte argentino. La recopilación del arduo trabajo de encontrar fotografías “inhallables” de poco menos de un centenar de ellas en sus talleres, desde Léonie Matthis con vestido largo en Mar del Plata a Delia Cancela y otras que pertenecen a la década del 60, fue publicada en un libro por la editorial Iván Rosado.

En la presentación de la muestra, la curadora concluye: “Si la obra de Paola Vega se puede mirar como un lienzo continuo, es en los cambios dramáticos en las dimensiones de sus cuadros, donde se encuentran las variaciones y los pulsos. Mantiene al mismo tiempo cuatro o cinco pinturas, que progresan todas juntas casi imperceptiblemente de un día para el otro. Así pasa de pintar una obra de 200 x 230 centímetros a otra contigua, de 20 x 30. Recorre -pincel en mano- las paredes de su taller de donde cuelgan las pinturas haciendo toques y retoques, pero es quizás en la exigencia -y la novedad- del formato pequeño donde encuentra los desafíos más importantes y donde paradójicamente se siente más expuesta. Hay un efecto halo, una bruma que se posa sobre los óleos de su última producción, imágenes borrosas que sólo se advierten después de acostumbrar al ojo. En el tránsito, en el ida y vuelta, se ve algo, pero ¿qué es? Paola dice: ‘Al final, no es nada”’.

Consultada sobre sus referentes en el mundo del arte, Vega, que esta semana ingresó en la colección del Molaa de Los Ángeles, nombra pintores abstractos, como Agnes Martin, Robert Ryman, Blinky Palermo y Raoul de Keyser. Acaso decidió volver a la más pura abstracción.

El Malba inaugura su nueva sede en Escobar con una inversión de más de 10 millones de dólares

22 septiembre, 202422 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Perfil – El 22 de septiembre abrirá al público Malba Puertos, un nuevo espacio de exhibición con entrada libre y gratuita. El Museo se enmarca en un predio que tiene obras de 60 artistas.

El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) inaugura el próximo 22 de septiembre una nueva sede “MALBA -Puertos” en la localidad de bonaerense de Escobar, a 50 kilómetros de su sede porteña. Una iniciativa de su dueño, Eduardo Costantini que partió de la necesidad de buscar un lugar para la excesiva reserva técnica (la obra que no está expuesta). De esa pequeña inquietud brotó un proyecto arquitectónico con tres alas en la ciudad de Puertos.

Puertos es un desarrollo urbano de Consultatio quien estuvo a cargo de la gestión y financiamiento total de la obra de la nueva sede del Malba con una inversión de 10 millones de dólares.

Malba Puertos se propone acercar ideas, proyectos federales y voces destacadas de la escena artística actual a nuevas comunidades, a través de un programa de exposiciones y actividades culturales.

El Museo convive con un el Circuito Público de Arte que incluye más de veinte obras site specific que se implantan en toda la ciudad de Puertos, en armonía con el Lago Central de doscientas hectáreas y la Reserva Natural sobre el Río Luján.

El museo, de entrada libre y gratuita, está conformado por espacios interiores y exteriores que ofrecen diferentes formatos y soportes expositivos.Entre ellos se encuentra la reserva técnica, que alberga obras de la Colección Malba y la Colección Eduardo F. Costantini y, por primera vez, está a la vista del público.

La arquitectura de la nueva sede quedó en manos de Juan Herreros que también había estado a cargo de la renovación del Malba en 2017. Herreros contó en una recorrida de prensa de la que participó PERFIL, que buscó dar forma a las palabras de Costantini teniendo en cuenta el diálogo con el lugar. “Teníamos que crear un lugar cerrado/abierto y su transparencia lo demuestra, buscamos hacer algo poroso, disuelto en el paisaje”, explicó el arquitecto.

Como coordinadora general de Malba Puertos se nombró a Eleonora Jaureguiberry, ex Secretaria de Cultura y Ciudad de San Isidro, y parte de su rol será fomentar el lazo social dentro de Puertos y su entorno en Zona Norte de Provincia de Buenos Aires, promoviendo el acercamiento con los vecinos de la ciudad y creando alianzas con organizaciones de la sociedad civil y centros educativos.

Malba Puertos será uno de los primeros museos del mundo –después de las iniciativas del Museo Boymans Van Beuningen, de Holanda, y del Louvre, el Centre Pompidou y la Colección FRAC, en Francia– en abrir al público su reserva técnica, lo que “democratiza el archivo”, en palabras de Costantini.

Al respecto, comenta el arquitecto Herreros: “Un espacio que normalmente es invisible e inaccesible al público en cualquier museo convencional, se convierte en este proyecto en el motor de una institución que es todo lo contrario: transparente y abierta”.

Exposiciones temporarias

“Ensayos naturales” de Mondongo y Luis Ouvrard

Esta exposición estará desde el 22 de septiembre al 2 de marzo de 2025 y fue curada por Alejandra Aguado.
“Ensayos naturales” es una exposición en dos capítulos. En el primero de ellos, doce paneles de la instalación pictórica Argentina (paisajes), 2009-13, del dúo Mondongo (Juliana Laffitte y Manuel Mendanha) que conviven con otras doce pinturas de Luis Ouvrard (Rosario, 1899-1988) realizadas entre 1966 y 1986.

Las obras de Mondongo, inspiradas en el delta entrerriano, con cuadros de gran escala de bosques inquietantes, se contraponen con las obras de pequeña escala de Ouvrard que, sobre una mágica pampa santafesina, llaman la atención sobre los frutos de la tierra.

A partir de diciembre, las mismas pinturas de Mondongo estarán acompañadas por collages de la artista Rosana Schoijett en los que predomina la aparición de la flor: otra expresión de la belleza y riqueza del suelo que a su vez revela nuestra necesidad y deseo de crear pequeños paraísos en la tierra.

“La vida que explota” de Gabriel Chaile, Claudia Alarcón y Silät

Esta exposición estará desde el 22 de septiembre hasta el 2 de marzo de 2025 y fue curada por Andrei Fernández.

“La vida que explota” propone un diálogo entre el conjunto escultórico de cinco seres antropomorfizados que Gabriel Chaile presentó en la Bienal de Venecia en 2022 –expuestos ahora de modo permanente en Malba Puertos– y las obras textiles de la artista wichi Claudia Alarcón y el colectivo de tejedoras Silät.

Las criaturas totémicas de Chaile llevan los nombres de los miembros de su familia y tienen la forma de esculturas monumentales de barro, artefactos que también pueden ser encendidos, dar calor y funcionar como hornos que producen alimentos.

En diálogo con estas esculturas, se presentan aquí piezas de arte textil de la artista salteña Claudia Alarcón y del colectivo de tejedoras Silät, que reúne a mujeres wichis que luchan por la defensa de la memoria colectiva y la creatividad de su cultura. Estas artistas trabajan el hilado de chaguar –una planta herbácea con hojas suculentas y espinosas, distintiva del Gran Chaco de la cultura wichi– con imágenes contemporáneas y complejos ensamblajes geométricos.

“Acto reflejo”

Amadeo Azar fue invitado a crear una exposición con la reserva técnica y decidió armar un recorrido propio. El artista, además, sumó una serie de acuarelas que relacionan una selección de obras de la Colección Malba con la flora y fauna autóctona de la zona.

Azar pone en primer plano obras de artistas como Alejandra Seeber, Jorge Gumier Maier, Magdalena Jitrik y Liliana Maresca, entre otros. Reinventándolas en sus pinturas, transforma el significado original de las obras, conectando arte y naturaleza y generando poderosos desplazamientos de sentido. Se trata de un homenaje a otros artistas y también a una historia en común que los une.

Dice la artista Leticia Obeid, invitada a escribir sobre esta muestra: “Al retratar las obras elegidas, Azar les ha dado el abrigo del tiempo, las ha imaginado sobreviviendo a una catástrofe, ha alargado sus vidas, así como dice la superstición que sucede cuando soñamos la muerte de alguien querido. En este escenario acuático, la pintura y la escultura se mezclan con hojas, tallos, flores y árboles. Si el fin del mundo humano ya ocurrió, ellas parecen haber sobrevivido en todo su esplendor”.

La serie de intervenciones en la reserva de Malba Puertos se creó para que sucesivos artistas invitados trabajen con las nociones de exhibición y de resguardo como disparadores para crear obras inéditas, para refrescar la mirada hacia otras conocidas, pero quizás olvidadas, y para repensar el rol de la arquitectura, el coleccionismo y los espacios de exhibición y de guarda.

Romina Graziani: La esencia náutica en el Arte

19 septiembre, 202419 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Noticias by @rominagraziani – El pasado 7 de septiembre, Romina Graziani deslumbró en la inauguración de la muestra en Les Couleurs Art Gallery con su serie náutica.

El pasado 7 de septiembre, Les Couleurs Art Gallery fue el escenario de una exitosa inauguración que contó con la participación de la talentosa artista Romina Graziani, junto a otros destacados artistas. La velada fue un verdadero éxito, con una variada representación de artistas e invitados, y la notable presencia del consulado argentino, que brindó su apoyo al arte en el exterior. Este compromiso con los argentinos y el arte merece ser resaltado.

En esta oportunidad, Romina Graziani presentó seis de sus cautivadoras obras de la serie náutica, donde la abstracción se encuentra con la elegancia de figuras reconocibles de barcos de vela. Estas piezas no solo evocan la majestuosidad de la navegación, sino que también invitan a los espectadores a embarcarse en un viaje visual único. A través de un juego magistral de formas, texturas y colores.

Graziani transforma la complejidad del mar y la serenidad de la vela en una experiencia artística trasmitiendo fuerza en sus trazos y paleta de colores La serie náutica de Graziani no solo rinde homenaje a la belleza de la navegación, sino que también nos recuerda la libertad y el misterio del océano, inspirándonos a explorar lo desconocido y a encontrar belleza en cada rincón de nuestro propio viaje.

Romina Graziani ha desarrollado una destacada trayectoria artística, con más de 20 exposiciones en galerías y centros culturales tanto en Argentina como en el extranjero. Su estilo fusiona lo abstracto con lo figurativo, ofreciendo una propuesta lúdica y emocional que invita a la reflexión del espectador. Especializada en dibujo y pintura acrílica, Graziani equilibra la libertad de los trazos y texturas con una estructura subyacente meticulosamente trabajada. Su arte, a menudo inspirado en escenas navales desde una perspectiva abstracta, utiliza colores vibrantes y formas sugerentes que permiten al espectador completar las imágenes con su imaginación.

Su enfoque es energético y emocional, donde el color y la textura son protagonistas, siempre dentro de una estructura bien definida, lo que le otorga a su obra una identidad única y coherente.

Les Couleurs Art Gallery, conocida por su enfoque en artistas emergentes y establecidos de Miami, abrió sus puertas en el centro de la ciudad con el objetivo de ser un espacio dedicado al arte como herramienta de cambio social. La galería ha colaborado durante muchos años en la financiación de programas educativos y creativos para niños desfavorecidos en países como Haití, entre otros, y próximamente abrirá una segunda sede en Downtown Miami.

Contacto:

@rominagraziani