Fuente: Agencia San Luis ~ La artista plástica presentó la obra digital “Los niños de la guerra”, durante la octava edición del certamen que convocó a talentos de 21 países.
La obra premiada se expuso este sábado en la galería de arte “Z Club”, del barrio de Belgrano, en la Ciudad de Buenos Aires.
“Estoy muy contenta. Es un concurso que se difunde mucho en las redes sociales hace varios años. La obra está inspirada en la orfandad y la miseria que el paso de la guerra deja como saldo. En mi dibujo el color rojo representa la violencia, la sangre, el dolor y todo lo que la guerra, en su faceta más dolorosa, nos deja cuando golpea a aquellos que, con su inocencia, no pueden defenderse. Los trazos en verde, como complementarios, intentan acentuar la terrible fuerza del rojo que arrasa sobre la debilidad de los niños. Es un dibujo nacido de estos tiempos”, detalló Etcheverry que vive hace 26 años en San Luis.
La obra premiada se expuso este sábado en la galería de arte “Z Club”, del barrio de Belgrano, en la Ciudad de Buenos Aires. El jurado estuvo conformado por Darío Zilberstein, Alejandra Feijó, Gonzalo Cid, Bibiana Rojas, Adolfo Chouy, Gustavo Herrera, Mario Villafañe, Roxana Rignola, Víctor Dabove y Jorge Araldi.
Asimismo, Etcheverry participa en el Primer Salón de Arte “Inti Yachay Perú”, en Huancavelica, en el Museo Regional “Daniel Hernández Morillo”. “Gracias a este encuentro también se formaron lazos para invitar a artistas puntanos a que expongan en Perú”, indicó la artista cuyas obras además se encuentran en la Embajada de Tailandia y en distintos centros culturales o galerías, así como en colecciones privadas de Argentina, Uruguay, España y Suiza.
Fuente: Cronista ~ Las dos principales casas de remates, tanto Christie’s como Sotheby’s, ofrecerán importantes lotes que cuentan con destacados trabajos de artistas como Monet, Rothko, Warhol, Degas y Koons.
Luego de un tímido mercado de subastas en el primer trimestre que superó en un 12% lo vendido el año pasado, y con la necesidad de garantizar la venta del 40% de los lotes más cotizados ya que no hay espíritu de vender, nos encontramos con las fabulosas obras que se ofrecen este mayo en Nueva York.
No habrán compradores rusos, tampoco se ofrecerán pinturas ni objetos de dicho origen, pero sí un conjunto de pinturas de Monet extraordinarias, también unos Warhol fuera de serie y 3 obras de Rothko fuera de lo habitual.
Les contaré qué se ofrece y recién les hablaremos de los resultados el próximo 19 de mayo, ya que momentáneamente redactaré estos informes cada dos semanas, los días jueves.
Mayo y noviembre son los meses más cálidos y fuertes del mercado de arte de subastas. Las dos grandes casas de subastas suelen vender 2 mil millones de dólares.
El lunes 9 arranca Christie’s con la colección de los marchand Ammann y 36 de sus obras que tienen altas bases. Hasta se especula el «disparate» de vender una serigrafía de Marilyn Monroe realizada por Andy Warhol en 200 millones de dólares!!!
Al día siguiente hay una colección de 12 obras de la señora Anne Bass que me la quedaría entera. Sin duda un ojo sensible y somos «almas gemelas» en gustos. Tiene la «Bailarina de 14 años» de Edgar Degas, que fue la única escultura que el genial artista presentó y fundió en vida.
Hay como 28 ejemplares, pero sólo 2 o 3 en manos privadas. Se han vendido en un promedio de 12 millones y por ésta esperan más de 20 millones. Hay otros Degas en pastel, que era su técnica preferida, y se cotizan en 6 millones.
Un trabajo de Rothko que debería regalarle a mi mujer Margarita, que tiene 80 millones de base y luego hay que pagar una fortuna por ganancias y bienes personales…Y como si esto fuera poco hay uno de los Monet pintados en Londres, en su suite del Hotel Savoy, con una nebulosa y mágica vista del Parlamento inglés que puede llegar a pagarse 60 millones.
Sotheby’s a partir del siguiente lunes 16 vende parte de la colección Macklowe. Treinta obras que se liquidan luego de un divorcio tipo la película «La guerra de los Roses».
En noviembre recaudaron casi 700 millones de esta colección y ahora hay un autorretrato de Warhol que es muy colorido y superará los 20 millones, un muñeco en porcelana de Jeff Koons, del cual hay 4 idénticos, que va por más de 2 millones y un De Kooning poco interesante por el que se pedirán 10 millones.
Jeff Koons
Al día siguiente hay un lindísimo remate con un pequeño paisaje de Tahití por Paul Gauguin, de 27×33 cm, que andará en los 6 millones. Una vista de Venecia con la Iglesia de la Santa María della Salute que superará los 40 millones y un mediano y triste Modigliani que aspira a 15 millones, que podría hacer «pendant» con dos de los que se exhiben en el Museo Nacional de Bellas Artes.
Fuente: Clarín ~ Con elementos gráficos de la economía, la exhibición da cuenta de las búsquedas de la artista de los últimos 30 años. En la Galería Herlitzka+ Faria.
Alicia Herrero tiene una explicación para cada objeto que hoy cuelga en la galería Herlitzka + Faria. El espacio dedicado a artistas argentinos consagrados abrió su año con Algo(de)ritmos, instrumentos, mutaciones donde los reenvíos a elementos gráficos de la economía emergen como obvios, pero son apenas la punta del ovillo de las exploraciones de la artista en los últimos 30 años.
Herrero ha recibido recientemente el Premio Nacional a la Trayectoria Artística 2021 (Museo de Bellas Artes), el Primer Premio Fundación Fortabat 2019 y el Primer Premio Nuevos Soportes e Instalaciones 103° Salón Nacional de Artes Visuales 2014.
Desde su exposición Mi botín en el Centro Cultural Rojas en 1997, Herrero ha abordado las relaciones entre arte y capital, la concentración económica y la distribución desigual de la riqueza.
Algo(de)ritmos, instrumentos, mutaciones está basada en un paper universitario escrito por un economista, un diseñador gráfico y un biólogo donde intentan representar con diagramas las dinámicas que surgen de estudiar las principales corporaciones que concentran el flujo de capital mundial.
“Lo que me impactó de esto fue que, partiendo de un millón de corporaciones, pudieron establecer que el mayor flujo estaba concentrado en un grupo muy pequeño de empresas, tan pequeño que son 157”, explica Herrero. Conocedora en profundidad de la historia del arte, Herrero conjugó sus indagaciones sobre el capital y la concentración con el género vanitas, primo de la naturaleza muerta.
A partir del diagrama en el paper que representa al grupo de corporaciones que controlan el mayor flujo de capital mundial (realizado desde un algoritmo descubierto por un biólogo), crea una pintura monumental que sirve de puntapié para la muestra.
A partir de aquí se repetirán las figuras circulares, los rombos, los espirales; puede remitir a un gráfico con el que se intenta explicar la economía o a un elemento que se desprendió de una obra de Marcel Duchamp.
Herrero deja la puerta abierta para jugar con las interpretaciones, aunque ella tiene muy claro de dónde las tomó. Es la figura del cono la que mejor explica el sentimiento de concentración que atravesó a la artista en toda la muestra. El capital fluye por un orificio que se hace cada vez más chico hasta concentrarse.
Su lectura capitalista incluyó también la presencia de la mano de obra. “Consideré que mi cuerpo físico tenía que estar ahí. Pensé: ¿Qué es aquello que performativamente le va a dar una dimensión artística real más allá de un gráfico? Trabajando físicamente yo, en una escala importante y que sea una obra que me lleve tiempo, que concentre tiempo y trabajo, casi una idea de lo que sería trabajar en una fábrica. Me tenía que subir y trabajar arriba, para ver la obra había que alejarse mucho, a veces las condiciones de trabajo de un taller no son las mejores”, reflexionó.
Cotidianomía, 2021-2022, de Alicia Herrero.
Hay dos figuras presentadas como esculturas, Cotidianomía y Vanitas. Descansan sobre una estructura de acero, similar a una parrilla. La ausencia de una superficie como podría ser un vidrio que sostenga la obra fue pensada para que el reflejo expanda la obra más allá de la materialidad.
Herrero lo explica así: “Los datos de la macroeconomía y la micro se expanden al hábitat. Las intervenciones en las paredes, estas líneas de sostén (de la escultura) hace que estallen las formas y se expandan en la arquitectura. No quería cerrar la escultura en una base blanca o de patas metálicas, sino dejar esta sensación de la sombra del volumen que aparece gracias a la transparencia en el piso. Se produce algo también del orden pictórico que dialoga con las pinturas”.
Un vanitas contemporáneo
Herrero fue docente de arte durante gran parte de su vida. De allí su gran capacidad de oratoria sin vacilaciones, que se complementa con un proyecto y un desarrollo de la obra sólido y consciente. En su muestra nada está puesto al azar.
Su vínculo con el arte la habilita a asignar reenvíos históricos a su trabajo. Para su muestra explora obras icónicas como Rotoreliefs de Marcel Duchamp, discos espiralados que para Herrero se vinculan con los gráficos de torta que explican las dinámicas económicas y con el diseño del algoritmo que explica la concentración de empresas de su paper de referencia.
También echa mano a Los embajadores de Hans Holbein, una obra renacentista cargada de simbolismo producto del conjunto de objetos que conforman el centro de la composición.
Ese llamativo fragmento constituye un vanitas, un género de la historia del arte que resalta la velocidad con la que transcurre la vida y la muerte como destino del que no se puede escapar. En Los embajadores el vanitas está compuesto por elementos de medición de la época.
«Hay algo en la concentración de capital de vanidad, hay algo que esta haciendo referencia a eso en estas obras”, sostiene Herrero y con una última frase sintetiza el espíritu de su muestra: “Quise plantear un vanitas contemporáneo con instrumentos de medición del capital”.
Ficha
Algo(de)ritmos, instrumentos, mutaciones Dónde: puede visitarse en Liberad 1630 Cuándo: lunes a viernes de 11.30 a 19. Hasta el 24 de mayo. Entrada: se debe solicitar una cita a info@herlitzkafaria.com.
Fuente: La Nación ~ Será la primera instalación permanente del tucumano en el sur de Europa; la versión de sus Cloud Cities se presentará el 20 de este mes en la cúpula de la Torre Glòries, diseñada por Jean Nouvel.
Un espacio de encuentro con vista en 360° a 125 metros sobre una de las ciudades más lindas del mundo, para reflexionar sobre la esfera pública urbana, la crisis medioambiental y la arquitectura especulativa, que imagina otros posibles escenarios futuros. Ése es el espíritu de Cloud Cities Barcelona, la primera instalación permanente del artista argentino Tomás Saracenoen el sur de Europa, que se presentará el 20 de este mes en la cúpula de la Torre Glòries.
La obra se ubicará en el mirador de la Torre Glòries, diseñada por Jean Nouvel y antes conocida como Torre AgbarPol Viladoms
Nacido en Tucumán igual que Gabriel Chaile, una de las revelaciones de la actual edición de la Bienal de Venecia, este creador polifacético radicado en Berlín llegará así al mirador de ese rascacielos de 34 pisos diseñado porJean Nouvel–en colaboración con b720 Fermín Vázquez Arquitectos-, antes conocido como Torre Agbar (acrónimo de Aguas de Barcelona). Y lo hará apenas semanas después de hacer cerrado en el centro cultural The Shed, en el corazón de Manhattan, la muestra más importante que haya realizado en Estados Unidos, que incluyó una gigantesca telaraña transitable.
El espacio de encuentro ofrece una vista en 360°, a 125 metros sobre BarcelonaGentileza Studio Tomás Saraceno
Así como hace una década sorprendió con sus Cloud Cities en la terraza del Museo Metropolitano de Nueva York, este arquitecto egresado de la UBA que realizó trabajos interdisciplinarios con instituciones como el MIT, la NASA y la Sociedad Max Planck,y conquistó espacios de exposición como la Bienal de Venecia y el Palais de Tokio, redoblará ahora la apuesta en el corazón del distrito tecnológico de la ciudad española. Porque esta vez, será para quedarse.
Tomás Saraceno, tucumano radicado en Berlín, se formó como arquitecto en la UBAGentileza Robert Rieger
Allí permanecerán suspendidos en forma indefinida 113 volúmenes diseñados con forma de nube, formados por 5000 nodos conectados por 6 kilómetros de cables, que proponen una experiencia interactiva: se podrá ingresar a los cubículos, para mirar “hacia adentro y afuera” e imaginar formas más sustentables de vivir. Como lo hizo tambiénGyula Kosice-de quien se considera un gran admirador- con su modelo de La ciudad hidroespacial (1946-1972), obra con sala propia en el Museo de Bellas Artes de Houston. Si bien se trata de un proyecto privado -impulsado por la empresa de negocios inmobiliarios Merlin Properties-, aún queda por definir si habrá algún día con acceso libre y gratuito, lo que estaría más a tono con la filosofía de Saraceno.
Fuente: Clarín ~ Una muestra en Mara-La Ruche reúne lo que compartían y los intereses plásticos personales de sus miembros. La crítica María José Herrera reconstruye la experiencia de la galería Bonino, en los 50 y 60.
Mucho se ha hablado sobre la importancia de la abstracción en la Argentina, y de la influencia que han tenido sus pioneros en la obra de los artistas contemporáneos que todavía la practican. Poco, en cambio, de los que, como Sarah Grilo, Jorge Fernández Muro, Miguel Ocampo, Kazuya Sakai y Clorindo Testa, exploraron hacia fines de los años cincuenta una “no figuración” más libre –lírica le dicen–, alejada de los rígidos mandatos de las vanguardias geométricas, que diez años antes habían establecido en la escena local movimientos como Arte Concreto Invención.
El grupo de los 5, la muestra que ahora puede verse en galería Jorge Mara-La Ruche, resulta entonces una ocasión perfecta para ver algunas de las piezas más exquisitas de aquellos cinco líricos de la pintura argentina, al mismo tiempo que ponerle imagen a un momento clave dentro de la historia del arte local; aquel que nace con estas obras pioneras –las que se alejaron de la geometría de la generación anterior– para llevar a los artistas venideros –la generación informalista de Greco y Kenneth Kemble– hasta el borde de la pintura, y del objeto.
Sutilezas de la abstracción. “Six Days”, de Sarah Grilo, óleo sobre tela, NY, 1964. 63 x 53 cm.
Pero bastará con echar un vistazo a golpe de ojo por el espacio de Mara para advertir que en el grupo de los cinco cada uno posee una impronta propia, y se mueve entre intereses plásticos bien personales. Es Jorge Romero Brest quien, algo paradójicamente, los define para la posteridad con ese nombre, al organizarles una exposición en 1960 en el Museo Nacional de Bellas Artes. “En verdad no forman estos pintores lo que se estaba acostumbrado a llamar un grupo hasta hace algún tiempo. Tan es así que no cabe posibilidad de bautizarlo, pues cada uno sigue su trayectoria propia, respondiendo a una voluntad acendrada de ser personal”.
Ahora en la galería cada artista tiene su propio espacio, y sus obras construyen atmósferas muy singulares. Los grandes lienzos de Sakai son oscuros, y dejan advertir el paso que este artista dará después hacia el informalismo. En sus telas la pintura es espesa, materia densa en la que las formas parecen estar todavía en estado embrionario. Sobre esa suerte de miasma de óleo, algunos trazos refieren vagamente a los ideogramas de la escritura japonesa. Suaves y contundentes, son más un rastro, una huella, un sablazo que el artista hedió a la tela para que naciera la obra.
El cuadrado blanco soobre fondo blanco de Clorindo Testa, acrílico sobre tela, blanco plegado, 100×100, 1966.
En el otro extremo están los exquisitos gofrados que Jorge Fernández Muro realizó inspirado en las calles de Nueva York. Fascinado con las retículas metálicas que cubrían las alcantarillas, el artista traslada esa textura a sus obras, a través de la técnica surrealista del frotage. Así emergen al papel las pequeñas tramas de circulitos que Fernández Muro después imprime en sus gofrados. Cálidos e imperfectos, esos círculos están lejos de la geometría, y el hecho de que el artista haya elegido el grabado para trabajarlos (transfiriéndolos por presión al papel) permite que sigan transmitiendo algo de aquella vitalidad de las calles, donde Fernández Muro los había advertido por vez primera.
Por las cinco obras sobre papel de Ocampo el verde se sostiene y como sin querer, viaja. Es hermoso descubrirlo en medio de otros tonos más oscuros, apagándose en cada pieza para volver a encenderse en la que sigue. El papel añejo deja ver el paso del tiempo y confiere a las obras una impronta verdadera: en un mundo donde la vejez despierta pánico y se disimula, las pinturas que realizó Ocampo se abren al diálogo con los bordes amarronados de su suporte, pequeños drippings a lo Pollock, que las vuelven, todavía, más bellas.
Y un dripping de Miguel Ocampo. Sin titulo, 1965, técnica mixta sobre papel, 65×50 cm.
Podría decirse que es también un cuadrado blanco sobre fondo blanco (como el que había pintado en Rusia Kásimir Malévich) el que pintó Testa y puede verse en esta sala. Alejado de aquel blanco prístino con que Malevich interrogaba la representación pictórica a comienzos del siglo XX, el cuadrado de Clorindo es arrugado y está algo derruido, como si la historia (del arte) le hubiera pasado por encima: ahí donde Malévich pedía silencio, Clorindo le hace mostrar al lienzo la hilacha. Sin dudas la abstracción de Testa resulta la más conceptual entre todas las del grupo.
Los pequeños lienzos de Grilo tienen una gracia lúdica que no se encuentra en la obra de sus otros compañeros de grupo. Quizás por eso la muestra guarda para ellos un lugar especial. Sus verdes, azules y rojos reverberan con una luz traslúcida, no muy habituales en el manejo del óleo. De todos, es quien conserva (en estas obras, al menos) más filiación con las formas geométricas. Con esa dulzura que le imprime a la libertad el juego, sus figuras parecen estar sacudiéndose suavemente la geometría de encima.
En una suerte de guiño a sus propios colegas de otro tiempo, Mara decidió acompañar esta muestra con un texto donde el investigador Juan Cruz Andrada destaca el papel de la galería Bonino (espacio fundamental de la Buenos Aires de esa época) en el nacimiento y desarrollo de estos artistas: “Los archivos –escribe Andrada– muestran un constante intercambio de cartas en las que se tratan temas tan diversos como la transferencia de dinero por la venta de alguna obra, felicitaciones por algún acontecimiento artístico importante, hasta saludos de navidad. A lo largo del siglo XX las galerías de arte como Bonino fueron espacios vivos cuyo objetivo trascendía la simple venta de obra. Eran espacios de sociabilidad, de debate, de exploración, donde se ayudaba a motorizar y consolidar la carrera de los artistas, como los aquí expuestos, que hoy se consideran maestros indiscutidos”.
Grupo de los 5 -VV.AA.
Lugar: Jorge Mara-La Ruche, Paraná 1133. Horario: lunes a viernes de 15 a 19. Fecha: hasta el 31 de mayo. Entrada: gratuita.
Fuente: Galeria de Arte Palermo H ~ En este siglo XXI llamado el Siglo de la Mujer, La Galería de Arte Palermo H quiere celebrar a la mujer, con una gran muestra colectiva.
Te contamos que del 16 al 28 de Mayo en nuestras cuatro salas se inaugurara la Muestra Colectiva “100 Mujeres resisten al estilo Frida” en la que hemos seleccionado a un grupo de artistas, entre las que podrías estar, y por ello te convocamos a participar con una obra, de 1.20mt X 1.20mt, o dos obras de 70 X 50, o cuatro obras de 30X40 o medidas aproximadas, sobre la temática de La Mujer resisten al estilo Frida.
La inauguración es el 16 de Mayo de 18 a 20 horas.
La idea es celebrar entre todas y todos, los logros de la mujer y vender obras, el gasto de un catalogo tipo doble A4 , y afiches callejeros, vernisagge, hace que la muestra sea mínimamente arancelada. // Rogamos confirmar a: arteh@sion.com
Bases y Condiciones:
• Podrán participar artistas argentinos o extranjeros. Mayores de 18 años y sin límite de edad.
• El horario es de lunes a Viernes de 11 a 18 hs y el Sabado de 10 a 13 hs. en nuestra sede del Microcentro, Tucuman 712 casi esq. Maipu (en el antiguo local de la Librería y Galeria de Arte “Fernandez Blanco” CABA
• Podrán presentar obras bajo la categoría de: Pintura, Dibujo, Fotografía, Arte Digital,
• Tema: Homenajear a la mujer que resiste desde el arte.
• Las obras deben contar sin excepción con sistema adecuado para colgar (pitones y alambre).
• Las obras deberán ser entregadas correctamente embaladas y en condiciones de ser exhibidas. Al dorso de la obra se deberán consignar los datos del autor y de la obra.
• La inauguración para la muestra es el día Lunes 16 de Mayo a las 18 hs, hasta las 20 horas donde se comparte un Vino de Honor atendido por un servicio de moza con uniforme, provisto por la Galería.
• La Galería facilitara una Curadora
• Dentro de este esquema de este trabajo, la Galería proveerá de un servicio de redes sociales, prensa, flyer de difusión y uno impreso y catalogo
• La duración de la exposición es desde el 16 al 29 de Mayo 2022, contando un día de montaje previo. el que será realizado por personal especializado de la Galería, y se entenderá que la muestra se termina a las 13 hs del 27 de Mayo.
Una vez finalizada la exposición se procederá a la devolución de las obras,y se coordinará con la Galería el horario de retiro de las mismas Las autoras tienen un plazo de una quincena retirar la obra. Pasado ese tiempo la Galería de Arte Palermo H, no se hace responsable y podrá donar la misma a una entidad de bien público
En todos los casos, se otorgará un recibo que el artista deberá presentar para la devolución de su obra.
Valores: En esta oportunidad el valor es de $ 4.000.- el metro y medio (1.50 mts.)
Certificados:Se extenderán certificados de participación a la Muestra a quienes lo requieran
La Galería y/o el organizador, no tomará a su cargo, bajo ningún concepto, gasto alguno de transporte, flete o acarreo de las obras de arte, para su recepción o devolución.
El organizador no será responsable: de ningún daño o perjuicio, de cualquier tipo que fuere, que pudieren sufrir los participantes o terceros, en sus personas o bienes, con motivo de o con relación a su participación en este concurso; por el deterioro, hurto, robo, extravío y/o destrucción de las obras mientras se encuentren en la sede del organizador, en el lugar de exposición o durante su traslado desde y hacia ambos lugares.
Cualquier modificación de fechas será válida con sólo ser comunicada vía Internet Galería de Arte Palermo H
Sede Microcentro de Galeria de Arte Palermo H: Tucuman 712 casi esq. Maipu (ex Librería y Galeria de Arte Fernandez Blanco).
Y si luego de esta muestra, decides seguir trabajando con nosotros, te conectariamos con una de las criticas de arte, para que escriba sobre tu obra. O sea que la idea es integrarte al equipo de artistas que trabaja en la Sede Microcentro de Galeria de Arte Palermo H.
Fuente: La Nación ~ Fueron elegidos entre más de 500 artistas que presentaron sus creaciones en diversas disciplinas ante 70.000 personas durante cinco días, hasta ayer, en el Centro Cultural Recoleta y otras sedes.
Más de 500 artistas presentaron sus creaciones ante 70.000 personas durante cinco días en laBienal de Arte Joven, que terminó ayer en el Centro Cultural Recoleta y otras sedes de Buenos Aires. Bajo el lema “El hábito de crear mundos”, hubo muestras de artes visuales, audiovisuales, escénicas, música y literatura, y una selección de ganadores para conformar el “Dream Team” de esta quinta edición.
Los premios consisten en becas de formación: cinco creadores escénicos (Jorge Thefs, Ariel Bar-on, Milena Loguercio, Samanta Leder y Max Suen) participarán de la residencia Archivos inesperados; tres artistas visuales (Ainelén Bertotti Burket, Nicolás Rodriguez Sosa y Tamara Goldenderg, en ese orden) harán las residencias URRA, Curadora y Mundo Dios + Casa Intermitente; cuatro escritores (Rocío Fernández Doval, Tatiana Cibelli, Nicolás Gighonetto y Verónica Volman) asistirán a una residencia en Isla de Río; tres bandas y solistas (Jimena Gonik, Livia y Hollywood Bungalows) recibirán una asesoría en management y comunicación, y tres realizadores audiovisuales (Lucila Podestá, Lucia Sbardella y Thales Pessoa, en ese orden) participarán del Programa de Cine del Di Tella, del Talents Buenos Aires y de la Bienal de Imagen en Movimiento.
Detalle de La energía de las cosas, de Ainelén Bertotti Burket, una de las artistas seleccionadas en Artes VisualesSOL AVENA
También se anunciaron los tres proyectos ganadores de la convocatoria de novela, que serán publicados por las editoriales Conejos, Marciana y Odelia y se presentarán en junio en el Recoleta: Vaca ganada, de Ariel Adler; Patadas en la boca, de M. Conur, y Cerca de la savia, de Marina Do Pico.
Si bien la gran fiesta de la bienal ya terminó, en mayo continuará la temporada de Les Reyes, dirigida y protagonizada por Mechi Beno Mendizabal y Damián Mai y Metrochenta, de José Guerrero; ambas obras de teatro seguirán en cartelera en el Centro Cultural 25 de Mayo y Dumont4040.
Detalle de Escena Perdida, de Nicolás Rodríguez Sosa, uno de los artistas seleccionados en Artes VisualesGentileza Bienal de Arte Joven
También se podrán seguir visitando durante mayo en El Recoleta las muestras Cómo llenar un bache, de Lukas Alienígena; Guerrilleras, de Carolina Favre; El futuro es como la gelatina, transparente, de Santiago Paredes, y Mejores deseos, de Mariel Uncal Scotti.
Continuarán además en exhibición el mes próximo Terra Incógnita, de Renata Schussheim, Emilia de las Carreras, Dana Ferrari, Nazareno Pereyra y Ramiro Quesada Pons, con curaduría de Laura Spivak; Y ahora, ¿qué hacemos?, curada por Tainá Azeredo, con obras de los 25 artistas seleccionados para esta edición; ID.N (Identidad Nacional), de la UADE, y Bien común, de la Universidad Nacional de Lanús.
Fuente: Buenos Aires. Gob ~ El taller de Monumentos y Obras de Arte abrIó sus puertas del barrio de Palermo para que los vecinos y vecinas puedan conocer y disfrutar, a cielo abierto, de los trabajos de restauración que se realizan en la Ciudad. Con entrada libre y gratuita. Fotogalería.
“Queremos que puedan conocer el dedicado trabajo que diariamente realizan nuestros restauradores para poner en valor y mantener el arte urbano que se encuentra en el espacio público; que además es patrimonio de la Ciudad”, expresó Clara Muzzio, ministra de Espacio Público e Higiene Urbana.
El evento tuvo lugar en los talleres de Monumentos y Obras de Arte (MOA) que se encuentran en la calle Adolfo Berro 3880 -entre Av. Sarmiento y Av. Casares-, en Palermo, Comuna 14.
La propuesta contó con iluminación led en el Patio de las Esculturas, un recorrido por los talleres del MOA para ver cómo trabajan los restauradores, intervenciones teatrales intermitentes a cargo de “Sempre Endavant”: relatos de suspenso y dramatizaciones acerca de los monumentos que se encuentran en el Patio, acompañados por un contrabajista que musicalizará la escena.
Además, hubo música ambiental y un patio gastronómico con la presencia de la feria Sabe la Tierra; y un show con bandas musicales como Elton Fonk a las 20.30 y Negro Fonky a las 21.30 horas.
Sobre el MOA
El taller de Monumentos y Obras de Arte (MOA) de la Ciudad, también conocido como “el Hospital de las Estatuas”, es el más importante de la Ciudad. Se encarga de preservar y restaurar esculturas centenarias que se encuentran deterioradas ya sea por el paso del tiempo o por vandalismo. En la Ciudad de Bueno Aires hay más de 2 mil monumentos entre estatuas, bustos, placas, mástiles, fuentes y monolitos.
Para realizar los trabajos se trasladan las piezas deterioradas hasta los talleres del MOA. Las más pequeñas como los bustos, frisos o jarrones son tratadas dentro de los talleres; pero otras, de mayores dimensiones, son restauradas al aire libre. Algunos monumentos -debido a su gran tamaño- no pueden ser trasladados, y son tratados en el lugar donde están emplazados.
Una vez concluidos los trabajos las obras de arte que fueron llevadas hasta los talleres vuelven a ser emplazadas en sus sitios originales.
Cuando se trata de obras de gran valor cultural, éstas son reemplazadas por réplicas mientras que las originales son conservadas en el Patio de Esculturas del MOA, generando así una suerte de “museo a cielo abierto”.
Fuente: Télam ~ La edición de este año del evento internacional fue presentada este lunes en el Centro Cultural Kirchner con la presencia de del ministro de Cultura, Tristán Bauer.
La Bienal de Escultura del Chaco, el evento internacional impulsado por Fabriciano Gómez que sitúa a Resistencia como centro artístico en el mundo, tendrá una nueva edición del 16 al 23 de julio en la capital chaqueña, donde además de rendir homenaje al legado de su creador, fallecido en septiembre, presentará un concurso donde participarán 10 prestigiosos escultores de distintos países entre los que están el argentino Juan Pablo Marturano y el mexicano David Bucio.
Suspendida como muchos eventos artísticos por la pandemia en 2020, pero por primera vez en su historia -desde el Primer Concurso de Escultura en Madera realizado en la Plaza Central en 1988 y diez años después la primera bienal internacional de escultura-, con el fallecimiento de Gómez (1944-2021) al año siguiente, esta edición es considerada como «la bienal de Fabriciano sin Fabriciano» y «su legado».
Organizada por la Fundación Urunday (1989) y el Gobierno de la provincia del Chaco, la XII Bienal Internacional de Escultura 2022 fue presentada este lunes en el Centro Cultural Kirchner con la presencia de del ministro de Cultura, Tristán Bauer; el presidente del Instituto de Cultura del Chaco, Francisco Romero; el presidente de la Fundación Urunday, José Sebasián Eidman; y el intendente de Resistencia Gustavo Martínez, otras autoridades e invitados.
¿Qué significa este regreso? «Por un lado esta Bienal recupera el tiempo perdido -en el 2020 no se pudo hacer- y por otro lado, es la oportunidad de honrar el legado de Fabriciano. Nos moviliza no sólo el propósito de este proyecto, sino en este caso en particular el deseo y la necesidad de poder llevar adelante este proyecto que en el inicio parecía una utopía y finalmente se ha transformado en el certamen escultórico a cielo abierto más importante del mundo en su modalidad. Tiene una carga emocional altísima», expresó a Télam, Eidman, el nuevo presidente de la Fundación Urunday tras la muerte de Fabriciano, el artista y gestor cultural que fue muy recordado durante la presentación.
Foto: Leo Vaca.
La Bienal, a la que definió como «un acto de amor al arte» y una «experiencia transformadora», tiene para el presidente de la Fundación Urunday como gran virtud, el hecho de que las «obras generadas en el concurso pasan a ser parte de la ciudad alimentando el patrimonio de nuestro gran museo al aire libre».
«Puertas afuera es uno de los acontecimientos más importantes de la escena escultórica mundial, y puertas adentro es el resultado del trabajo perseverante» con el Estado, instituciones, empresariado y los ciudadanos, «una construcción colectiva y de conquista de la sociedad que convirtió un concurso de escultura en una fiesta del pueblo (desde 1988) y en una marca de identidad chaqueña», manifestó Eidman.
Si bien el legado es uno de los componentes indispensables de este año, no hay un lema que ordene, como en ediciones anteriores, las obras en la competencia, una decisión que ya había sido tomada en 2020 en sintonía con esta transición de convertirse en la Bienal de Escultura del Chaco -dejando de ser la Bienal Internacional de Escultura-, y más cercana a los conceptos de otras bienales como la de Venecia y San Pablo.
La competencia artística que es también reflejo de «fiesta popular», según los organizadores, tendrá 10 escultores seleccionados de entre 240 de 70 países que presentaron sus proyectos. Entre ellos participan Genti Tavanxhiu (Albania), Verena Mayer-Tasch (Alemania), Juan Pablo Marturano (Argentina), David Bucio (México), Sodong Choe (Corea del Sur) que confirmó su presencia, Arijel Strukelj (Eslovenia), Jhon Gogaberishvili (Georgia), Petre Virgiliu Mogosanu (Rumania), Ebru Akinci (Turquía) y el ucraniano Ihor Tkachivskyi, que se encuentra «en Ucrania, en una de las ciudades que está parcialmente afectada», señaló Eidman.
El jurado está integrado por grandes exponentes de esta disciplina artística como León Saavedra Geuer (Bolivia), Francisco Gazitua (Chile) y Todor Todorov (Bulgaria), de nacionalidades distintas a los concursantes. Serán los encargados de seleccionar la obra ganadora, y tal vez vuelva a producirse como en las últimas ediciones una coincidencia con el otro premio, el que otorga el público.
Ya seleccionados los artistas a fines de 2019 por miembros de la comisión directiva, entre los que estaba Gómez y Mimo Eidman, «dos artistas plásticos consagrados con reconocimientos internacionales, sobre todo Fabriciano, que representó a Argentina en la Bienal de Venecia en 1980, y luego volvió a Resistencia con la idea de hacer un concurso de escultura a cielo abierto. «De este primer filtro de postulaciones, la selección se hace por tres criterios: el artístico en base al proyecto, la trayectoria internacional acreditable y que un artista por país», explicó el presidente de la Fundación Urunday. También un comité de asesores integrado por instituciones a nivel nacional velan por el valor artístico de la obra y que «sea apta desde el punto de vista urbanístico, de material no perecedero, porque el destino final es el espacio público de la ciudad».
Durante una semana intensa, los artistas convocados trabajarán a cielo abierto y frente a los ojos del público con mármol travertino con dimensiones de 1,50 x 0,60 x 0,60 como material principal, extraído de las canteras de San Juan.
Con actividades de acceso libre y gratuitas, la Bienal amplía su propuesta con oferta de artes escénicas, cursos, talleres y conferencias magistrales, muestras, feria de artesanía y diseño y la infaltable gastronomía regional.
También estarán los siete escultores invitados por los organizadores, que tienen libertad de elección en técnicas y materiales, entre los que están Norma Siguelboim, Juan Sorrentino, Fabiana Larrea, Alejandro Arce, Monica Souza, Gerardo Suter, Máximo Vargas Gómez y Angelina Caríssimo.
Y paralelamente tendrá lugar la octava edición del Premio Desafío «Hierros Líder», que convoca a equipos de estudiantes avanzados de carreras de arte de todo el país -cierra el 30 de mayo-, con la consigna de realizar una escultura en madera en el transcurso de 48 horas continuadas y que otorga un primer premio adquisición de cuarenta mil pesos y un Premio Trofeo; así como congresos académicos, entre otras propuestas, que se aglutinan en la semana coincidente con el receso invernal.
Como una de las tres mejores bienales del mundo en su característica de competencia a cielo abierto, la de Chaco es única ya que las esculturas realizadas tienen por destino el espacio público de la ciudad, que ya supera las 650 piezas -de las cuales por lo menos 500 son producto de las bienales y concursos- emplazadas a lo largo de 34 años en sus veredas, bulevares y parques.
Foto: Leo Vaca.
«No se puede soslayar que la muerte del alma mater de este concurso, Fabriciano, el de brillante genio, causó un temblor de angustias, el 8 de septiembre de 2021. Él trajo la ocurrencia de replicar lo que veía por el mundo cuando iba a competir a los concursos internacionales», indican los organizadores.
Durante la presentación, el ministro Bauer, destacó la realización de la iniciativa destacándola como parte de «acontecimientos que surgen en nuestras provincias y que se transforman en verdaderos ejemplos de la cultura nacional», y como «un ejemplo de articulación entre lo público y lo privado, tan importante en los tiempos que estamos viviendo».
Con el propósito central por parte de la Fundación de «hacer del arte un bien de todos», esta «experiencia» como la definió Romero, se inscribe en la propia historia cultural provincial. Toma «el legado de Fabriciano» y lo continúa, dice el presidente del Instituto de Cultura del Chaco, y advierte que «ese legado es la transformación social cultural de una provincia».
La Bienal llevan a la asociación público-privada y trazan una «metamorfosis», cuyos engranajes son observables para Romero desde el mármol a la obra, transformando el arte en «un vector de transformación social y económica», como lo subraya por su parte Gaspar Gracia Daponte, también integrante de la Fundación.
Además del reconocimiento internacional por instituciones y escultores, la Bienal se destaca como parte de la industria cultural, habiendo recibido en su última edición -realizada en 2018-unas 600 mil visitas en el predio de más de 10 hectáreas en que se desarrolla.
Fuente: Diario Democracia ~ «Pinceladas de Recuerdos», exposición de entre 70 cuadros y escritos, que el artista Roberto Bracchi realizó a lo largo de sus 30 años de trabajo podrá apreciarse en el Museo Municipal de Bellas Artes de Lincoln.
Continúa la muestra «Pinceladas de recuerdos», de Roberto Bracchi, en el Museo Municipal Bellas Artes de Lincoln (Mubal) que fuera inaugurada el sábado último. Es una exposición de 70 obras, cuadros y escritos de género sobre escenas costumbristas, que el artista Roberto Bracchi realizó a lo largo de sus treinta años de trabajo.
Roberto “Carozo” Bracchi, como se lo conoce en Lincoln, nació el 9 de Julio de 1940. Se recibió de Escribano Público, pero su pasión siempre fue el Arte. Artista plástico autodidacta. Productor agropecuario y agudo observador de costumbres y personajes criollos. Sus obras reflejan el humor y la frescura de la gente del campo y los pequeños pueblos de la llanura bonaerense, configurando un relato pictórico asimilado a través de sus vivencias en el medio rural, ya que Roberto Bracchi no sólo eligió el campo para vivir, para trabajar y para criar a sus hijos, sino también para pintar. Su pintura nace de su misma vida transcurrida en la localidad bonaerense de Roberts, nace desde sus recuerdos y experiencias de chiquilín. Durante muchos años se dedicó a la pintura en forma autodidáctica. Realizó numerosas exposiciones colectivas e individuales en Lincoln y la región, como así también en Capital Federal, Córdoba, La Pampa, Cuba y obras en colecciones privadas de Estados Unidos, España, Italia y Sudáfrica.
Visita La visita a la sala del Mubal puede hacerse de Lunes a Viernes de 9 a 19. Los sábados, de 10 a 13 y 16 a 19. Domingos y feriados de 16 a 19.
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