Autor: infoarte

El color negro articula una notable exposición

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Fuente: Ámbito ~ Laura San Martín, directora de ODA Oficina de Arte, señala en el texto que acompaña “Oda al negro” que la muestra busca suprimir el detalle, realzar la armonía, descubrir la sensibilidad pura en la forma pese a que el color negro la libera de todo dramatismo.

La semana pasada, en esta página, se habló de una muestra en la que el blanco y el negro son protagonistas. En una rara coincidencia, la elección de este cromatismo se deba quizás al intenso ruido exterior al que estamos sometidos, la sobrecarga de información en tiempos tan conflictivos, por lo que la elección responde a un repliegue interior, una búsqueda de lo esencial, sin alardes ni piruetas de colores. La arquitectura de la luminosa galería se presta para entablar un diálogo con las obras de los artistas convocados, rodeados por el silencio.

Osvaldo Decastelli es un artista conocido por haberle dado status artístico al cartón corrugado. Lo ha dotado de dignidad desde sus primeras esculturas y objetos hasta llegar al hueso, de origen orgánico, de este material. Con placas radiográficas que revelan su interior, logra un sutil juego geométrico. María Torcello es una escultora autodidacta que cultivó lazos con escultores como Jorge Michel y Jorge Gamarra. Tallado y pulido, la forma y el espacio vacío están en la esencia de su búsqueda de la pureza de la forma. Utiliza el Shou Sugi Ban, técnica japonesa del quemado de la madera, dotando a sus obras de un color negro intenso.

Rocío Copolla (1965-2020). Una semilla, un fruto, crines de caballo, telas de araña, materiales maleables con las que construye en el aire una escultura blanda, transparente. Su método era entretejer ideas y así van surgiendo estos “dibujos” en el espacio, impredecibles, formas orgánicas que se expanden y van creciendo casi de manera salvaje, etéreas. Adriana Kogoi deja huellas sobre un entramado en el que se descubre el intenso trabajo de raspar, pintar, volver a raspar. Son gestos que intentan ocultar recuerdos, vivencias o, por el contrario, dejar constancia de todo lo vivido a la manera de un palimpsesto donde puede seguir escribiendo su historia.

Es probable que una frase del trompetista Miles Davis, “Para mí, en la música y en la vida, todo es estilo”, esté en la base del extraordinario retrato suyo que presenta Felix San Martín. También captó el aire reconcentrado, la mirada penetrante y aguda del irlandés Samuel Beckett, que era capaz de pasar una hora frente a una sola pintura, observarla hasta en sus más mínimos detalles. Otro retrato para destacar es el de Patti Smith, a la que instaló en ese mundo dual de oscuridad y luz en el que vivimos los seres humanos.

El gran fotógrafo argentino Diego Ortiz Mugica, reconocido internacionalmente por retratar la belleza de áreas protegidas, paisajes neblinosos, ríos, glaciares, situaciones con personajes, en místicos blancos, negros y grises, presenta su serie “Básicos”, en la que hace alarde de un extraordinario contraste de luz y sombras en objetos que parecen encerrados en envases de vidrio. Rosana Schoijett, artista de vasta trayectoria cuyas fotografías dan lugar a múltiples interpretaciones, presenta perfiles, siluetas, como si fueran retratos en negativo que remiten a esas imágenes enigmáticas, que se conservaban celosamente en camafeos.

Dos policías encuentran por casualidad una escultura romana robada en Italia

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Fuente: Clarín ~ Italia ha recuperado una escultura romana del siglo I a.C robada hace una década gracias a la labor de dos agentes de los Carabineros (policía militarizada) que la encontraron por casualidad en un anticuario de Bruselas.

El cuerpo de Carabineros para la Protección del Patrimonio Cultural informó hoy en un comunicado del hallazgo de esta estatua de mármol de dos milenios de antigüedad que representa un «Togatus», la figura de un hombre ataviado con una toga, pero sin busto.

La pieza, valorada en unos 100.000 euros (unos 120.000 dólares), había sido robada en noviembre de 2011 del lugar en el que se encontraba, la villa Marini Dettina de Roma, y desde entonces se había perdido su rastro.

Sin embargo, ha sido posible localizarla y recuperarla gracias a la labor de dos agentes de los Carabineros.

Estos se encontraban en Bélgica para otra investigación internacional cuando una tarde, una vez concluido su servicio, vieron una figura de mármol «probablemente proveniente de Italia» mientras paseaban por el barrio Sablon de Bruselas, lleno de anticuarios.

Movidos por la sospecha, empezaron una investigación al regresar a Italia comparando las imágenes que tomaron en Bruselas con los archivos de su banco de datos de tesoros sustraídos ilícitamente, lo que permitió identificar esta estatua como la robada.

Fue entonces cuando la Fiscalía de Roma ordenó su incautación, en colaboración con autoridades europeas y belgas, y se lograba su devolución a Italia el pasado febrero.

La investigación ha sacado a la luz un tráfico ilícito de bienes culturales por parte de un comerciante italiano que usaba un pseudónimo español y que ya ha sido remitido a la Fiscalía de Roma por receptación de bienes robados y exportación ilícita.

El asombroso caso de “Salvator Mundi”: nuevas revelaciones sobre el cuadro más caro del mundo

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Fuente: La Nación ~ Desde 2018, el Estado francés sabe que Salvator Mundi, el cuadro más caro de la historia, comprado por el príncipe heredero de Arabia Saudita, no fue pintado por Leonardo da Vinci. Tras dos años de investigación, un documental que será difundido mañana en la televisión francesa revela los detalles de una increíble aventura.

Mohamed Ben Salmane, príncipe heredero de Arabia Saudita, es conocido por no tener límites para muchas cosas. Pero, sobre todo, por no mirar cuánto gasta. En 2015 compró en Francia la propiedad más cara del mundo, el castillo high tech de Louveciennes, en las afueras de París, por 275 millones de euros. También compró un gigantesco yate, el “Serene”, que no es el más caro del mundo, pero cuesta 458 millones de dólares.

Uno de sus allegados califica esa obsesión de “compras de prestigio”. Por eso, en 2017, pocos meses después de haber llegado al poder, MBS -como lo llaman todos- adquirió anónimamente el Salvator Mundi, una pintura de Jesús presentada en Nueva York por Christie’s como una obra de Leonardo da Vinci.

La venta quedó en la memoria porque el príncipe, oculto detrás de una serie de intermediarios, aumentaba la apuesta de a 20 millones, hasta llegar a la escandalosa suma de 450 millones de dólares y convirtiendo así a ese cuadro en la obra más cara de la historia vendida en una subasta.

Poco se sabe del Salvator Mundi. Se cree que figuró en la colección de arte del rey Carlos I de Inglaterra, antes de ser subastado en Londres a fines del siglo XVIII. La pintura resurgió a comienzos del siglo XX en la colección de un lord amateur de arte, sir Francis Cook. En 1958, un estadounidense visitó Londres y lo compró por 45 dólares.

Siempre fue presentado como la copia tardía de una pintura de Boltraffio, discípulo de Da Vinci. Treinta años más tarde lo heredó un cierto Basil Hendry Sr., industrial de Baton Rouge, Luisiana, donde quedó colgado en una escalera hasta su muerte, incluso cuando una empleada de Christie’s, enviada a evaluar los objetos de arte, le pasó al lado comentando con indiferencia “It’s not for me” (no es para mí).

Tras el remate crecieron las dudas de los especialistas por la autenticidad de la obra atribuida a Leonardo
Tras el remate crecieron las dudas de los especialistas por la autenticidad de la obra atribuida a Leonardo

Salvator Mundi será mañana el tema de un documental del realizador Antoine Vitkine, El asombroso caso del último Da Vinci. Fruto de una investigación de dos años, revela los detalles de una historia increíble.

En 2005, un modesto marchand d’art, Robert Simon, descubrió el cuadro en Luisiana y lo compró por 1.175 dólares. Amante del arte italiano, reconoció de inmediato la composición y el tema de la obra. El Salvator Mundi, que con su mano derecha bendice y en su mano izquierda sosteniendo un globo, era una representación muy común en el Renacimiento. Tiziano, El Greco, Dürer lo pintaron, al igual que varios asistentes de Da Vinci. El atelier del inimitable maestro italiano produjo numerosos estudios preparatorios, tantos, que muchos especialistas han especulado sobre la existencia de un modelo, realizado por el propio Da Vinci.

Sin atreverse a pensar en Da Vinci, Simon estaba seguro de su antigüedad. Por eso lo confió a su amiga Dianne Modestini, conocida restauradora norteamericana que retiró el barniz y los agregados para acceder a la imagen original o, al menos, a lo que quedaba. Tras dos años de trabajo, Modestini tuvo la certeza de que se trataba de un auténtico Da Vinci y convenció a Simon de que era el propietario de una obra invalorable. Desde entonces, a pesar de las constantes dudas sobre su autenticidad, esa imagen, dos veces sagrada -por su tema y por su autor- haría perder la razón a quienes la miraban, llevando a un príncipe saudita, víctima de vaya uno a saber qué fiebre, a comprarla diez años después convencido de estar comprando la historia.

¿Gesto diplomático agresivo de un soberano apenas llegado al poder que quiere impresionar al mundo con su magnificencia? En todo caso, pocos días después, el deseado anonimato estalló en pedazos cuando dos periódicos norteamericanos revelaron la identidad del comprador. Presionado por su entorno por numerosas razones de política interna, negando siempre ser el propietario, MBS lo confió rápidamente al Louvre de Abu Dhabi, que programó una exposición para 2018. Pero a las críticas se sumaron las crecientes dudas de especialistas de arte sobre su autenticidad. Para muchos, el príncipe había pagado 450 millones de dólares por algo que no valía gran cosa.

“Para ellos, no era el monarca dominador capaz de comprarse los tesoros del Viejo Continente. Era un inculto, un vulgar, que se había hecho engañar como un simple nuevo rico”, explica Vitkine.

Pero el cuadro tenía un certificado importante: en 2010, la National Gallery de Londres había decidido exponer la obra presentándola como The lost Leonardo (el Leonardo perdido) y describiéndola como autógrafa, reconocida así por la comunidad de expertos. La verdad estaba lejos de ser esa: de los cinco expertos internacionales que la habían estudiado en la capital británica, solo uno, Martin Kemp, profesor emérito de Oxford y célebre “leonardista” había dado su aprobación.

En 2013, el Salvator Mundi fue comprado por 127,5 millones de dólares por el oligarca ruso Dimitri Rybolovlev, instalado en Mónaco. En 2017, furioso al descubrir por la prensa que el cuadro no valía más de unos 80 millones, decidió ponerlo en venta. Christie’s se hizo cargo en Nueva York y para ello lo presentó como “enteramente pintado por Leonardo” con el nombre The last Leonardo (El último Leonardo).

Un año más tarde, MBS fue recibido en París por el presidente Emmanuel Macron para firmar acuerdos comerciales por un valor de entre 15.000 y 18.000 millones de euros. Según fuentes francesas, el Salvator Mundi figuraba en las discusiones. Los sauditas pidieron a Francia hacer un peritaje en el más absoluto secreto. Fue así como el cuadro llegó en junio al C2RMF, el mejor laboratorio del mundo destinado al análisis de obras de arte, situado en el subsuelo del Museo del Louvre.

“La pintura permaneció tres meses en el Louvre, pasando por todas las máquinas, radiografías y análisis imaginables”, afirma uno de los expertos de la institución a Vitkine. En septiembre cayó el veredicto: “Leonardo solo contribuyó en la realización de la obra. No hay duda posible. Solo los sauditas fueron informados”, asegura Chris Dercon, presidente de la Reunión de Museos Nacionales de Francia.

Pocos días después, Salvator Mundi desaparecía de la circulación. Para MBS, la única forma de evitar la humillación mundial sería exponerlo en la gigantesca muestra por los 500 años de Leonardo que el Louvre preparaba para 2019. Pero las exigencias del príncipe tomarían a todos por sorpresa: “Su pedido era claro: exponer el cuadro junto a La Gioconda y presentarlo como un Da Vinci 100% . Una solicitud desmesurada, acompañada de todo tipo de promesas, que hubiera significado blanquear 450 millones de dólares”, relata una fuente en el documental.

Poco antes de la inauguración de la exposición, mientras el mundo entero se preguntaba si el Salvator Mundi vendría a París o no, el expediente aterrizó en el despacho de Emmanuel Macron quien decidió no aceptar las exigencias sauditas y dejar que el Louvre y el ministerio de Cultura fijaran sus condiciones.

MBS terminó negándose a prestar la obra, que nunca más apareció. Hay quienes dicen que se encuentra a bordo del “Serene”, otros que duerme en la caja fuerte de un banco o de un puerto franco. Como sea, la pintura no vale hoy más de una veintena de millones de dólares y pocos son los que se atreven a afirmar la autoría de Leonardo.

Hasta el mismo Martin Kemp reconoce que tal vez fue “demasiado afirmativo”. “Aunque, si me equivoqué, no provoqué la muerte de nadie. Alguien perdió mucho dinero, es verdad. Pero, en fin…”, sonríe en el filme, demasiado enamorado de Leonardo como para tener pena de ese príncipe árabe incapaz de comprender las sutilezas del mercado del arte.

Celebrarán en el mundo el día del arte

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Fuente: AIM ~ El Día Mundial del Arte es una celebración internacional de las artes, la cual fue declarada por la Asociación Internacional del Arte (IAA, por sus siglas en inglés) con el fin de promover conciencia de la actividad creativa en todo el mundo, registró AIM. La fecha se eligió en honor al día del nacimiento de Leonardo da Vinci.

Una propuesta fue presentada en la décimo séptima Asamblea General de la Asociación Internacional de Arte en Guadalajara para declarar el 15 de Abril como el Día Mundial del Arte, con su primera celebración la cual tuvo lugar en el 2012.

Esta propuesta fue patrocinada por Bedri Baykam de Turquía y co-firmado por Rosa Maria Burillo Velasco de México, Anne Pourny deFrancia, Liu Dawei de China, Christos Symeonides de Chipre, Anders Liden de Suecia, Kan Irie de Japón, Pavel Kral de Eslovaquia, Dev Chooramun de Mauricio, y Hilde Rognskog de Noruega. Dicha propuesta fue aceptada por unanimidad por la Asamblea General.

La fecha se eligió en honor al día del nacimiento de Leonardo da Vinci. Da Vinci fue seleccionado como un símbolo mundial de paz, libertad de expresión, tolerancia, fraternidad y multiculturalismo, así como el arte también es importante en otros campos.

Celebraciones pasadas
El primer Día Mundial del Arte el 15 de abril de 2012, se vio apoyado por todos los comités nacionales de la IAA y 150 artistas, incluyendo entre ellos a los de Francia, Suecia, Eslovaquia, Sudáfrica, Chipre y Venezuela, pero la intención del evento es universal. Los eventos variaron en cuanto a los horarios especiales de los museos, conferencias y más. Por ejemplo, Venezuela celebra exposiciones de arte al aire libre con pinturas, esculturas, grabados, video y más, así como también con una demostración de cocina Florentina en honor a Da Vinci.

Más eventos fueron celebrados en el 2013 en todo el mundo incluyendo el Mbombela museo municipal de arte en Sudáfrica. Sin embargo, hubo polémica en las celebraciones de Suecia cuando el ministro sueco de Cultura Lena Adelsohn Liljeroth, cortó en los genitales de un pastel que representaba a una mujer negra africana. El acto estaba destinado como una declaración en contra de la mutilación genital pero muchos asistentes percibieron la representación como racista.

El Día Mundial del Arte también ha contado con el apoyo en línea, especialmente por el Proyecto de Arte de Google.

Más sobre la elección de la fecha
La fecha se eligió en honor al día del nacimiento de Leonardo da Vinci. Da Vinci fue seleccionado como un símbolo mundial de paz, libertad de expresión, tolerancia, fraternidad y multiculturalismo, así como el arte también es importante en otros campos.

No había un acuerdo del planeta para definir esta fecha como una celebración universal, pero en el año 2012 más de 150 artistas de diferentes países promovieron reconocerla por ser el nacimiento de Leonardo Da Vinci.

Cada 15 de abril celebramos el día mundial del arte, su celebración si se quiere es reciente, y apenas se comenzó a realizar en el año 2012.

Aunque la Organización de las Naciones Unidas no ha estipulado la fecha como una celebración universal, una propuesta presentada en la décimo séptima Asamblea General de la Asociación Internacional de Artistas Plásticos, celebrada en Guadalajara México, fue apoyada por más de 150 artistas del planeta.

Esta asociación trabaja con la Unesco. Artistas plásticos criollos representan al país en conjunto con otros de 13 países de la región, quienes formaron parte fundamental de la primera celebración, y desde entonces contribuyen con la misma.

Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci fue un pintor florentino. Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta yurbanista) nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.

Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio.
Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza.
Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.
La Gioconda (La Joconde en francés), también conocida como La Mona Lisa, es una obra pictórica del italiano Leonardo da Vinci.
Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.
Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable), puesto que la mayoría no eran realizables durante esa época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.
Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados.
No obstante, únicamente se conocen unas veinte de sus obras, debido principalmente a sus constantes (y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica.
Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas, llegando a ser igualado únicamente por Miguel Ángel.
El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones.

Qué es el arte
La historia indica que, con la aparición del Homo Sapiens, el arte tuvo una función ritual y mágico-religiosa, que fue cambiando con el correr del tiempo. De todas formas, la definición de arte varía de acuerdo a la época y a la cultura.
Con el Renacimiento italiano, a fines del siglo XV, comienza a distinguirse entre la artesanía y las bellas artes. El artesano es aquel que se dedica a producir obras múltiples, mientras que el artista es creador de obras únicas.
Precisamente es en el Renacimiento Italiano donde encontramos una de las etapas más importantes de la Historia del Arte tanto por los magníficos artistas que en ella trabajaron como por las sorprendentes obras que los mismos acometieron y que hoy son alabadas en todo el mundo.
Así, por ejemplo, tendríamos que destacar a figuras de la talla de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Donatello, Tiziano o Rafael. Y en cuanto a trabajos destacaríamos, por ejemplo, “La Gioconda”, “La Capilla Sixtina”, “Gattamelata”, “Venus de Urbino” y “Los desposorios de la Virgen” respectivamente.
La clasificación utilizada en la Grecia antigua incluía seis disciplinas dentro del arte: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura y la poesía (literatura). Más adelante, comenzó a incluirse al cine como el séptimo arte. También hay quienes nombran a la fotografía como el octavo arte (aunque suele alegarse que se trata de una extensión de la pintura) y a la historieta como el noveno (sus detractores indican que es, en realidad, un puente entre la pintura y el cine). La televisión, la moda, la publicidad y los videojuegos son otras disciplinas que, en ocasiones, son consideradas como artísticas.
En este sentido, hay que destacar que la Unesco se dedica a catalogar a aquellas obras y monumentos artísticos que tienen un valor incalculable y una belleza inigualable. En este caso podríamos hablar, por ejemplo, de la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada, la Catedral de Sevilla o el Yacimiento Arqueológico de Atapuerca.
Sin embargo, en todo el mundo existen monumentos que reciben esta misma catalogación. Entre los mismos se encuentran el Templo Tiwanaku en Bolivia, las Iglesias de Chiloé en Chile, el centro histórico de Lima o el Castillo de San Pedro de la Roca en Santiago de Cuba.
Y todo ello sin olvidarnos tampoco de los Palacios Reales de Abomey en Benín, el Chichén Itza en México, la Estatua de la Libertad de Estados Unidos, las necrópolis de Egipto, la Iglesia de la Natividad en Palestina o el Castillo de Durham en Reino Unido.
Con el paso del tiempo, las creaciones artísticas suelen sufrir importantes deterioros. Por eso, el conjunto de procesos dedicados a la preservación de estos bienes culturales para el futuro es conocido como conservación y restauración de obras de arte.
Además de todo lo expuesto tenemos que subrayar que el término arte también se utiliza para hacer referencia a la maña o a la astucia que tiene una persona para realizar una tarea concreta.

Importancia del arte
El arte es una de las formas más evolucionadas de la expresión humana. A través de ella el hombre puede expresar su visión personal sobre aquello que le aqueja, le interesa o simplemente le parece bello, por medio de recursos plásticos, sonoros o lingüísticos.
Entre las muchas ventajas que ha detectado la ciencia sobre la práctica del arte desde edad temprana, las más importantes son:
Desarrolla una sensibilidad que le permite a la persona desarrollar un código de ética muy sólido.
Ayuda al aumento de la concentración.
Permite el desarrollo de estructuras de pensamiento mucho más complejas.
Fomenta el desarrollo de la creatividad tanto individual como grupal.
Promueve la tolerancia.
Aumenta la confianza y el auto concepto del individuo.

Clásicos deshabitados

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Fuente: Página12 ~ “Los cuadros son una impresión en el tiempo, un instante fugaz donde el artista presenta al espectador una composición estática cuidadosamente coreografiada. Les propongo considerar el momento en que los personajes de las obras se han marchado, a reflexionar sobre los paisajes y las estructuras que forman el telón de fondo de esa composición. En ausencia de representaciones de personas vivas, aquellas que habían habitado esas escenas, relacionémonos con la imagen únicamente a partir de nuestro pensamiento, habitémosla desde un lugar distinto”. Tal es la invitación que acerca Octobrium, artista que estudió en el Edinburgh College of Art y actualmente vive y trabaja en Londres, con Paintings from an alternative position in time, su más reciente serie. Son, como su nombre bien indica, pinturas de grandes maestros reconstruidas digitalmente desde una posición alternativa, posterior al momento en que fueron originalmente concebidas. Un después solitario, como puede verse a partir de sitios prácticamente despoblados, vaciados de terrícolas, salvo alguna rara excepción… Cuenta el mentado Octobrium que con este proyecto pretende “explorar la idea del tiempo”, atendiendo –eso sí– a que sus versiones de clásicos pictóricos “emulen la impronta y el estado anímico a los que inducía la pintura original”. Al respecto, fue revisando –vía web– las arcas de la National Gallery londinense que el muchacho se decantó por un manojo de beatos trabajos para reinterpretar; entre ellos, La adoración de los reyes magos, pintura al óleo de Jan Gossaert, fechada entre 1510 y 1515; San Jerónimo en su estudio (1474-1475), de Antonello da Messina; Vida de San Cenobio, de Sandro Botticelli, de aproximadamente el año 1500. A los que seguirán otros el día después de mañana, entregado el ignoto Octobrium a seguir “creando algún tipo de conexión con pinturas de otras épocas”.

La creación grupal, el nuevo paradigma en el mundo del arte

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Fuente: La Nación ~ Este es el lugar donde se reúne el consejo. No hay cabecera: todos iguales, incluso el rey. Ese es el corazón de Camelot”, explica Arturo, el monarca de la leyenda interpretado por Sean Connery, al joven Lancelot que encarna Richard Gere en El primer caballero. Mientras escucha a su mentor, este último se detiene en la frase tallada sobre la célebre mesa redonda: “Sirviéndonos los unos a los otros, nos liberamos”.

Disponible en Netflix, a un cuarto de siglo de su estreno y a días de la muerte del actor inglés, la película dejaba así un mensaje póstumo del hombre que le dio a James Bond su rostro más conocido. Una síntesis de lo que se estaba gestando a puertas cerradas, en plena pandemia, mientras las reuniones cotidianas por Zoom hacían del damero de rostros un ícono del nuevo paradigma: el que reemplaza la competencia por la colaboración, puesto en práctica desde hace décadas en el mundo del arte.

“Los artistas anticipamos cosas que todavía no son cuantificables”, advertía hace cinco años a LA NACION Tomás Saraceno, tucumano radicado en Berlín, mientras impulsaba con un equipo interdisciplinario su proyecto de convertir a la Argentina en un país pionero en vuelos libres de combustibles fósiles.

La búsqueda de soluciones a problemas ambientales inspira a muchos “artivistas” que aportan su talento para lograr una transformación política y social. Como el danés Olafur Eliasson, también radicado en la capital alemana. En esa ciudad pionera en generar conciencia sobre formas de vida más sustentables, trabaja en crear “espacios sensibles a lo individual y a lo colectivo” con artesanos, técnicos, arquitectos, historiadores de arte, cineastas, ingenieros.

Eliasson en su estudio, bajo la lluvia de una nube virtual
Eliasson en su estudio, bajo la lluvia de una nube virtualGentileza Olafur Eliasson

Comprometidos y cosmopolitas, Saraceno y Eliasson se cuentan entre los convocados para participar de Back to Earth (“Volver a la Tierra”), ciclo destinado a celebrar los cincuenta años de las británicas Serpentine Galleries con la mirada puesta en el futuro: a través de campañas ecológicas promovidas por decenas de expertos en distintas disciplinas. “¿Qué tipo de investigaciones y recursos compartidos, y prácticas de trabajo colaborativas se necesitan para dar respuestas complejas a problemas complejos?”, se pregunta una de las instituciones artísticas más prestigiosas del mundo, que impulsa desde 2014 iniciativas relacionadas con la preservación del medioambiente.

“¿Para qué sirve el arte? ¿Frente al dolor, hay algo que el arte pueda hacer?” Esas preguntas procura responder con acciones concretas Vergel, una ONG que pone la creatividad al servicio de la salud y la educación. Todo comenzó en 2006, cuando la artista Catalina León se presentó como voluntaria en el Hospice San Camilo para acompañar adultos en el final de su vida. Luego se incorporó al equipo de cuidados paliativos del Hospital Gutiérrez, sumó a varios colegas y así nació el programa Pintando en el Hospital, para niños y adolescentes internados.

En el otro extremo del ciclo vital se concentra Ana Gallardo: la instancia próxima a la muerte es uno de los ejes centrales de su trabajo, casi siempre colectivo. Desde hace más de una década está abocada al proyecto Un lugar para vivir cuando seamos viejos, que consiste en aprender hobbies y oficios; sueña además con la creación de una “escuela de envejecer”, en la cual puedan compartir esas actividades.

El interés por los vínculos que se tejen al aprender conocimientos que atraviesan generaciones de boca en boca inspira también la obra de Gabriel Baggio, artista que creció observando cómo su abuelo fabricaba utensilios de madera para que su abuela amasara las pastas.

“Belleza y felicidad” se leía en letras doradas sobre la vidriera de un local de Almagro, que funcionó como abrigo poético de artistas durante los primeros años del nuevo milenio. Aquel mítico espacio creado por Cecilia Pavón y Fernanda Laguna fue transformado en Belleza y Felicidad Fiorito, un proyecto social y educativo que funciona desde 2003 en Villa Fiorito. La pandemia profundizó ese rol: se crearon alianzas con otras organizaciones para ampliar el comedor y la información sobre higiene y violencia de género.

El trabajo de Laguna fue citado entre los proyectos artísticos difundidos el año pasado desde las plataformas virtuales del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, cuando la pandemia obligó a cerrar sus puertas. Las reabrió con sus espacios comunes intervenidos por otro emprendimiento grupal liderado por Diana Aisenberg, artista confiada en que “todo lo que está suspendido por obra del trabajo colectivo, es refugio”.

“Estos acercamientos a distintos modos de observar y actuar junto a las comunidades -señaló el Moderno- parecen confirmar que, en el camino hacia la vida colectiva que planeamos, el arte es una de las mejores formas de forjar lazos duraderos sobre la base de nuevas sensibilidades, diálogos profundos y fantasías de nuevos mundos posibles”.

Marta Minujín: «El arte está por encima de la política»

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Fuente: Cronista ~ Marta Minujín llegó a París con menos de 20 años. Fue a principio de la década del ’60 cuando atravesó el océano gracias a una serie de becas ganadas para instalarse en el que era en ese momento centro neurálgico del arte mundial. Vivió en condiciones lamentables -durante un periodo pernoctó en un piso sin baño y utilizaba los baños públicos de la calle-, con poco dinero, invirtiendo solo en materiales.

Pese a la temprana edad Minujín produjo en Francia obras que sentarían las bases estilísticas de toda su producción hasta el día de hoy. El colchón como material para sus esculturas nació en aquella época. Hoy, a 60 años de esa experiencia, la artista vuelve a presentar una de sus esculturas blandas, tal como las bautizó, en la Fundación Santander.

«Implosión» es una pequeña exhibición compuesta por tres obras site specific de todo lo que es capaz Minujín: la artesanía de manipular colchones para darle formas orgánicas, el manejo de la pintura para confeccionar la estampa de líneas rectas en colores estridentes, el trabajo del hierro y la incorporación de tecnología a sus obras.

Conceptos entrelazados (2021) es una de sus clásicas esculturas herederas de los trabajos con colchones realizada a partir de la superposición de telas rellenas en formas orgánicas. Hay que contemplarla de lejos, rodearla, detenerse en las distintas estampas que forman las composiciones de tiras.

En frente se ubica Arte inmersivo (2021), «una suerte de galería blanda virtual», escribe Rodrigo Alonso en el texto curatorial que acompaña la muestra. En las paredes y el piso de un recinto cerrado se proyectan las franjas de colores de los colchones, giran de un lado para otro mientras de fondo suena una música minimalista.

Lo más interesante de la exhibición se ubica en el patio de la torre que alberga la sede central del banco Santander. Autorretrato mediático (2021) reproduce en caños pintados en dorados la cara de Minujín. Marta deja los colchones y las tiras pintadas para manipular el hierro y conseguir originalidad sin correrse de sus rasgos estilísticos vigentes desde la década del 60. La obra se completa con una activación digital, una especie de aplicación Tinder que ideó la artista que conformará un mapa de almas a medida que los usuarios realizan un cuestionario que determina el color de su alma.

«Siempre me interesó muchísimo el público. Hay artistas a los que no les interesa tanto qué le pasa a la gente, pero la mitad de mi vida siempre traté de meter a la gente dentro de mi obra y que la gente se convirtiese en mi obra», recordó la artista en diálogo con la prensa el día de la inauguración.

Marta busca con sus obras «despejar de su vida cotidiana» a las personas, «que tengan un éxtasis con el arte, por eso siempre pienso que el arte está por encima de la política y de todo. Es un trabajo con el espíritu y con la mente».

Respetando los protocolos vigentes, la exposición podrá ser visitada a partir del 8 de abril reservando lugar a través de la web de la Fundación Santander.

Jesús María recibe a pintores paisajistas del país

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Fuente: El Diario de Carlos Paz ~ La temática de esta edición será la identidad de la ciudad, con el arte al aire libre como protagonista.

La Municipalidad de Jesús María, a través de la Dirección de Cultura, invitó a artistas a participar del 16º Encuentro de Pintores Paisajistas 2021, que se realizará del viernes 23 al domingo 25 de abril, en el Museo de la Ciudad Luis Biondi.

“Construyendo nuestra identidad”, es la temática de esta nueva edición, que invita a pintores de todo el país a recrear lugares y paisajes que forman parte de la identidad histórica, cultural y natural jesusmariense.

Los participantes van a tener la posibilidad de realizar sus obras en lugares elegidos por ellos mismos, con la técnica y el lenguaje que prefieran. Así, los vecinos podrán ser testigos de esta experiencia de arte al aire libre.

Cómo participar

Los artistas interesados en participar tienen que inscribirse por mail a culturajm0@gmail.com Pueden hacerlo el 17 de abril de 2021, en esa fecha recibirán una ficha de pre-inscripción para completar y el reglamento.

Los requisitos también se podrán consultar por teléfono fijo al (03525) 443703, o por WhatsApp al (3525) 539012, de lunes a viernes de 8:00 a 13:00 horas.

“No pienso alejarme de la pintura, voy a pintar hasta que la vida me lo permita”

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Fuente: Norte ~ Schenone es nacido en Corrientes, pero vivió y se desarrolló del otro lado del río. “Sólo permanecí alrededor de ocho años en mi provincia natal de forma alternada cuando era niño” contó en una entrevista, donde abrió las puertas de su taller para que podamos conocer sobre su vida y que hay detrás de los pinceles y lápices de este artista. Si algo no puede faltar en sus obras son los colores, la vida y la impecable determinación en la técnica.

Su última muestra está exhibida en Corrientes, pero asegura que: “No pienso alejarme de la pintura, voy a pintar hasta que la vida me permita”. En la Sala “José Negro” del Museo Provincial de Bellas Artes “Doctor Juan Ramón Vidal”, se habilitó “Mi Tierra profunda, llena de magia y color”; la misma reúne un conjunto de 54 obras que podrán ser visitadas hasta el 25 de abril.

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Rodolfo, nacido en Corrientes y criado en el Chaco, es un artista que dejará un trazo en la cultura chaqueña.

La exhibición estaba programada para el año pasado, sin embargo, la pandemia le impuso nuevos tiempos. “La gente se podrá encontrar con la temática que me caracterizó toda la vida”, señaló y explicó que quienes asistan se encontrarán con paisajes y personajes típicos de Formosa, Santiago del Estero, Chaco y Corrientes que llevó a sus lienzos en los últimos tres años.

“No son copias exactas de la realidad, sino recreaciones de lugares que conozco y luego pinto”, detalló el artista que hasta la fecha sigue produciendo en su taller de Resistencia y resalta que “hay muchos artistas que recrean una fotografía, es una copia de la realidad y no dejan que su talento fluya”.

Sobre su forma de concebir una obra y su técnica, Rodolfo cuenta: “Puedo hacer varias intervenciones y cambios sobre un cuadro antes de terminarlo, y siempre trabajo con uno solo a la vez”. Un cuadro lo puede pintar en cuatro días, dependiendo los detalles y lo grande que sea el tamaño del lienzo. Sobre su estilo artístico indica que es expresionista y que el material con el que se siente mas cómodo es con el óleo.

“Mi temática de siempre fue retratar la región en la que vivimos con sus inmensos montes, campos, ríos o lagunas; y sobre todo al habitante de esta tierra pródiga en recursos espirituales y sociales que nos proporciona un motor de vida y determina nuestro carácter idiosincrásico. Lo siento como si el hombre debería fundirse con la naturaleza de su entorno, para tratar de eternizar su espíritu y así conseguir una realidad transformadora y liberadora a la vez. A veces, en épocas, mi pintura fue más descriptiva, otras más sintética, nunca totalmente abstracta desde la forma, pero sí con un entramado simbólico apoyado en esencialidades”, destacó Rodolfo.

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Los colores, uno de los rasgos más característicos de Schenone.

“En mi largo quehacer como pintor, mis motivaciones existenciales, me permitieron estar diariamente en el quehacer de elaborar mis obras, a través de sus formas y colores, auxiliado por la técnica, y transmitir las esencialidades de la vida de esta nuestra tierra nativa que nos brinda identidad. Me esfuerzo por lograr, con amplia libertad de espíritu, un lenguaje visual que contenga sustancialidad metafísica alimentada por nuestras virtudes, sufrimientos, esperanzas, pasiones, esforzadas ideas o desalientos, motivadas en este caso, por una exaltación de orden telúrico. Con esas herramientas de expresión estilística, fui elaborando recursos en una labor y experiencia de más de 65 años de pintor” relata Rodolfo y reconoce que las frustraciones siempre están presentes, que si bien con el tiempo fueron disminuyendo pero nunca son perfectas sus obras; además contó que una vez quemo 50 cuadros porque no le gustaron como quedaron pero una vez pasada esa crisis continuo pintando y demostrando su arte.

Rodolfo habla de todo abiertamente, desde las nuevas generaciones y su afán de mostrar siempre cuadros libres, sin técnicas por detrás, hasta los grandes nombres que muchas veces no aceptan criticas y que no definen un estilo.

En cada una de sus obras, en los detalles de sus trazos, en la prolijidad y combinación de colores hay vida y un poco de la impronta de Rodolfo que sigue siendo grande entre los grandes, compañero de artistas, docentes de nuevas generaciones y siempre dispuesto a dar un consejo a quienes recorren el camino del dibujo y la pintura con humildad. Con respecto a como le gustaría que le recuerde, Schenone sentencia: “Como buen pintor, pero sobre todo como buena persona” finaliza.

El cuadro escondido bajo una pintura de Pablo Picasso que «reapareció» con inteligencia artificial

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Fuente: Cronista ~ Una obra de arte que estuvo oculta bajo el cuadro de Pablo Picasso «La pobreza agazapada» durante casi 120 años fue recreada por científicos del colectivo Oxia Palus, quienes utilizaron inteligencia artificial para reconstruir la imagen con detalle y color mediante un mapa de altura tridimensional que permite volver a aplicar la pintura sobre el lienzo de forma que se capte la textura y el aspecto del estilo del artista, mediante una técnica pendiente de patente.

El proyecto es resultado del trabajo de dos estudiantes de doctorado de la Universidad de Londres, Anthony Bourached y George Cann, que hacen uso de aprendizaje automático, redes profundas y algoritmos de transferencia de tipo neuronal desarrollados por investigadores de la Universidad de Tübingen (Alemania) para analizar radiografías fantasmales de obras de arte sobrepintadas, informó la cadena de televisión alemana Deutsche Welle.

En 2018, los investigadores utilizaron un instrumento de imagen de fluorescencia de rayos X para revelar una imagen tenue del paisaje cubierto y los historiadores del arte sospechan que se trata de una pintura de un parque cercano a Barcelona realizada por Santiago Rusiñol, amigo de Picasso y líder del movimiento modernista catalán.

La recreación fue realizada por Oxia Palus, un colectivo artístico que utiliza inteligencia artificial para descubrir obras maestras perdidas y la metodología empleada para recrear homenajes exactos a una nueva clase de bellas artes ha sido bautizada como estilo NeoMaster, que utiliza el proceso «neomástico» de este grupo.

Al resucitar esta obra escondida, explicaron que se tomaron como referencia muchos cuadros que definen el estilo de la obra de Rusiñol. La profundidad, el grosor y la longitud aproximada de todas y cada una de las pinceladas se han reintegrado en una plasmación de lo que se perdió en el tiempo.

«A medida que utilicemos más IA para acelerar la identificación y reconstrucción de obras de arte perdidas de importancia crítica, tendremos un impacto muy significativo a la hora de permitir una mejor comprensión de la historia entrelazada del arte y la sociedad», explicó el cofundador de Oxia Palus, George Cann.

Hasta el momento, este colectivo ha generado imágenes en color de 20 pinturas perdidas, que antes solo se veían a través de rayos X. El siguiente paso fue utilizar la tecnología de impresión 3D para producir lienzos con textura de las pinturas perdidas con pinceladas realistas.